COMMON

Lonnie Rashid Lynn (né le 13 mars 1972), connu sous le nom de scène de Common (anciennement Common Sense ), est un rappeur, acteur et militant américain. Lauréat de trois Grammy Awards , d’un Oscar , d’un Primetime Emmy Award et d’un Golden Globe , il signe avec le label indépendant Relativity Records à l’âge de 20 ans. Ce label produit ses trois premiers albums studio : * Can I Borrow a Dollar? * (1992), *Resurrection* (1994) et *One Day It’ll All Make Sense* (1997). Il conserve un public underground jusqu’à la fin des années 1990 et accède au succès commercial grâce à sa collaboration avec le collectif de musique noire Soulquarians.

Après avoir signé un contrat avec une grande maison de disques , il a sorti ses quatrième et cinquième albums, Like Water for Chocolate (2000) et Electric Circus (2002), qui ont reçu un accueil critique toujours aussi favorable et un succès commercial modeste. Il a participé en tant qu’invité au single de 2003 d’ Erykah Badu , membre du label Soulquarian, « Love of My Life (An Ode to Hip-Hop) », qui est devenu son meilleur classement — à la neuvième place — au Billboard Hot 100 et a remporté le Grammy Award de la meilleure chanson R&B lors de la 45e cérémonie des Grammy Awards . Il a signé avec le label GOOD Music du rappeur de Chicago Kanye West , en collaboration avec Geffen Records , pour sortir ses sixième et septième albums, Be (2005) et Finding Forever (2007). Les deux albums furent nommés aux Grammy Awards dans la catégorie Meilleur album rap . Le second fut son premier album à se classer numéro un du Billboard 200 et contenait le titre « Southside » (en featuring avec Kanye West), récompensé par le Grammy Award de la Meilleure performance rap d’un duo ou d’un groupe lors de la 50e cérémonie des Grammy Awards . Son huitième album, Universal Mind Control (2008), reçut un accueil critique mitigé et fut son dernier opus avec GOOD.

Le label de Common, Think Common Entertainment, a été fondé en 2011 et s’est associé à Warner Bros. Records pour la sortie de son neuvième album, * The Dreamer/The Believer* (2011). Plus tard, il a collaboré avec ARTium Recordings (un label de Def Jam Recordings , filiale de No ID) pour la sortie de son dixième album, * Nobody’s Smiling * (2014). Ces deux albums ont été salués par la critique et ont approfondi les problématiques sociales de la communauté noire américaine . Son onzième album, * Black America Again* (2016), a rencontré un vif succès critique et a marqué sa dernière sortie sur un grand label. Après avoir signé avec Loma Vista , il a sorti son douzième album, *Let Love * (2019), son treizième album, *A Beautiful Revolution Pt. 1* (2020), et son quatorzième album, *A Beautiful Revolution Pt. 2* (2021), tous trois ayant reçu un accueil critique positif. Pour des collaborations, il a travaillé avec Karriem Riggins et Robert Glasper sur l’album August Greene (2018) sous le supergroupe du même nom , et avec Pete Rock sur l’album The Auditorium Vol. 1 (2024).

Lynn a remporté l’ Oscar de la meilleure chanson originale pour « Glory » (avec John Legend ), extraite du film Selma (2014), dans lequel il incarnait le militant des droits civiques James Bevel . Parmi ses autres films, on peut citer Smokin’ Aces (2006), Street Kings (2008), American Gangster (2007), Wanted (2008), Date Night (2010), Just Wright (2010), Happy Feet Two (2011), Now You See Me (2013), Run All Night (2015), John Wick : Chapitre 2 (2017), Smallfoot (2018), Alice (2022) et Fool’s Paradise (2023). À la télévision, il a incarné Elam Ferguson dans la série western Hell on Wheels (AMC) de 2011 à 2014 et tient un rôle secondaire dans la série de science-fiction Silo ( Apple TV+ ) depuis 2023. Sa chanson « Letter to the Free » a été composée pour le documentaire 13th (2017) réalisé par Ava DuVernay et diffusé sur Netflix , pour lequel il a remporté le Primetime Emmy Award de la meilleure musique et des meilleurs textes originaux . Il a fait ses débuts à Broadway dans la pièce Between Riverside and Crazy (2023), qui a remporté le prix Pulitzer de théâtre.

Lonnie Rashid Lynn est né le 13 mars 1972 à l’hôpital ostéopathique de Chicago, dans l’Illinois. Il est le fils de Mahalia Ann Hines, enseignante et ancienne directrice du lycée John Hope College Preparatory, et de Lonnie Lynn, ancien joueur de basketball de l’ABA devenu conseiller auprès des jeunes. Lynn porte le même prénom que son père, son grand-père, son arrière-grand-père et son arrière-arrière-grand-père. Sa famille et ses amis l’appellent Rashid, son deuxième prénom. Son parrain est le joueur de basketball Spencer Haywood, qui a été coéquipier de son père aux Denver Rockets.

Lynn a grandi dans le quartier de Calumet Heights. Son père a quitté le foyer familial en raison de ses problèmes de toxicomanie et d’alcoolisme alors que Lynn était jeune. À l’âge de deux ans, le père de Lynn a tenté de l’emmener, ainsi que sa mère, à Seattle , où il avait organisé un essai avec les Seattle SuperSonics. Il a été arrêté lorsque la famille s’est arrêtée dans un motel du Wisconsin et inculpé de séquestration.

Les parents de Lynn ont divorcé à la fin des années 1970, ce qui a conduit son père à déménager à Denver , dans le Colorado. Lynn a alors été élevé par sa mère ; cependant, son père est resté présent dans sa vie et lui a obtenu un emploi de ramasseur de balles pour les Chicago Bulls à l’âge de 11 ans, lui permettant également d’assister au premier match d’exhibition professionnel de Michael Jordan. Lynn a fréquenté l’université Florida A&M (FAMU) pendant deux ans grâce à une bourse et s’est spécialisé en administration des affaires mais n’a pas obtenu de diplôme.

La musique de Common a embrassé plusieurs styles, dont le hip-hop du Midwest , la néo-soul et le rap progressif.

Lynn a commencé à rapper à la fin des années 1980, alors qu’il était élève au lycée Luther High School South de Chicago. Avec deux amis, il a formé CDR, un trio de rap qui a fait les premières parties d’artistes comme NWA et Big Daddy Kane. Après la dissolution de CDR en 1991, Lynn a entamé une carrière solo sous le nom de scène Common Sense. Après avoir été présenté dans la rubrique « Unsigned Hype » du magazine The Source , il a fait ses débuts en solo en 1992 avec le single « Take It EZ », suivi de l’album Can I Borrow a Dollar ?.

Avec la sortie de Resurrection en 1994 , Common Sense a connu une reconnaissance critique bien plus importante, dépassant largement le cadre de la scène musicale de Chicago. L’album s’est relativement bien vendu et a reçu un accueil très positif de la part des fans de hip-hop alternatif et underground de l’époque. Resurrection fut le dernier album de Common Sense produit presque entièrement par son collaborateur de longue date, No ID , qui deviendra plus tard le mentor du jeune Kanye West.

En 1996, Common Sense figurait sur la compilation CD de la Red Hot Organization , * America Is Dying Slowly (AIDS)*, aux côtés de Biz Markie , du Wu-Tang Clan et de Fat Joe , parmi de nombreux autres artistes hip-hop de renom. Ce CD, destiné à sensibiliser les hommes afro-américains à l’ épidémie de VIH/SIDA , fut salué comme un « chef-d’œuvre » par le magazine *The Source* ^.  Il participa également à l’ album hommage à Fela Kuti de la Red Hot Organization , *Red Hot and Riot*, en 2002. Il collabora avec Djelimady Tounkara sur une reprise du titre de Kuti, « Years of Tears and Sorrow ».

La chanson « I Used to Love HER » de l’ album Resurrection a déclenché une querelle avec le groupe de rap West Coast Westside Connection . Les paroles critiquaient l’évolution du hip-hop, utilisant la métaphore de la femme pour l’illustrer, et ont été interprétées par certains comme une critique de la popularité du gangsta rap de la côte ouest . Westside Connection a d’abord répliqué avec la chanson « Westside Slaughterhouse » en 1995, dont les paroles disaient : « Used to love HER, mad cause I f*cked her ». « Westside Slaughterhouse » mentionnait également Common Sense, ce qui a poussé le rappeur à répondre avec le titre virulent « The Bitch in Yoo », produit par Pete Rock . Common Sense et Westside Connection ont continué à s’insulter mutuellement avant de finalement rencontrer Louis Farrakhan et de mettre fin à leur différend. Suite à la popularité de Resurrection , Common Sense a été poursuivi en justice par un groupe de reggae du comté d’Orange portant le même nom , et a été contraint de raccourcir son nom de scène à simplement Common.

Initialement prévu pour octobre 1996, le troisième album de Common, * One Day It’ll All Make Sense* , est finalement sorti en septembre 1997. Sa réalisation a nécessité deux ans et comprend des collaborations avec des artistes tels que Lauryn Hill , De La Soul , Q-Tip , Canibus , Black Thought , Chantay Savage et Questlove , futur membre du groupe Soulquarians . L’album, qui se démarque de toute référence au gangstérisme (en réponse aux interrogations sur son intégrité musicale), a été salué par la critique et lui a permis de signer un contrat avec le label MCA Records . Peu après la sortie de * One Day It’ll All Make Sense* , Common donne naissance à sa fille Omoye Assata Lynn.

Comme le relate la journaliste hip-hop Raquel Cepeda dans les notes de pochette de l’album, cet événement a eu un impact spirituel et mental profond sur Common et lui a permis de mûrir musicalement tout en devenant plus responsable en tant qu’artiste. Elle écrit :

Rashid a appris qu’il allait être papa dans environ huit mois. Abasourdi et désemparé, il devait prendre des décisions cruciales avec sa compagne, Kim Jones. Cette situation a donné naissance à son morceau préféré de l’album « One Day… » , qui aborde la question de l’avortement du point de vue masculin. « Retrospect for Life », produit par James Poyser et No ID, avec la participation de Lauryn Hill (dont l’accouchement était prévu le même jour que celui de Kim Jones), est la chanson phare du projet. Aujourd’hui, lors de la séance de mastering, Rashid écoute « Retrospect for Life » avec un enthousiasme débordant, comme s’il l’entendait pour la première fois. Tandis que L-Boogie chante le refrain avec puissance, il me confie : « Quand j’écoute cette chanson maintenant, je pense à la valeur inestimable de sa vie (celle d’Omoye) . »

Common aborde à plusieurs reprises l’éthique familiale dans son album One Day… , dont la pochette est ornée de vieilles photos de famille illustrant l’enfance du rappeur, ainsi que d’une citation de 1 Corinthiens 13:11 , qui résume le chemin vers la virilité :

Quand j’étais enfant, je parlais comme un enfant, je pensais comme un enfant, je raisonnais comme un enfant. Devenu adulte, j’ai abandonné ces comportements enfantins.

Après One Day… , Common a signé un contrat avec le label MCA Records et a quitté Chicago pour New York en 1999. Il a commencé à enregistrer presque exclusivement avec un collectif informel de musiciens et d’artistes (surnommé les  » Soulquarians  » par Questlove , figure centrale ) tout au long de l’année 1999, et a fait quelques apparitions sporadiques en tant qu’invité sur Things Fall Apart de The Roots et sur la compilation Soundbombing 2 de Rawkus Records .

En 2000, son quatrième album, Like Water for Chocolate , sort et rencontre un succès critique retentissant. Produit par Questlove et bénéficiant d’importantes contributions de J Dilla (qui signe tous les titres à l’exception de « Cold Blooded », « Geto Heaven Part II », « A Song For Assata », « Pop’s Rap Part 3…All My Children » et « The 6th Sense », produit par DJ Premier ), Like Water for Chocolate marque un tournant commercial considérable pour Common, lui valant son premier disque d’or et élargissant considérablement son public, tant critique qu’auditeur.

Originaires tous deux de la région des Grands Lacs aux États-Unis (Chicago et Detroit respectivement), Common et J Dilla ont très tôt sympathisé. Tous deux sont devenus membres du collectif Soulquarians et ont collaboré sur de nombreux projets, plaçant même le titre « Thelonius » sur l’ album Fantastic, Vol. 2 de Slum Village et sur Like Water for Chocolate de Common . Alors que la santé de Dilla commençait à décliner en raison d’une néphrite lupique , il s’est installé à Los Angeles et a proposé à Common de le rejoindre en colocation (Dilla succombera plus tard à cette maladie rare).

Cet album a permis à Common d’explorer des thèmes (musicaux et textuels) inhabituels pour un disque de hip-hop, comme dans la chanson « Time Travelin’ (A Tribute To Fela) », un hommage à la légende de la musique nigériane et militant politique Fela Kuti . Le single le plus populaire de l’album, « The Light », a été nominé aux Grammy Awards .

En 2002, Common sort son cinquième album, Electric Circus . Très attendu, l’album est salué par de nombreux critiques pour son ambition. Cependant, son succès commercial est moindre que celui de son précédent opus, Like Water for Chocolate , avec moins de 300 000 exemplaires vendus. Album éclectique, Electric Circus fusionne plusieurs genres tels que le hip-hop, la pop, le rock, l’électro et la neo-soul. Le style de l’album divise la critique : certains louent son ambition, tandis que d’autres la critiquent pour la même raison. La plupart des critiques portent sur le caractère expérimental de l’album ; certains estiment que Common s’est trop éloigné de son style habituel. Il s’agit du deuxième et dernier album de Common chez MCA, et de la dernière sortie du label avant son rachat par Geffen Records.

À cette époque, Common a participé en tant qu’invité à l’album Love for Sale du chanteur Bilal , également membre du label Soulquarian , en enregistrant une reprise du morceau « Sorrow, Tears & Blood » de Fela Kuti (1977). Bilal a également figuré sur Electric Circus , la première d’une longue série de collaborations avec Common.

Début 2004, Common fait une apparition sur le premier album multi-platine de son compatriote de Chicago, Kanye West, intitulé * The College Dropout * (sur le titre « Get Em High »), et annonce sa signature chez GOOD Music , le tout nouveau label de West . Ce dernier est un fan de longue date de Common, et les deux artistes participent même à un amical battle de MC en direct à la radio. West y taquine son idole, lui reprochant de s’être « ramolli » et de porter des pantalons en crochet (comme dans le clip de « Dance for Me » de Mary J. Blige ). Ils collaborent ensuite sur l’album suivant de Common, *Be* , presque entièrement produit par Kanye West, avec la participation de James Yancey (J Dilla), collaborateur de longue date de Common et également apprécié de West. L’album sort en mai 2005 et rencontre un franc succès, notamment grâce à la contribution de Kanye et aux singles « The Corner » et « Go ». L’album « Be » a valu à Common son deuxième disque d’or, avec des ventes avoisinant les 800 000 exemplaires. Le magazine The Source lui a attribué la note quasi parfaite de 4,5 micros, le magazine XXL lui a décerné sa note maximale de « XXL », et AllHipHop lui a attribué 4 étoiles. L’album a également été nominé pour quatre Grammy Awards en 2006.

Suite à la sortie de Be en 2005, plusieurs artistes métis de la scène hip-hop britannique ont contesté les propos de Common sur les relations interraciales dans la chanson « Real People ». Yungun , Doc Brown et Rising Son ont enregistré un morceau sur une version instrumentale de « The Corner » intitulé « Dear Common (The Corner Dub) ». Common affirme avoir entendu parler de ce morceau, mais ne l’avoir jamais écouté, et n’a pas réagi en chanson.

Le septième album de Common, intitulé Finding Forever, est sorti le 31 juillet 2007. Pour cet album, il a poursuivi sa collaboration avec Kanye West , ainsi qu’avec d’autres producteurs tels que Will.i.am , Devo Springsteen , Derrick Hodge et Karriem Riggins , et a également produit le seul titre de l’album, « So Far To Go », sous la direction de J Dilla . L’album comprend des collaborations avec des artistes comme Dwele , Bilal , D’Angelo et la jeune star de la pop britannique Lily Allen . Le premier single extrait de l’album était « The People » / « The Game ». West avait prédit que Finding Forever remporterait le Grammy Award du meilleur album rap en 2008. L’album était nominé dans cette catégorie, mais n’a pas remporté le prix, s’inclinant face à Graduation de West . Common a cependant remporté son deuxième Grammy pour « Southside », qui a reçu le Grammy Award de la meilleure performance rap par un duo ou un groupe en 2008. Le 31 juillet 2007, Common a donné un concert gratuit à Santa Monica, en Californie, sur la 3rd Street Promenade, pour promouvoir la sortie de son album « Finding Forever » . Il a expliqué au public que le titre « Finding Forever » symbolisait sa quête d’une place indélébile dans le hip-hop et son désir de se consacrer à l’art toute sa vie. L’album s’est classé numéro un du Billboard 200 dès sa sortie .

Dans une interview accordée à XXL en août 2007 , le rappeur Q-Tip du groupe A Tribe Called Quest a déclaré que lui et Common formaient un groupe appelé « The Standard » et prévoyaient d’enregistrer un album produit par Q-Tip ; cependant, ce projet n’a jamais abouti.

Common a joué un rôle déterminant dans le rapprochement des scènes hip-hop transatlantiques en signant les Britanniques Mr. Wong et J2K sur le label Getting Out Our Dreams de Kanye West. Common les avait rencontrés lors de sa tournée au Royaume-Uni plus tôt dans l’année. On suppose que cet accord vise non seulement à fusionner les genres hip-hop britannique et américain, mais aussi à rivaliser avec le succès transatlantique de Syco Music et de Leona Lewis. Il a également un contrat avec les lecteurs MP3 Zune. En 2008, Common a engrangé environ 12 millions de dollars, égalant ainsi les revenus d’ Eminem et d’Akon et se classant 13e artiste hip-hop le plus lucratif.

Le huitième album du rappeur de Chicago Common devait initialement sortir le 24 juin 2008 sous le titre « Invincible Summer » , mais il a annoncé lors d’un concert à l’Université Temple qu’il le rebaptiserait « Universal Mind Control » . La date de sortie a ensuite été repoussée au 30 septembre 2008 en raison du tournage du film « Wanted » . Fixée au 11 novembre 2008, elle a finalement été repoussée au 9 décembre 2008.

Le premier single éponyme de l’album , « Universal Mind Control », est sorti officiellement le 1er juillet 2008 sur l’iTunes Store américain, dans le cadre de l’EP « The Announcement » (vendu sous le même titre au Royaume-Uni). Ce morceau est un featuring avec Pharrell Williams, qui en est également le producteur. L’EP « The Announcement » comprenait un titre supplémentaire intitulé « Announcement », également en featuring avec Pharrell Williams. Le clip du premier single a été tourné en septembre par le réalisateur Hype Williams. En 2009, Common a figuré en bonne place sur le premier album de Kid Cudi , Man on the Moon: The End of Day , signé chez GOOD Music, en tant que narrateur et artiste invité. Fin 2009, il a été révélé que Common était nominé pour deux Grammy Awards lors de la 52e cérémonie : Meilleure performance rap d’un duo ou d’un groupe pour « Make Her Say », aux côtés de Kid Cudi et Kanye West, et Meilleur album rap pour « Universal Mind Control ».

Le producteur américain No ID a déclaré que lui et Kanye West produiraient l’album de Common, The Dreamer/The Believer. En juillet 2011, il a été annoncé que No ID serait le seul producteur de l’album. Common a fait une apparition sur le dernier album des Jonas Brothers , Lines, Vines and Trying Times, en tant que rappeur invité sur la chanson « Don’t Charge Me for the Crime » du groupe, sortie en 2009.

Le 6 juillet 2011, Common sort son premier single, intitulé « Ghetto Dreams », extrait de son prochain album. Un deuxième single, « Blue Sky », sort le 4 octobre 2011. Le 20 décembre 2011, Common sort son neuvième album solo, intitulé The Dreamer, The Believer . Bien qu’il ait quitté GOOD Music en 2011, Common figure sur la première compilation du label, Cruel Summer , sortie en 2012. Common sort un morceau intitulé « Sweet », extrait de The Dreamer/The Believer , dont les paroles critiquent les rappeurs qui chantent, même si cette critique ne vise pas spécifiquement l’artiste canadien Drake. Drake se sent offensé et répond en sortant « Stay Schemin’ », un morceau avec Rick Ross et French Montana. Les fans de Common n’ont eu à attendre que deux jours et demi pour qu’il réponde au morceau clash de Drake . Le 13 février 2012, Common a commenté la querelle en déclarant : « C’est terminé. Mais tout cela fait partie de l’art du hip-hop. Il m’a dit des choses, alors je me suis senti obligé de répondre… Je ne dirais pas que c’est lui qui a commencé, mais j’ai entendu quelque chose qui, à mon sens, m’était adressé, alors j’ai réagi. C’est tout. Mais vous savez, Dieu merci, nous avons pu passer à autre chose et tout va bien. »

Après une année 2012 discrète, Common a annoncé la sortie d’un EP en janvier 2013 et de sa première mixtape en avril. En février 2013, il a annoncé la sortie de son dixième album solo en septembre 2013, avec une collaboration avec Kanye West et des productions de Kanye West et No ID. Le 8 septembre 2013, il a donné des nouvelles de ses projets, précisant que l’EP annoncé précédemment sortirait prochainement et inclurait un titre avec Vince Staples , nouvelle recrue du label Def Jam . Il a également indiqué à HipHopDX que son dixième album solo sortirait début 2014.

Le 6 janvier 2014, Common annonçait la sortie de son dixième album studio, intitulé Nobody’s Smiling , entièrement produit par son collaborateur de longue date, No ID. Cet album, initialement prévu comme un EP, devait accueillir des collaborations avec Vince Staples , James Fauntleroy et de nouveaux artistes de Chicago. Le concept de l’album s’inspirait de sa ville natale, Chicago, en proie aux troubles : « On a imaginé ce concept, “personne ne sourit”. C’est une idée qui nous est venue face à la violence qui sévit à Chicago », expliquait-il. « Ça arrive à Chicago, mais ça arrive partout dans le monde, sous différentes formes. » Il poursuivait : « On parlait de la situation actuelle quand j’ai dit “personne ne sourit”. Mais c’est surtout un appel à l’action. ». Le 4 juin 2014, Common annonçait avoir signé un contrat d’enregistrement avec Def Jam Recordings et Artium Records, le label de No ID. Il a également été annoncé que Nobody’s Smiling sortirait le 22 juillet 2014. Lonnie « Pops » Lynn devait également figurer sur cet album, mais l’enregistrement a été annulé en raison de la dégradation de sa santé. Un enregistrement a néanmoins été réalisé et est en cours de publication sur Dirty Laboratory Productions, avec une production d’ AwareNess . En 2016, Common a sorti son onzième album studio, intitulé Black America Again , sous le label Def Jam Recordings . L’album comprend des collaborations avec Stevie Wonder , Bilal , Marsha Ambrosius , BJ The Chicago Kid , John Legend , PJ , Syd, Elena et Tasha Cobbs . Il a été principalement produit par Karriem Riggins, avec la participation de nombreux autres collaborateurs, dont Robert Glasper .

En 2018, Common annonça la formation d’un groupe de jazz nommé August Greene avec Karriem Riggins et Robert Glasper . Peu après, un album d’ August Greene sortit en partenariat avec Amazon Music . Cet album comprenait des collaborations vocales (créditées et non créditées) avec le chanteur Samora Pinderhughes et la chanteuse primée Brandy Norwood sur deux titres : « Optimistic » et « Time ». Le 30 août 2019, Common sortit son douzième album studio solo, intitulé Let Love , produit par Loma Vista Recordings et Concord Records . L’album comprend des apparitions de Samora Pinderhughes , Daniel Caesar , Swizz Beatz , Leikeli47 , BJ the Chicago Kid , A-Trak , Jill Scott , Leon Bridges et Jonathan McReynolds. La production de l’album a été principalement assurée par Karriem Riggins et la chanson intitulée « HER Love » (avec Daniel Caesar ) a été produite par J. Dilla .

En 2020, Common a sorti un album de neuf titres intitulé A Beautiful Revolution Pt. 1. L’album comprend la participation de la chanteuse PJ sur sept titres ainsi que des collaborations vocales avec Black Thought et Lenny Kravitz . En 2021, il a sorti une suite, A Beautiful Revolution Pt. 2 , avec des collaborations vocales de Jessica Care Moore , PJ, Black Thought, Seun Kuti , Marcus King , Isaiah Sharkey , Brittany Howard et Morgan Parker . La production des deux albums a été assurée principalement par son collaborateur de longue date, Karriem Riggins , avec la participation de divers autres producteurs en tant que musiciens de studio.

Le 1er août 2023, Common a été présenté dans l’édition spéciale 50e anniversaire du hip-hop de Men’s Health aux côtés de Method Man , Wiz Khalifa , Ludacris , Busta Rhymes et 50 Cent.

En 2024, il a été annoncé que Common sortirait un album collaboratif avec Pete Rock intitulé The Auditorium Vol. 1 , et le premier single de l’album, « Wise Up », a été dévoilé. Depuis, l’album a été nominé pour le Grammy Award du meilleur album rap de l’année et a cumulé des millions d’écoutes sur Spotify.

En 2003, Common apparaît dans la sitcom américaine Girlfriends , diffusée sur UPN . Dans l’épisode « Take This Poem and Call Me in the Morning », il interprète Omar, un poète slam en compétition avec Sivad (joué par Saul Williams ) pour conquérir le cœur de Lynn Searcy (interprétée par Persia White ). Il fait également une apparition dans un épisode de One on One , également sur UPN , où il joue Darius, un professeur d’art dramatique. On le retrouve aussi dans la série Scrubs, diffusée sur ABC . En 2007, Common partage l’affiche avec Ryan Reynolds , Jeremy Piven et Alicia Keys dans le film policier Smokin’ Aces , marquant ses débuts au cinéma dans le rôle de Sir Ivy, un homme de main de la mafia . La même année, il apparaît aux côtés de Denzel Washington , Russell Crowe , The RZA et T.I. dans le thriller American Gangster . Le 20 janvier 2007, une semaine avant la première de Smokin Aces , il est apparu dans un sketch de Saturday Night Live, jouant son propre rôle. L’émission était présentée par Piven, sa partenaire dans Aces .

En 2007, Common a joué le rôle du petit ami d’ Alicia Keys , sa partenaire dans le film Smokin’ Aces , dans le clip vidéo  » Like You’ll Never See Me Again « .

En 2008, il a tenu un rôle secondaire dans l’adaptation cinématographique de la bande dessinée Wanted, aux côtés de Morgan Freeman et Angelina Jolie . Common est également apparu dans le film Street Kings avec Keanu Reeves , Hugh Laurie , The Game et Forest Whitaker . Il a aussi joué dans le film Just Wright (2010) , incarnant un joueur de basket-ball qui tombe amoureux de sa kinésithérapeute, Queen Latifah. Il a fait une apparition dans Terminator Salvation (2009) , dans le rôle de Barnes, le lieutenant de John Connor.

En 2009, Common a été choisi pour incarner John Stewart/Green Lantern dans le film non produit Justice League : Mortal .

Common a incarné un flic corrompu dans la comédie de 2010, Date Night, avec Steve Carell et Tina Fey . Il a également joué le rôle de Chino, un soldat déployé, dans New Year’s Eve (2011) , l’époux du personnage interprété par Halle Berry , l’infirmière Aimee.

Il faisait partie de la distribution de la série Hell on Wheels d’AMC , dans le rôle d’un des personnages principaux, Elam Ferguson, un esclave récemment libéré qui tente de trouver sa place dans le monde.

En 2013, Common a incarné l’agent Evans, un agent du FBI, dans le film <i>Insaisissables</i>, aux côtés de Mark Ruffalo, Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Isla Fisher et Dave Franco. En 2014, dans le film <i>Selma</i> , pour lequel il a également co-écrit la chanson oscarisée « Glory », Common a interprété le rôle de James Bevel , figure emblématique du mouvement des droits civiques des années 1960. En 2015, il a joué un tueur à gages dans <i>Run All Night </i>.

Common a incarné un gangster dans le film Suicide Squad (2016) , réalisé par David Ayer et appartenant à l’ univers étendu DC.

En décembre 2015, Common est apparu dans l’ émission spéciale de NBC The Wiz Live!, dans le rôle du videur gardant la Cité d’Émeraude .

En 2016, il a joué dans le film Barbershop : The Next Cut , aux côtés de son ancien rival Ice Cube .

En février 2017, il est apparu à nouveau aux côtés de Keanu Reeves, cette fois dans le rôle de Cassian, tueur à gages/garde du corps professionnel, dans John Wick : Chapitre 2 .

En août 2017, Common a commencé à prêter sa voix à Kiburi le crocodile dans La Garde du Lion de Disney Junior.

Common a donné la réplique à Mary Elizabeth Winstead dans le premier long métrage d’ Eva Vives , All About Nina , présenté en avant-première mondiale au Festival du film de Tribeca 2018. Ce rôle majeur, qui l’a révélé au grand public, lui a valu de nombreuses éloges de la critique ( Peter Debruge de Variety qualifiant sa performance de « sans conteste la plus marquante des six seconds rôles qu’il a tenus cette année »). La même année, il a incarné le contre-amiral John Fisk dans le thriller d’action Hunter Killer.

En 2018, Common a joué dans l’ adaptation cinématographique de The Hate U Give , incarnant l’oncle de Starr, Carlos, un policier noir contraint de défendre son collègue impliqué dans la fusillade d’un adolescent noir.

En septembre 2022, il a été annoncé que Common ferait ses débuts à Broadway dans Between Riverside and Crazy du Second Stage Theater durant l’hiver 2022.

Le 27 octobre 2015, Common a signé un contrat de deux ans avec HBO lui permettant de fonder sa propre société de production cinématographique, Freedom Road Productions. Il avait déclaré dans une interview en février 2012 que l’un de ses principaux objectifs professionnels était de créer sa propre société de production cinématographique.

En 2016, Common a également travaillé avec Amazon Studios et American Girl , en tant que producteur exécutif du long métrage sorti directement en vidéo An American Girl Story – Melody 1963: Love Has to Win.

En 2006, Common a posé pour les photos de la collection automne de The Gap , apparaissant sur les affiches en magasin. Plus tard dans l’année, il s’est produit lors de l’événement Peace Love Gap de The Gap, intitulé « Holiday in Your Hood ». En février 2007, Common a signé un contrat avec New Era pour promouvoir leur nouvelle gamme de casquettes Layers. Il est également la vedette d’une publicité télévisée pour le Lincoln Navigator 2008 et apparaît dans le jeu NBA 2K8, en mode NBA Blacktop. À l’automne 2008, Common est apparu dans une publicité pour le Zune de Microsoft , comparant sa nouvelle chanson, « Universal Mind Control », à « Planet Rock », un morceau du pionnier du hip-hop Afrika Bambaataa. Il a également figuré dans la campagne Diesel pour un nouveau parfum appelé « Only The Brave ». Sa chanson « Be (intro) » est utilisée dans une publicité pour BlackBerry depuis janvier 2011 .

En décembre 2008, Common a lancé une nouvelle ligne de vêtements en partenariat avec Microsoft, intitulée « Software », inspirée de l’informatique des années 1980.

Common a été invité par la Première dame Michelle Obama à participer à une lecture de poésie le 11 mai 2011 à la Maison Blanche. Sa poésie s’est révélée fortement influencée par l’œuvre de Maya Angelou . Cette invitation a provoqué la colère de la police d’État du New Jersey et de son syndicat, qui ont cité certains textes antérieurs de Common, notamment la chanson « A Song For Assata » consacrée à Assata Shakur , membre de la Black Liberation Army (et belle-tante du rappeur Tupac Shakur, décédé ), condamnée en 1977 pour le meurtre au premier degré du policier d’État du New Jersey Werner Foerster. Lors d’une autre lecture de poésie, Common avait déclaré : « Des tracts disent “Libérez Mumia” sur mon congélateur », en référence à Mumia Abu-Jamal , qui a assassiné l’agent de police de Philadelphie Daniel Faulkner en 1981.

Jay Carney , alors porte-parole de la Maison-Blanche , a déclaré que le président Obama s’opposait à ces paroles en particulier, mais soutenait plus généralement les valeurs défendues par Common. Common a répondu : « J’imagine que Sarah Palin et Fox News ne m’aiment pas. » Sur Facebook, il a également déclaré : « Ce qui ne devrait pas être remis en question, c’est mon soutien aux policiers et aux militaires qui nous protègent au quotidien. » Common a ensuite abordé le sujet avec Jon Stewart lors de son passage au Daily Show de Comedy Central le 14 septembre 2011.

En septembre 2011, Common a publié ses mémoires, One Day It’ll All Make Sense , aux éditions Atria Books. Le livre, qui détaille l’influence de sa relation étroite avec sa mère sur sa vie, est en partie narré par elle.

Common a publié ses deuxièmes mémoires, Let Love Have The Last Word , en mai 2019. Le livre met en lumière sa relation avec sa fille Omoye, ses relations amoureuses, ses parents et sa lutte pour consolider sa perspective sur le concept d’amour.

Common est végétalien et il soutient la cause animale et l’ association PETA. Il est apparu dans une publicité imprimée pour PETA intitulée « Réfléchissez avant de manger », et dans un documentaire intitulé Holistic Wellness for the Hip-Hop Generation où il a fait la promotion du végétarisme.

Common fait également partie du mouvement « Knowing Is Beautiful », qui soutient la sensibilisation au VIH/SIDA. Il apparaît dans le clip de « Yes We Can », une chanson de soutien à la candidature de Barack Obama , diffusée pour la première fois sur Internet le 2 février 2008. Common s’est engagé à ne plus utiliser de paroles homophobes dans sa musique.

Common est le fondateur de la Common Ground Foundation, une organisation à but non lucratif qui vise à donner aux jeunes défavorisés les moyens de devenir des citoyens engagés et des leaders inspirants. La fondation propose des programmes de développement du leadership et d’autonomisation, de soutien éducatif, d’expression créative, ainsi qu’un club de lecture. En 2014, Common Ground a inauguré le festival de musique AAHH! Fest à Union Park , à Chicago. Après une année d’interruption, AAHH! Fest a fait son retour en 2016, mais a été annulé une semaine avant le début des concerts en 2017. Une annonce officielle a indiqué que le festival reviendrait le 15 septembre 2018.

En 2017, Common a donné des concerts dans plusieurs prisons californiennes, ainsi que sur le terrain du Capitole de l’État de Californie. Cette tournée de concerts l’a incité à fonder Imagine Justice, une autre organisation à but non lucratif.

En mai 2020, face à la pandémie de COVID-19 , Common a lancé une campagne sur les réseaux sociaux via Imagine Justice, baptisée #WeMatterToo, en collaboration avec des dizaines de groupes de défense des droits et d’activistes. Cette campagne visait à attirer l’attention sur la menace que représente la pandémie pour les personnes incarcérées et à sensibiliser davantage le public aux conditions de vie des populations carcérales. Elle prévoit notamment la production de courts métrages incluant des enregistrements de détenus exprimant leur inquiétude quant à la propagation du coronavirus en prison.

Avec d’autres rappeurs et militants, Common est apparu dans le court métrage documentaire primé #Bars4Justice , tourné à Ferguson, dans le Missouri , et produit par le magazine Nation19. Common s’est produit avec Andra Day lors du concert d’ouverture de la Marche pour nos vies, un rassemblement contre la violence armée à Washington, D.C., le 24 mars 2018. Il a également chanté lors du 50e anniversaire de la mort de Martin Luther King à Memphis, lors d’un événement co-organisé par le syndicat UNITE HERE . Common a par la suite été accusé de participer à des actions anti-syndicales en franchissant un piquet de grève d’UNITE HERE à Boston.

Il a soutenu la campagne présidentielle de Kamala Harris en 2024 et s’est produit à la Convention nationale démocrate de 2024.

Le 4 mai 2019, Common a été l’orateur principal de la cérémonie de remise des diplômes de printemps à l’ Université agricole et mécanique de Floride (FAMU) et, après son discours, il a reçu un doctorat honorifique en beaux-arts.

Common a une fille, Omoye, née de sa relation avec son ex-fiancée Kim Jones. Omoye a obtenu son diplôme de droit à Howard en 2022.

Common a été en couple avec l’humoriste et actrice Tiffany Haddish de mi-2020 à novembre 2021. En 2022, lors du tournage du film Breathe , Common a rencontré la chanteuse et actrice Jennifer Hudson , avec qui il a ensuite entamé une relation.

Common est végétalien.

Il est un fan de longue date des Chicago Bulls et des Chicago Bears. Il est chrétien et fréquente l’église Trinity United Church of Christ à Chicago.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/14014-Common

NONA HENDRYX

Nona Bernis Hendryx (née le 9 octobre 1944) est une chanteuse, productrice de disques, compositrice, musicienne et auteure américaine. Hendryx est connue pour son travail en tant qu’artiste solo ainsi que pour être un tiers du trio Labelle , qui a eu un succès avec « Lady Marmalade ». En 1977, Hendryx a sorti son premier album solo éponyme, un échec commercial qui a entraîné la résiliation de son contrat d’enregistrement. Au début des années 1980, Hendryx a chanté avec le groupe de funk expérimental Material , obtenant le tube « Busting Out ».

Material a produit son deuxième album, Nona (1983), contenant le modeste tube « Keep It Confidential » (Top 30 des classements R&B et Dance). Le morceau « Transformation » est devenu une chanson emblématique d’Hendryx. En 1985, Hendryx a écrit et enregistré la chanson « Rock This House » nominée aux Grammy Awards avec Keith Richards, tirée de son quatrième album solo, The Heat (1985). Hendryx a ensuite enregistré le thème de Moving Violations et « I Sweat (Going Through the Motions) », un succès commercial pour Hendryx tiré du film Perfect de Jamie Lee Curtis . Elle a également participé au projet Artists United Against Apartheid avec le tube international « Sun City », issu de l’album du même nom . Le single « Why Should I Cry? » (1987) d’Hendryx, issu de son cinquième album, est devenu un hit du Top 10 des classements R&B. Elle a enregistré « Transparent » pour le film d’ Eddie Murphy de 1988 , Coming to America . Hendryx a reçu une nomination aux Emmy Awards en tant que compositeur de People: A Musical Celebration en 1996 pour la meilleure musique et les meilleures paroles.

Elle a également participé à la troisième saison de The L Word . Sa musique s’étend de la soul , du funk et du R&B au hard rock , à la new wave et au new age . Elle a déclaré dans une interview que son nom de famille s’écrivait à l’origine avec un « i » et qu’elle était une cousine éloignée du guitariste Jimi Hendrix

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Nona Bernis Hendryx, d’ origine afro-américaine , est née le 9 octobre 1944 à Trenton , dans le New Jersey. C’est là qu’elle rencontre Sarah Dash, originaire du même New Jersey , puis la chanteuse Patricia Holte (Patti LaBelle), originaire de Philadelphie . Après une brève collaboration avec les Del-Capris, Hendryx et Dash forment un groupe de chant avec Holte (ancienne chanteuse principale d’un groupe féminin de Philadelphie appelé The Ordettes). En 1961, Cindy Birdsong , originaire de Camden, dans le New Jersey, devient la quatrième membre du groupe, qui devient les Bluebelles et signe son premier contrat avec Newtown Records.

Après la sortie de leur premier tube, « I Sold My Heart to the Junkman » en 1962, leur nom change à nouveau pour devenir Patti LaBelle and the Bluebelles. L’alto rauque d’Hendryx diffère du soprano aigu de Dash , du mezzo-soprano de LaBelle et du second soprano de Birdsong . Durant cette période, le groupe se fait connaître pour ses performances live pleines d’émotion et ses interprétations de standards classiques tels que « You’ll Never Walk Alone », « Over The Rainbow » et « Danny Boy ». Le groupe se retrouve souvent en compétition avec des groupes féminins tels que les Chantels , les Shirelles et les Supremes . En 1967, Hendryx, LaBelle et Dash sont choqués de découvrir que Birdsong a secrètement rejoint les Supremes après que Florence Ballard a été évincée du groupe par Motown . Différents membres du groupe sont restés en contact avec Birdsong au fil des ans. Les relations de Birdsong avec les Bluebelles se sont améliorées et ils se sont réunis à nouveau pour la cérémonie où le groupe a remporté un Lifetime Achievement Award de la R&B Foundation en 1999.

Pendant les trois années suivantes, le groupe peinait à rivaliser avec l’évolution du paysage musical, qui avait vu son style de groupe féminin tomber en disgrâce auprès du grand public. En 1971, elles s’installèrent en Angleterre, où elles avaient une base de fans culte, et, sur les conseils de Vicki Wickham , elles changèrent leur nom pour Labelle et troquèrent robes et perruques bouffantes pour des jeans et des coupes afros . Sortant des albums de transition, dont Labelle en 1971 et Moon Shadow en 1972 , le groupe enregistra des morceaux à thèmes sexuels et politiques – du jamais vu pour un groupe entièrement féminin noir. La transition fut difficile pour la chanteuse principale, LaBelle, fan des ballades des débuts du groupe, mais elle finit par céder. Dash resta neutre tout au long du mandat du groupe. Peu après la sortie de Labelle , le groupe assura la première partie de The Who , dont le producteur Kit Lambert avait produit le premier album du groupe chez Warner. Ils ont également ouvert pour Laura Nyro à la même époque et ont chanté en chœur sur son album Gonna Take a Miracle .

À partir de l’ album Moon Shadow , Hendryx devient l’auteur-compositeur principal de la plupart des albums du groupe, tandis que LaBelle et Dash composent occasionnellement leurs propres morceaux. Après avoir assuré avec succès la première partie des Rolling Stones lors de leur tournée américaine en 1973, le groupe sort Pressure Cookin’ , où ils adoptent une fois de plus un nouveau look de « divas glam rock et spatiales ». En tant qu’auteur-compositeur, Hendryx écrit ensuite des ballades puissantes (« You Turn Me On » et « Nightbird » de Nightbirds , « Going Down Makes Me Shiver » de Chameleon , le dernier album de Labelle ), ainsi qu’une multitude de titres plus rythmés (« Space Children », « Messin’ with My Mind », « Gypsy Moths » et « Who’s Watching the Watcher »). Ses thèmes sont non conventionnels, variés et souvent expérimentaux. Sa composition « A Man in a Trenchcoat (Voodoo) » de Chameleon marque également la première participation d’Hendryx au chant principal d’un album. En 1974, le groupe connut un succès phénoménal avec la sortie de l’ album Nightbirds , qui succéda au tube « Lady Marmalade ». Dans ses mémoires , intitulées Don’t Block the Blessings , Patti LaBelle, la chanteuse de Labelle , attribua la séparation du groupe en 1976 à des tensions musicales et personnelles au sein du groupe. Labelle, Dash et Hendryx se lancèrent tous dans des carrières solo ; Wickham resta aux côtés d’Hendryx pour gérer sa carrière solo.

En 1977, Hendryx sort son premier album solo, un album éponyme. Mélange de soul et de hard rock, il contient des titres marquants comme sa reprise de « Winning » et la ballade « Leaving Here Today ». Il disparaît rapidement des rayons et Hendryx est renvoyée d’ Epic Records . Par la suite, elle enregistre quatre singles pour Arista (Londres), qui ne rencontrent pas non plus de succès dans les charts. Elle rencontre cependant le succès en studio durant cette période, notamment en choriste pour Talking Heads et en tournée avec eux, apparaissant pour la première fois au grand festival Heatwave en août 1980. Elle contribue à l’album de Dusty Springfield , « It Begins Again », en 1978 (la première des nombreuses tentatives de retour de Springfield), en écrivant la chanson « Checkmate ».

Au début des années 1980, Hendryx dirigeait son propre groupe de rock progressif , Zero Cool , qui comprenait le guitariste Naux (China Shop, Richard Hell), le bassiste Michael Allison (Darshan Ambient), le guitariste Kevin Fullen et le batteur Jimmy Allington. Simultanément, elle chantait avec le groupe de funk expérimental Material , obtenant un énorme succès en club avec « Busting Out ». Elle enchaîna deux autres grands succès en club peu après : une reprise dance de « Love Is Like an Itching in My Heart » des Supremes et, en tant qu’invitée vocale principale pour The Cage, « Do What You Wanna Do ». Material produisit également son deuxième album Nona en 1983. Le son dance contemporain et branché de cet album s’avéra plus compatible avec les charts, à l’ époque du disco , et le single « Keep It Confidential » devint un modeste tube R&B écrit par Ellie Greenwich, Jeff Kent et Ellen Foley, tandis qu’un remix de « B-boys » rencontra un succès majeur dans les charts dance. « Transformation » est devenue un incontournable d’Hendryx, et a ensuite été reprise par Fierce Ruling Diva . Un autre morceau particulièrement remarquable de l’album est la ballade « Design for Living », avec la participation de Laurie Anderson , Gina Shock de The Go-Go’s , Valerie Simpson d’ Ashford & Simpson , Tina Weymouth de Tom Tom Club et Talking Heads, Nancy Wilson de Heart et son ancienne compagne Patti LaBelle .

Au milieu des années 1980, Hendryx fut recrutée par RCA pour enregistrer des chansons pour diverses bandes originales, dont le thème de « Moving Violations » ; « I Sweat (Going Through the Motions) », un succès commercial pour Hendryx tiré du film Perfect de Jamie Lee Curtis ; et « Transparent » tiré du film d’ Eddie Murphy , « Coming to America » . Son album « The Art of Defense » sortit en 1984.

En 1985, Hendryx a écrit et enregistré « Rock This House » avec Keith Richards, extrait de son album The Heat . La chanson a été nominée pour un Grammy Award de la meilleure performance vocale rock féminine lors de la 28e cérémonie des Grammy Awards. La même année, la diffusion sur MTV du clip « I Need Love », coécrit par Jean Beauvoir, a suscité une controverse car il mettait en scène des drag queens . En conséquence, il a rapidement été retiré de la playlist de MTV.

La même année, elle participe au projet Artists United Against Apartheid avec la chanson « Sun City », issue de l’album éponyme . La chanson est enregistrée avec d’autres artistes comme Bruce Springsteen , Little Steven , Bono de U2 , Eddie Kendricks , Hall & Oates , Bobby Womack , Lou Reed et bien d’autres. Ce fut l’une des plus grandes et plus fortes chansons de protestation contre l’apartheid en Afrique du Sud à cette époque.

Son plus grand succès commercial est venu avec le single « Why Should I Cry? » de 1987, un hit R&B top 5 qui a également atteint la 58e place du Billboard 100. L’album qui l’accompagnait, Female Trouble , comptait une liste impressionnante de contributeurs, dont Dan Hartman (qui a également été producteur), Peter Gabriel , Prince (« Baby Go Go »), George Clinton , David Van Tieghem et Mavis Staples. À cette époque, elle est devenue membre de la Black Rock Coalition , fondée par Vernon Reid de Living Colour .

Hendryx s’est éloigné de la musique commerciale avec Skin Diver , un disque new age produit avec Peter Baumann, membre de longue date de Tangerine Dream. L’album a été généralement accueilli positivement par la critique, mais n’a pas eu de succès commercial. Le titre éponyme a attiré l’attention, tout comme « Women Who Fly », reprise plus tard par Jefferson Starship .

Outre l’album en duo You Have to Cry Sometime avec Billy Vera en 1992 et quelques titres de compilation, Hendryx a enregistré plus de cinq albums, mais n’a pu en sortir aucun en raison du manque d’intérêt des majors et des maisons de disques indépendantes. Ses albums Epic, RCA et EMI sont épuisés et n’ont attiré que récemment l’attention des labels de réédition spécialisés , mais un album de ses plus grands succès intitulé Transformation est sorti en 1999 chez Razor & Tie . Son premier album solo de 1977 est sorti pour la première fois en CD par le label T-Bird du label de réédition britannique Cherry Red à l’automne 2010. Le label de réédition R&B britannique Funky Town Grooves a sorti The Heat en CD fin 2011, qui comprenait trois titres bonus. Funky Town Grooves a annoncé son intention de sortir Nona et The Art of Defense début 2012. Chaque CD doit contenir sept titres bonus.

Hendryx s’est également essayée au cinéma. Elle a écrit et interprété le thème de Landlord Blues (1987), tout en tenant un petit rôle dans le film, celui de l’avocate Sally Viscuso. Elle a joué son propre rôle dans la série Linc’s avec Pam Grier à la fin des années 1990 et, à la fin de la série, s’est accompagnée au piano pour « Lift Every Voice ». Plus récemment, elle a participé à la troisième saison de The L Word , qui s’est conclue avec Grier, Hendryx et le trio BETTY interprétant une reprise du titre « Transformation » d’Hendryx.

Hendryx a participé à de nombreuses collaborations musicales, tant au chant qu’à l’écriture. L’une de ses premières collaborations a eu lieu avec Jerry Harrison ( Taking Heads ) sur l’album « The Red and the Black » en 1981. En 1992, elle a enregistré un duo avec Billy Crawford, « Urgently in Love ». En 1998, elle a participé au clip du tube rap « It’s a Party » avec Bounty Killer . Elle a écrit des chansons pour Dusty Springfield et Ultra Nate . Elle a produit des albums pour Lisa Lisa and the Bush Tetras . Parmi les autres artistes avec lesquels elle a enregistré au fil des ans, on compte David Johansen , Yoko Ono , Cameo , Talking Heads (3 albums : Remain in Light , The Name of This Band Is Talking Heads et Speaking in Tongues ), Garland Jeffreys , Dan Hartman , Afrika Bambaata (interprétant un duo de « Giving Him Something He Can Feel » avec Boy George), Rough Trade , Curtis Hairston et Graham Parker sur « Soul Christmas ».

Au début des années 2000, Hendryx a été invitée à participer à deux albums de Paul Haslinger . Elle a chanté sur deux titres, « Higher Purpose » et « Beginning to End », figurant sur la bande originale de la série Sleeper Cell de Showtime .

Hendryx continue de tourner et a écrit de la musique pour le théâtre, des chansons pour la pièce avec la musique Blue . Sandra St. Victor (The Family Stand) a recruté les filles de célèbres icônes afro-américaines de la soul/blues – dont Lalah Hathaway , Simone , Indira Khan et Leah McCrae – ainsi que les « filles spirituelles » Joyce Kennedy , Caron Wheeler et Nona, pour former le groupe Daughters of Soul, qui a connu un grand succès, notamment lors des tournées européennes.

Hendryx a fondé Rhythmbank, son propre label avec Bob Banks , en 2005. Ils ont signé et sorti plusieurs EP et albums, la série Showtime Sleeper Cell et un album gospel de son protégé Najiyah Threatt.

Depuis la séparation de Labelle, Patti, Sarah et Nona se sont retrouvées à plusieurs reprises. Parmi ces retrouvailles, on compte le clip de « Live in New York » de Patti LaBelle, le tube dance « Turn It Out » de la bande originale de « To Wong Foo, Thanks for Everything ! » de Julie Newmar (1995), et deux émissions spéciales télévisées. En janvier 2006, Labelle s’est à nouveau réunie pour enregistrer « Dear Rosa », un hommage à la militante des droits civiques Rosa Parks . Elle a également interprété la chanson thème de la bande originale du film « Preaching to the Choir » , dont Nona est la compositrice. Fin 2008, Labelle a sorti son album de retour, « Back to Now », et a entamé une tournée de concerts à succès jusqu’au printemps 2009.

En avril 2009, lors d’une interview avec Pete Lewis, célèbre auteur soul/R&B britannique et auteur de l’album primé Blues & Soul , Hendryx a évoqué le contexte de la reformation de Labelle pour Back to Now : « Nous en avons discuté à plusieurs reprises. Et c’était en grande partie dû au fait que les fans nous EXIGEAIT ! Mais plutôt que de simplement revenir en arrière et de refaire ce que nous avions fait par le passé, nous voulions pouvoir enregistrer un nouvel album avant de nous remettre ensemble. Et c’est après avoir enregistré la chanson « Dear Rosa » ensemble que Patti a finalement été convaincue que nous devions enregistrer un nouvel album et partir en tournée. Je dirais donc que nos retrouvailles sont nées de deux choses : la pression des fans ; et le fait que Patti ait retrouvé un son qu’elle aimait et qu’elle n’avait pas entendu depuis des années. »

Hendryx a écrit un livre pour enfants intitulé The Brownies .

Le 27 mai 2010, Hendryx a interprété des extraits de Skindiver, une comédie musicale de science-fiction qu’elle coécrit avec Charles Randolph-Wright. Ce spectacle surprise a eu lieu au Busboys and Poets de Washington DC, sponsorisé par l’Arena Stage. Hendryx et Wright ont présenté deux lectures nocturnes de Skindiver à l’Arena Stage en 2011.

En septembre 2012, l’album numérique d’Hendryx, Mutatis Mutandis , est sorti en CD. Pour promouvoir l’album, Hendryx est apparue dans l’émission Later… with Jools Holland sur la BBC le 28 novembre 2012, où elle a interprété deux titres : Let’s Give Love A Try et Temple Of Heaven (ce dernier étant uniquement disponible en ligne sur BBC iPlayer ). En février 2013, elle a été l’invitée spéciale de The World of Captain Beefheart, un concert hommage organisé par l’animateur radio néerlandais Co de Kloet, avec Gary Lucas et le Metropole Orchestra, composé de 60 musiciens .

Hendryx a sorti plusieurs singles en 2016, dont une collaboration avec le duo de DJ et producteurs américain Soul Clap , qui a donné naissance au single « Shine (This Is It) ». Shine (This Is It) a été inclus sur l’album éponyme de Soul Clap en octobre 2016, et un EP contenant différents remixes du titre est sorti l’année suivante. Hendryx a également collaboré avec le guitariste Gary Lucas la même année, ce qui a donné naissance à l’album « The World of Captain Beefheart » , un recueil de reprises de chansons de l’artiste avant-gardiste Captain Beefheart .

En février 2018, Hendryx a sorti un EP, Keep Funkin , produit par Soul Clap, avec la participation de Nile Rogers et Jason Miles . Hendryx a également chanté sur un autre morceau, « Peel Back », produit par FSQ, inclus en bonus sur les versions numériques de l’EP Keep Funkin (ainsi que sur l’album de FSQ en 2020).

Hendryx vit dans l’ Upper West Side de Manhattan à New York depuis le début des années 1970. Son partenaire de longue date est la manager de talents anglaise Vicki Wickham, et elle a parlé de sa bisexualité dans une interview avec le magazine The Advocate.

Hendryx est une militante des droits des homosexuels ; à l’été 2008, elle a rejoint Cyndi Lauper lors de sa tournée True Colors , sensibilisant ainsi à la discrimination et à la communauté LGBT.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/30092-Nona-Hendryx

ARTISTS UNITED AGAINST APARTHEID

Artists United Against Apartheid était un groupe de protestation fondé en 1985 par l’activiste et interprète Steven Van Zandt et le producteur de disques Arthur Baker pour protester contre l’apartheid en Afrique du Sud . Le groupe a produit la chanson  » Sun City  » et l’album Sun City cette année-là, qui est considéré comme une chanson anti-apartheid notable.

Sun City

Sun City est un complexe de luxe et un casino, développé par le magnat de l’hôtellerie Sol Kerzner dans le cadre de son groupe de propriétés Sun International . Il a été officiellement inauguré le 7 décembre 1979, alors situé dans le bantoustan du Bophuthatswana . Comme le Bophuthatswana avait été déclaré État indépendant par le gouvernement de l’ apartheid sud-africain (bien qu’il ne soit reconnu comme tel par aucun autre pays), il pouvait proposer des divertissements tels que des jeux de hasard et des spectacles de revue topless, qui étaient interdits en Afrique du Sud. Pour protester contre l’apartheid, un boycott international par les artistes s’est poursuivi pendant des années, bien que certains, comme les Beach Boys, Linda Ronstadt, Cher, Millie Jackson, Liza Minnelli,  Frank Sinatra (1981), Paul Anka, Status Quo, Rod Stewart (juillet 1983), Elton John (octobre 1983), et Queen, l’ont ignoré.

Écriture et enregistrement

Van Zandt s’est intéressé à écrire une chanson sur Sun City pour faire des parallèles avec le sort des Amérindiens. Danny Schechter, un journaliste qui travaillait alors avec ABC News ‘ 20/20 , a suggéré de transformer la chanson en un autre type de  » We Are the World « , ou comme l’explique Schechter,  » une chanson sur le changement et non la charité, la liberté et non la famine.  »

Lorsque Van Zandt a fini d’écrire  » Sun City « , lui, Schechter et le producteur Arthur Baker ont passé les mois suivants à chercher des artistes pour participer au projet. Van Zandt a d’abord refusé d’inviter Springsteen, ne voulant pas profiter de leur amitié, mais Schechter n’a eu aucun problème à demander et Springsteen a accepté l’invitation. Van Zandt hésitait également à appeler le légendaire artiste de jazz Miles Davis . Schechter a initié le contact et Davis a également accepté. Finalement, Van Zandt, Baker et Schechter rassembleront un éventail d’artistes, décrits par le critique de rock Dave Marsh comme « la formation la plus diversifiée de musiciens populaires jamais réunie pour une seule session », dont DJ Kool Herc,Grandmaster Melle Mel, Ruben Blades, Bob Dylan, Pat Benatar, Herbie Hancock, Ringo Starr et son fils Zak Starkey, Lou Reed, Run–DMC, Peter Gabriel, Bob Geldof, Clarence Clemons, David Ruffin, Eddie Kendricks, Darlene Love, Bobby Womack, Afrika Bambaataa, Kurtis Blow, The Fat Boys, Jackson Browne, Daryl Hannah, Peter Wolf, Bono, George Clinton, Keith Richards, Ronnie Wood, Bonnie Raitt, Hall & Oates, Jimmy Cliff, Big Youth, Michael Monroe, Stiv Bators, Peter Garrett, Ron Carter, Ray Barretto, Gil Scott-Heron, Nona Hendryx, Kashif, Lotti Golden, Lakshminarayana Shankar et Joey Ramone.

Ces artistes ont également juré de ne jamais se produire à Sun City, car cela leur semblerait être une acceptation de l’apartheid.

Schechter s’était également chargé de documenter les sessions sur vidéo et de produire un documentaire sur les coulisses, en collaboration avec des équipes de tournage 16 mm et des sociétés de production indépendantes. Le réalisateur oscarisé Jonathan Demme a réalisé l’action en direct à New York. Demme a dirigé Lucky Goldberg, réalisateur, producteur et directeur de la photographie pour ThunderVision Media Ltd (1986-1993) et président de Hollywood New York International à partir de 1993 – actuellement, pour faire la cinématographie à main levée afin de capturer l’essence du premier concert en direct innovant au monde dans les rues, capturant toutes les scènes colorées et mémorables qui se produisent entre les artistes et les gens. Lucky a travaillé avec le producteur et partenaire Paul Allen de ThunderVision Media Ltd, basé à New York aux studios Kaufman Astoria, qui a été rénové à partir des premiers studios Paramount originaux de style hollywoodien sur la côte Est, dans les années 1920, pour capturer l’action. Lucky et Paul ont introduit une nouvelle technologie de caméra pour travailler aux côtés des équipes de 16 mm, la caméra monobloc – le format ReCam de Panasonic pour une couverture portable étendue de deux jours des artistes se produisant dans les rues de Manhattan ainsi qu’une interprétation de « Sun City » dans le Washington Square Park de Manhattan. Environ 150 policiers ont entouré tout le parc à cheval et à pied pour sécuriser la zone de la représentation, qui comprenait Van Zandt, Bono, Springsteen, s Format ReCam pour une couverture portable étendue de deux jours des artistes se produisant dans les rues de Manhattan ainsi qu’une interprétation de « Sun City » dans le Washington Square Park de Manhattan. Environ 150 policiers ont entouré tout le parc à cheval et à pied pour sécuriser la zone de la représentation, qui comprenait Van Zandt, Bono, Springsteen, s Format ReCam pour une couverture portable étendue de deux jours des artistes se produisant dans les rues de Manhattan ainsi qu’une interprétation de « Sun City » dans le Washington Square Park de Manhattan. Environ 150 policiers ont entouré tout le parc à cheval et à pied pour sécuriser la zone de la représentation, qui comprenait Van Zandt, Bono, Springsteen, les Fat Boys, Mötley Crüe, Afrika Bambaataa, Nona Hendryx et bien d’autres. L’un des clichés les plus remarquables a été pris lorsque Bono et Lucky ont eu la même ambiance pour capturer le point culminant du film – Bono a fait un signe de tête à Lucky, qui s’est ensuite positionné sur le sol, s’élançant alors que Bono dansait et chantait jusqu’à l’avant du film. tous les autres artistes. Puis, pour que tout le monde puisse le voir, Bono a planté un énorme baiser sur la joue de Darren Robinson, chanteur des phénoménaux Fat Boys, dans sa veste en satin jaune et son chapeau rouge. Goldberg et Allen ont ensuite tourné Sun City II à Central Park, capturant la politique et la musique de l’esprit du « Sun City » primé de Little Steven, y compris des entretiens avec Peter Gabriel et Bono.

Schechter a invité MTV à s’impliquer et a demandé à un ami, Hart Perry, de filmer les sessions. Au cours du film, Schechter demande aux artistes d’expliquer leur implication dans le projet avec leurs propres mots : « Sun City est devenu le symbole d’une société très oppressive et qui nie les droits fondamentaux à la majorité de ses citoyens », a déclaré Jackson. Browne. « Dans un sens, Sun City est aussi un symbole du » droit « de cette société à se divertir de la manière qu’elle veut, à essayer essentiellement de nous acheter et d’acheter l’opinion mondiale. » Se souvient Schechter, « J’ai été surpris que bon nombre des rock’n rollers les plus connus soient si timides en matière de publicité. La plupart d’entre eux avaient des publicistes qui mettaient en scène leurs apparitions dans les médias. Ils n’étaient pas habitués à ce que les caméras les piquent au visage.

« Quand Miles a commencé à improviser en studio… Steven et Arthur Baker ont insisté pour que je ne l’approche pas avec une caméra. ‘C’est Miles, mec' », a déclaré Arthur Baker. « Il est erratique, idiosyncrasique, explosif. Sauvage. Ne plaisante pas avec lui quand il joue … » J’ai fait irruption dans la cabine pendant que Davis s’installait, je me suis présenté et j’ai demandé si nous pouvions le filmer. À travers la vitre, je pouvais voir Steve et Arthur, la tête dans les mains, convaincus que j’avais tout raté. Miles a souri. « Allez, ordonna-t-il, allez. » Et nous l’avons fait, obtenant des images inestimables en plus. »

En plus de « Sun City », un certain nombre d’autres chansons ont été enregistrées, constituant l’album Sun City (album) | Sun City ‘.

Libérer

Pendant un certain temps, Van Zandt et Arthur Baker ont fait le disque sans maison de disques ni soutien financier extérieur. Van Zandt en a financé une grande partie tandis que le producteur Arthur Baker (remarquable pour son travail avec Afrika Bambaataa et New Order) a donné du temps de studio. Manhattan / EMI Records, sous la direction de Bruce Lundvall, est venu à bord, acquérant les droits sur l’enregistrement et permettant à Van Zandt et Arthur Baker de payer une partie des factures. Un avocat engagé de la maison de disques, feu Rick Dutka, a également fait don de son temps, aux côtés d’un avocat réputé de l’industrie de la musique, feu Owen Epstein, ainsi que de l’assistante de Van Zandt, Zoë Yanakis. En outre, certains des meilleurs ingénieurs du son, musiciens de studio et studios d’enregistrement de New York ont ​​donné de leur temps ainsi que les artistes qui ont participé à l’enregistrement de Sun City. En plus des voix principales fournies par des artistes notables Bruce Springsteen, Bono, Darlene Love, Run DMC, Lou Reed, Eddie Kendricks,Bonnie Raitt, Nona Hendryx et d’autres, le son vocal de fond caractéristique a été créé par Lotti Golden, BJNelson et Tina B.

Les liens de Schechter avec ABC News présentaient certains risques. « Je ne pouvais pas dire à ABC ce que je faisais à côté », se souvient Schechter. « Ils n’auraient pas approuvé. Je savais que je ne pouvais pas non plus proposer une histoire sur Sun City, parce que j’avais dépassé les limites et fait partie de l’histoire. J’ai essayé et surtout réussi à garder mon nom hors des journaux et mon mug de la vidéo. J’étais terrifié à l’idée que 20/20 me largue s’ils savaient ce que je faisais, surtout si mon affiliation avec ABC y était entraînée, même si le réseau n’avait rien à voir avec le projet. J’ai travaillé même plus dur à ABC, produisant plus d’histoires que beaucoup de mes collègues, donc je ne pouvais pas être accusé de me relâcher. »

Réaction

Chanson

La chanson « Sun City » n’a été qu’un succès modeste aux États-Unis, atteignant la 38e place du classement Billboard Hot 100 en décembre 1985. Seule la moitié environ des stations de radio américaines ont joué « Sun City », certaines s’opposant à la la critique explicite des paroles de la politique d’« engagement constructif » du président Ronald Reagan.

Pendant ce temps, « Sun City » a été un succès majeur dans les pays où il y avait peu ou pas de résistance des stations de radio au disque ou à ses messages, atteignant la 4e place en Australie, la 10e au Canada, la 3e aux Pays-Bas et au Royaume-Uni. La chanson a été interdite en Afrique du Sud.

Documentaire

Van Zandt et Schechter ont également eu du mal à faire voir le documentaire. Public Broadcasting Service (PBS) a refusé de diffuser le film à but non lucratif The Making of Sun City même s’il a remporté les plus grands honneurs de l’ International Documentary Association en 1986; PBS a affirmé que les artistes présentés étaient également impliqués dans la réalisation du film et étaient donc «auto-promus». (En revanche, PBS a choisi de diffuser The Making of  » Raiders of the Lost Ark  » , qui a été réalisé comme un exercice promotionnel par Paramount Pictures et Lucasfilm Ltd. à but lucratif ) En 1987, WNYC-TV, la chaîne de télévision publique appartenant à la ville de New York , a diffusé une version mise à jour du documentaire, produite par le cinéaste Bill Lichtenstein avec Schechter. Le film comprenait des mises à jour sur la station balnéaire de Sun City et l’apartheid ainsi que sur le succès de la vidéo « Sun City ». En plus de diffuser le documentaire, WNYC-TV a rendu le film disponible sur le système PBS aux chaînes de télévision publiques à travers le pays pour diffusion.

Impact global

L’album et le single ont permis de récolter plus d’un million de dollars américains pour des projets anti-apartheid. Il a été présenté pour la première fois aux Nations Unies, grâce au Comité spécial contre l’ apartheid et à des officiers de l’ ONU comme Aracelly Santana.

Le disque n’a jamais atteint le succès financier de  » We Are the World « , bien qu’Oliver Tambo et l’école de l’ANC en Tanzanie  » aient été vraiment heureux quand nous leur avons donné un gros chèque « , selon Schechter.

En Afrique du Sud, « Sun City » inspirera plus tard le musicien Johnny Clegg à créer une organisation locale similaire à celle de Van Zandt, et « Sun City » devient également le catalyseur de la série télévisée South Africa Now .

Post-apartheid

Avec la fin du régime d’apartheid en 1994 et la réintégration de Sun City et d’autres anciennes régions théoriquement indépendantes dans l’État sud-africain, « Sun City » a cessé d’être une protestation contemporaine et est devenue un document historique.

En 1997, l’homme qui a créé Sun City, Sol Kerzner, est venu aux États-Unis pour construire Mohegan Sun, un casino de jeu amérindien.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/143887-Artists-United-Against-Apartheid

ARTHUR BAKER

Arthur Baker (né le 22 avril 1955) est un producteur de disques américain et DJ surtout connu pour son travail avec des artistes hip hop comme Afrika Bambaataa et Planet Patrol , ainsi que le groupe britannique  New Order. Il est également connu pour avoir remixé la chanson de Jill Jones « Mia Bocca » sur le single 12″, extraite de son premier album éponyme Jill Jones (1987), sorti sur Prince’s Paisley Park Records , ainsi que pour avoir remixé la chanson des Pet Shop Boys. , « In The Night ».. Son remix de la chanson a été utilisé comme thème principal de l’ émission télévisée de la BBC The Clothes Show entre 1986 et 1994. Il a également remixé » The Massive Jungle Mix « pour le top 40 britannique de Tina Turner de son album de 1996 Wildest. Dreams  » Whatever You Want  » (co-écrit par lui-même, Taylor Dayne et Fred Zarr ). Les chansons d’Arthur Baker sont représentées par Downtown Music Publishing.

Biographie

Début de carrière

Né à Boston , Massachusetts , Baker a commencé à travailler comme DJ de club à Boston au début des années 1970, où il était connu pour jouer de la soul qui plaisait à la foule et de la soul de Philadelphie. Néanmoins, il avait peu de patience pour le DJ, déclarant dans une interview: « [Si] je n’avais pas une bonne réaction sur un disque, je l’arracherais, le briserais et le jetterais sur la piste de danse. »

La carrière de producteur de Baker a commencé par quelques sessions d’enregistrement disco à Boston. Le légendaire remixeur disco Tom Moulton , qui était signé à Casablanca à l’époque, devait sortir son propre album dans le cadre de l’accord pour travailler pour le label. Le frère de Tom, Jerry, est tombé sur les sessions écrites et enregistrées par Baker, Tony Carbone et Larry Wedgeworth et les a achetées dans le cadre d’un accord avec Baker. Moulton a ensuite remixé les morceaux et les a sortis comme son album de 1979 « TJM » Baker a parlé de l’album dans une interview avec Red Bull Music Academy en 2012.

« Eh bien, quand j’étais à Boston, je suis allé dans un studio d’enregistrement… Intermedia Studios… le premier album d’ Aerosmith a été enregistré là-bas. J’ai suivi un cours d’ingénierie là-bas… à partir de là, j’ai continué à faire des choses… .. Je suis allé voir ma famille et j’ai emprunté environ mille dollars, à ma grand-mère, mon père, à peu près n’importe qui. J’ai obtenu de l’argent d’eux et j’ai décidé de faire un album. Quelque chose comme un Gamble & Huffalbum. C’était comme faire un album complet avec des cordes sur chaque morceau. Je veux dire, c’était fou, et j’ai probablement dépensé environ 15 000 dollars. Et puis le frère de Tom Moulton l’a entendu et a dit « Oh on adore les chansons, on va vous les acheter mais on va tout réenregistrer. » C’était donc la première fois que je me faisais baiser dans l’industrie du disque. Écoutez celui-ci ! Donc, en gros, il a dit : « Voilà l’argent, vous aurez la publication. » Parce que vous savez, j’avais écrit toutes les chansons. Et il a dit : « Nous voulons juste les cassettes, nous n’allons pas les utiliser mais nous les voulons juste pour mieux les écouter. Alors bien sûr, je lui ai donné les multipistes, et un an plus tard, c’est sorti sous le nom de TJM. Il avait utilisé tout ce que j’avais fait, et il l’avait en quelque sorte remixé ou mixé. Donc, je me suis un peu foutu de celui-là. »

—Arthur  Baker

Baker a également sorti un single sous le nom de « North End » sur West End Records en 1979, « Kind of Life (Kind of Love) ».

Remixeur/producteur

En 1981, Baker s’installe à New York , où il continue à être DJ tout en poursuivant une carrière de producteur. Son premier single à succès fut  » Happy Days « , qu’il sortit sous le nom de North End sur Emergency Records en 1981.

Au début des années 1980, avant l’apparition des équipements d’enregistrement numérique une décennie plus tard, Baker et ses contemporains ont créé des remix sur bande analogique. Il a travaillé en étroite collaboration avec les Latin Rascals , qui ont été influencés par les travaux antérieurs de Tom Moulton , John Morales (de Morales et Munzibai ) et Walter Gibbons , le créateur du premier single de 12 pouces disponible dans le commerce, un remix de Double Exposure ‘ s « Ten Percent. ». Les Latin Rascals finiront par éditer le travail de tous les grands producteurs de musique de danse des États-Unis actifs dans les années 1980, mais au début, le duo faisait partie du cercle de Baker.

Baker a ensuite travaillé pour le label hip-hop Tommy Boy Records , où il a produit Afrika Bambaataa et le single  » Planet Rock  » de Soul Sonic Force , qui a été un succès à l’été 1982. Le disque combinait des éléments de deux enregistrements de Kraftwerk , « Trans Europe Express » et « Numbers », qui ont été interpolés par des musiciens de studio, plutôt qu’échantillonnés. Plus tard cette année-là, en utilisant des morceaux inutilisés de « Planet Rock », il a ensuite produit le single « Play at Your Own Risk » de Planet Patrol en 1982, un autre groupe avec un album à succès en 1983.

Toujours en 1982, il produit le single « Walking on Sunshine » de Rocker’s Revenge avec Donny Calvin qui atteint le numéro un du classement US Dance le 18 septembre de la même année.

En 1983, Baker a trouvé du travail en faisant des remixes de danse de succès pop et rock, d’abord avec  » Girls Just Wanna Have Fun  » de Cyndi Lauper et  » Dancing in the Dark  » de Bruce Springsteen ,  » Cover Me  » et  » Born in aux États-Unis  » de son album Born in the USA . Toujours en 1983, Baker a produit le morceau « IOU » de Freeez, qui était l’un des plus grands succès dance de l’année au Royaume-Uni. En 1984, Baker a contribué sa « Breakers ‘Revenge » à la partition et à la bande originale du film de Beat Street , qu’il a également aidé à produire.(« Out Of Touch », « Method Of Modern Love », « Possession Obsession », « Dance On Your Knees ») et Diana Ross (« Swept Away », co-écrit et coproduit par Daryl Hall)). En 1985, il produit trois chansons sur l’album Say You Love Me de Jennifer Holliday , le plus gros succès étant « No Frills Love », une chanson qu’il a co-écrit, co-produit, arrangé et remixé. Les remixes pour Pet Shop Boys ´ « Suburbia » ont suivi en 1986.

Suite à ces succès, Baker a attiré l’attention du groupe de danse alternative de Manchester New Order , qui a co-écrit  » Confusion  » et  » Thieves Like Us  » avec lui (et Baker peut être vu en bonne place dans le clip vidéo du premier). Le single  » Confusion  » de 12 pouces a été un succès croisé dans les charts de danse américains et a établi une relation entre Baker et le groupe qui s’est poursuivie depuis.

Manquant de peu la signature des Beastie Boys sur son label Streetwise Records, Baker réussit à signer le groupe New Edition, qui connut le succès avec son single « Candy Girl ».

D’autres collaborations

En 1984, Baker a travaillé avec Hall & Oates en tant que consultant mix sur leur album Big Bam Boom , et le résultat a été un son nettement urbain et électronique pour le duo. Baker a co-écrit l’instrumental d’ouverture, « Dance On Your Knees », avec Daryl Hall. Il a également remixé cette chanson et les trois autres succès de l’album : « Out Of Touch », « Method Of Modern Love » et « Possession Obsession ». Baker a également contribué à trois remixes de « Tease Me », le premier morceau de l’EP Techno-Freqs « Evacuate Your Seats » de Walter « Junie » Morrison (Ohio Players et Parliament Funkadelic).

En 1985, Baker a aidé Bob Dylan à terminer son album Empire Burlesque en tant que mixeur et arrangeur, et avec Little Steven Van Zandt a organisé et produit l’hymne anti- apartheid « Sun City » par Artists United Against Apartheid. Il a ensuite été honoré par le Comité spécial des Nations Unies contre l’apartheid pour sa « contribution de grande valeur à la campagne internationale pour l’élimination de l’apartheid et l’établissement d’une société non raciale et démocratique en Afrique du Sud « .

À la fin des années 1980 et plus tard dans les années 1990, Baker a travaillé avec la star de la soul Al Green, écrivant et produisant le tube international « The Message is Love » et la chanson anti-armes de poing « Leave the Guns at Home ». En 1989, il sort l’album Merge sur A&M Records sous le nom d’ Arthur Baker and the Backbeat Disciples , et remixe le premier single de Neneh Cherry  » Buffalo Stance « . Il a également été le directeur musical des films Fried Green Tomatoes et Listen Up – The Lives of Quincy Jones. En 1991, il sort un deuxième album sous la direction d’Arthur Baker and the Backbeat Disciples, Give in to the Rhythm .

Années 1990-2000

Dans les années 1990, après une interruption de la production pendant quelques années, Baker a déménagé à Londres et a créé une chaîne de bars à succès – The Elbow Rooms – à travers la ville. Il est également propriétaire du restaurant Tiny Robot restaurant and The Starland Social Club à Londres, situé à Notting Hill. Il continue de travailler en tant que DJ et producteur et a récemment produit « Part-A » pour le groupe londonien Electro Metal Monsta.

Le remix d’Arthur Baker de « Spaceman » par Babylon Zoo a été utilisé dans la publicité « Planet » de Levi en 1995 .

En 2006, la société de services financiers Visa a utilisé un morceau produit par Baker de « Looking For the Perfect Beat » d’ Afrika Bambaataa comme musique d’accompagnement d’une publicité pour la carte bancaire Visa. Dans la publicité, un ver animé dessiné sur les pages d’un chéquier fait la danse des années 1980 connue sous le nom de Worm.

Discographie : https://www.discogs.com/artist/4158-Arthur-Baker

UB40

UB40 est un groupe britannique de reggae fondé en 1978 à Birmingham (Angleterre).

Les différents membres du groupe apportent diverses influences : irlandaises, galloises, écossaises, yéménites, africaines et jamaïcaines. Le nom du groupe fait référence au formulaire britannique de demande des droits au chômage (Unemployment Benefits, Form 40). Un ami leur suggéra ce nom car les 8 membres étaient inscrits au chômage quand ils décidèrent de fonder le groupe.

Parmi leurs succès on trouve le très célèbre Kingston Town (reprise de Lord Creator), la reprise de I’ll be your Baby tonight de Bob Dylan de Robert Palmer (en duo avec UB40) ou encore Red Red Wine écrit par Neil Diamond en 19683 avec plus de 100 millions de disques vendus.

Histoire

UB40 a été influencé par les soirées blues que les membres fréquentaient pendant leur adolescence, et conjointement déterminé par le ska et le reggae qui ont inspiré les chansons King, Madam Medusa, Food for Thought, Signing Off and One in Ten.

Ali, Duncan et Robin Campbell sont les fils du chanteur folk écossais Ian Campbell.

Le groupe a acheté ses premiers instruments avec l’argent reçu par Ali Campbell en tant que dédommagement après une bagarre dans un bar. Ils ont répété durant 6 mois dans une cave avant de se produire en public dans un pub de Birmingham le 9 février 1979. Ils ont commencé en faisant la première partie des Pretenders, durant leur tournée en Angleterre. Leur premier LP Signing Off est un disque auto-produit, une première dans l’histoire de l’industrie discographique britannique. La majorité de leurs chansons est par la suite inspirée du ska des années 1960.

Parmi les artistes avec lesquels UB40 a collaboré : Robert Palmer, Pato Banton, Bitty McLean, Chrissie Hynde, Nuttea, Alpha Blondy et Afrika Bambaataa.

Tournées

UB40 est aussi l’un des tous premiers groupes occidentaux à avoir effectué une tournée en Union des républiques socialistes soviétiques en 1987.

Le groupe a effectué en 2009 une tournée en Irlande et au Royaume-uni pour présenter les nouvelles chansons de « Labour Of Love 4 » accompagné de Duncan Campbell ainsi que du nouveau membre Tony Mullings aux claviers. Ce nouvel album est sorti le 8 février 2010.

Le groupe s’est produit sur scène en septembre 2010 aux États-Unis, au début d’une tournée entamée à San Francisco, qui passera par Los Angeles et se terminera à New York le 11 octobre 2010. 2010 coïncide également avec le 30e anniversaire de l’album des débuts Signing Off, le groupe débute alors une tournée spéciale fin octobre au Royaume-Uni, jouant l’ensemble de l’album lors de ces concerts.

Au début de 2012, une tournée des pays nordiques européens a eu lieu en Lettonie, Danemark, Finlande, Suède, Norvège et Hollande, dont un concert la célèbre salle Paradiso à Amsterdam. La ferveur de cette tournée fut telle que les concerts se sont tous déroulés à guichets fermés. La tournée se poursuit en Espagne et finit mi-février en Lituanie et surtout en Russie, avec le 1er concert à Moscou du groupe depuis 1986 et leur célèbre tour UB40 CCCP.

Ils entament ensuite une tournée dans tout le Royaume-Uni pour promouvoir leur dernier album Getting Over The Storm, avec une tournée sold-out triomphante comprenant six dates françaises en mars 2015, elles aussi à guichets fermés.

UB40 poursuit l’année 2015 avec une dizaine de concerts en Australie en novembre 2015, suivis d’une vingtaine de villes en Angleterre pour boucler sa tournée.

2021 a vu le départ à la retraite du chanteur principal de Duncan Campbell UB40 et membre de longue date qui a annoncé sa retraite de UB40 afin de se concentrer sur son rétablissement après un accident vasculaire cérébral suivi d’une crise qu’il avait subie. À la suite de cela, UB40 a annoncé Matt Doyle comme leur nouveau chanteur principal. 2019. La voix principale de Doyle figure sur le morceau « You Don’t Call Anymore » du nouvel album de collaborations d’UB40 Bigga Baggariddum, qui est sorti le 25 juin 2021. Le guitariste et chanteur de UB40, Robin Campbell, a déclaré : « Matt a déjà démontré sa capacité et sa compatibilité avec le groupe sur notre dernier album Bigga Baggariddim avec le morceau« You Don’t Call Anymore ». C’est un jeune homme talentueux avec une voix et un style de chant qui s’avéreront être un bon choix et un grand atout pour le groupe. Et en plus de tout ça, c’est aussi un gars sympa. Il est egalement le neveu du membre fondateur Norman Lamont Hassan.

Le 22 août 2021 a apporté la nouvelle dévastatrice que le camarade UB40, frère, membre fondateur d’UB40  et légende musicale, Brian Travers était décédé après une bataille héroïque de trois ans contre le cancer. Robin Campbell a déclaré: « UB40 ne serait pas, sans la contribution de son membre le plus grégaire, du parolier le plus prolifique et de l’extraordinaire brassmaster mercurial. Son immense talent, son énergie infatigable et son engagement tenace envers le groupe sont totalement irremplaçables. Bien sûr, nous continuerons, mais il y a un trou géant en forme de Brian dans UB40 qui ne pourra jamais être comblé et il nous manquera à jamais.

2022 et enfin la tournée à travers l’Europe (Angleterre, Belgique, pays bas, Suède) arrive et est un grand succès.. plus tard dans cette année 2022 une grande tournée aux états-unis se profile ainsi que l’Australie et nouvelle-Zélande aux premiers jours de 2023.

Engagements et causes soutenues

UB40 a souvent dénoncé le racisme, le chômage, les années Thatcher et la politique étrangère de domination.

De plus, ils ont toujours refusé de se produire en Afrique du Sud durant l’Apartheid, et ce malgré les millions de disques vendus dans ce pays.

Liste des membres

Après quasiment 30 ans de vie musicale commune, le chanteur Ali Campbell a quitté le groupe en janvier 2008, rejoint peu après par Mickey Virtue, le pianiste du groupe (et beau-frère d’Ali) et en 2014, par Terence Wilson alias « Astro ».

En 2021, arrivée de Matt DOYLE comme nouveau lead singer/guitariste.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/21767-UB40

AFRIKA BAMBAATAA

Afrika Bambaataa, dont le vrai nom est Lance Taylor, est un DJ américain, l’un des créateurs du mouvement hip-hop et le fondateur de la Zulu Nation.

Les deux autres pères fondateurs du mouvement hip-hop sont DJ Kool Herc et Grandmaster Flash. Bambaataa est le plus mystérieux des trois ; il refuse de révéler au public sa date de naissance exacte. On sait qu’il est né à Manhattan, vraisemblablement en avril 1957, de parents originaires de la Barbade et de la Jamaïque.

En 2016, plusieurs plaintes sont déposées et des enquêtes sont ouvertes sur des abus sexuels qu’il aurait fait subir à des mineurs. En 2021, une procédure judiciaire est ouverte contre lui pour abus sexuels et trafic sexuel de mineur.

Biographie

La vie de Afrika Bambaataa reste en partie mystérieuse, voire énigmatique. Bambaataa fut un leader du gang des Black Spades, devint l’instigateur de l’art du Djing avant de se réinventer comme un missionnaire contre la violence en fondant la Zulu Nation.

Naissance

Afrika Bambaataa est né à Manhattan, dans la ville de New York, NY. Selon certains écrits et articles biographiques, Afrika Bambaataa serait né en avril 1960 mais cette estimation ne concorde pas avec son parcours : s’il était né en 1960, il aurait été membre des Black Spades à l’âge de neuf ans et en serait devenu un leader avant ses dix ans. L’année 1957 est donc plus plausible. Théorie confirmée par le fait que Bambaataa a célébré lors de sa jeunesse des fêtes d’anniversaire communes avec son ami DJ Kool Herc à la période de la mi-avril. La date de naissance de Herc est, contrairement à la sienne, certaine.

Bambaataa a grandi et fut élevé par une mère infirmière dans le Bronx-Est, plus exactement dans l’une des tours des Bronx River Projects à proximité des James Monroe Houses, un autre grand ensemble.

Une partie de sa famille était des ardents militants et défenseurs de la cause noire. Certains d’entre eux étaient membres des Black Muslims. Bambaataa Bunchinji, l’oncle d’Afrika, était quant à lui un nationaliste noir engagé. Ainsi, Bambaataa a dès son plus jeune âge été influencé par des idéologies politiques différentes mais toutes axées sur la recherche de la liberté des Noirs américains.

Lance Taylor avait gagné un voyage en Afrique alors qu’il était lycéen, il avait aussi vu le film Zulu (1964) qui l’avait impressionné en mettant en avant la solidarité du peuple zoulou. Il a choisi le pseudonyme d’« Afrika Bambaataa Aasim » d’après Bambatha kaMancinza, le chef zoulou ayant mené la rébellion de Bambatha dans le Natal en 1906.

Étapes

Gangs

En 1969, Afrika Bambaata a douze ans. Les rues de Bronx River sont infestées par la criminalité et la délinquance. Par choix ou bien par nécessité, Bambaata intègre le gang P.O.W.E.R (« People’s Organization for War and Energetic Revolutionaries »). Il quitte ce dernier pour rejoindre celui des Black Spades en français : « Piques noirs ».

Son charisme et son don pour la parlote lui permettent de se faire connaître et de devenir rapidement influent au sein de son gang mais aussi auprès d’autres groupes limitrophes. Bambaataa devient donc un « seigneur de la guerre » chargé d’accroître l’influence des Black Spades. À de nombreuses reprises, il pousse son clan à affronter les autres bandes rivales dans ce but. Les Spades deviennent lors de cette période l’organisation criminelle noire la plus étendue du Bronx. Mais à l’occasion de rixes particulièrement violentes, Afrika commence à se remettre en question.

DJ

En 1971, une trêve est signée entre les différents gangs du quartier de South Bronx, territoire des Spades. Cette « paix » fait prendre conscience à Bambaataa qu’il pourrait, grâce à son sens de la communication et son aisance verbale, concilier les membres des différents gangs pour apporter à son quartier sérénité et quiétude.

Le mouvement créé par Kool Herc (l’inventeur du break) lui donne le moyen de parvenir à ses fins. Ainsi, il débute comme DJ en organisant des block parties (fêtes de quartier) dans un centre social. Voici comment Bambaataa décrit cet épisode de sa vie : « Quand je suis devenu DJ, j’avais déjà une armée avec moi, donc je savais que mes soirées allaient être noires de monde. » Et ce fut précisément le cas. Les fêtes de Bam polarisent une grande partie de la jeunesse pauvre du Bronx. Il arrive même que des membres de gang ennemis se retrouvent côte à côte lors de ces événements. Des beats cadencés, les figures des b-boys et des b-girls (les danseurs de break dance), une épaisse fumée planant dans l’air, de l’alcool, des gros lascars armés et des filles, voilà à quoi ressemblent ces rassemblements dans le modeste centre social du quartier d’Afrika. La musique hip-hop naîtra et se diffusera grâce, en partie, à ces cérémonies.

La même année, Afrika Bambaataa fonde la Bronx River Organization. Cette dernière est destinée à se substituer au gang des Spades. Bam à propos de cette organisation : « Ceci est une organisation. Nous ne sommes pas un gang. Nous sommes une famille. Ne cherchez pas les emmerdes. Laissez les emmerdes venir à vous, et là battez-vous comme des beaux diables. »

Avant même la décadence des gangs de rue à partir des années 1975, Afrika sera le premier à tenter de proposer aux jeunes démunis une alternative à la vie ultra-violente des bandes organisées. En effet, l’organisation sert essentiellement à préparer les soirées et les rassemblements. L’idée de Bambaataa est d’occuper la jeunesse du Bronx et des environs à des activités artistiques dans un cadre communautaire. Peu importe d’où les jeunes viennent, peu importe qu’ils appartiennent à tel ou tel gang, ce qui compte, c’est de danser sur des beats « bien lourds ».

Créateur du mouvement hip-hop

Entre 1971 et 1975, soit environ entre ses 14 et 18 ans, Afrika Bambaataa s’impose comme le DJ le plus influent du South Bronx. Suivant le sillon creusé par le DJ Kool Herc, ses set-lists, ses « mixs », empruntent à la fois à la salsa, au rock, à la soca mais surtout à la musique soul et au funk. Il entame souvent ses sessions avec le générique d’une émission de télévision différente chaque soirée. C’est la diversité du répertoire musical et l’originalité de Bambaataa qui permettra au courant hip-hop naissant de déployer ses ailes et de prendre son envol au-dessus des quartiers pauvres de New York.

Les mixs du DJ enrichissent considérablement la break music et finiront même par la transcender. C’est Bam qui popularisera ce nouveau genre musical. Fort de ses nombreux contacts auprès des membres des autres gangs de New York, il engendre ce qu’on appellera plus tard, le mouvement hip-hop. Le chef-d’œuvre d’Afrika, Planet Rock en 1982 aura un succès retentissant ; ce morceau marie des samples des morceaux Trans-Europe Express et Numbers du groupe de musique électronique allemand Kraftwerk. Sa tournée au début des années 1980 permettra de diffuser le hip-hop en Europe et donc de transformer ce mouvement new-yorkais en un mouvement mondial.

Zulu Nation

Le 6 janvier 1975, le cousin d’Afrika, Soulski, est tué à la suite d’une fusillade avec les forces de l’ordre. Cet événement traumatise le jeune homme et conditionnera le reste de son existence. Il quitte le gang des Black Spades et voyage à travers l’Europe et l’Afrique. Durant l’année 1975 des épisodes exécrables marquent l’histoire du Bronx. À la suite d’interventions policières sanglantes, des émeutes éclatent et des attaques envers les forces de l’ordre surviennent. Choqué par la mort de son cousin, bouleversé par ses voyages et scandalisé par la situation dans laquelle se trouve son quartier, Bambaataa est bien décidé à transformer l’Organization.

Il veut en faire un groupe axé sur le mouvement hip-hop et prônant la non-violence. « Mon but était d’essayer de faire rentrer autant de gens que possible dans l’Organisation pour faire cesser la violence. Alors j’ai fait le tour des différents secteurs, en disant aux gens de se joindre à nous et de cesser la bagarre » déclara Afrika. Il fonde alors la Zulu Nation. Très vite, cette dernière modifie le visage du Bronx et de ses environs. Contrairement à l’époque de l’Organization, le message de la Zulu Nation est clair : elle affirme explicitement combattre les gangs. Grâce aux soirées et aux Maîtres de cérémonie (les MC), grâce à la break music, à la break dance et au graffiti, grâce au hip-hop, elle se targue de pacifier les quartiers en apportant sécurité et unité. Afrika s’appuiera aussi sur la religion, plus exactement sur l’idéologie de la Nation of Islam, pour rassembler la communauté noire autour de son projet.

Pendant un certain temps, la Zulu Nation réussit son pari. Elle parvient à désintéresser sérieusement des jeunes et des délinquants de la vie des gangs de rue. On peut dire qu’elle a participé activement au processus de déliquescence des organisations criminelles. C’est à partir de cette époque que le hip-hop devient plus qu’un mouvement artistique, il devient un choix d’existence : adhérer à la Zulu Nation, c’est devenir quelqu’un et être respecté pour ça.

Le Bronx, « ce n’était plus l’endroit où t’avais les vestes à la Hells Angels et où tu roulais des mécaniques dans des fringues aussi crades que possible rien que pour montrer que t’étais un hors-la-loi et que t’étais capable d’être l’enfoiré le plus dégueulasse de la zone » expliquera Afrika Bambaataa.

Pour cristalliser l’idéologie du groupe, un slogan devenu célèbre apparaît : « Paix, unité, amour et plaisir » (« Peace, unity, love and havin’ fun »).

Au début des années 1980, après une période de déclin, la logique hors-la-loi et ses gangs réapparaissent dans les rues du Bronx. Afrika se doit de donner un nouveau souffle à la Zulu Nation afin de ne pas revenir dix ans en arrière. « Il fallait qu’on trouve quelque chose pour rétablir l’ordre. Alors, je me suis mis à réfléchir, et tout m’est revenu, toutes les leçons que j’avais comprises, les expériences que j’avais vécues. J’ai commencé à me poser pour écrire sérieusement des trucs que j’avais en tête. D’autres personnes se sont mises à dire : « Mais moi aussi, je pense ça ». Et à partir de là, j’ai commencé à emprunter des idées à tout le monde pour inventer nos propres leçons. Et ça a commencé à prendre, et les gens se sont mis à se contrôler davantage24 », c’est ainsi qu’Afrika Bambaataa relate la manière dont il a rédigé les leçons, les « Infinity Lessons ». Ces dernières constituaient, et forment encore aujourd’hui, un véritable code composé de règles de conduite pour l’individu et pour la collectivité.

« 1- La Zulu Nation n’est pas un gang. C’est une organisation d’individus à la recherche de succès, de la paix, de la connaissance, de la sagesse, de la compréhension et d’une manière de vie droite.

2- Les membres Zulus doivent chercher des façons de survivre positivement dans la société. Les activités négatives sont des actions qui relèvent du côté injuste des choses. La nature animale est une nature négative. […]

5- Les Zulus ne devraient pas être associés à n’importe quelle organisation dont les fondations sont basées sur la négativité.

6- Les Zulus sont supposés être en paix avec eux-mêmes et les autres et ce, à n’importe quel moment.

7- Les Zulus ont appris à s’imposer dans leur croyance et croient en les lois du prophète Muwsa (Moïse). Œil pour œil et dent pour dent. […]

14- Les Zulus doivent mener un style pacifique et travailler pour rester droit.

15- Les Zulus doivent chercher la connaissance de soi afin de s’élever au milieu de la jungle urbaine. […]

20- L’anniversaire de la Zulu Nation est le 12 novembre. C’est une date officielle qui peut être célébrée durant la même semaine, le vendredi et le samedi, une fois le douze venu. »

— Extrait des 20 préceptes de la Zulu Nation

De ses qualités de rassembleur, Jay McGluery, un ami de Bam, témoigne : « Il y avait énormément de gangs, et il connaissait au moins cinq membres de chacun d’entre eux. À chaque fois qu’il avait un conflit, il essayait d’arranger le coup. La communication c’était son truc » (propos recueillis par le journaliste Steven Hager.

Abus sexuels et trafic sexuel de mineurs

En avril 2016, le militant politique du Bronx Ronald « Bee-Stinger » Savage accuse Bambaataa de l’avoir agressé en 1980, alors que Savage avait 15 ans. À la suite des allégations de Savage, trois autres hommes accusent Bambaataa d’abus sexuels. Bambaataa publie alors une déclaration au magazine Rolling Stone niant les allégations.

Début mai 2016, l’Universal Zulu Nation se dissocie de Bambaataa dans le cadre d’une restructuration organisationnelle qui a vu le groupe retirer « toutes les parties accusées et celles qui dissimulent les allégations actuelles de pédophilie » de leurs rôles actuels au sein de l’organisation.

Le 6 mai de la même année, Bambaataa quitte son poste de chef de la Zulu Nation. Un mois plus tard, l’Universal Zulu Nation publie une lettre ouverte s’excusant auprès des personnes alléguant que Bambaataa les avait agressées sexuellement tout en exprimant la responsabilité de la « mauvaise réponse » de l’organisation. La lettre est signée par près de trois douzaines de membres de la Zulu Nation du monde entier.

En octobre, le magazine Vice publie un article d’enquête intitulé « Afrika Bambaataa aurait abusé de jeunes hommes pendant des décennies » et rapporte les histoires de victimes et témoins présumés. Les accusateurs y « affirment que ces récits d’abus présumés sont de notoriété publique dans la communauté de Bronx River et au-delà depuis le début des années 1980, y compris parmi de nombreux amis les plus proches de Bambaataa et des soldats Zulu ».

Dans une interview de mars 2021, le rappeur Melle Mel confirme que la rumeur que Bambaataa est gay était largement répandue dans la première communauté hip hop, mais il ne répondrait pas à la question de savoir si les allégations d’agression étaient connues.

Le 4 août 2021, une procédure judiciaire est ouverte contre lui pour abus sexuel et trafic sexuel d’un garçon de 12 ans.

Le 1er novembre, Bambaataa est convoqué à une première audience à la cour suprême du Bronx. Il ne s’y présente pas, ni aucun avocat. Devant son absence, la juge envoie un huissier à sa dernière adresse connue où il est découvert qu’il n’y a jamais habité et que personne ne le connait.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/17531-Afrika-Bambaataa