BOB SEGER

Robert Clark Seger (né le 6 mai 1945) est un chanteur, auteur-compositeur et musicien américain. En tant qu’artiste à succès local de la région de Détroit , il a joué et enregistré sous le nom de Bob Seger and the Last Heard et The Bob Seger System tout au long des années 1960, perçant avec son premier album, Ramblin’ Gamblin’ Man (qui contenait son premier hit national du même nom ) en 1968. Au début des années 1970, il avait abandonné le « System » de ses enregistrements et continuait à lutter pour un succès plus large avec divers autres groupes. En 1973, il monte le Silver Bullet Band, avec un groupe de musiciens de la région de Detroit, avec qui il connaît le plus de succès au niveau national avec l’album Live Bullet (1976), enregistré en direct avec le Silver Bullet Band en 1975 au Cobo Hall de Detroit, Michigan. En 1976, il réalise une percée nationale avec l’album studio Night Moves . Sur ses albums studio, il a également beaucoup travaillé avec la section rythmique Muscle Shoals basée en Alabama , qui est apparue sur plusieurs des singles et albums les plus vendus de Seger.

Un rocker roots avec une voix rauque et puissante classique, Seger a écrit et enregistré des chansons qui traitaient de thèmes d’amour, de femmes et de cols bleus , et est l’un des exemples les plus connus d’un artiste rock du cœur . Il a enregistré de nombreux hits, dont « Night Moves », « Turn the Page », « Mainstreet », « Still the Same », « Hollywood Nights », « Against the Wind », « You’ll Accomp’ny Me », « Honte à la Lune « ,  » Roll Me Away « ,  » Like a Rock « , et «  », dont le dernier a été écrit pour le film Beverly Hills Cop II de 1987 et en tête du palmarès Billboard Hot 100. Il a également co-écrit le hit numéro un des Eagles  » Heartache Tonight « , et son enregistrement de  » Old Time Rock and Roll  » a été nommée l’une des chansons du siècle en 2001.

Avec une carrière de six décennies, Seger a vendu plus de 75 millions de disques dans le monde, faisant de lui l’un des artistes les plus vendus au monde de tous les temps. Seger a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2004 et au Songwriters Hall of Fame en 2012. Seger a été nommé Billboard ‘s 2015 Legend of Live Honoree au 12e conférence annuelle Billboard Touring & Awards , qui s’est tenue du 18 au 19 novembre à l’ hôtel Roosevelt à New York. Il a annoncé sa tournée d’adieu en septembre 2018.

Premières années

Seger est né à l’hôpital Henry Ford de Detroit, Michigan, le fils de Charlotte et Stewart Seger. À cinq ans, il déménage avec sa famille à Ann Arbor. Il avait un frère aîné, George.

Le père de Seger, technicien médical pour la Ford Motor Company, jouait de plusieurs instruments et Seger a été exposé à la musique dès son plus jeune âge. Seger a également été exposé à de fréquentes disputes entre ses parents qui ont dérangé le voisinage la nuit. En 1956, lorsque Seger avait 10 ans, son père a abandonné la famille et a déménagé en Californie. La famille restante a rapidement perdu son statut confortable de classe moyenne et a eu des difficultés financières.

Seger a fréquenté le Tappan Junior High School (maintenant Tappan Middle School) à Ann Arbor, Michigan , et a obtenu son diplôme en 1963 du Pioneer High School , connu à l’époque sous le nom de Ann Arbor High School . Il a couru l’athlétisme au lycée. Seger est également allé à Lincoln Park High School pendant un certain temps.

Concernant ses premières inspirations musicales, Seger a déclaré:  » Little Richard – il a été le premier qui m’a vraiment touché. Little Richard et, bien sûr, Elvis Presley . »  » Come Go with Me  » de The Del-Vikings , un succès en 1957, est le premier disque qu’il achète.

Premier succès national : 1961-1976

The Decibels and The Town Criers

Bob Seger est arrivé sur la scène musicale de Detroit en 1961 avec un groupe de trois musiciens appelé les Decibels. Le groupe comprenait Seger à la guitare, au piano, aux claviers et au chant, Pete Stanger à la guitare et HB Hunter à la batterie. Tous les membres ont fréquenté Ann Arbor High. Les Decibels ont enregistré une démo en acétate d’une chanson intitulée « The Lonely One », au studio de Del Shannon en 1961. En plus d’être la première chanson originale de Seger, « The Lonely One » a été la première chanson de Seger à être diffusée à la radio, diffusé une seule fois sur une station de radio d’Ann Arbor. En 2021, un enregistrement de « The Lonely One » a refait surface et a été diffusé (avec la permission de Seger) deux fois sur WCSX -FM à Detroit, les matins des 15 et 16 mars.

Après la dissolution des Decibels, Seger a rejoint les Town Criers, un groupe de quatre musiciens avec Seger au chant principal, John Flis à la basse, Pep Perrine à la batterie et Larry Mason à la guitare principale. The Town Criers, reprenant des chansons comme  » Louie Louie « , ont commencé à gagner un public régulier. Pendant ce temps, Seger écoutait James Brown et a déclaré que, pour lui et ses amis, Live at the Apollo était leur disque préféré après sa sortie en 1963. Seger a également été largement influencé par la musique des Beatles , une fois qu’ils ont atteint les côtes américaines en 1964. En général, lui et des amis musiciens locaux tels que Glenn Frey (plus tard membre des Eagles) acheté dans les locaux de la radio pop et rock des années 1960, avec ses succès accrocheurs ; il s’est rappelé plus tard lui-même et Frey en pensant à l’époque: « Vous n’êtes personne si vous ne pouvez pas passer à la radio. »

Doug Brown & The Omens

Alors que les Town Criers commençaient à décrocher plus de concerts, Bob Seger a rencontré un homme du nom de Doug Brown, soutenu par un groupe appelé The Omens. Seger a rejoint Doug Brown & The Omens, qui avaient vraisemblablement un public plus important que les crieurs publics. Alors que Doug Brown était le chanteur principal du groupe, Seger prendrait la tête de certaines chansons, couvrant des numéros de R&B. C’est avec ce groupe que Seger est apparu pour la première fois sur un enregistrement officiellement sorti : le single « TGIF » de 1965 soutenu par « First Girl », crédité à Doug Brown et The Omens. Seger est apparu plus tard dans la parodie de Doug Brown et The Omens de la chanson de Barry Sadler  » Ballad of the Green Berets  » qui a été rebaptisée  » Ballad of the Yellow Beret « .. Peu de temps après sa sortie, Sadler et son label ont menacé Brown et son groupe de poursuites, et l’enregistrement a été retiré du marché.

Alors que Bob était membre de The Omens, il a rencontré son manager de longue date Edward « Punch » Andrews , qui à l’époque était en partenariat avec Dave Leone qui dirigeait la franchise Hideout, qui se composait de quatre clubs de Clawson à Rochester Hills, où des actes locaux seraient play et une petite maison de disques. Seger a commencé à écrire et à produire pour d’autres groupes que Punch dirigeait, tels que les Mama Cats et les Mushrooms (avec Frey). Seger et Doug Brown ont ensuite été approchés par Punch et Leone pour écrire une chanson pour les Underdogs, un autre groupe local qui a récemment eu un succès avec une chanson intitulée « Man in the Glass ». Seger a contribué à une chanson intitulée  » East Side Story « , qui s’est finalement avérée être un échec pour les Underdogs.

The Last Heard

Seger a décidé d’enregistrer lui-même « East Side Story » et a officiellement quitté les Omens (bien qu’il ait retenu Doug Brown comme producteur). En tant que Bob Seger and the Last Heard, Seger a sorti sa version de la chanson avec Hideout Records en janvier 1966, et c’est devenu son premier grand succès à Detroit. Le single (accompagné de « East Side Sound », une version instrumentale de « East Side Story ») s’est vendu à 50 000 exemplaires, principalement dans la région de Detroit, et a conduit à un contrat avec Cameo-Parkway Records. Bien que le nom « The Last Heard » faisait à l’origine référence à la collection d’Omens et de crieurs publics qui ont enregistré « East Side Story » avec Seger, il est rapidement devenu le nom du groupe permanent de Seger, composé de l’ancien crieur public Pep Perrine à la batterie, Carl Lagassa à la guitare et Dan Honaker à la basse. Après « East Side Story », le groupe a sorti quatre autres singles : le single de vacances inspiré de James Brown « Sock It to Me Santa », le Dylan -esque « Persecution Smith », « Vagrant Winter », et peut-être le plus remarquable,  » Musique lourde », sorti en 1967. « Heavy Music », qui s’est vendu encore plus d’exemplaires que « East Side Story », avait le potentiel de percer à l’échelle nationale lorsque Cameo-Parkway a soudainement cessé ses activités. C’était un des 100 meilleurs succès au Canada, où il a atteint le sommet des charts nationaux RPM au n ° 82. Aux États-Unis, il a raté de peu le Hot 100, culminant sur le tableau « bouillonnant sous » au n ° 103. La chanson restera dans l’acte live de Seger pendant de nombreuses années à venir .

Le système Bob Seger

Après la fermeture de Cameo-Parkway, Seger et Punch ont commencé à chercher un nouveau label. Au printemps 1968, Bob Seger & the Last Heard signe avec le grand label Capitol Records , refusant Motown Records , qui offre plus d’argent que Capitol. Seger a estimé que Capitol était plus approprié pour son genre que Motown

Capitol a changé le nom du groupe en The Bob Seger System. Dans la transition entre les labels, le guitariste Carl Lagassa a quitté le groupe et le claviériste Bob Schultz l’a rejoint. Le premier single de The System avec Capitol était la chanson de message anti-guerre  » 2 + 2 = ? « , qui reflétait un changement marqué dans les attitudes politiques de Seger depuis  » The Ballad of the Yellow Beret « . Le single a de nouveau été un succès à Detroit et a atteint le numéro 1 sur les stations de radio de Buffalo, New York et Orlando, Floride, mais est passé inaperçu presque partout ailleurs et n’a pas réussi à se classer à l’échelle nationale aux États-Unis. Le single a cependant fait partie des charts nationaux canadiens, culminant au 79e rang.

Le deuxième single de The Bob Seger System était  » Ramblin’ Gamblin’ Man « . C’était un grand succès dans le Michigan, et il est également devenu le premier succès national de Seger, culminant au n ° 17. Le succès de la chanson a conduit à la sortie d’un album du même titre en 1969. L’ album Ramblin ‘Gamblin’ Man a atteint le n ° 17. 62 sur le palmarès des albums pop Billboard . Glenn Frey a eu son premier concert en studio en chantant et en jouant de la guitare sur « Ramblin’ Gamblin’ Man ».

Seger n’a pas pu donner suite à ce succès. Pour le prochain album, l’auteur-compositeur-interprète Tom Neme a rejoint The System, écrivant et chantant finalement la majorité des morceaux présentés, pour lesquels le groupe a été fortement critiqué. L’album intitulé Noah (1969), n’a pas du tout réussi à se classer, ce qui a conduit Seger à quitter brièvement l’industrie de la musique et à fréquenter l’université. Il revient l’année suivante et sort le dernier album du System, 1970’s Mongrel , cette fois sans Neme. Bob Schultz a également quitté le groupe et a été remplacé par Dan Watson. Mongrel , avec le puissant single  » Lucifer « , était considéré comme un album fort par de nombreux critiques et fans de Detroit, mais n’a pas réussi à bien se faire commercialement.

Le système Bob Seger a été intronisé au Michigan Rock and Roll Legends Hall of Fame en 2006.

Solo

Après que Mongrel (1970) n’ait pas été à la hauteur du succès de Ramblin’ Gamblin’ Man (1969), The System s’est dissipé. Pendant une courte période après la rupture, Seger avait l’ambition d’être un homme seul. [18] En 1971, il sort son premier album solo, le tout-acoustique Brand New Morning . L’album a été un échec commercial et a conduit à son départ de Capitol Records.

Seger, ayant retrouvé un œil pour les groupes, a commencé à jouer avec le duo Teegarden & Van Winkle , qui en 1970 avait un single à succès avec « God, Love and Rock & Roll ». Ensemble, ils ont enregistré Smokin’ OP’s (1972), sorti sur Palladium Records de Punch Andrews. L’album se composait principalement de reprises, engendrant un petit succès avec une version de  » If I Were a Carpenter  » de Tim Hardin (n ° 76 aux États-Unis), bien qu’il comportait  » Someday « , un nouvel original de Seger, et un re -sortie de « Heavy Music ». L’album atteint 180 sur le Billboard 200.

Après avoir passé la majeure partie de 1972 en tournée avec Teegarden & Van Winkle, Seger a quitté le duo pour monter un nouveau groupe d’accompagnement, appelé à la fois My Band et Borneo Band, composé de musiciens de Tulsa, Oklahoma . Jamie Oldaker , Dick Sims et Marcy Levy étaient tous membres de My Band avant de rejoindre le groupe d’accompagnement d’ Eric Clapton . En 1973, Seger a sorti Back in ’72 , enregistré en partie avec la Muscle Shoals Rhythm Section , un groupe renommé de musiciens de session qui avaient enregistré avec JJ Cale et Aretha Franklin. Selon Seger, il y a eu un malentendu financier avec les musiciens : ils ont proposé de l’enregistrer « pour 1500 $ par face », ce qu’il a pris pour signifier 1500 $ par face d’album. Quand il a découvert qu’ils signifiaient 1500 $ par chanson, il est parti après avoir enregistré trois chansons mais a décidé de travailler avec eux à l’avenir. Back in ’72 présentait la version studio du dernier classique live de Seger  » Turn the Page « ;  » Rosalie « , une chanson que Seger a écrite sur la directrice musicale de CKLW Rosalie Trombley (et qui a ensuite été enregistrée par Thin Lizzy ); et  » I’ve Been Working « , une chanson à l’origine de Van Morrison , une forte influence sur le développement musical de Seger.Malgré la force des musiciens de secours de Seger, l’album n’a atteint que 188 sur les charts américains et est depuis tombé dans l’obscurité. Malgré tout, Back in ’72 et sa tournée de soutien marquent le début des relations de longue date de Seger avec le futur saxophoniste du Silver Bullet Band Alto Reed , la puissante chanteuse Shaun Murphy et la section rythmique de Muscle Shoals. Au cours de la tournée, My Band s’est avéré peu fiable, ce qui a frustré Seger. À la fin de 1973, Seger avait quitté My Band à la recherche d’un nouveau groupe de soutien. Tout au long de 1974–75, Seger a continué à se produire dans des salles locales autour de sa ville natale alors qu’il était connu sous le nom de Bob Seger Group, y compris un concert renommé à Davisburg, MI appelé la «bataille des groupes».

Le groupe Silver Bullet

En 1974, Seger forme le Silver Bullet Band. Ses membres originaux étaient le guitariste Drew Abbott , le batteur et choriste Charlie Allen Martin, le claviériste et choriste Rick Manasa, le bassiste Chris Campbell et le saxophoniste et choriste Alto Reed . Avec ce nouveau groupe assis occasionnellement, Seger a sorti l’album Seven (1974), qui contenait le hit hard-rock de la région de Detroit  » Get Out of Denver « . Cette piste a été un succès modeste et s’est classée au 80e rang national.

En 1975, Seger revient chez Capitol Records et sort l’album Beautiful Loser , avec l’aide du Silver Bullet Band (avec le nouveau claviériste Robyn Robbins remplaçant Manasa) sur sa reprise du Tina Turner écrite  » Nutbush City Limits « . Le single  » Katmandu  » de l’album, qui figurait dans le film Mask de 1985 avec Cher (en plus d’être un autre succès substantiel dans la région de Detroit), était le premier véritable morceau national de Seger depuis  » Ramblin ‘Gamblin’ Man  » en 1968. Bien qu’elle ait raté de peu le Top 40 de la pop américaine – culminant au n ° 43 – la chanson a reçu une forte diffusion sur plusieurs marchés du pays, y compris Detroit.

En avril 1976, Seger et le Silver Bullet Band ont sorti l’album Live Bullet , enregistré pendant deux nuits à la Cobo Arena de Detroit en septembre 1975. Il contenait l’interprétation de Seger de « Nutbush City Limits » ainsi que la version classique de Seger de la vie sur la route, « Turn the Page », de Back in ’72 . Il comprenait également ses sorties à succès de la fin des années 1960 – « Heavy Music » et « Ramblin’ Gamblin’ Man ». Le critique Dave Marsh écrivit plus tard que  » Live Bullet est l’un des meilleurs albums live jamais réalisés … Par endroits, en particulier lors du medley de  » Travelin ‘Man  » /  » Beautiful Loser  » sur la première face,Un best-seller instantané à Detroit, Live Bullet a commencé à attirer l’attention dans d’autres parties du pays, se vendant mieux que les albums précédents de Seger, obtenant une radio rock progressive et une diffusion rock orientée album , et permettant à Seger de faire la une de plus d’émissions. Pourtant, Seger avait toujours un déséquilibre de popularité. En juin 1976, il était un artiste vedette au Pontiac Silverdome près de Detroit devant près de 80 000 fans. Le lendemain soir, Seger a joué devant moins d’un millier de personnes à Chicago.

Pic de succès : 1976-1987

Seger a finalement réalisé sa percée commerciale avec son album d’octobre 1976 Night Moves . La chanson titre,  » Night Moves  » a été bien accueillie par la critique et commercialement, devenant un succès n ° 4 sur le palmarès Billboard Pop Singles et étant diffusée sur la radio AOR . L’album comprenait également les chansons  » Mainstreet  » (écrites sur Ann Arbor’s Ann Street), une ballade à succès n ° 24 qui soulignait la crédibilité rock de Seger ainsi que la ligne de guitare principale du guitariste Pete Carr , et  » Rock and Roll Never Forgets « , qui a culminé à la 41e place du Billboard Hot 100 .a été le premier album de Seger dans le top 10 du palmarès des albums Billboard et, à partir de 2006, a été certifié à 6 millions d’exemplaires aux États-Unis, ce qui en fait l’album studio le plus vendu de toute sa carrière. Le succès de Night Moves a également stimulé les ventes des versions précédentes de Seger. La sortie de Seger en 1975, Beautiful Loser , se vendra finalement à deux millions d’exemplaires et l’album Live Bullet de 1976 se vendra à six millions d’exemplaires aux États-Unis. Live Bullet finira par être cité comme l’un des plus grands albums live de tous les temps.

En février 1977, le batteur du Silver Bullet Band, Charlie Allen Martin, a été heurté par une voiture par derrière alors qu’il marchait sur une voie de service et s’est retrouvé incapable de marcher. David Teegarden, ancien batteur de Seger sur son album de 1972 Smokin’ OP’s était son remplaçant. Malgré la perte de Martin, l’album Stranger in Town de Seger en 1978 a également été un succès. Le premier single, « Still the Same », atteint la 4e place du Billboard Hot 100 .  » Hollywood Nights  » a atteint la 12e place du même classement, tandis que la ballade  » We’ve Got Tonight  » a atteint la 13e place.  » We’ve Got Tonight « et la chanteuse pop Sheena Easton . Notamment, il a dépassé les Hot Country Songs de Billboard et a culminé aux n ° 2 et n ° 6 des charts Adult Contemporary et Hot 100 de Billboard respectivement.  » Old Time Rock and Roll « , une chanson de George Jackson et Thomas E. Jones III dont Seger a considérablement réécrit les paroles, a culminé au n ° 28 sur le Hot 100, mais a atteint une plus grande popularité après avoir été présenté dans le film de Tom Cruise de 1983 Risky Business , dans lequel le personnage de Tom Cruise danse en sous-vêtements sur la chanson. Il a depuis été classé deuxième Jukebox Single le plus joué de tous les temps, derrière« Crazy » de Patsy Cline. « Old Time Rock and Roll » a été nommé l’une des chansons du siècle en 2001. Seger a depuis fait remarquer que ne pas prendre un tiers de crédit d’écriture sur son enregistrement était, financièrement, « la chose la plus stupide que j’aie jamais faite ».

Seger a également co-écrit la chanson à succès n ° 1 des Eagles  » Heartache Tonight  » de leur album de 1979 The Long Run ; leur collaboration sur les premières vies partagées de Seger et Glenn Frey à Detroit.

En 1980, Seger a sorti Against the Wind (avec l’ancien membre de Grand Funk Railroad Craig Frost remplaçant Robyn Robbins aux claviers) et c’est devenu son premier et unique album n ° 1 sur le palmarès des albums Billboard . Le premier single  » Fire Lake  » mettait en vedette Eagles Don Henley , Timothy B. Schmit et Glenn Frey aux chœurs et le guitariste de Muscle Shoals, Pete Carr , à la 12 cordes acoustique. Fire Lake a atteint la 6e place du Hot 100, tandis que la chanson titre « Against the Wind » a atteint la 5e place en tant que single et est même passée dans le Top 10 du Billboard .Tableau contemporain adulte .  » You’ll Accomp’ny Me  » est devenu le troisième single à succès du disque, atteignant le n ° 14. Against the Wind remporterait également deux Grammy Awards . En 2006, Stranger in Town et Against the Wind s’étaient vendus à plus de 5 millions d’exemplaires chacun aux États-Unis.

L’album live de 1981 Nine Tonight résume ce pic de trois albums de la carrière commerciale de Seger. L’interprétation de Seger de  » Tryin’ to Live My Life Without You  » d’Eugene Williams est devenue l’un des cinq succès de Nine Tonight et l’album se vendrait à 4 millions d’exemplaires.

Seger a sorti le célèbre The Distance en décembre 1982. Lors de l’enregistrement de cet album, le guitariste de Silver Bullet Drew Abbott a quitté le groupe en raison de sa frustration face à l’utilisation fréquente par Seger de musiciens de session en studio et a été remplacé par Dawayne Bailey . Après la sortie de l’album, David Teegarden a également quitté le groupe en raison d’un conflit interne et a été remplacé par l’ancien batteur de Grand Funk Don Brewer . Salué par la critique pour représenter un son plus polyvalent que celui de son matériel récent, The Distance a engendré de nombreux succès à commencer par  » Shame on the Moon  » de Rodney Crowell . ». C’était le plus grand succès de toute la carrière du Silver Bullet Band, atteignant le n ° 1 du classement Adult Contemporary et se tenant au n ° 2 pendant quatre semaines consécutives – derrière  » Baby, Come to Me  » de Patti Austin et James Ingram . et  » Billie Jean  » de Michael Jackson – sur le Hot 100. Il est également passé n ° 15 du palmarès des singles country de Billboard . Le single suivant,  » Even Now « , a raté de peu le Top 10, et  » Roll Me Away  » a culminé au n ° 27. La piste de l’album « Making Thunderbirds » était un clip vidéo populaire filmé à Detroit et bien accueilli sur MTV .  . Les ventes multi-platine de Seger ont chuté à ce stade, The Distance culminant au n ° 5 et ne se vendant qu’à 1,9 million d’exemplaires aux États-Unis. The Distance est sorti tardivement sur cassette 8 pistes ; Capitol n’aurait apparemment pas l’intention de le faire, mais Seger, affirmant que beaucoup de ses fans utilisaient encore des lecteurs 8 pistes dans leurs véhicules, a demandé au label de sortir également l’album au format décroissant.

En 1984, Seger écrit et enregistre la ballade power rock « Understanding » pour la bande originale du film Teachers . La chanson était un autre hit du Top 20 pour Seger à la fin de 1984. En 1986, il a écrit et enregistré « Living Inside My Heart » pour la bande originale du film About Last Night… .

Seger n’était plus aussi prolifique, et plusieurs années se sont écoulées avant que son prochain album studio, Like a Rock , ne sorte au printemps 1986. Le rythme rapide « American Storm » était un autre single du Top 20 aidé par un clip vidéo populaire mettant en vedette l’actrice. Lesley Ann Warren et  » Like a Rock  » ont suivi, atteignant la 12e place du Billboard’s Hot 100. Plus tard, il deviendra familier à de nombreux Américains grâce à son association avec une longue campagne publicitaire de Chevrolet (quelque chose que Seger a explicitement choisi de faire pour soutenir travailleurs américains de l’automobile en difficulté à Detroit). L’ American Storm Tour 1986-1987 de Seger était sa dernière grande tournée autoproclamée, jouant 105 spectacles sur neuf mois et vendant près de 1,5 million de billets. Like a Rock a atteint la troisième place et s’est finalement vendu à plus de trois millions d’exemplaires, bien qu’il n’ait jamais été certifié au-dessus du platine.

Le 13 mars 1987, Bob Seger et le Silver Bullet Band ont reçu une étoile sur le Hollywood Walk of Fame pour leurs contributions à l’industrie de la musique, situé au 1750 Vine Street.

En 1987, Seger enregistre la chanson « Shakedown » pour la bande originale du film Beverly Hills Cop II . Une chanson pop-rock axée sur le synthé, c’était le premier et le seul hit n ° 1 de Seger sur le palmarès des singles pop. La chanson était à l’origine destinée à son compatriote de Detroit Glenn Frey , mais lorsque Frey a perdu sa voix juste avant la session d’enregistrement, il a demandé à Seger de prendre sa place. Seger a changé les couplets de la chanson mais a gardé le même refrain. La chanson a valu à Seger une nomination aux Oscars en tant que co-auteur dans la catégorie Meilleure chanson originale l’année suivante.

L’après 1988 à aujourd’hui

Le disque suivant de Bob Seger était The Fire Inside de 1991 , à une époque où le glam metal , le grunge et le rock alternatif prenaient le devant de la scène. Sa nouvelle musique a trouvé peu de visibilité à la radio ou ailleurs. Il y va de même pour It’s a Mystery en 1995 , bien que l’album soit certifié disque d’or (500 000 exemplaires vendus). Cependant, en 1994, Seger sort Greatest Hits ; l’album de compilation était son plus gros record en termes de ventes, se vendant à près de 10 millions d’exemplaires aux États-Unis en 2010. Seger a repris la route pour une tournée en 1996, qui a été un succès et a vendu le quatrième plus grand nombre de billets de toute tournée nord-américaine cette année-là. (Seger était autrefois connu pour ses concerts dans de petites salles, comme en témoigne son apparition au 18e amendement à Omaha, Nebraska.)

Seger a pris un congé sabbatique de l’industrie de la musique pendant environ dix ans pour passer du temps avec sa femme et ses deux jeunes enfants. En 2001 et 2002, Seger a remporté la prestigieuse Port Huron to Mackinac Boat Race à bord de son voilier Lightning de 52 pieds (16 m) . Il a ensuite vendu le bateau. Il a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame le 15 mars 2004. Son camarade Detroiter Kid Rock a prononcé le discours d’intronisation et la gouverneure du Michigan, Jennifer Granholm , a proclamé cette date Bob Seger Day en son honneur. En 2005, Seger a chanté avec 3 Doors Down sur la chanson  » Landing in London  » de leur album Seventeen Days .

Bob Seger et The Silver Bullet Band ont été intronisés au Michigan Rock and Roll Legends Hall of Fame en 2005.

Le premier nouvel album de Seger en onze ans, intitulé Face the Promise , est sorti en 2006. Au cours de ses 45 premiers jours, il s’est vendu à plus de 400 000 exemplaires. L’album s’est vendu à plus de 1,2 million d’exemplaires, ramenant Seger au statut de platine et restant sur le palmarès Billboard pendant plusieurs mois. Sa tournée de soutien était également très attendue, de nombreux spectacles se vendant en quelques minutes. Montrant que l’attrait légendaire de Seger dans le Michigan n’avait pas diminué, les 10 834 billets disponibles pour son premier spectacle à la Van Andel Arena de Grand Rapids se sont vendus en moins de cinq minutes; trois spectacles supplémentaires ont ensuite été ajoutés, dont chacun a également vendu.

En 2009, Seger a sorti un album de compilation intitulé Early Seger Vol. 1 , qui contenait des documents d’archives des années 1970 et 1980, y compris des morceaux entièrement ou partiellement réenregistrés de ses albums Smokin’ OP’s (1972) et Seven (1974) et des chansons inédites. L’album n’était initialement disponible à l’achat que dans les magasins Meijer , puis plus tard en téléchargement sur BobSeger.com. Seger a contribué au piano et au chant sur l’album Born Free de Kid Rock en 2010 . Seger a organisé une tournée d’arène réussie en 2011, accompagnée de la sortie d’un album de compilation de deux CD, Ultimate Hits: Rock and Roll Never Forgets. Le 28 mai 2011, le gouverneur du Michigan, Rick Snyder , a proclamé cette date comme la Journée Bob Seger pour ses plus de 50 ans de partage de ses talents musicaux célèbres avec des fans du monde entier.

Le 30 décembre 2011, devant une foule à guichets fermés au Mandalay Bay Events Center de Las Vegas, Seger a clôturé une autre tournée réussie. Le 30 octobre 2011, il a déclaré au directeur d’AnnArbor.com, Bob Needham, qu’il retournait au studio pour terminer un autre nouvel album à paraître à l’automne 2012, suivi d’une autre tournée de soutien.

Le 14 juin 2012, Seger a été intronisé au Songwriters Hall of Fame. Le 10 janvier 2013, Seger a annoncé une autre tournée aux États-Unis et au Canada.

Seger a interprété un duo de  » Who’ll Stop the Rain  » avec John Fogerty sur l’album de Fogerty Wrote a Song for Everyone , sorti en 2013.

Le 17e album studio de Seger, Ride Out , est sorti le 14 octobre 2014. Ride Out a été accompagné d’une tournée d’arène très réussie aux États-Unis et au Canada.

Le 22 décembre 2016, Seger a interprété  » Heartache Tonight  » alors que le Kennedy Center honorait les Eagles . Quelques semaines plus tard, le 18 janvier 2017, Seger a offert le single  » Glenn Song  » sur son site Web en hommage à la mort d’un an du membre fondateur des Eagles Glenn Frey , avec qui Seger était un ami proche. À partir du 24 août 2017, Seger s’est lancé dans une tournée Runaway Train de 32 villes qui devait initialement se terminer le 17 novembre 2017 à Chicago . Cette tournée comprenait un spectacle le 22 septembre 2017 au Palace of Auburn Hills ( Michigan ), qui était le dernier événement à se tenir dans ce lieu. Le même jour, Seger a annoncé son nouvel album studio, I Knew You When , et a sorti  » Busload of Faith « , une reprise de la chanson de Lou Reed de l’album de 1989 New York , en tant que premier single tiré de l’album.  I Knew You When est sorti le 17 novembre 2017, ce qui aurait marqué le dernier jour de la tournée Runaway Train de Seger. Cependant, en raison « d’un problème médical urgent avec ses vertèbres « , toutes les dates de concert commençant le 30 septembre ont dû être reportées. Sur les 32 dates de tournée prévues, Seger a pu en terminer 13 et a dû en reporter 19.

Le 18 septembre 2018, Seger a annoncé sa dernière tournée. Nommée la tournée Travelin ‘Man , elle comprend des dates reportées de la tournée 2017 ainsi que des spectacles supplémentaires, et devait débuter le 21 novembre à la Van Andel Arena de Grand Rapids, MI.

Héritage

Lincoln Park a déclaré le 17 novembre 2017, « Bob Seger Day » dans la ville. Le maire Thomas Karnes a qualifié Seger de voix de la ville pour leur génération. Seger y a fréquenté l’école dans sa jeunesse et s’est produit au kiosque à musique de la ville dans les années 1960.

Vie personnelle

Le premier mariage de Seger avec Renee Andrietti en 1968 a duré « un jour avant un an ». Il a eu une relation à long terme avec Jan Dinsdale de 1972 à 1983. En 1987, il a épousé l’actrice Annette Sinclair et ils ont divorcé un an plus tard. Il a épousé Juanita Dorricott en 1993, dans un petit cadre privé au Village Club, à Bloomfield Hills ; ils ont deux enfants.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/267854-Bob-Seger

BILLY GRIFFIN

William L. Griffin (plus connu  sous le nom de Billy Griffin) (né le 15 août 1950) est un chanteur et auteur-compositeur américain. Il est surtout connu pour avoir remplacé Smokey Robinson en tant que chanteur principal de The Miracles en 1972.

Biographie

Griffin est né et a grandi à West Baltimore, Maryland. Il a fréquenté le Garrison Junior High School et le Forest Park High School. Lui, comme son frère Donald Griffin (1955-2015), (qui a remplacé plus tard Marv Tarplin dans les Miracles), était un guitariste, ainsi qu’un chanteur, et a chanté avec un groupe local de Baltimore appelé The Last Dynastie. Damon Harris, qui devint plus tard célèbre en tant que membre de The Temptations, était un ami du lycée et membre d’un autre groupe local, les Young Tempts (plus tard rebaptisé The Young Vandals). Griffin idolâtrait le chanteur de Miracles, Smokey Robinson, tandis que Harris idolâtrait Temptation.Eddie Kendricks. Tous deux ont fini par remplacer leurs idoles dans leurs groupes respectifs.

Griffin et trois amis ont formé le groupe Last Dynasty et ont remporté un programme de talents sur NBC Television.

Lors de la tournée nationale d’adieu de The Miracles en 1972 avec Smokey Robinson, Griffin a été présenté par Robinson comme son remplaçant dans The Miracles en tant que chanteur principal. Après un an de woodshedding  avec le célèbre département de développement des artistes de Motown, Griffin a sorti son premier single avec les Miracles, « What Is a Heart Good For », de leur premier album post-Robinson, Renaissance en 1973. Griffin a chanté cette chanson sur son premier apparition à la télévision nationale en tant que Miracle avec les autres membres du groupe The Miracles, Bobby Rogers, Ronnie White et Pete Moore dans un autre programme musical de NBC, The Midnight Special, en 1973, animé par Robinson. Le single a été retiré et remplacé par une ballade,  » Don’t Let It End (Till You Let It Begin) « , qui a été un léger succès. Après un deuxième single,  » Give Me Just Another Day « , sorti plus tard cette année-là, sous la direction de Martin Pichinson, The Miracles sort  » Do It Baby  » en 1974, qui culmine à la 4e place du palmarès Billboard R&B et devient le premier véritable succès du groupe avec Griffin.

Comme Robinson avant lui, Griffin a co-écrit de nombreuses chansons des Miracles, en plus de chanter. Griffin et le membre original de Miracles, Pete Moore, ont écrit tout l’ album de vente de platine des Miracles en 1975 , City of Angels . Au cours de son mandat avec le groupe, ils ont enregistré trois tubes :  » Do It Baby  » en 1974, et le single le plus réussi des Miracles, le hit numéro un  » Love Machine « , en 1975 qui s’est vendu à 4,5 millions de disques dans le monde. Griffin a également chanté le rôle principal sur  » Don’t Cha Love It « , un single du Top 10 R&B # 4.

Les Miracles ont quitté Motown en 1976, en signant avec Columbia Records. Après deux albums pour Columbia, Griffin et Moore ont décidé de se retirer de la scène et de se concentrer sur l’écriture de chansons. En 1982, Griffin a sorti son premier album solo , Be with Me , qui a donné le top 20 du UK Singles Chart « Hold Me Tighter in the Rain ». L’année suivante, Respect a produit le succès du club, « Serious » qui a culminé à la 64e place des charts britanniques. Après un troisième album avec Leon Ware, Griffin a changé de label pour Atlantic Recordsmais malgré l’achèvement d’un album, un seul single « Believe It or Not » y est sorti avant qu’il ne se retrouve sans contrat d’enregistrement.

En 1989, Griffin a rejoint Motorcity Records, le projet Motown-reunion du producteur de disques britannique Ian Levine, et a été le premier à sortir un single sur le label, « First in Line ». Griiffin a également dirigé une réunion de Miracles avec un nouvel enregistrement de « Love Machine ». Griffin est devenu écrivain et arrangeur de chœurs pour plusieurs des autres artistes, et a enregistré un grand nombre de morceaux lui-même, mais son album Technicolor n’est jamais sorti et le label s’est effondré en 1992. La plupart de ses enregistrements Motorcity sont sortis sur la compilation de 1996 Best de Billy Griffin .

Levine et Griffin ont également décroché quelques singles à succès pour le groupe de soul britannique The Pasadenas et ont coproduit le premier album de Take That , qui comprend les singles à succès « Could It Be Magic » (UK #3) et « I Found Heaven » . (Royaume-Uni #15). Ils ont également travaillé avec le boys band de Levine , Bad Boys Inc.

Griffin a écrit des chansons et chanté des chœurs pour Aretha Franklin, The O’Jays, Ronald Isley, Freda Payne, Edwin Starr, Evelyn Champagne King, Herb Alpert, Martine McCutcheon, The Emotions et bien d’autres. En 2006, Griffin sort son dernier album solo, Like Water . On peut voir Griffin jouer « Do It Baby » et « Love Machine » avec les Miracles sur la sortie DVD Motown / Universal : Smokey Robinson & the Miracles: The Definitive Performances 1963-1987

La chanson  » Love Machine  » des Miracles a été échantillonnée dans le single  » Closet Freak  » de Ceelo Green en 2002 et également dans le single d’or 2010 de Drake  » Miss Me « . Ces deux productions sont maintenant prévues pour une réédition sur les cd « Greatest Hits » pour Drake et Ceelo. Aujourd’hui, Griffin est copropriétaire de sa propre société d’édition musicale, Grimora Music (détenue avec le membre original de Miracles Pete Moore ( Griffin + Moor e) – a .

Reconnaissance

Griffin a été honoré des autres Miracles lorsque le groupe a reçu une étoile sur le Hollywood Walk Of Fame le 20 mars 2009.

En 1987, Smokey Robinson a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en tant qu’artiste solo, mais Griffin et les autres membres de The Miracles ne l’étaient pas. En 2012, les Miracles ont été intronisés au Temple de la renommée en tant que groupe, mais Griffin n’a pas été inclus. Les membres intronisés des Miracles étaient Warren « Pete » Moore, Claudette Rogers Robinson, Bobby Rogers, Marvin Tarplin et Ronald White.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/46706-Billy-Griffin

BEVERLEY KNIGHT

Beverley Knight (née Beverley Anne Smith , le 22 mars 1973) est une chanteuse, compositrice, actrice et animatrice radio anglaise. Elle a sorti son premier album, The B-Funk , en 1995. Fortement influencée par des icônes de la soul américaine comme Sam Cooke et Aretha Franklin , Knight a sorti neuf albums studio. Largement considérée comme l’une des plus grandes chanteuses soul britanniques, Knight est surtout connue pour ses tubes « Greatest Day », « Get Up! », « Shouda Woulda Coulda », « Come as You Are » et « Keep This Fire Burning ».

En 2006, Knight a consolidé sa transition vers le grand public en jouant dans la série télévisée musicale de la BBC Just the Two of Us , un rôle qu’elle a repris en 2007. Après la sortie d’un album compilation disque de platine en 2006, Knight a effectué une tournée au Royaume-Uni avec un Take That reformé . Elle a également animé l’ émission de BBC Radio 2 , Beverley’s Gospel Nights , qui explorait les origines et l’impact de la musique gospel . L’émission a duré six saisons jusqu’en 2009 et comprenait des interviews de stars telles que Michelle Williams et Shirley Caesar.

Knight est ambassadrice de nombreuses associations caritatives, comme Christian Aid , et s’est rendue dans des régions touchées par la maladie et la pauvreté pour sensibiliser le public. Militante active auprès d’organisations de lutte contre le sida, telles que la campagne Stop AIDS et le Terrence Higgins Trust , elle s’engage également activement contre les paroles homophobes dans la musique urbaine. Le samedi 15 août 2009, elle s’est produite en direct lors de la quatrième édition annuelle de la Black Pride au Royaume-Uni , à Regent’s Park . Le 4 décembre 2009, invitée par Sarah Jane Brown , épouse du Premier ministre de l’époque , Gordon Brown , Knight a interprété les deux chansons « Shouda Woulda Coulda » et « Gold » devant un public invité au 10 Downing Street, en soutien à l’ association caritative White Ribbon Alliance for Safe Motherhood Million Mums.

Après plus d’une décennie dans l’industrie musicale, Knight a été nommée membre de l’Ordre de l’Empire britannique en 2006 en reconnaissance de sa contribution à la musique britannique. En septembre 2005, Knight a été nommée docteur honoris causa en musique par l’ Université de Wolverhampton. Après avoir reçu de nombreux prix, dont trois MOBO Awards , Knight a reçu un Lifetime Achievement Award en 2004 aux Urban Music Awards à Londres. Knight a soutenu Prince pendant The Earth Tour: 21 Nights in London et s’est également produite lors des after-parties du concert.

En février 2008, Knight a été invitée à Los Angeles par Prince pour se produire lors de sa prestigieuse soirée post- Oscars , dans la demeure violette du chanteur, devant et aux côtés de stars comme Stevie Wonder. Elle a reçu une standing ovation de la part de stars comme Quincy Jones , notamment pour son interprétation de « Rock Steady ».

Knight a chanté lors de la cérémonie d’ouverture des Jeux paralympiques de Londres 2012. Sa performance a été saluée et une version enregistrée par Knight a atteint la 101e place sur iTunes , son premier single classé depuis « Soul Survivor » et son meilleur classement depuis « Beautiful Night » en 2010 et 2009, respectivement. En 2016, Knight a sorti son huitième album studio, Soulsville . En 2019, Knight a fêté ses 25 ans de carrière musicale avec la sortie de l’album live BK25 , enregistré avec le Leo Green Orchestra. Son neuvième album studio, The Fifth Chapter , est sorti en octobre 2023.

Knight a été nominée pour deux Laurence Olivier Awards de la meilleure actrice dans une comédie musicale en 2015 et 2022 pour ses performances dans Memphis et The Drifters Girl ; elle a remporté en 2023, lors de sa troisième nomination, le prix de la meilleure actrice dans un second rôle dans une comédie musicale pour Sylvia . Knight a fait sa première incursion dans le théâtre musical en septembre 2013, remplaçant Heather Headley dans le rôle de Rachel Marron dans The Bodyguard. En 2017, elle a fait ses débuts dans la pantomime à l’ Hippodrome de Birmingham dans le rôle de la fée marraine dans Cendrillon.

En 2025, Knight incarnera Rosetta Tharpe dans la production théâtrale Marie & Rosetta au Rose Theatre de Kingston upon Thames et au Minerva Theatre de Chichester 

Knight a fréquenté les écoles maternelles et primaires de Woodfield et la Highfields School de Wolverhampton. Née de parents jamaïcains , elle a grandi dans une famille pentecôtiste stricte où la fréquentation de l’église était un élément important de la vie familiale. C’est là qu’elle a débuté sa carrière de chanteuse. « La première fois que j’ai entendu de la musique, c’était à l’église. On interpellait souvent ma mère : “Allez, sœur Dolores. Chante avec nous !” Chanter était la chose la plus naturelle au monde. Je me suis demandé : est-ce que toutes les mères ne chantent pas avec les fidèles à l’église ? » Knight a chanté dans son église locale tout au long de son enfance, et son éducation musicale s’est poursuivie à la maison, où elle a souvent été exposée au gospel. En raison des convictions religieuses de ses parents, la musique profane était largement désapprouvée, mais des artistes comme Sam Cooke et Aretha Franklin ont joué un rôle important dans son enfance.

Knight a commencé à écrire ses propres chansons à l’âge de 13 ans ; cependant, ce n’est qu’à 17 ans qu’elle a commencé à prendre l’écriture et la performance au sérieux. Elle a commencé à interpréter ses chansons sur scène dans des clubs de sa ville natale. À 19 ans, elle a participé aux démos de Westley Jones, auteur-compositeur de Wolverhampton, signé chez Dome Publishing à Londres. Peter Robinson, directeur général de la maison, impressionné par sa voix, a demandé à Westley Jones de la présenter. Robinson et Jones, qui avaient découvert Knight grâce à des démos, ont également trouvé le nom de scène de Beverley Knight (d’après Smith), Peter ayant également signé avec une autre chanteuse de Jones originaire de Birmingham, Fiona Day. Elle tenait absolument à ce que ses études passent avant tout et à avoir un soutien financier, et a donc étudié la théologie et la philosophie au Cheltenham and Gloucester College of Higher Education (aujourd’hui l’ Université du Gloucestershire ).

Fin 1994, Knight signe un contrat d’enregistrement avec Dome Records, un petit label indépendant. Peu après, elle entre en studio pour écrire et enregistrer son premier album. La structure du projet est produite par le trio londonien 2B3, avec des beats additionnels de Don E (le cousin de Knight), Ethnic Boyz et le groupe de hip-hop Blak Twang . Klarmann/Weber , le duo auteur-compositeur-interprète allemand (Chaka Khan , Randy Crawford), contribue également à deux chansons. Le résultat est l’album The B-Funk , salué par sa maison de disques comme « le meilleur album soul britannique de tous les temps » lors de sa sortie en novembre 1995. Knight remporte ensuite deux Black Music Awards en 1996 (« Meilleur artiste R&B » et « Meilleur producteur » pour 2B3) et est nommée Meilleur groupe R&B par le magazine Blues and Soul , devançant de nombreuses stars américaines. Cependant, l’album n’a atteint qu’une place de 145 au classement britannique. Plusieurs singles sont sortis du projet, le plus célèbre étant « Flavour of the Old School », qui a atteint la 33e place en mars 1996 lors de sa réédition.

En février 1997, Knight quitte Dome Records après des désaccords et signe un nouveau contrat de quatre albums avec Parlophone , contrôlé par EMI . Après son retour en studio avec 2B3 et Don E et son association avec les nouveaux producteurs Dj Dodge et Carl McIntosh, Knight sort son deuxième album, Prodigal Sista , en août 1998. Atteignant la 42e place en Grande-Bretagne, le succès commercial de l’album s’avère bien supérieur à celui du premier. L’album se vend à 150 000 exemplaires en Grande-Bretagne et est certifié disque d’or en 1999. Il contient cinq tubes du top 40, dont les plus importants sont « Greatest Day », qui atteint la 14e place, et « Made It Back », produit par Dj Dodge, avec la star du rap américain Redman , qui atteint la 21e place.

Prodigal Sista a marqué un tournant dans la carrière de Knight. Le magazine Q a qualifié l’album de « triomphe non seulement de la vision musicale de Knight, mais aussi de la force de son caractère », tandis que le Times a remarqué : « Prodigal Sista est un plaisir à écouter – sa voix et ses harmonies complexes, conçues et interprétées par elle-même, peuvent vous couper le souffle. ». L’album a remporté trois MOBO (Music of Black Origin) Awards, « Made It Back » et « Greatest Day » remportant respectivement le prix du meilleur groupe R&B en 1998 et 1999, et Prodigal Sista celui du meilleur album.

Tout au long de l’année 2001, Knight retourne en studio pour écrire et enregistrer son troisième album. Elle est accompagnée d’un panel d’auteurs et de producteurs triés sur le volet, en grande partie par Kevin et Bev, originaires de Grande-Bretagne et des États-Unis, parmi lesquels James Poyser , Che Guevara, Derrick Joshua et Derrick Martin, D’Influence , Mike Spencer et Colin Emmanuel . Le résultat est Who I Am , sorti en mars 2002. Il est précédé de deux singles, « Get Up! » et « Shoulda Woulda Coulda », une première dans la mesure où il introduit Knight dans le monde de Nashville et l’un de ses fils les plus célèbres, Craig Wiseman, un géant de la musique country. Ce partenariat devient le single le plus réussi de Knight jusqu’alors, culminant à la 10e place du UK Singles Chart. Le succès des singles propulse l’album à la septième place du classement des albums, faisant de Who I Am son album le plus réussi commercialement à ce jour. Il a été réédité avec de nouvelles versions des singles « Gold » et « Shape of You (Reshaped) » et s’est vendu à 215 000 exemplaires en Grande-Bretagne, obtenant un certificat de vente d’or.

La réaction critique à Who I Am a été largement positive, The Guardian déclarant que « chaque chanson déborde de cette confiance coûteuse et raffinée qui échappe souvent aux prétendants britanniques, et elle chante avec l’assurance d’une artiste au sommet de son art », tandis que la BBC a remarqué : « Who I Am marque un changement de direction significatif pour cette chanteuse tenace de 28 ans, signifiant sa propre croissance personnelle en tant que véritable artiste et auteure-compositrice en développement… sur son œuvre la plus personnelle à ce jour, elle nous emmène dans un voyage intime où elle met son âme à nu avec une telle honnêteté brute que l’on a la nette impression qu’un processus de guérison est en cours ». L’album lui a valu deux nominations aux Brit Awards (« Meilleure artiste féminine », « Meilleur artiste urbain ») et a été nominée pour le Mercury Music Prize en 2002.

Après une tournée britannique en 2002, Knight se lance dans la création de son quatrième album et entre en studio à l’été 2003. Privée de l’architecte de sa chanson la plus populaire, sa nouvelle équipe artistique tente de séduire un public plus large, en faisant appel à des producteurs pop comme Guy Chambers et Peter-John Vettese , ainsi qu’à des producteurs R&B comme DJ Munro. Le résultat est Affirmation , sorti sur Parlophone en juin 2004. L’album entre dans les charts à la 11e place et est précédé du single « Come as You Are », une chanson rock/pop écrite et produite par Chambers. La chanson marque un son pop plus grand public qui aliène les fans de Knight, majoritairement urbains, et elle n’est pas bien accueillie par les radios urbaines. Néanmoins, elle devient son plus grand succès à ce jour, culminant à la neuvième place du classement des singles. La chanson a été suivie par deux autres singles, « Not Too Late for Love » et « Keep This Fire Burning », qui ont contribué à stimuler les ventes de l’album et ont valu à l’album un certificat de vente d’or en décembre 2004.

Les thèmes abordés tout au long de l’album, influencés par les événements dont elle avait été témoin au cours des deux années précédentes, ont marqué une étape importante dans la carrière de parolière de Knight. L’essence même du projet était centrée sur sa relation avec Tyrone Jamison – un homme homosexuel qu’elle décrivait comme son « âme sœur » et décédé d’une maladie liée au sida en 2003. Tout au long de l’album, les paroles de morceaux tels que « Remember Me » (« Un jour nous serons réunis, j’espère au moins que ce sera notre destin, alors pendant que tu te détendras dans les bras des anges, souviens-toi de moi, souviens-toi de moi ») et « No One Ever Loves in Vain » témoignent clairement de sa relation étroite avec Tyrone et constituent son œuvre la plus personnelle à ce jour.

Comparé aux éloges de ses albums précédents, l’accueil critique d’ Affirmation fut mitigé. La presse grand public, comme The Guardian, l’a félicitée pour sa diversification, tandis que la presse spécialisée dans la musique noire, comme The Voice et Blues and Soul, l’a accusée de trahir son indépendance et d’être manipulée par sa maison de disques pour l’éloigner de la musique urbaine. Ce qu’elle nie catégoriquement : « Tout ce que j’ai fait musicalement, je l’ai fait entièrement moi-même. J’écris mes propres chansons, je ne suis donc pas seulement une chanteuse à qui on peut facilement dicter ma conduite. »

En février 2006, Knight consolide sa présence auprès du grand public en participant à l’émission musicale Just the Two of Us sur BBC1 . L’émission, mettant en vedette des célébrités en duo avec des chanteurs confirmés, dure deux saisons et se révèle relativement décevante en termes d’audience, avec une moyenne de 15 à 25 %. Néanmoins, elle permet à Knight de toucher un public plus large et de démontrer son talent en interprétant un éventail de chansons différent de celui pour lequel elle aurait été connue. La conquête de nouveaux publics est également un facteur déterminant dans la décision de Knight de rejoindre Take That pour leur tournée de retrouvailles. « Take That – The Ultimate Tour 06 », diffusé d’avril à juillet 2006, enregistre 270 000 billets vendus en moins de quatre heures au box-office, et Knight assure la première partie.

En mars 2006, Knight sort son cinquième album, une compilation regroupant la majorité de ses quarante meilleurs singles britanniques, intitulée Voice – The Best of Beverley Knight . L’album, certifié disque d’or moins d’un mois après sa sortie, devient son deuxième meilleur classement en carrière en entrant à la dixième place du classement des albums britanniques, puis à la neuvième un mois plus tard. Il est précédé du single « Piece of My Heart », une reprise du classique d’Erma Franklin rendu célèbre par Janis Joplin , qui entre à la seizième place du classement des singles, restant 11 semaines dans le top 75 des singles britanniques et devenant son single le plus longtemps classé à ce jour.

En octobre 2006, Knight enregistre son cinquième album studio, Music City Soul , à Nashville . Terminé en moins de cinq jours, l’album sort le 7 mai 2007 et présente des collaborations avec des musiciens tels que Ronnie Wood et Scotty Moore . Il comprend trois singles : « No Man’s Land », sorti le 16 avril 2007, « After You », sorti le 2 juillet 2007, et « The Queen of Starting Over », sorti le 15 octobre 2007. Cet album sera son dernier pour Parlophone.

Entre août et septembre 2007, Knight a assuré la première partie de Prince lors de sa résidence à l’O2 Arena et s’est produite lors des after-partys. De ce fait, elle a également été invitée à se produire à sa soirée des Oscars devant des stars de renom et a reçu une standing ovation de stars comme Quincy Jones .

Le 23 mars 2009, Knight a annoncé sur son site web officiel qu’elle quittait Parlophone Records après 11 ans et qu’elle publierait de nouveaux morceaux sur son propre label, Hurricane Records. Knight a également annoncé la sortie de son sixième album studio à l’été 2009, plus contemporain que son précédent album de soul rétro, Music City Soul . Parmi les nouveaux auteurs-compositeurs et producteurs associés au projet figurent Jimmy Jam et Terry Lewis (qui ont déjà collaboré avec Janet Jackson, Usher et Mariah Carey) et The Rural, ainsi que ses anciens collaborateurs Guy Chambers et DJ Munro.

Le 31 mars 2009, Knight a confirmé la sortie de son sixième album studio en septembre sur son propre label, Hurricane Records. Dans un blog vidéo sur son site web, elle a déclaré : « Depuis un an, j’écris pour l’album. J’ai travaillé avec de nouveaux noms et d’anciens noms pour l’album. ». Elle a également confirmé qu’elle prévoyait une tournée pour promouvoir l’album plus tard cette année.

L’album s’intitule 100% . Le premier titre finalisé, « Every Step », est une collaboration de Knight avec les producteurs américains Jimmy Jam et Terry Lewis. Le premier single, « Beautiful Night », coécrit avec Amanda Ghost et produit par The Rural, est sorti la même semaine, le 7 septembre 2009, et s’est classé 17e au classement des albums britanniques. Le deuxième single, « In Your Shoes », a été diffusé sur BBC 1Xtra le 5 octobre. Le remix radio met en vedette le rappeur britannique Chipmunk .

En 2010, Knight a fait six apparitions en tant qu’invité dans l’émission phare d’ITV, Loose Women .

En mars 2011, Knight a annoncé la sortie de son septième album studio plus tard dans l’année, un recueil de reprises de soul britannique. Elle a également annoncé un concert unique au Porchester Hall , à Londres, filmé pour son premier DVD live, qui sera inclus avec la sortie de l’album. Knight a confirmé que l’album s’intitulerait « Soul UK » lors du concert au Porchester Hall.

Le premier single extrait de l’album fut « Mama Used to Say », un tube enregistré à l’origine par Junior Giscombe . Le single est sorti le 27 juin 2011, suivi de l’album le 4 juillet. L’album a été le nouvel album le mieux classé au classement britannique la semaine de sa sortie, atteignant la 13e place. Trois autres singles sont sortis sur Soul UK : « Cuddly Toy » (initialement de Roachford ), « One More Try » (initialement de George Michael) et « Round and Around » (initialement de Jaki Graham ). Parmi les autres artistes dont les chansons ont été reprises sur Soul UK, on ​​trouve : Soul II Soul ; Loose Ends ; Omar ; Jamiroquai , avec qui elle avait précédemment enregistré la chanson « Main Vain » ; Princess ; Lewis Taylor ; Heatwave ; Freeez ; et Young Disciples.

En 2013, Knight est apparu sur l’album 2013 de The Overtones , intitulé Saturday Night at the Movies , qui a atteint le top 5 des charts britanniques. Knight a participé à la chanson  » Hit the Road, Jack « .

Le 9 septembre 2013, Knight a repris le rôle de Rachel Marron (jouée par Whitney Houston dans le film original de 1992 ) de l’interprète Heather Headley dans l’adaptation musicale de The Bodyguard. Knight a été nominée pour la meilleure reprise dans un rôle aux Whatsonstage.com Awards en conséquence. Son interprétation du rôle s’est terminée le 31 mai 2014.

Le 21 février 2014, il a été confirmé que Knight jouerait dans la nouvelle production du West End de Memphis au Shaftesbury Theatre , qui ouvrira ses portes le 23 octobre 2014, après des avant-premières à partir du 9 octobre 2014. En janvier 2015, les producteurs ont annoncé que Knight prolongerait sa représentation à Memphis jusqu’en juillet 2015.

En 2015, il a été annoncé qu’elle jouerait Grizabella dans la reprise de Cats au London Palladium. Elle a interprété une chanson de Cats dans le cadre du Royal Variety Performance 2015 .

Le 27 octobre 2015, il a été annoncé que East West Records avait signé Knight pour sortir son huitième album studio, Soulsville , qui est sorti le 10 juin 2016. L’album comprend un duo avec Jamie Cullum et présente des reprises de chansons soul classiques de William Bell et Judy Clay , Big Mama Thornton , Sam & Dave , Ann Peebles et Ben E. King , ainsi que quelques morceaux originaux co-écrits par Knight. À sa sortie, Soulsville a atteint le Top 10 du UK Albums Chart et du Scottish Albums Chart.

Knight est revenu au West End dans la comédie musicale The Bodyguard le 15 juillet 2016 pour une durée limitée de six mois.

Knight était l’un des artistes invités au BBC Prom en 2017, célébrant la soul de Stax Records . Aux côtés de Jools Holland , de son orchestre , de James Morrison , de Ruby Turner et de Sir Tom Jones , le spectacle a également accueilli certains des plus grands artistes vivants de Stax ( William Bell , Booker T. Jones , Steve Cropper , Sam Moore et Eddie Floyd ). Knight s’est produit cinq fois au cours du concert : « Sweet Soul Music » (avec Jones et Morrison, puis avec l’ensemble), « BABY », en duo avec Bell sur « Private Number » et Moore sur « Hold On, I’m Comin’ ».

En 2017, Knight s’associe à la chanteuse britannique Cassidy Janson et à l’actrice américaine Amber Riley pour former un supergroupe de comédies musicales , connu collectivement sous le nom de « Leading Ladies ». Leur premier album, Songs from the Stage , est sorti le 17 novembre 2017 et comprend des reprises de chansons de Cats , Beautiful et Rent, entre autres.

En 2019, Knight a été annoncée pour jouer le rôle de Faye Treadwell , la manager de The Drifters , dans la nouvelle comédie musicale The Drifters Girl , qui se déroulera dans le West End. En raison de la pandémie de COVID-19 , la production a reçu une ouverture retardée au Garrick Theatre en novembre 2021, après une diffusion limitée au Theatre Royal de Newcastle. Elle a reçu sa deuxième nomination aux Olivier Awards pour la meilleure actrice dans une comédie musicale en 2022.

Le 8 novembre 2019, Knight a sorti un album live, BK25 , enregistré en mai 2019 au Royal Festival Hall de Londres avec le Leo Green Orchestra. Cet album célèbre les 25 ans de carrière de Knight. En 2020, Beverley a été contactée par Pink Flamingo Films pour interpréter le générique du film de Noël indépendant britannique « The Loss Adjuster ». La chanson « A Christmas Wish » est sortie en novembre, accompagnée de plusieurs apparitions télévisées de Beverley et d’un clip vidéo primé, tourné dans le magnifique mais désert Noel Coward Theatre, pour nous rappeler comment la Covid avait interrompu les concerts. La chanson sort chaque année à l’approche de Noël. Le 13 novembre 2020, Knight s’est produite dans le cadre de l’événement BBC Children in Need 2020 en interprétant « Wish You Were Here » de Pink Floyd. Knight a donné un concert devant un petit public au London Palladium à l’été 2021, qui visait à tester de nouvelles mesures limitant la propagation du COVID-19 dans les théâtres. À partir de février 2022, Knight faisait partie du jury de Starstruck d’ ITV , une version relancée et reformatée de Stars in Their Eyes .

En octobre 2022, il a été annoncé que Knight reviendrait dans le West End pour jouer le rôle d’ Emmeline Pankhurst dans une comédie musicale inspirée du hip-hop, Sylvia , basée sur le mouvement des suffragettes et la vie de Sylvia Pankhurst. Knight est apparue dans un épisode du 13 janvier 2023 du Graham Norton Show pour promouvoir la production. ^{[ 7 ] [ 6 ]} Sylvia a été jouée de janvier à avril 2023 au Old Vic.

Français En juin 2023, Knight a annoncé la sortie d’un nouvel album studio, intitulé The Fifth Chapter , dont la sortie est prévue pour septembre 2023. Le premier single de l’album, « Last One On My Mind », est sorti le 9 juin 2023. Le deuxième single de l’album, « Systematic Overload », est sorti le 17 août 2023. Le 16 septembre 2023, Knight a interprété le single, parmi ses précédents succès, sur scène au Radio 2 in the Park , qui s’est tenu à Victoria Park, Leicester. The Fifth Chapter est sorti avec des critiques positives le 29 septembre 2023, et s’est classé au numéro 39 du UK Albums Chart.

En 2024, Knight a joué dans la version scénique du West End britannique de Sister Act .

^{En 2025} , Knight incarnera Rosetta Tharpe dans la production théâtrale Marie & Rosetta au Rose Theatre de Kingston upon Thames et au Minerva Theatre de Chichester.

Ayant grandi dans un environnement pentecôtiste d’origine jamaïcaine, Knight a vu la musique, et plus particulièrement le gospel, prendre une place centrale dans son enfance. Elle a intégré la chorale gospel de son église locale à seulement quatre ans et en est devenue la directrice musicale avant de la quitter à la fin de son adolescence. Son éducation musicale s’est poursuivie à la maison, où sa famille chantait souvent ensemble autour du piano et écoutait des morceaux de leurs artistes gospel et soul préférés, comme Sam Cooke .

En 2005, Knight a renoué avec son enfance en animant Beverley’s Gospel Nights , une émission de BBC Radio 2 consacrée au gospel. Proposant des interviews d’artistes tels que Shirley Caesar , Percy Sledge et Kelly Rowland et Michelle Williams , vedettes des Destiny’s Child , cette série en six épisodes explorait les racines du gospel et son impact sur la communauté noire. Le succès de l’émission fut tel qu’une deuxième série de six épisodes fut commandée et lancée en mars 2006. Elle proposait de nouvelles interviews d’artistes tels que Candi Staton, David McAlmont et Marvin Winans. La technique d’interview de Knight et sa capacité à amener ses invités à s’ouvrir et à aborder des sujets personnels tels que la violence conjugale et la dépression ont reçu des critiques positives et ont conduit le Radio Times à commenter : « La passion de Knight pour la musique est évidente, mais sa chaleur l’est tout autant, ce qui fait d’elle une rareté parmi les intervieweurs. »

Le premier artiste à marquer Knight fut l’un des véritables fondateurs du gospel et de la soul contemporains , Sam Cooke . Malgré sa mort prématurée en 1964, sa musique perdura et devint un élément essentiel de l’enfance de Knight :

Ma mère jouait Sam Cooke, et c’est la première voix que j’ai entendue sur disque. C’est la première voix qui a eu un impact direct sur moi, vocalement. Il me fait encore pleurer. Il prenait les histoires bibliques très simples avec lesquelles j’ai grandi et les transformait en une chanson de deux minutes et demie, avec une intensité et une passion que personne n’avait jamais entendues auparavant. Il a vraiment eu une influence majeure sur ma vie.

L’influence de Cooke se fait sentir tout au long de la carrière de Knight, qui a souvent interprété et enregistré ses classiques, dont le plus remarquable est « A Change Is Gonna Come ». Ce morceau, devenu emblématique du mouvement des droits civiques des années 1960, a figuré dans de nombreux concerts de Knight (généralement avec le concours du London Community Gospel Choir ). Elle en a même enregistré une version studio avec le musicien Jools Holland , qui figure sur son album Small World, Big Band Volume 2 .

Aretha Franklin a également eu une influence majeure sur l’enfance de Knight . Outre son hommage à Franklin lors du concert Music of the Millennium de la BBC en 1999, Knight a enregistré plusieurs de ses titres, notamment « Do Right Woman, Do Right Man » et « Think », tous deux sortis respectivement en face B des singles « Rewind (Find a Way) » et « Made It Back 99 ». C’est la voix de Franklin qui a le plus marqué Knight :

Aretha m’a appris mon phrasé et ma façon de transmettre mes émotions. Elle me fait pleurer, puis me plonge dans les affres de l’extase musicale – avec la même voix ! « I Never Loved A Man » fait mal, et l’ album Amazing Grace , symbole de mon enfance, restera gravé à jamais dans ma mémoire.

Knight a également enregistré des chansons d’autres artistes tels que Stevie Wonder (dont « Love’s in Need of Love Today » figure sur l’ album Hope de Warchild ) et Curtis Mayfield (dont « Hard Times » figure sur l’album Back in the Day de Courtney Pine ). Mais cette influence s’est également manifestée sur scène, où Knight intègre souvent des chansons de ses héroïnes telles que Nina Simone (« Feelin’ Good »), Chaka Khan (« I Feel For You » et « Sweet Thing ») et Billie Holiday (« God Bless the Child ») dans ses performances live.

Outre les pionniers de la soul et du gospel du milieu du XXe siècle, des artistes modernes comme Mary J. Blige et D’Angelo ont également contribué à façonner la vision musicale de Knight. Parmi ses contemporains, le plus marquant est Prince , qu’elle décrit comme l’un de ses héros : « Prince me rappelle l’époque où j’écoutais les prédicateurs quand j’étais enfant, qui racontaient une histoire pour illustrer un point… La première chanson que j’ai entendue de lui était « Little Red Corvette », quand j’avais neuf ans. Bien sûr, je n’avais aucune idée de ce qu’il chantait ; la sexualité est implicite et j’adore ça. » ^[ 69 ] L’influence de Prince, que Knight mentionne même sur les pochettes de ses albums Prodigal Sista et Who I Am , transparaît dans toute sa discographie, avec des chansons comme « Get Up ! », « Hurricane Jane » et « Supersonic » comparées à Prince pour leur mélange de funk et de soul.

Tout au long de son enfance, Knight a développé son expérience musicale en grandissant. Le gospel a mené à la soul, qui a mené au funk , qui a ensuite mené au R&B mais grandir dans les Midlands l’a exposée à de nombreuses autres influences : « Il n’y avait pas une immense communauté noire qui se serrait les coudes et n’écoutait que du reggae , du R&B ou de la musique strictement noire. Je trouve que Londres est un peu plus ségréguée. À Wolverhampton, les Noirs n’étaient pas aussi ségrégués et je pense que cela a eu un impact considérable sur mes influences musicales. ». Cette diversité est parfaitement illustrée par le quatrième album studio de Knight, Affirmation . Après une collaboration avec Guy Chambers , l’album avait une saveur plus grand public que ses précédents albums et était mené par le single « Come as You Are » à la guitare rock. Bien que la chanson soit devenue son single le plus populaire à ce jour, Knight a été largement critiquée par les radios et les médias urbains pour s’être trop éloignée de sa musique urbaine. Néanmoins, la chanson illustre l’effort déterminé de Knight pour ne pas se retrouver enfermé et « ghettoïsé ».

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/84774-Beverley-Knight

BETTYE LAVETTE

Bettye LaVette (née Betty Jo Haskins , le 29 janvier 1946) est une auteure-compositrice-interprète soul américaine qui a enregistré son premier disque à seize ans, mais n’a atteint qu’une renommée intermittente jusqu’en 2005, lorsque son album I’ve Got My Own Hell to Raise a été largement acclamé par la critique et a été nommé sur les listes « Best of 2005 » de nombreux critiques. Son prochain album, The Scene of the Crime , a fait ses débuts au numéro un du palmarès des meilleurs albums de blues de Billboard et a été nominé pour le meilleur album de blues contemporain aux Grammy Awards 2008.

Le style musical éclectique de LaVette combine des éléments de soul, de blues, de rock and roll, de funk, de gospel et de country. En 2020, elle a été intronisée au Blues Hall of Fame.

Vie et carrière

LaVette est née à Muskegon, Michigan, et a grandi à Detroit. Contrairement à beaucoup de ses contemporains, elle n’a pas commencé à chanter dans l’église, mais dans le salon de ses parents, en chantant du R&B et de la musique country et occidentale. Elle a été signée par Johnnie Mae Matthews, un producteur de disques local. En 1962, âgée de seize ans, elle enregistre un single, « My Man — He’s a Lovin’ Man », avec Matthews : le disque est crédité à Betty LaVett, le patronyme étant « emprunté » à Sherma Lavette Anderson, l’amie de la chanteuse. qui l’avait présentée à Matthews. Reprise par Atlantic Records, LaVette’frappé au cours de l’automne et de l’hiver 1963–64 – atteignant finalement le R&B Top Ten – résultant en une tournée de LaVette avec des hitmakers R&B d’Atlantic Records tels que Clyde McPhatter, Ben E. King, Barbara Lynn et l’étoile montante Otis Redding.

Après deux sorties de single négligées respectivement en 1963 et 1964, LaVette revient en 1965 dans les charts R&B avec  » Let Me Down Easy  » sur Calla Records, sa première sortie à attribuer à Betty LaVette : l’orthographe du Le prénom de la chanteuse, Bettye, daterait de son concert de 1977 avec Bubbling Brown Sugar . Bien qu’il ne s’agisse que d’un succès périphérique avec un sommet du classement R&B au n ° 48, « Let Me Down Easy » a donné à LaVette suffisamment de cachet pour faire une brève tournée avec The James Brown Revue. Après avoir enregistré plusieurs singles pour des labels locaux de Detroit, LaVette a signé avec le label Silver Fox en 1969. Elle a enregistré une poignée de morceaux, dont deux succès du Top 40 R&B : « He Made A Woman Out Of Me » et « Do Your Duty ». Les musiciens du studio de Memphis sur ces enregistrements sont depuis devenus connus sous le nom de The Dixie Flyers. En 1972, elle signe à nouveau avec Atlantic / Atco. Elle a été envoyée au Muscle Shoals Sound Studio en Alabama pour enregistrer ce qui devait être son premier album. Intitulé Child of the Seventies , il a été produit par Brad Shapiro et présentait la Muscle Shoals Rhythm Section, maintenant connue sous le nom de The Swampers, mais Atco a choisi de ne pas publier l’album.

Le milieu des années 1970 a vu un bref passage et deux 45 tours avec Epic, et en 1978, LaVette a sorti le succès disco sur West End Records « Doin ‘The Best That I Can ». En 1982, elle est signée par le label de sa ville natale, Motown, et envoyée à Nashville pour enregistrer. Le LP qui en résulte (son premier album réellement publié), intitulé Tell Me A Lie , a été produit par Steve Buckingham. Le premier single, « Right In The Middle (Of Falling In Love) », a atteint le R&B Top 40. Elle a brièvement abandonné l’enregistrement pour une course de six ans dans le succès de Broadway Bubbling Brown Sugar , apparaissant aux côtés de Honi Coles et Cab Calloway.

Après que LaVette ait joué ses enregistrements mono personnels de Child of the Seventies pour Gilles Petard, un collectionneur français de musique soul, il a cherché les enregistrements maîtres à Atlantic, dont le personnel avait auparavant pensé qu’ils avaient été perdus dans un incendie il y a quelques années. En 1999, il a finalement découvert les maîtres, puis a autorisé l’album d’Atlantic et l’a sorti en 2000 sous le nom de Souvenirs sur son label Art and Soul. Au même moment, Let Me Down Easy – Live in Concert est publié par le label hollandais munichois. Les deux albums ont suscité un regain d’intérêt pour LaVette et en 2003, A Woman Like Me (produit par Dennis Walker) est sorti. Le CD a remporté le WC Handy Award 2004pour « Album de blues de retour de l’année ». Dans une interview, LaVette a identifié A Woman Like Me comme le premier album de la deuxième phase de sa carrière et a déclaré que son autobiographie de 2012 portait le nom de l’album.

Après avoir été signée par The Rosebud Agency pour les réservations en direct, le président de Rosebud, Mike Kappus, l’a portée à l’attention du président de l’ANTI Andy Kaulkin. En voyant LaVette jouer, Kaulkin l’a signée pour un contrat de trois disques. Pour le premier projet, il la jumelle avec Joe Henry, et lui propose un album de chansons entièrement écrites par des femmes. Le CD qui en a résulté, I’ve Got My Own Hell to Raise , figurait sur les listes « Best of 2005″ de nombreux critiques. Le titre est tiré des paroles du hit  » Sleep to Dream  » de Fiona Apple en 1996 , qui est repris sur l’album. (D’autres auteurs-compositeurs notables sur l’album étaient Aimee Mann, Sinéad O’Connor, Lucinda Williams, Joan Armatrading et Dolly Parton.). L’album est sorti par ANTI- et produit par Joe Henry.

En 2006, capitalisant sur le succès de I’ve Got My Own Hell To Raise et les critiques de ses concerts, Child of the Seventies est réédité par Rhino Handmade avec des morceaux inédits. L’album a été acclamé par la critique. Varèse Sarabande a ensuite publié Take Another Little Piece of My Heart , un CD contenant toutes les chansons qu’elle a gravées pour Silver Fox et SSS International en 1969 et 1970. Le CD comprenait trois titres inédits, ainsi que deux duos avec Hank Ballard.

En 2006, LaVette a reçu un « Pioneer Award » de la Rhythm and Blues Foundation.

Son album de 2007, The Scene of the Crime , a été principalement enregistré aux studios FAME à Muscle Shoals, en Alabama, avec les rockers alternatifs Drive-By Truckers. The Scene of the Crime a été nominé pour un Grammy Award du « Meilleur album de blues contemporain » et a atterri sur de nombreuses listes « Best of 2007 ». LaVette a parlé de ses expériences à Muscle Shoals Sound et FAME dans une interview menée par Edd Hurt en septembre 2007. Le leader de Drive-By Truckers, Patterson Hood, a produit l’album avec LaVette. L’album comprend également une chanson co-écrite par LaVette et Patterson Hood.

En 2008, elle a reçu un Blues Music Award pour la « Meilleure chanteuse de blues contemporaine ». Toujours en 2008, Reel Music a réédité sur CD son LP Motown, Tell Me A Lie . L’album contenait la conception de couverture originale qui n’a pas été utilisée lors de la sortie du LP.

Le 18 janvier 2009, lors de We Are One: The Obama Inaugural Celebration au Lincoln Memorial, elle a interprété un duo de la chanson de 1964 de Sam Cooke  » A Change Is Gonna Come  » avec Jon Bon Jovi. En avril 2009, elle a partagé la scène avec Sir Paul McCartney et Ringo Starr au Radio City Music Hall pour le concert-bénéfice « Change Begins Within » de la Fondation David Lynch promouvant l’enseignement de la méditation transcendantale aux enfants des écoles du centre-ville. En 2009 , Sundazed a sorti sur CD l’album Do Your Duty, qui se composait de ses onze morceaux solo coupés pour Silver Fox et SSS International. En juin 2009, un EP de six chansons, Change Is Gonna Come Sessions , est sorti en téléchargement uniquement.

En 2010, LaVette a publié Interpretations: The British Rock Songbook , qui comprenait des arrangements uniques et des performances de chansons classiques d’artistes tels que The Beatles, The Rolling Stones, The Animals et Pink Floyd. Inclus est la version complète non éditée de sa performance Kennedy Center Honors de « Love, Reign O’er Me » de The Who. Le CD a été acclamé par la critique et nominé pour un Grammy Award du meilleur album de blues contemporain. Elle est apparue sur la scène Mountain de la radio publique nationale, World Cafe , All Things Considered et Wait Wait… Don’t Tell Me!. Elle est apparue dans une série de Mississippi Public Broadcasting, Blues Divas , et est dans un film du même nom, tous deux produits par Robert Mugge. Elle est également apparue dans Late Night avec David Letterman , Conan , The Late Late Show avec Craig Ferguson , The Tonight Show avec Jay Leno , Austin City Limits , The Today Show , Good Morning America et Live from the Artists Den . LaVette a également rejoint le jury annuel des 9e 10e et 11e Independent Music Awards pour aider les carrières des musiciens indépendants.

LaVette a contribué une reprise de  » Most of the Time  » pour l’album Chimes of Freedom: The Songs of Bob Dylan Honoring 50 Years of Amnesty International . Le 31 décembre 2012, elle est apparue au Royaume-Uni dans l’émission Jools Holland Annual Hootenanny de BBC Two. En 2013 et 2014, LaVette a été nominée pour un Blues Music Award dans la catégorie « Contemporary Blues Female Artist ».

L’album Worthy de LaVette a été nominé pour un Grammy Award en 2016 pour le meilleur album de blues.

En 2016, LaVette a remporté un Blues Music Award en tant qu’artiste féminine Soul Blues de l’année.

Le 6 mars 2017, elle a participé à un concert-bénéfice au Carnegie Hall célébrant la musique d’ Aretha Franklin, qu’elle connaît depuis 1962. Lavette a interprété la chanson  » Ain’t No Way « , dont elle a mentionné qu’elle avait été écrite par Carolyn Franklin, sa sœur cadette, avec qui Bettye était amie.

En 2017, LaVette est apparu dans le film documentaire primé The American Epic Sessions . Le film présentait une interview entre le réalisateur Bernard MacMahon et LaVette dans laquelle ils discutaient de ses «souvenirs sincères d’avoir été repoussés des premiers blues en tant que« Oncle Tomish »dans les années 60». Suite à l’interview, LaVette a enregistré  » Nobody’s Dirt Business « , une chanson du premier musicien de blues Frank Stokes, directement sur disque sur le premier système d’enregistrement sonore électrique des années 1920. Une bande originale du film, intitulée Music from The American Epic Sessions, a également présenté une deuxième chanson qu’elle a enregistrée pour le film,  » When I Woke Up This Morning « , que L. Kent Wolgamott dans le Lincoln Journal Star a salué comme « parmi ses points forts ».

En 2018, Bettye LaVette a été intronisée au Michigan Rock and Roll Legends Hall of Fame.

Son album de 2018 Things Have Changed , un album de toutes les chansons de Bob Dylan, a été nominé pour le meilleur album américain et la chanson « Don’t Fall Apart On Me Tonight » a été nominée pour la meilleure performance R&B traditionnelle aux 61e Grammy Awards annuels.

En mai 2020, LaVette a remporté un autre Blues Music Award dans la catégorie « Soul Blues Female Artist of the Year ». La même année, LaVette a été intronisé au Blues Hall of Fame. Le 28 août 2020, elle a sorti un nouvel album studio, Blackbirds , qui est un album de chansons de femmes des années 1950 qui étaient le « pont sur lequel elle est tombée ». Blackbirds a été nominé pour le meilleur album de blues contemporain aux 63e Grammy Awards annuels.

En 2021, Bettye a de nouveau reçu le Blues Music Award de « Soul Blues Female Artist of the Year ».

Le 8 février 2022, la voix de LaVette de  » Let Me Down Easy  » a été échantillonnée comme point central du nouveau single d’ ODESZA ,  » The Last Goodbye « .

Vie personnelle

LaVette est mariée à Kevin Kiley, un marchand de musique enregistrée et d’antiquités qui est aussi chanteur et musicien. Ils vivent à West Orange, New Jersey.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/62184-Bettye-Lavette

BASIA

Barbara Stanisława Trzetrzelewsk , née le 30 septembre 1954), mieux connue sous le nom de Basia , est une auteure-compositrice-interprète et artiste polonaise connue pour sa musique jazz-pop d’inspiration latine. Elle a commencé à chanter professionnellement dans divers groupes polonais de la fin des années 1960 aux années 1970, puis a déménagé au Royaume-Uni en 1981. Elle est devenue célèbre en tant que chanteuse dans le trio britannique Matt Bianco. En 1986, Basia et son coéquipier Danny White avaient quitté le groupe pour se concentrer sur sa carrière solo. Elle signe chez Epic Records et connaît une brillante carrière internationale entre 1987 et 1995, notamment aux États-Unis où ses deux premiers albums Time and Tide etLondres Varsovie New York étaient des vendeurs d’un million d’unités certifiés platine. Durant cette période, ses plus grands succès sont  » Time and Tide « ,  » New Day for You « ,  » Promises « ,  » Baby You’re Mine « ,  » Cruising for Bruising  » et  » Drunk on Love « . Elle avait également construit une base de fans en Asie. Elle a pris une longue pause en raison de tragédies personnelles, puis a fait un retour à l’enregistrement et à la performance réguliers à la fin des années 2000. Elle sort actuellement sa musique sur des labels indépendants.

Biographie

1954-1984 : Début de la vie et carrière

Basia est née à Jaworzno , en Pologne , en 1954. Elle avait trois frères et sœurs – deux frères et une sœur – et ses parents tenaient un glacier populaire dans le centre-ville. Ayant grandi dans une famille musicale, Basia aimait chanter dès son plus jeune âge et possédait une vaste collection de disques vinyles. Sa mère jouait du piano et lui a donné les premiers cours de musique.

En 1969, Basia a fait ses débuts en tant que chanteur dans le groupe local Astry et s’est produit avec eux au Festival national de Beat Avangarde à Kalisz où ils sont arrivés premiers. Toujours doué pour les sciences exactes , Basia avait l’intention d’étudier les mathématiques à l’ Université Jagellonne , mais a finalement choisi la physique. La première année du cours, elle a été approchée par le manager du groupe féminin polonais populaire Alibabki qui lui a proposé de jouer avec le groupe. Basia a accepté l’offre, a abandonné l’université et a commencé à se produire avec Alibabki en 1972. Elle a tourné avec eux en Pologne et à l’étranger, principalement dans lePays du bloc de l’Est , jusqu’en 1974. En 1976, Basia participe au Festival national de la chanson polonaise à Opole en tant que soliste sans succès. De 1977 à 1979, elle a joué dans le groupe de rock polonais Perfect.

Basia a déménagé à Londres avec son partenaire en janvier 1981 et a continué à enregistrer des morceaux de démonstration pour divers artistes. C’est là qu’elle a rencontré Danny White (frère du guitariste de jazz Peter White ) et son collaborateur Mark Reilly. Le trio s’est produit en 1983 sous le nom de Bronze, mais a ensuite changé le nom en Matt Bianco. Leur premier album Whose Side Are You On? est sorti en 1984 et s’est avéré un succès dans toute l’Europe. Il a engendré les 40 meilleurs singles britanniques de Matt Bianco  » Get Out of Your Lazy Bed  » et  » Half a Minute « .

1985–1999 : Carrière solo

Malgré le succès, Basia et Danny ont quitté Matt Bianco en 1985 pour se concentrer sur la carrière solo de Basia, marquant le début d’une collaboration de longue date qui dure à ce jour. Leur première sortie fut le single  » Prime Time TV  » en 1986 qui fut un succès mineur dans les charts au Royaume-Uni et en Allemagne. Le premier album solo de Basia, Time and Tide , est sorti en 1987 et a d’abord rencontré un succès commercial mitigé, se vendant bien en France mais se produisant mal dans le reste de l’Europe. Les singles d’accompagnement  » New Day for You  » et  » Promises  » n’ont eux aussi été que de modestes succès. L’album s’est beaucoup mieux comporté aux États-Unis où il a trouvé la popularité sur les stations de radio de smooth jazz. La chanson  » Time and Tide » a été le premier hit de Basia sur Billboard Hot 100 , culminant au n ° 26 en 1988, suivi de  » New Day for You  » et  » Promises  » atteignant tous deux le top 10 du classement Adult Contemporary en 1989. L’album a été certifié platine par la Recording Industry Association of America en novembre 1989 pour s’être vendu à un million d’exemplaires rien qu’aux États-Unis. Dans le monde, il s’est vendu à près de deux millions d’exemplaires.

Le deuxième album, London Warsaw New York , enregistré en 1989 et sorti au début des années 1990, a été promu par les singles populaires  » Baby You’re Mine  » et  » Cruising for Bruising « . Ce dernier a culminé dans le top 40 des classements des singles américains et canadiens et s’est avéré le plus grand succès de Basia à ce jour. L’album comprenait également la couverture du morceau écrit par Stevie Wonder  » Until You Come Back to Me  » qui était un succès mineur sur le palmarès Adult Contemporary. Londres Varsovie New York a été un autre succès commercial, se vendant dans plus de deux millions d’unités dans le monde, dont plus d’un million aux États-Unis. C’est devenu aussi l’Album de Jazz Contemporain de Billboard de 1990. L’album était un vendeur fort au Japon qui à ce point était devenu le deuxième marché principal de Basia. Le LP a été soutenu par une longue tournée aux États-Unis, en Europe et au Japon. Fort du succès continu de Basia, son label a sorti Brave New Hope , une compilation composée de remixes et de morceaux rares.

Son troisième album studio, The Sweetest Illusion , est sorti au printemps 1994. Mixé par David Bascombe , alors très recherché , le projet a marqué la fin d’une relation de travail de dix ans avec le mixmaster Phil Harding et un pas vers un territoire plus sophistiqué. The Sweetest Illusion comprenait un hit numéro un sur le palmarès Billboard Dance Club Songs ,  » Drunk on Love « , et la chanson à succès modéré  » Third Time Lucky « . Bien qu’il n’ait pas égalé les performances commerciales des deux albums précédents de Basia, il a tout de même atteint le top 40 des charts américains et a reçu la certification or de la RIAA pour avoir vendu plus d’un demi-million d’exemplaires.L’album s’est avéré un plus grand succès au Japon où il a culminé dans le top 10 et était son disque le plus vendu à ce jour, recevant finalement le prix des ventes de platine. Pour soutenir The Sweetest Illusion , Basia s’est à nouveau lancée dans une longue tournée aux États-Unis, au Japon et en Europe, où elle a donné ses premiers concerts solo en Pologne. Elle a enregistré un album live de 16 chansons, Basia on Broadway pendant l’étape new-yorkaise de cette tournée.

En 1996, Basia a contribué au chant de la chanson de Peter White  » Just Another Day  » qui est sortie en single de son album Caravan of Dreams . Un album de compilation rétrospective, Clear Horizon – The Best of Basia , est sorti en 1998, composé de succès notables dans les charts, de pistes non uniques et de nouveau matériel, y compris une reprise de  » Waters of March « , écrite par le compositeur brésilien Antonio Carlos Jobim. La compilation était la dernière sortie de Basia pour Sony et a été un succès mineur, uniquement au Japon, en grande partie en raison du manque de promotion de la part du label.

2000-présent : Interruption et retour

Basia s’est retirée de l’industrie de la musique lorsque sa mère, dont elle était très proche, est décédée en décembre 2000. Peu de temps après, son cousin est décédé dans un accident de voiture suivi du décès d’autres amis proches. . La chanteuse a lutté contre la dépression , a perdu sa motivation pour travailler et pensait qu’elle ne reviendrait jamais au chant. Après quelques efforts persistants de Danny White et Mark Reilly, qui avaient recommencé à travailler ensemble, elle a accepté de rejoindre Matt Bianco réformé. Le groupe a sorti l’album Matt’s Mood en 2004, acclamé par la critique et avec un succès modeste dans les charts. La réponse positive à la réunion de Matt Bianco et aux appels de ses fans a encouragé Basia à travailler sur son prochain album solo. Ayant fini de tourner avec le groupe en 2006, Basia et Danny ont commencé à travailler ensemble sur le nouveau matériel tandis que Reilly continuait avec Matt Bianco.

Son quatrième album studio solo, It’s That Girl Again , est finalement sorti au printemps 2009 par le label indépendant Koch Records. Il a été promu par la ballade  » A Gift  » à la radio polonaise tandis que  » Blame It on the Summer  » a servi de premier single sur le marché américain. L’album a rencontré un succès critique et commercial, se classant dans le top 10 du palmarès américain des albums de jazz et dans le top 5 de sa Pologne natale où il a été certifié platine. Basia a fait de nombreuses tournées en Europe, en Asie de l’Est et en Amérique du Nord pour promouvoir It’s That Girl Again . Un concert de 2011 à Łódź , en Pologne, a été enregistré pour son deuxième album live,From Newport to London: Greatest Hits Live… and More , sorti à l’automne de cette année-là. L’album comprenait en outre trois enregistrements en studio, dont la chanson titre, sortie en tant que premier single, et  » Wandering « , un duo avec le chanteur polonais Mietek Szcześniak. Ils ont enregistré une autre chanson ensemble, une reprise duhit de Vanessa Williams  » Save the Best for Last « , produit par sa co-scénariste originale Wendy Waldman , cette fois pour l’album Signs de Szcześniak . En mars 2013, Basia a donné un spectacle complet au Java Jazz Festival à Jakarta , en Indonésie.

Basia a enregistré des duos avec les artistes polonais Monika Lidke et le groupe Pectus pour leurs albums respectifs, travaillant simultanément sur le nouvel album solo. En 2014, elle a reçu la Croix du Commandeur de Polonia Restituta pour la promotion de la culture polonaise dans le monde, et l’année suivante, elle a reçu la Médaille du Mérite à la Culture – Gloria Artis. Son cinquième album studio solo, Butterflies , est finalement sorti en mai 2018, précédé du single « Matteo ». Il a reçu des critiques positives et s’est classé dans le top 5 du classement des albums de jazz aux États-Unis et dans le top 20 en Pologne. La tournée de concerts qui l’accompagne a traversé les États-Unis, la Pologne et l’Asie de l’Est. En novembre 2019, Basia a reçu le Kosciuszko Foundation Pioneer Award.

Influence

La plus grande influence de Basia a toujours été la musique américaine , en particulier la soul et le jazz. Ses chansons s’inspirent également de la musique latino-américaine , en particulier brésilienne , et de genres tels que la bossa nova et la samba. Elle a cité Aretha Franklin , Stevie Wonder , Burt Bacharach , Astrud Gilberto et Antônio Carlos Jobim comme certaines de ses influences musicales.

Le chanteur est connu pour posséder une large gamme vocale, environ trois octaves.

Basia a toujours essayé d’incorporer des éléments polonais dans ses chansons autrement en anglais. Sa langue maternelle peut être entendue dans  » Half a Minute  » du premier album de Matt Bianco , dans  » Wrong Side of the Street  » de Matt’s Mood , dans  » Copernicus  » et  » Reward  » de Londres Varsovie New York , ainsi que « An Olive Tree » et « Yearning » de The Sweetest Illusion . Le chanteur a également sorti deux chansons entièrement interprétées en polonais: l’album de concert Basia on Broadway présente un enregistrement en direct de « Dzień się budzi » (en anglais: « comprend « Amelki śmiech » (« Le rire d’Amelka »).

Vie personnelle

Basia a un fils, Mikołaj, né à la fin des années 1970. Au tournant des années 1970 et 1980, son partenaire était un Anglais du nom de John, un travailleur social avec qui elle a brièvement vécu à Chicago puis a déménagé au Royaume-Uni. Dans la seconde moitié des années 1980, la chanteuse était en couple avec son collaborateur musical Danny White. Depuis 1991, le partenaire de Basia est le musicien Kevin Robinson, membre de Simply Red , avec qui elle réside dans la banlieue de Londres . Basia maintient aussi une maison dans sa ville natale polonaise Jaworzno et divise son temps entre les deux pays. Elle détient la double nationalité polonaise et britannique.

Basia est une passionnée d’ architecture et l’a appelée sa « passion insatisfaite ».

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/46220-Basia

QUINCY JONES

Quincy Delight Jones Jr., dit Quincy Jones et surnommé « Q », né le 14 mars 1933 à Chicago (Illinois) et mort le 3 novembre 2024 à Los Angeles (Californie), est un trompettiste, arrangeur, compositeur, réalisateur et producteur américain.

Considéré comme l’un des plus grands producteurs de musique, il est notamment connu pour le trio qu’il forma avec Bruce Swedien (ingénieur du son) et Michael Jackson sur les albums Off the Wall (1979), Thriller (1982) et Bad (1987) de ce dernier.

Quincy Jones a remporté 28 Grammy Awards (pour 80 nominations) ainsi qu’un Grammy Legend Award en 1992.

Biographie

Jeunesse et formation

Né à Chicago, Quincy Jones est le fils de Quincy Delight (un charpentier) et de Sarah Wells Jones. Il connaît une enfance difficile : pauvreté et mère internée pour maladie mentale. Après plusieurs déménagements, son père s’installe dans la banlieue de Seattle, à Bremerton, dans l’État de Washington et c’est là que Quincy Jones commence à être fasciné par la musique. Il s’essaie d’abord en autodidacte au piano, puis apprend la trompette à l’école. À treize ans, il reçoit quelques cours de Clark Terry, lors d’un passage de l’orchestre de Count Basie à Seattle. La situation financière de la famille est difficile et, en dehors de ses heures d’école, il exerce l’activité de cireur de chaussures. Il fait la connaissance de Ray Charles, son aîné de trois ans. Les deux amis forment un combo qui se produit dans les clubs de la ville. Quincy Jones fait aussi partie d’orchestres locaux. À dix-huit ans, il obtient une bourse pour poursuivre ses études au Berklee College of Music de Boston.

Carrière

Il quitte vite cet établissement pour intégrer l’orchestre de Lionel Hampton8 comme trompettiste et arrangeur. Malgré un salaire dérisoire, Quincy Jones reste quatre ans dans ce « big band » avec lequel il fait une tournée en Europe. Il s’installe ensuite un temps à New York où il exerce comme trompettiste mais surtout arrangeur « free lance ». Il écrit des arrangements pour de nombreux musiciens (Tommy Dorsey, Gene Krupa, Sarah Vaughan, Count Basie, Dinah Washington, Cannonball Adderley, Ray Charles, etc.).

En 1956, Quincy Jones est engagé par Dizzy Gillespie comme trompettiste et directeur musical de son big band pour une tournée organisée par le Département d’État au Moyen-Orient et en Amérique du Sud. Pendant cette tournée, il fait la connaissance de Lalo Schifrin, pianiste-compositeur-arrangeur-chef d’orchestre. Peu après, il enregistre son premier disque comme chef d’orchestre pour le label ABC Paramount Records.

En 1957, Quincy s’installe à Paris où il étudie auprès de Nadia Boulanger, directrice du Conservatoire américain de Fontainebleau, et travaille comme « staff arranger » pour le label d’Eddie Barclay (pour des artistes tels que Henri Salvador, Charles Aznavour, Jacques Brel, etc.). Le groupe Les Double Six enregistre un album consacré à ses compositions. Le temps d’une tournée européenne, il est le directeur de la troupe qui joue la comédie musicale Free and easy d’Harold Arlen. En 1960, il forme un « big band » avec dix-huit musiciens. Malgré la qualité musicale de l’orchestre, l’expérience se solde par un fiasco financier et pousse Quincy Jones, homme pourtant foncièrement optimiste, au bord de la dépression.

Il retourne aux États-Unis où, grâce à l’aide d’Irving Green, il devient arrangeur puis directeur musical du label Mercury. C’est dans ce cadre qu’il va arranger des dizaines d’albums de jazzmen mais aussi, et surtout, d’artistes comme Frank Sinatra, Barbra Streisand, Nana Mouskouri ou encore Tony Bennett. En 1964, il est nommé vice-président du label. La même année il écrit sa première musique de film pour Le Prêteur sur gages de Sidney Lumet puis en écrit d’autres dans les années qui suivent.

Il travaille aussi pour la télévision : musiques de L’Homme de fer, Sanford and son et du Bill Cosby Show. Il milite dans de nombreux mouvements anti-racistes et sociaux auprès de Martin Luther King ou du Révérend Jesse Jackson. Il aide financièrement l’IBAM (« Institute for Black American Music ») et est un des fondateurs du « Black Arts Festival » de Chicago. En 1973, Quincy Jones coproduit pour CBS Duke Ellington, We Love You Madly, une émission télévisée en hommage à l’œuvre du Duke à laquelle participent Sarah Vaughan, Aretha Franklin, Peggy Lee, Count Basie, Joe Williams, et le groupe Chicago. En parallèle à son activité de producteur et de compositeur, Quincy Jones continue à enregistrer des disques, pour plusieurs labels, sous son nom, souvent plus proches du rhythm and blues, du funk ou de la pop que du jazz.

En août 1974, il est victime d’une rupture d’anévrisme et subit deux importantes opérations. Après six mois d’arrêt, il reprend une intense activité. Il est le directeur musical du film The Wiz pour le compte de la mythique maison de disques Motown. C’est sur le tournage qu’il rencontre le jeune Michael Jackson qui est à la recherche d’un nouveau producteur pour lancer sa carrière solo. Il produit ainsi en 1979 Off the Wall, le cinquième album de Michael Jackson mais son 1er album en tant qu’adulte et son 1er chez le label Epic Records. Cet album est un succès commercial mais l’apothéose vient en 1982 avec le suivant, Thriller, qui reste à ce jour l’album le plus vendu de tous les temps avec plus de 60 millions d’exemplaires vendus. Après un troisième album, Bad (1987), qui est encore un succès, Michael Jackson se sépare de Quincy Jones, mais la fortune de ce dernier est définitivement assurée.

Sa situation financière lui permet d’acheter les droits d’édition de compositions de nombreux musiciens (il possède actuellement des droits sur environ 1 600 titres). Elle lui permet aussi d’être, en 1985, coproducteur du film de Steven Spielberg La Couleur pourpre (The Color Purple). La même année, il est coorganisateur de l’enregistrement de We Are the World, titre humanitaire contre la famine en Éthiopie (1984-1985). En 1988, il remixe Blue Monday de New Order. Quincy Jones n’oublie pas pour autant le jazz. En 1991, par exemple, il dirige au festival de Montreux l’orchestre qui accompagne Miles Davis pour la reprise des arrangements écrits par Gil Evans. En 1993, Quincy Jones et David Salzman organisent le concert d’investiture du président Bill Clinton.

Jones et Salzman fondent la compagnie « QDE » (Quincy Jones/David Salzman Entertainment) qui produit aussi bien de la musique, des pièces de théâtre, des films, des émissions télévisées – dont Le Prince de Bel-Air (The Fresh Prince of Bel-Air) pour NBC-TV – et d’autres produits multimédias. QDE – dont Quincy Jones est le PDG – édite aussi le magazine Vibe. Quincy Jones fonde son propre label, Qwest Records. En 2001, Quincy Jones est fait Commandeur de la Légion d’honneur par Jacques Chirac.

En 2019, il est le parrain sur scène des concerts Quincy Jones Presents Off the Wall, Thriller & Bad (date à l’AccorHotels Arena) et Quincy Jones Presents Soundtrack Of The 80’s.

Vie personnelle

Quincy Jones a été marié par trois fois et a eu sept enfants de cinq compagnes différentes,

En 1957, Quincy épouse Jeri Caldwell, le couple donne naissance à une fille : la chanteuse de jazz Jolie Jones Levine. Ils divorcent en 1966.

En 1963, il a une brève liaison avec la danseuse Carol Reynolds, de cette union naît une fille Rachel Jones.

En 1967, il épouse la photographe, parolière et chanteuse Ulla Jones, le couple donne naissance à une fille Martina Jones et au compositeur et producteur Quincy Jones III. Ils divorcent en 1974.

En 1974, il épouse l’actrice Peggy Lipton (décédée le 11 mai 2019), le couple donne naissance à deux filles : la styliste et actrice Kidada Jones et l’actrice Rashida Jones. Ils divorcent en 1990.

De 1991 à 1997, Quincy entretient une liaison avec l’actrice Nastassja Kinski (la fille de Klaus Kinski), le couple donne naissance, en 1993, à la mannequin Kenya Kinski-Jones.

Autres

Récemment, les marques d’accessoires audio AKG ainsi que JBL lui ont proposé d’éditer sa propre ligne d’accessoires audio.

En 2017, Quincy Jones et le producteur français Reza Ackbaraly ont lancé Qwest TV, le premier service de vidéo à la demande par abonnement (SVOD) consacré au jazz et à ses musiques affiliées du monde entier. La plateforme propose une sélection de concerts, d’interviews, de documentaires et de contenus originaux et exclusifs, sans publicité .

On a pu le voir en caméo dans l’épisode 9 de la saison 1 de la série Le Prince de Bel-Air. Il fait aussi une apparition dans le film The Wiz et dans Austin Powers 3 de Mike Myers.

Le compositeur japonais Joe Hisaishi (de son vrai nom Mamoru Fujisawa), compositeur des films de Hayao Miyazaki et de Takeshi Kitano a choisi son pseudonyme en hommage à Quincy Jones. En effet, le kanji pour « Hisaishi » pourrait être lu comme « Kuishi », qui est proche de la prononciation japonaise de « Quincy », et « Joe » vient naturellement de « Jones ».

Le concert pour son 75e anniversaire a eu lieu en Suisse au Festival de Jazz de Montreux 2008.

Un concert événement pour célébrer son 85e anniversaire a eu lieu au Festival de Jazz de Montreux le dimanche 8 juillet 2018, avec notamment : Ibrahim Maalouf, Nate Smith Kinfolk, Jade Elliott, Nik West, Ezra Collective, Richard Bona, Jacob Collier, Alfredo Rodriguez, Talib Kweli, Jowee Omicil et bien d’autres.

Quincy Jones a été marié trois fois et a eu sept enfants de cinq compagnes différentes :

• En 1957, il épouse Jeri Caldwell ; le couple donne naissance à une fille : la chanteuse de jazz Jolie Jones Levine. Ils divorcent en 1966.
• En 1963, il a une brève liaison avec la danseuse Carol Reynolds ; de cette union naît une fille Rachel Jones.
• En 1967, il épouse la photographe, parolière et chanteuse Ulla Jones ; le couple donne naissance à une fille Martina Jones et au compositeur et producteur Quincy Jones III. Ils divorcent en 1974.
• En 1974, il épouse l’actrice Peggy Lipton (morte le 11 mai 2019) ; le couple donne naissance à deux filles : la styliste et actrice Kidada Jones et l’actrice Rashida Jones. Ils divorcent en 1990.
• De 1991 à 1997, il entretient une liaison avec l’actrice Nastassja Kinski (la fille de Klaus Kinski) ; le couple donne naissance, en 1993, à la mannequin Kenya Kinski-Jones.
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Quincy Jones meurt le 3 novembre 2024 à Los Angeles, à l’âge de 91 ans, des suites d’un cancer du pancréas que rien ne laissait transparaître. Sa famille exprime dans un communiqué sa tristesse face à cette perte, tout en célébrant « la grande vie qu’il a vécue ». Il est inhumé au Hollywood Forever Cemetery.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/17546-Quincy-Jones

BARRY WHITE

Barry White, de son vrai nom Barrence Eugene Carter, né le 12 septembre 1944 à Galveston, Texas (États-Unis), et mort le 4 juillet 2003 à Los Angeles, Californie (États-Unis), est un chanteur, compositeur et producteur américain de rhythm and blues et de soul.

Trois fois récompensé par un Grammy Award, connu pour sa voix distinctive de baryton-basse et son image romantique, il connaît le succès à partir des années 1970 en tant que chanteur solo et avec The Love Unlimited Orchestra. Ses plus grands succès sont You’re the First, the Last, My Everything, Can’t Get Enough of Your Love, Babe, Never Never Gonna Give You Up ou encore Let The Music Play.

Ses ventes de disques dépassent les 100 millions, faisant de lui l’un des artistes musicaux ayant vendu le plus de disques. Parmi ses influences, on peut citer James Cleveland, Ray Charles, Aretha Franklin, Elvis Presley, The Supremes, The Four Tops et Marvin Gaye.

Biographie

Jeunesse

Né à Galveston1 au Texas, Barry est le fils de Melvin White et de Sadie Marie Carter. Son père abandonne le foyer alors qu’il n’a que six mois. Sa mère lui apprend le piano, mais Barry, qui grandit dans la banlieue de Los Angeles, ne poursuit pas son éducation musicale et devient membre d’un gang à l’adolescence. À 17 ans, il est condamné à quatre mois de prison pour le vol de 300 enjoliveurs d’un concessionnaire Cadillac, d’une valeur de 30 000 dollars. C’est en prison, en 1960, en écoutant à la radio le tube d’Elvis Presley It’s Now or Never (« C’est maintenant ou jamais »), qu’il prend conscience de la mauvaise tournure de sa vie et de l’absurdité de son incarcération. Cette chanson a un tel impact sur lui qu’il souhaite donner un tout autre sens à son existence, en décidant qu’il fera quelque chose de positif dans sa vie et notamment en se consacrant à la musique.

Carrière

C’est dans les années 1960 qu’il se fait connaître en produisant de nombreux musiciens, dont le trio féminin Love Unlimited, emmené par celle qui allait devenir sa femme, Glodean James. Il tente sa chance en tant qu’interprète sous différents pseudonymes, notamment celui de Gene West, sous lequel il reprend le tube d’Elvis Presley In the Ghetto, en 1970. Il est ensuite découvert et accompagné par le compositeur Gene Page qui le prend sous son aile et lui apporte son expérience d’instrumentiste classique. D’autres collaborateurs, tels que Paul Leo Politi, Wah Wah Watson, Billy Sepe, ou Tony Sepe avec qui il a arrangé You Are the First, the Last, My Everything, l’accompagneront durant toute la décennie 1970. Mais c’est à son ami Larry Nunes qu’il doit ses débuts de chanteur, celui-ci l’ayant encouragé dans cette voie sur laquelle il n’avait pas réussi jusqu’alors, et qu’il pensait abandonner. Il ajoutera d’ailleurs une dédicace à Larry Nunes dans les crédits de chacun de ses albums.

En parallèle de sa carrière de chanteur, il produit à partir de 1974, et au départ contre l’avis de sa maison de disque, une formation instrumentale11, The Love Unlimited Orchestra. Cette production est un succès, puisqu’en janvier 1974, l’instrumental Love’s Theme se classe numéro 1 dans les charts américains. D’autres singles suivront comme My Sweet Summer Suite (1976), tiré de l’album du même nom. En 1981, Barry White fait de cette formation un orchestre uniquement féminin, pour l’album Let’em Dance. Il tente la même année de passer le relais pour la direction du Love Unlimited Orchestra à Webster Lewis, pour l’album Welcome Aboard (The Love Unlimited Orchestra Presents Mr. Webster Lewis), mais le succès sera mitigé.

Barry White était un homme d’un physique imposant : il mesurait 1,92 m pour un poids avoisinant les 150 kg. Il a été surnommé « le maestro de l’amour ». Entre 1973 et 1976, il a produit 21 albums, du jamais vu dans l’industrie du disque. À sa mort en 2003, il avait vendu plus de 116 millions de disques dans le monde.

De 1997 à 2002, Barry White a fait des apparitions dans la série télévisée Ally McBeal, dans laquelle ses chansons servent d’exutoire au personnage de John Cage, qui l’idolâtre. Il a joué son propre rôle dans trois épisodes de la série (Saison 2 Épisode 18, Saison 3 Épisode 1 et Saison 5 Épisode 22). Au cinéma, Barry White a également composé et produit la musique du film de blaxploitation Together Brothers en 1976.

Il a également prêté sa voix à son propre personnage dans deux épisodes de la série Les Simpson. Il avait par contre décliné une invitation à apparaître dans la série animée South Park, jugeant le ton de celle-ci trop corrosif. Les producteurs ont décidé de choisir une autre icône de la soul, Isaac Hayes.

En 1999, Barry White publie son autobiographie, Love Unlimited, insights on life & love, avec la collaboration de l’écrivain Marc Eliot. Il y livre sa vision de la vie, de l’amour, ainsi que de nombreuses anecdotes sur son travail dans l’industrie du disque. Il y révèle notamment qu’en 1984, quelques semaines avant l’assassinat de Marvin Gaye, ce dernier avait tenté de le contacter pour lui proposer une collaboration sur un potentiel album en préparation.

Maladie et mort

En août 1999, il séjourne à l’hôpital pour un problème d’hypertension et est contraint d’annuler plusieurs concerts. Il est à nouveau hospitalisé en septembre 2002 et est en attente d’un don de rein, car les siens sont défaillants à la suite de nombreuses années d’hypertension. Mis sous dialyse à la suite de ces multiples ennuis de santé, il est victime d’un grave accident vasculaire cérébral en mai 2003, qui le contraint à se retirer de la vie publique. Il décède le vendredi 4 juillet 2003 à Los Angeles à l’âge de 58 ans au Centre médical Cedars-Sinai, après une longue lutte contre la maladie. Son corps a été incinéré et ses cendres ont été dispersées dans l’océan au large de la côte californienne en présence de ses proches, dont Michael Jackson.

Vie privée

Barry White a eu huit enfants, de trois femmes : sa première femme qu’il surnomme « Marie » dans son autobiographie, une relation illégitime qui lui a donné une fille lors de son premier mariage, et sa deuxième épouse Glodean, avec qui il restera marié jusqu’à sa mort malgré leur séparation. Sa dernière compagne, Katherine Denton, a donné naissance après son décès à une petite fille nommée Barrianna, mais la reconnaissance de Barry White comme père de cet enfant a donné lieu à un procès avec ses ayants droit, perdu par Denton.

Récompenses et hommages

Barry White n’a été primé que tardivement par ses pairs pour l’ensemble de sa carrière. Il a été nommé en 1974 pour le Grammy award dans la catégorie du meilleur chanteur Rhythm and Blues pour la chanson I’m Gonna Love You Just a Little More Baby, aux côtés des poids lourds de la musique noire tels que le gagnant Stevie Wonder, Marvin Gaye, Al Green et le membre fondateur du groupe The Temptations, Eddie Kendricks. Il recevra un Grammy award honorifique 29 ans plus tard, en 1999 à l’occasion de la sortie de son album Staying Power.

Le 21 mai 2003, la municipalité de Los Angeles décide de donner le nom de Barry White à un parc public situé dans le district de South Park où il a grandi et dont il s’est fait le défenseur.

Le 12 septembre 2013, inscription de son étoile sur le Hollywood Walk of Fame.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/18978-Barry-White

BARRY MANILOW

Barry Manilow né Barry Alan Pincus est un chanteur, compositeur, acteur et producteur américain d’origine juive polonaise, né le 17 juin 1943 à New York.

Il est le cinquième artiste à avoir fait le plus d’entrées au Hot Adult Contemporary Tracks derrière Elton John, Barbra Streisand, Neil Diamond et Elvis Presley.

En janvier 2013, le conseil municipal de New York décide de rendre hommage à Barry Manilow pour avoir fait « musicalement resplendir sa ville natale » en renommant officiellement la 44e rue de la 7e avenue donnant sur Broadway Manilow Way.

En plus d’une carrière de chanteur à succès, il a composé et produit des hits pour Dionne Warwick, Frank Sinatra, Barbra Streisand, Rosemary Clooney, Nancy Wilson, Whitney Houston, et Aretha Franklin entre autres.

Barry Manilow est également depuis 1964 le compositeur (et souvent interprète) de nombreux jingles, de bandes-originales films et de dessins-animés des studios Walt Disney.

Biographie

Barry Manilow a vendu près de 100 millions d’albums à travers le monde, ce qui fait de lui le chanteur à avoir vendu le plus de disques de toute la décennie 1970.

En 1971, alors que l’homosexualité est encore un tabou aux États-Unis, après plusieurs années de travail auprès de CBS en tant que compositeur de génériques et jingles, Barry Manilow se lance dans le spectacle aux côtés de la sulfureuse Bette Midler au Continental Gay Bathhouse de New York où ils affichent complet durant plusieurs mois. Réputé pour jouer entouré d’une unique serviette autour de la taille, ils deviennent rapidement des figures du rock alternatif new-yorkais. Après leur expérience en duo et un album à succès The Divine Miss M, le couple Manilow / Midler se sépare, partagé entre deux fortes personnalités. Manilow décide de sortir un album solo en 1973 qui sera classé parmi les 100 meilleurs albums de l’année du magazine Rock & Folk malgré une diffusion radiophonique peu importante. Y figure le futur tube Could It Be Magic ainsi que One of these Days, chanson travaillée avec Ray Charles.

En 1974, son chemin croise celui du jeune Clive Davis (producteur) qui lui propose de sortir un album sous son label florissant, Arista Records dont Manilow devient un membre clé. Leur première collaboration Barry Manilow II atteindra rapidement des records de vente jusqu’à une succession de classements à la première place du hit-parade américain de ces disques de 1975 à 1981. Barry Manilow devient vite un des représentants les plus influents de la musique américaine du xxe siècle.

Homme de scène le plus récompensé de 1972 à 2012, comme encore un de ses derniers spectacles à Las Vegas, meilleur spectacle de variété aux Emmy Awards 2006, en 1978, cinq de ses albums furent au top des ventes simultanément, un record égalé seulement par Michael Jackson, Frank Sinatra et Johnny Mathis. En 1988, Bob Dylan ira jusqu’à le citer comme la source d’inspiration de tout artiste.

Grâce à des hits comme Mandy, Weekend in New-England ou encore Tryin’ to get the Feeling Again, Barry Manilow s’est imposé comme une véritable icône de la musique pop rock/soft rock aux États-Unis. Michael Jackson le présentait comme son père spirituel.

Surnommé le « showman de multi-génération », le parrain de Las Vegas ou encore « un géant parmi les entertainers » par le magazine Rolling Stones, il chante à guichets fermés dans chacun des pays où il passe. À peine annonce-t-il sa venue que les fans, nommés « fanilow », se ruent littéralement sur les locations.

En 2003, il produit l’album Bette Midler Sings the Rosemary Clooney Songbook afin de rendre hommage à la chanteuse de jazz Rosemary Clooney décédée en 20025.

En 2006, deux de ses albums furent classés numéros 1 et 2 consécutifs, un record encore inégalé. Cela marquera son retour dans les charts en tant qu’artiste de premier plan.

Il est le compositeur en 1973 de la chanson Could It Be Magic, et ce fut l’interprétation de Donna Summer en 1975 qui fit de ce titre un tube international. Repris en français par Alain Chamfort, il devient Le Temps qui court, qui est en 2006 l’hymne des Enfoirés.

Après Copacabana (At the Copa), en 1978, Barry Manilow fit une interprétation du titre Memory en 1982 et qui fut la version la mieux classée dans les charts américains de cette chanson maintes fois reprise.

En 2009, il donna un concert diffusé sur la BBC à Hyde Park à Londres réunissant plusieurs centaines de milliers de fans dans la capitale anglaise lors de la BBC Proms.

Il a lancé la carrière de Bette Midler, a produit Dionne Warwick et inspiré Whitney Houston ainsi que de nombreux artistes.

Il fut pendant longtemps un ami très proche de Michael Jackson ; il lui rendit un dernier hommage ainsi qu’à sa famille après l’annonce de son décès lors d’un concert à Rochester.

Barry Manilow est l’artiste le plus demandé à la télévision américaine, d’après Oprah Winfrey.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/79091-Barry-Manilow

BABYFACE

Kenneth Edmonds, également connu sous le pseudonyme de Babyface, né le 10 avril 1959 à Indianapolis, est un auteur-compositeur, producteur et chanteur américain.

Il a écrit et produit des centaines de tubes pour les plus grandes stars de la chanson du milieu des années 1980 à la fin des années 1990. Il est à l’origine de 125 hits classés dans le Top 10 du Billboard Hot 100 américain, dont seize numéro un, ainsi que de 42 numéro un au classement R&B. Il a par ailleurs remporté 12 Grammy Awards durant sa carrière.

Babyface a été l’un des pionniers du new jack swing dans les années 1980, style qui a façonné le son du R&B moderne.

Biographie

Sa carrière musicale démarre en 1977, quand il devient guitariste pour le groupe de Jazz/Funk Manchild. La même année, le groupe sort un single qui se classe à une place plus qu’honorable dans les charts américains. C’est Bootsy Collins, célèbre bassiste et chanteur du groupe funk Parliament/ Funkadelic, qui l’appelle Babyface pour la première fois, trouvant que l’artiste avait encore un visage de gamin.

Puis Babyface intègre le groupe The Deele à la suite de sa rencontre avec L.A. Reid en 1981. Leur collaboration fera d’eux le plus célèbre duo de compositeur-producteurs de la décennie. Après avoir sorti trois albums avec L.A. Reid, Street Beat, Material Thangz et Eyes of a Stranger, et à la suite de leur succès en tant qu’auteurs pour d’autres artistes, Babyface et L.A. Reid quittent The Deele en 1988 pour se consacrer à leur carrière de producteurs. Son premier album solo Lovers sort en 1986. Entre-temps ils produisent des tubes pour Bobby Brown, Pebbles, Karyn White, The Whispers, Sheena Easton, Paula Abdul, Johnny Gill, Whitney Houston…

Alors que Michael Jackson est à l’apogée de sa gloire après la sortie de son album Bad, L.A. Reid & Babyface se font remarquer en déclarant : « Michael Jackson est le meilleur chanteur de tous les temps, mais il n’a pas les meilleures chansons ! ». À cette époque, Michael Jackson voulait L.A. Reid & Babyface pour produire l’album Dangerous, mais c’est son frère Jermaine Jackson (qui à cette époque est en conflit avec son frère) qui s’est octroyé le premier les services du fameux duo de producteurs avec l’album You Said sorti en 1991 sous le label LaFace Records.

En 1989 L.A. Reid & Babyface fondent leur propre maison de disques sous le célèbre label LaFace Records. Ils commencent alors à composer et produire pour de nouveaux artistes et pour les plus grosses pointures de la musique noire américaine. En parallèle, Babyface sort son deuxième album Tender Lover en 1989. It’s No Crime, Tender Lover, My Kinda Girl et Whip Appeal seront ses quatre premiers tubes en solo dans les charts U.S., l’album sera double album de platine aux États-Unis.

Au début des années 1990 le duo de producteurs criblent les charts de tubes pour TLC, Toni Braxton, Boyz II Men, Whitney Houston, Paula Abdul, Outkast, Bobby Brown, Tevin Campbell, Aretha Franklin, Jermaine Jackson… Ils signent notamment leur premier numéro 1 au Billboard Hot 100 avec le tube I’m Your Baby Tonight de Whitney Houston. S’en suivra l’énorme succès du tube End Of The Road de Boyz II Men qui bat un record absolut aux États-Unis en restant classée 13 semaines numéro 1 en tête du Billboard Hot 100 et en pulvérisant le record de 11 semaines précédemment détenu par Elvis Presley.

En 1993, à la suite de divergence d’ordre artistique L.A. Reid et Babyface décident de mettre un terme à leur collaboration en tant que compositeurs/producteurs.

Babyface sort en 1993 son troisième album For the Cool in You (en) qui sera la dernière collaboration avec son acolyte L.A. Reid. La ballade acoustique When Can I See You (en) se classe dans les premières places des hit-parades pendant l’été 1993 ainsi que les singles For the Cool in You, Never Keeping Secrets et And Our Feelings. L’album sera triple platine aux États-Unis et sera nominé aux Grammy Awards dans la catégorie « Meilleure performance vocale masculine ». Lors de cette même cérémonie il remporte le Grammy du « Producteur de l’année ».

À la suite de la rupture avec son acolyte L.A. Reid, Babyface commence à composer et produire en solo pour les plus grands artistes de la musique, notamment : Carole King, Patti LaBelle, Chaka Khan, Aretha Franklin, Madonna, Janet Jackson,Faith Evans, Al Green, Beyoncé, Diana Ross, Toni Braxton, Michael Jackson, Michael Bolton, Paula Abdul, Eric Clapton, Tevin Campbell, Bobby Brown, Whitney Houston, Brandy, Mary J. Blige, Tamia, Shola Ama, Dru Hill, Fall Out Boy, Céline Dion, Mariah Carey, Vanessa Williams, Chanté Moore, En Vogue, Kenny G, Lil Wayne, P!nk, TLC, Ariana Grande, Bruno Mars et Phil Collins parmi bien d’autres.

Il remporte trois années consécutives le Grammy Award du producteur de l’année en 1995-1996-1997. Il détient le record du plus grand nombre de victoires dans cette catégorie, avec quatre. Il signe plusieurs tubes planétaires donc Take a Bow pour Madonna, I’ll Make Love to You pour Boyz II Men, Change the World avec Eric Clapton, True Colors avec Phil Collins, Whitney Houston et son tube Exhale, Mary J. Blige, Brandy, Mariah Carey…

En 1995, la bande originale du film Waiting To Exhale dans lequel le rôle principal est interprété par Whitney Houston, et entièrement composée par Babyface, est un énorme succès et se vend à plus de 10 million d’exemplaires à travers le monde.

En 1998, Babyface réussit à réunir les deux divas et rivales Whitney Houston et Mariah Carey le temps d’un duo pour la bande originale du film d’animation de Dreamworks Le Prince d’Égypte. When You Believe est composé par Stephen Schwartz mais Babyface retravaille le morceau et produit sa propre version avec sa signature sonore. When You Believe reçoit l’Oscar de la meilleure chanson originale lors de la 71e cérémonie des Oscars le 21 mars 1999. Avant d’interpréter la chanson cette nuit-là, Schwartz retire le nom de Babyface sur la nomination. Il fait cela car les ajouts de la version de Babyface n’apparaissent pas sur la version du film, il ne donne pas les crédits d’écriture. Cependant, si Babyface ne reçoit pas d’Oscar, Carey et Houston interprètent sa version, car elles se sentent plus familières avec celle-ci qu’avec la version du film plus académique. When You Believe connaît un immense succès en Europe et dans le monde en atteignant le top 5 en Belgique, Espagne, France, Italie, Norvège, Pays-Bas, Royaume-Uni, Suède et Suisse. Grâce aux ventes en Europe et aux États-Unis, la chanson reçoit beaucoup de certifications.

Pendant qu’il travaille sur son quatrième album solo The Day, il coécrit et coproduit avec David Foster, l’hymne Olympique The Power of the Dream (en) enregistré par Céline Dion pour la cérémonie d’ouverture des Jeux Olympiques d’Atlanta en 1996.

En 1996, il sort l’album, The Day (en), qui est l’album de la consécration en tant qu’interprète. Le single en duo avec Stevie Wonder How Come, How Long est un succès international. Sur ce disque, il impressionne les critiques par ses talents d’interprète et par la qualité technique de ses arrangements et ses compositions. Un album plus acoustique avec un son pop/soul et des invités prestigieux comme Eric Clapton, Stevie Wonder, Boyz II Men et Mariah Carey.

En 1997, Babyface est nommé pour le nombre record de douze Grammy Awards. Il est alors a l’apogée de sa gloire et les plus grandes stars se bousculent pour avoir un titre produit par Babyface.

En 1997, Babyface et son épouse Tracey Edmonds créent leur propre maison de production pour la télévision et le cinéma Edmonds Entertainement Group. Ils produisent des comédies à succès telles que : Sould Food, Hav’plenty, Light It Up et Josie et les Pussycats ainsi que des séries et shows pour la télévision.

Après son album MTV Unplugged tiré de son concert live a New York (avec des invités prestigieux tels que : Stevie Wonder, Eric Clapton, Shanice, Marc Nelson, After 7) ainsi que son album de Noël Christmas with Babyface, il quitte son label Epic Records pour rejoindre L.A. Reid qui succède à Clive Davis à la présidence de Arista Records.

Babyface sort l’opus Face2Face le 11 septembre 2001. Pour la première fois de sa carrière, il fait appel a d’autres producteurs pour travailler sur plusieurs titres : The Neptunes, Heavy D., Tim & Bob ou encore Buckwild. L’album se démarque de ses précédents albums avec un changement de style dans sa façon de chanter, un phrasé plus syncopé et un son brut, plus urbain. Cet album n’est pas un gros succès, seule la ballade What If et le titre dansant There She Goes avec Pharrell Williams se classent dans les charts.

Après cet album, la carrière musicale de Babyface stagne un peu avec très peu de projets. L’arrivée d’une nouvelle vague de producteurs a succès tels que Pharrell Williams et Timbaland donne un nouveau son au R&B qui devient plus commercial et qui s’exporte à travers le monde entier.

En 2004, un nouvel album intitulé A Love Story2 disponible en téléchargement illégal sur Internet avant sa sortie, est avorté par sa maison de disques et ne sortira jamais. Seul le single The loneliness sortira sur les ondes radios. Entre soul, R&B et ambiances jazzy, l’album contient quelques perles comme My Boo (duo jazz avec la chanteuse Mycale), Makin’ Love ou Love Song.

Finalement, c’est en septembre 2005 qu’il revient sur le devant de la scène avec un nouvel album intitulé Grown & Sexy. Album typique R&B avec un son très années 1990 et plus minimal. C’est album reprend deux titres du projet A Love Story. Les deux singles tirés de cet album sont Sorry For the Stupid Things et le groovy Grown & Sexy.

Babyface divorce d’avec sa femme Tracy Edmonds après onze années de vie commune et deux enfants. Ils restent associés dans leur maison de production Edmonds Production Company.

En 2007, il enregistre son neuvième album studio intitulé Playlist. Cet album album acoustique est composé de 8 reprises Folk ainsi que de deux nouvelles compositions.

2013 – Le retour au premier plan

Le 17 août 2013, la chanson Hurt You qu’il interprète avec Toni Braxton est publiée. Elle représente les prémices de leur opus commun prénommé Love, Marriage and Divorce, qui sort le 4 février 2014. L’album se classe en tête des charts et remportera le Grammy Award du meilleur album R&B de l’année 2015.

Le 11 octobre 2013, Babyface est enfin honoré de son étoile le célèbre Walk Of Fame d’Hollywood et devient une légende vivante. Il reçoit la 2508e étoile. Puff Daddy, L.A. Reid, Stevie Wonder, Usher et Toni Braxton avaient fait le déplacement pour honorer leur ami pendant la cérémonie. Puffy poussera la confidence en avouant qu’il avait « conçu » deux de ses enfants sur des morceaux produits par Babyface : « And I want to thank you for Justin and Christian, I thank you. »

Babyface a réalisé en association avec Walter Afanasieff l’album Partners (Columbia) de Barbra Streisand. Sorti en septembre 2014, le disque se hisse en tête des ventes américaines. L’album est certifié disque d’or aux États-Unis en novembre 2014.

En parallèle, il produit la reprise Rolling In The Deep d’Adele pour l’opus Aretha Franklin Sings the Great Diva Classics d’Aretha Franklin.

Le 13 août 2015, un premier single de son premier album solo depuis 9 ans est dévoilé sur les ondes radios,We’ve Got Love. Prémisse de l’album The return of the Tender Lover (en) qui est un hommage a son album à succès sorti en 1989 Tender Lover (en) et qui sera composé de 8 nouvelles compositions.

En 2022, babyface sort son nouvel album Girls Night Out qui sera un album de collaborations avec la nouvelle génération de chanteuses R&B.

Vie privée

Il a deux enfants : Brandon Kenneth, né en 1994 et Dylan Michael, né en 1996.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/50703-Babyface

ASHFORD AND SIMPSON

Ashford and Simpson étaient une équipe de production-compositeurs américaine mari et femme et un duo d’enregistrement composé de Nickolas Ashford (4 mai 1941 – 22 août 2011) et Valerie Simpson (née le 26 août 1946).

Ashford est né à Fairfield, en Caroline du Sud , et Simpson dans le Bronx , à New York . Par la suite, sa famille a déménagé à Ypsilanti, Michigan , où il est devenu membre de la Christ Temple Baptist Church. Là-bas, il a chanté avec un groupe appelé les Hammond Singers (du nom du ministre fondateur, James Hammond). Plus tard, Nickolas a fréquenté et est diplômé de Willow Run High School à Ypsilanti, Michigan , avant de poursuivre sa carrière professionnelle, où il rencontrera finalement sa femme, Valérie. Ils se sont rencontrés à la White Rock Baptist Church de Harlem en 1964. Après avoir enregistré sans succès en duo, ils ont rejoint un artiste solo en herbe et ancien membre duIkettes , Joshie Jo Armstead , au label Scepter/Wand, où leurs compositions ont été enregistrées par Ronnie Milsap (« Never Had It So Good »), Maxine Brown (« One Step at a Time »), ainsi que les Shirelles , les Devinez qui , et Chuck Jackson. Une autre des chansons du trio,  » Let’s Go Get Stoned « , a donné à Ray Charles un succès numéro un du R&B américain en 1966. Cette même année, Ashford and Simpson ont rejoint Motown , où leurs chansons les plus connues comprenaient  » Ain’t No Mountain High Enough , »  « You’re All I Need to Get By, »  et  » Reach Out and Touch (Somebody’s Hand) « . Ashford et Simpson ont écrit de nombreuses autres chansons à succès, dont  » I’m Every Woman  » de Chaka Khan (1978) et  » Is It Still Good to Ya? « , à l’origine enregistré par le duo en 1978 et repris par Teddy Pendergrass en 1980.

En tant qu’interprètes, les duos les plus connus d’Ashford and Simpson sont  » Solid  » (1984) et  » Found a Cure  » (1979). Le duo a été intronisé au Songwriters Hall of Fame en 2002. Ils sont également récipiendaires du Pioneer Award de la Rhythm & Blues Foundation , du ASCAP Founders Award et du Grammy Trustee Award . Rolling Stone les a classés n ° 19 sur sa liste des 20 plus grands duos de tous les temps.

Carrière

Auteurs- compositeurs

Le duo a essentiellement eu deux carrières: l’une en tant qu’équipe d’écriture et de production à succès et l’autre en tant que chanteurs et interprètes eux-mêmes. Ils ont commencé leur carrière au milieu des années 1960, en écrivant pour des artistes tels que 5th Dimension ( » California Soul « ), Aretha Franklin ( » Cry Like A Baby « ) et Ray Charles ( » Let’s Go Get Stoned « ). Leur travail avec Charles les a portés à l’attention du chef Motown Berry Gordy .

En rejoignant l’équipe de Motown en 1966, Ashford and Simpson ont été jumelés avec le duo vocal Marvin Gaye et Tammi Terrell , et ils ont écrit et/ou produit tous les singles Gaye/Terrell sauf un de la fin des années 1960, y compris des succès tels que la version originale. de  » Ain’t No Mountain High Enough « ,  » Your Precious Love « ,  » Ain’t Nothing Like the Real Thing  » et  » You’re All I Need to Get By « . Selon Gaye dans le livre Divided Soul , Simpson a fait la plupart des voix sur le dernier album qu’il a fait avec Terrell, Easy, comme un moyen pour la famille de Terrell d’avoir un revenu supplémentaire, car elle luttait contre une tumeur au cerveau finalement mortelle. Bien que Louvain Demps, chanteuse des Andantes , ait déclaré qu’elle avait vu Terrell enregistrer l’album, et Simpson est cité comme disant, dans un livre écrit par la sœur de Terrell, Ludie Montgomery, ce qu’ils ont vu, c’est qu’elle chantait les pistes guides de l’album, qui ont ensuite été remplacés par la propre voix de Tammi.

Ashford and Simpson ont écrit et produit presque toutes les chansons de trois albums des années 1970 pour l’ancienne Supreme Diana Ross , y compris son premier album solo Diana Ross ( » Reach Out and Touch (Somebody’s Hand) « ) et « Ain’t No Mountain High Enough », Surrender ( » Remember Me « ), et The Boss . Les trois albums ont été acclamés par la critique avec Diana Ross , son premier album en 1970, et The Boss étant certifié platine et « Surrender » certifié or.

Parmi les autres artistes de Motown avec lesquels Ashford and Simpson ont travaillé, citons Gladys Knight & the Pips (« Didn’t You Know You’d Have to Cry Sometime », et après Motown, ils ont écrit et produit pour ce groupe « Landlord », « Bourgie, Bourgie » , et « Taste of Bitter Love »), Smokey Robinson & the Miracles (« Who’s Gonna Take the Blame »), Syreeta Wright (« I Can’t Give Back the Love I Feel for You »), les Marvelettes (« Destination : Anywhere »), Martha Reeves & the Vandellas (« Tear It On Down »), les Dynamic Superiors (« Shoe, Shoe Shine »), Blinky Williams (« I Wouldn’changer l’homme qu’il est »), et les suprêmes avec les quatre sommets (duos originaux, plus la production d’une reprise à succès de « River Deep-Mountain High » de Phil Spector ).

D’autres artistes avec lesquels Ashford and Simpson ont eu des tubes étaient Teddy Pendergrass (« Is It Still Good to Ya »), les Brothers Johnson (« Ride-O-Rocket »), Stephanie Mills (« Keep Away Girls »), Chaka Khan, tous deux seule ( » I’m Every Woman  » et  » Clouds « ), et avec Rufus (« Keep It Comin' » et  » Ain’t Nothin’ But a Maybe « ).

Interprètes

La carrière d’Ashford and Simpson en tant qu’artistes du disque a commencé au début des années 1960 au sein du groupe de gospel The Followers, avec qui ils ont enregistré l’album Gospel Meeting (sur Forum Circle), publié plus tard sous le nom de Meetin’ The Followers (sur Roulette Records ). Le LP contient leur voix ainsi que quatre compositions d’Ashford. En 1964, ils enregistrent « I’ll Find You », comme « Valerie & Nick ». Cela a été suivi par plusieurs singles obscurs enregistrés par Ashford sur les labels Glover, Verve et ABC , tels que « It Ain’t Like That » (enregistré plus tard par Martha Reeves & the Vandellas ),  » California Soul « , et  » Dead End Kids « Let’s Go Get Stoned ».

Simpson est apparu (avec Melba Moore ) dans le cadre du  » Blood, Sweat & Tears Soul Chorus  » sur le premier album du groupe Child Is Father to the Man en 1968. Après s’être concentré sur le travail avec d’autres artistes, Simpson était le soliste vedette sur les chansons.  » Bridge Over Troubled Water  » et  » What’s Going On  » sur les albums de Quincy Jones Gula Matari en 1970, et sa suite, Smackwater Jack .

Simpson a ensuite enregistré deux albums solo pour Motown : Exposed en 1971, et, l’année suivante, Valerie Simpson , qui comprenait le single « Silly, Wasn’t I », qui a ensuite été samplé sur  » Best Friend  » de 50 Cent de la film, Get Rich or Die Tryin’ . La chanson a également été échantillonnée par 9th Wonder sur  » Silly Girl  » de Murs dans l’album Murray’s Revenge . Ashford and Simpson ont présenté des sélections de chant des albums solo de Simpson dans l’ émission télévisée PBS Soul!, animé par Ellis Haizlip en 1971. En 1973, ils quittent Motown après que les albums que Simpson a enregistrés pour le label aient reçu une mauvaise promotion, et la société a refusé de sortir un album du duo enregistrant une collection de leurs chansons les plus célèbres pour d’autres artistes.

En 1974, Ashford et Simpson se sont mariés après avoir repris leur carrière en duo, avec l’ album de Warner Bros. Gimme Something Real sorti en 1973, suivi en 1974 par I Wanna Be Selfish . En 1975, Simpson a chanté des chœurs sur le hit numéro un de Paul Simon  » 50 Ways to Leave Your Lover « , et en 1976, ils ont sorti Come As You Are . 1977 a vu la sortie de deux albums – So So Satisfied et Send it. Cela a été suivi par les singles à succès  » Send It « ,  » Don’t Cost You Nothin ‘  » (1977),  » It Seems To Hang On  » (1978),  » Is It Still Good To Ya  » (1978),  » Found a Cure » (1979), « Street Corner » (1982), et leur plus grand succès,  » Solid « , sorti en 1984.

En 1978, ils ont été présentés comme chanteurs, avec Chaka Khan, sur le single à succès  » Stuff Like That  » de Quincy Jones ‘ Sounds … And Stuff Like That album et ont contribué à l’écriture de la bande originale de The Wiz . Le duo est apparu comme lui-même dans « Nocturne », un épisode de 1986 de la populaire série télévisée The Equalizer .

A lui tout seul, Ashford (avec Frank Wilson ) a produit le tube « I’m Gonna Make You Love Me », que Diana Ross & the Supremes a enregistré en collaboration avec les Temptations en 1968. Il est également apparu dans le film New Jack City ( 1991), en tant que révérend Oates, un ministre ordonné qui faisait partie de l’entourage de Nino Brown.

Les frères Simpson étaient également dans le milieu du disque : Ray Simpson a remplacé Victor Willis dans les Village People et leur frère Jimmy Simpson a produit le groupe GQ (qui a eu de gros succès avec « Disco Nights (Rock-Freak) » et « I Do Love You ». ), et était très demandé en tant qu’ingénieur de mixage à l’époque du disco.

Ces dernières années et la mort d’Ashford

Plus tard, Ashford and Simpson ont enregistré et tourné sporadiquement, et en 1996, ils ont ouvert un restaurant et une salle de spectacle , le Sugar Bar à New York, avec un micro ouvert le jeudi soir, où les interprètes comprenaient Queen Latifah , Vickie Natale et Felicia . Collins . Ashford and Simpson ont enregistré l’album Been Found avec la poétesse Maya Angelou en 1996. À cette époque, ils figuraient également en tant que disc-jockeys sur la station de radio new-yorkaise WRKS .

Le 16 août 2006, Playbill Online a annoncé qu’ils écrivaient la partition d’une comédie musicale basée sur le roman Invisible Life d’ E. Lynn Harris . En janvier 2007, avec Tina Turner, Mary J. Blige , Mariah Carey , Sidney Poitier , le réalisateur Spike Lee et le comédien Chris Rock , ils ont accompagné Oprah Winfrey lorsqu’elle a ouvert sa Leadership Academy for Girls en Afrique du Sud.

Ils ont été crédités pour l’écriture du CD Back to Black d’ Amy Winehouse en 2007 pour le single  » Tears Dry on Their Own « . Le morceau est basé sur un extrait du hit Motown de 1967 de Marvin Gaye et Tammi Terrell  » Ain’t No Mountain High Enough « . Ils avaient commencé à jouer leur numéro dans de petites salles intimes, telles que Feinstein’s au Regency à New York et la Rrazz Room à San Francisco, et en janvier 2009, ils ont sorti un CD et un DVD de leurs performances live intitulé The Real Thing . Le 22 juin 2009, ils ont fait une performance invitée lors d’une soirée au Tribeca Rooftop, New York, pour célébrer Virgin Atlanticla fête d’anniversaire de. Ils ont également fait leur première apparition à Tokyo, au Japon, en novembre 2009, et ont donné huit spectacles en quatre jours au Blue Note Tokyo.

Lors de l’investiture du président Barack Obama en 2009, Ashford et Simpson ont réécrit leur chanson, « Solid », en « Solid as Barack ». Ils le lui ont dédié lors de ses festivités inaugurales.

Ashford est décédé dans un hôpital de New York le 22 août 2011, quatre jours avant le 65e anniversaire de Valerie Simpson, des complications d’ un cancer de la gorge . Son publiciste , Liz Rosenberg, a déclaré qu’il avait subi une radiothérapie pour traiter sa maladie.

Simpson a sorti un nouvel album solo en juin 2012, intitulé Dinosaurs Are Coming Back Again , qui comprend également la dernière performance enregistrée de Nina Simone , un deuxième duo avec Roberta Flack et une version instrumentale de  » Ain’t No Mountain High Enough « .

En 2014, Simpson a fait une apparition sur la chanson titre de l’ album A Couple Friends de Kindred the Family Soul.

En mai 2014, Simpson a reçu un doctorat honorifique en musique du Berklee College of Music.

Vie personnelle

Nick Ashford et Valerie Simpson ont eu deux filles, Nicole (née en 1975) et Asia (née en 1987). Nicole est diplômée de l’Université Wesleyan en 1997.

Récompenses et nominations

En 1969, Ashford et Simpson ont remporté trois BMI Awards pour les chansons « Ain’t No Mountain High Enough », « Ain’t Nothing Like the Real Thing » et « Your Precious Love ».

Ashford et Simpson ont été intronisés au Songwriters Hall of Fame en 2002. Ils ont également reçu le prix Pioneer de la Rhythm & Blues Foundation en 1999 et la plus haute distinction de l’ ASCAP , le Founders Award, qu’ils ont reçu en 1996.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/15875-Ashford-Simpson