CHRISTINA AGUILERA

Christina Aguilera (née le 18 décembre 1980 sur l’île de Staten Island, à New York, dans l’État de New York), est une auteure-compositrice-interprète, femme d’affaires, actrice et philanthrope américaine. En 1993, à seulement 12 ans, elle lance sa carrière dans The Mickey Mouse Club. Six ans plus tard, elle sort son premier album, Christina Aguilera, qui se vend à 16 millions d’exemplaires, et dont trois des singles (Genie In a Bottle, What A Girl Wants et Come On Over) se classent en tête des palmarès aux États-Unis. Cependant, durant la promotion de ses deux albums suivants, Mi Reflejo et My Kind of Christmas (2000), Christina est catégorisée comme « chanteuse bubblegum pop ». N’aimant pas cette image, Christina s’investit davantage dans la création de son quatrième album, Stripped (2002) – qui démontre un côté davantage soul, hip-hop et rock. Dans son cinquième album, Back to Basics (2006), elle intègre des genres musicaux des années 1920 et 1940 tels que le blues, la soul et le jazz.

En 2010, elle sort son sixième album, Bionic, qui illustre un côté très electropop. Cette même année, elle tourne dans le film Burlesque, aux côtés de la chanteuse Cher. En 2012, elle sort son septième album, Lotus. De 2011 à 2016, Christina Aguilera fait partie des coachs de l’émission The Voice. En plus de sa carrière de chanteuse et d’actrice, Christina est une philanthrope ; elle est d’ailleurs l’ambassadrice de l’organisation Programme alimentaire mondial.

Au fil de sa carrière, Christina Aguilera reçoit de nombreux prix tels que les Grammy Awards ou encore les Latin Grammy Awards. Elle a également sa propre étoile sur le Walk of Fame de Hollywood depuis 2010.

Le nombre de ventes de ses disques est estimé à plus de 35 millions aux États-Unis et plus de 75 millions dans le monde entier, depuis le début de sa carrière. Elle fait partie de la liste des « 100 plus grands chanteurs » établie en 2008 par le magazine musical Rolling Stone où elle est classée à la 58^e position, devant Björk, Mariah Carey ou encore Patti LaBelle. Elle est également mentionnée en 2013 par le magazine américain TIME parmi les personnalités les plus influentes au monde.

En 2023, elle fait partie de la liste des « 200 meilleurs artistes de tous les temps » du magazine américain Rolling Stone en étant présente à la 141^e place.

En parallèle, elle s’illustre dans plusieurs productions filmiques telles que : Gang de requins (2004), Shine a Light (2008), American Trip (2010), Burlesque (2010), Pitch Perfect 2 (2015), Le Monde secret des Émojis (2017), Mère incontrôlable à la fac (2018) et Zoe (2018).

Biographie

Enfance et débuts (1980–1998)

Christina María Aguilera naît le 18 décembre 1980 à New York, plus précisément sur l’île de Staten Island. Sa mère est Shelly Loraine Kearns (née Fidler), musicienne, et son père Fausto Xavier Aguilera, soldat de l’Armée de Terre des États-Unis. Son père est d’origine équatorienne, alors que sa mère a des origines allemande, irlandaise, galloise et néerlandaise.

La famille déménage fréquemment durant la jeunesse de Christina, à cause du service militaire de son père. La famille a pu vivre dans des endroits tels que le New Jersey, le Texas, New York et même dans un autre pays comme le Japon. Christina Aguilera et sa mère ont plusieurs fois déclaré que Fausto Aguilera était physiquement et émotionnellement violent, ce que ce dernier a toujours nié, en déclarant même « Je n’ai jamais été violent envers elle ou sa mère. Et elles le savent. ». Après plusieurs années d’éloignement, Christina a exprimé en 2012 sa volonté de se réconcilier avec son père. Christina Aguilera a très souvent utilisé la musique comme une forme d’évasion de son foyer considéré comme turbulent et bancal. Après le divorce de ses parents lorsqu’elle avait six ans, Christina, sa jeune sœur Rachel (née le 6 juillet 1986) et sa mère (qui se remaria plus tard avec Jim Kearns et donna naissance à un autre enfant, Michael « Mikey » Kearns) emménagent dans la maison de sa grand-mère à Rochester, dans la banlieue de Pittsburgh en Pennsylvanie. À la suite du mariage de sa mère avec Jim Kearns, Christina a une demi-sœur et un demi-frère, Stephanie et Casey, issus du premier mariage de Jim.

En grandissant, Christina Aguilera est connue localement comme étant « la petite fille à la grande voix », aspirant à être une artiste, chantant dans des spectacles de talents locaux et des compétitions. Elle remporte son premier concours de chant à l’âge de 8 ans, dans lequel elle interprète le morceau I Wanna Dance with Somebody (Who Loves Me) de Whitney Houston. En 1990, elle apparaît dans l’émission Star Search en chantant A Sunday Kind of Love mais est éliminée lors des demi-finales^[17]. Elle réinterprétera plus tard cette même chanson lors d’une apparition dans l’émission Wake Up de KDKA-TV de Pittsburgh avec Larry Richert. Tout au long de sa jeunesse à Pittsburgh, Christina chantera plusieurs fois l’hymne national américain The Star-Spangled Banner avant des matchs entre les Penguins de Pittsburgh, les Steelers de Pittsburgh et les matchs de baseball des Pirates de Pittsburgh, en plus des finales de la Coupe Stanley de 1992.

Elle fréquente le Rochester Area School District à Rochester et la Marshall Middle School près de Wexford. Elle a également fréquenté brièvement la North Allegheny Intermediate High School avant d’être scolarisée depuis chez elle en raison de l’intimidation qu’elle pouvait connaître auprès de ses camarades. En 1991, elle auditionne pour un poste au Mickey Mouse Club, bien qu’elle n’avait pas l’âge réglementaire exigé par Disney. Elle rejoint l’émission télévisée deux ans plus tard. Elle réalise des numéros musicaux et des sketchs comiques jusqu’à son annulation en 1994. Ses co-stars étaient Ryan Gosling, Keri Russell, Britney Spears ou encore Justin Timberlake. Après la fin de l’émission, elle voyage outre-mer pour enrichir ses talents vocaux.

À quatorze ans, Christina Aguilera enregistre sa première chanson, le duo All I Wanna Do avec le chanteur japonais Keizo Nakanishi. Elle envoie ensuite sa version de la chanson de Whitney Houston Run to You à Walt Disney Pictures, dans l’espoir d’être sélectionnée pour enregistrer la chanson Reflection pour le film d’animation Mulan (1998). Disney prend contact avec elle pour lui annoncer qu’elle chantera le morceau. Reflection sera classée numéro 19 au Billboard Adult Contemporary Chart aux États-Unis.

RCA signe un contrat avec la chanteuse, et commence l’enregistrement de son premier album, Christina Aguilera, qui se vendra à 16 millions d’exemplaires à travers le monde.

De Christina Aguilera à My Kind of Christmas (1999–2001)

Après l’enregistrement de Reflection, Christina Aguilera attire l’attention de RCA Records, A&R Ron Fair et signe avec le label. RCA commence très rapidement à présenter des pistes à Christina pour enregistrer et créer les bases de son premier album. Initialement destiné à créer les premières années de l’artiste comme « les débuts d’une immense chanteuse » comme Barbra Streisand, RCA doit finalement changer ses plans rapidement à la suite de l’arrivée de la vague pop-teen impliquant le succès inattendu de Britney Spears. La maison de disques précipite le processus de production pour un thème à tendance pop adolescente. Ils décident que le premier single de l’album serait Genie in a Bottle, un morceau pop et R&B à la mode et sort en juin 1999. Le single est un succès commercial majeur, atteignant la première place du Billboard Hot 100 aux États-Unis et créant des records dans 20 autres pays. Finalement, le titre s’est vendu à plus de 7 millions d’exemplaires, devenant l’un des singles les plus vendus dans le monde entier.

À la suite du succès du single, le premier album éponyme Christina Aguilera sort en août 1999 et devient un succès commercial, culminant à la première place du Billboard 200 et est certifié huit fois disque de platine par la RIAA. En France, l’album sera classé à la 44^e position des meilleures ventes d’albums pendant une semaine en 2000. Il est vendu à 14 millions d’exemplaires dans le monde et trois autres singles en seront extraits, dont deux numéros un au Billboard Hot 100 ; What a Girl Wants et Come On Over Baby (All I want is You) et une reprise du groupe All-4-One I Turn to You. La chanson du film Mulan Reflection fait aussi partie de la liste des chansons présentes sur cet album. Cet opus permet à Christina Aguilera de remporter le Grammy Award du meilleur nouvel artiste (Best New Artist) lors de la cérémonie en 2000.

Les deux albums suivants de la chanteuse, Mi Reflejo et My Kind of Christmas, sortent à la fin de l’année 2000. Le premier termine en tête du Billboard Top Latin pendant dix-neuf semaines consécutives et est certifié six fois disque de platine dans la section « latin » de la RIAA. Il remporte également le Latin Grammy Award du meilleur album vocal féminin en 2001. Avec ces albums, Christina Aguilera entame sa première tournée de concerts avec le nom « Christina Aguilera in concert » au milieu de l’année 2000 et jusqu’au début de l’année 2001. Elle visite l’Amérique du Nord, l’Europe, l’Amérique du Sud et le Japon. Pendant ce temps, Christina s’engage dans une relation amoureuse avec son danseur Jorge Santos, qui se terminera finalement en septembre 2001. En dépit de son succès précoce, Christina n’est pas satisfaite de sa musique et de l’image que son manager de l’époque Steve Kurtz lui impose, se sentant incapable de contrôler sa propre image.

Le point de vue d’Aguilera sur l’influence de Kurtz en ce qui concerne sa direction créative, son rôle de gestionnaire personnel exclusif et la surcharge de travail amène la chanteuse à chercher des moyens légaux et met fin à son contrat. En octobre 2000, Aguilera dépose une action en justice pour manquement à l’obligation fiduciaire contre Kurtz pour influence inappropriée, indue et inappropriée sur ses activités professionnelles, ainsi que pour fraude. Après avoir mis fin aux services de Kurtz, Irving Azoff est embauché comme son nouveau manager. La première action de Christina sur le contrôle artistique de sa carrière s’exprime dès 2001 pour la chanson du film Moulin Rouge!, Lady Marmalade (reprise du classique de Pattie LaBelle), avec la présence de P!nk, Mya et Lil’ Kim. Initialement refusée par les cadres de RCA car « trop urbain » et « trop Rockwilder et Missy », Christina insiste pour tout de même enregistrer la chanson. Lady Marmalade se classe premier au Billboard Hot 100 pendant cinq semaines en se basant uniquement sur les diffusions à la radio, devenant ainsi le premier morceau de l’histoire à rester sur la première place du classement pendant plus d’une semaine. La chanson reçoit un Grammy Award pour la meilleure collaboration pop voix en 2002.

Plus tard en 2001, un album intitulé Just Be Free contenant des morceaux de démo enregistrés par Christina Aguilera en 1994 et 1995 est publié par Warlock Records sans la permission de la chanteuse. Elle dépose plainte contre Warlock Records et les producteurs de l’album pour stopper sa vente. Les deux parties parviennent à un accord confidentiel pour la distribution de l’album, dans lequel Christina prête son nom et son image pour un montant inconnu.

Stripped et nouvelle image (2002–2005)

Lors de la planification de son quatrième album studio, Christina Aguilera se dirige vers une nouvelle direction artistique qui, selon elle, a plus de profondeur musicale et lyrique. Elle nomme l’album Stripped qui sort le 29 octobre 2002 et explique que le titre représente « un nouveau départ, une réintroduction d’elle-même en tant que nouvelle artiste, en un certain sens ». Pour cet album, elle est elle-même le producteur exécutif et coécrit la plupart des chansons (avec différentes collaborations, notamment Linda Perry ou Scott Storch). Le premier single de l’album est Dirrty avec le rappeur Redman, choisi par la chanteuse pour se débarrasser de son image pop et pour exprimer sa sexualité et son agressivité. Le clip du morceau, réalisé par David LaChapelle suscite la controverse car il dépeint un univers trop sexuel. La nouvelle image de Christina présente dans le clip commence à éclipser sa musique, générant des critiques généralisées de ses pairs, y compris Shakira et Jessica Simpson en plus du grand public. Christina Aguilera défend pourtant sa nouvelle image, expliquant être « dans une position de pouvoir, dans le contrôle absolu de tout et de tout le monde autour d’elle, c’est aussi ça qui montre que l’on est un vrai artiste ». La version finale de Stripped intègre divers genres musicaux comme du RnB, de la pop, du rock, du latino et a comme thématique principale l’estime de soi, tout en mettant en avant l’égalité des sexes et plus généralement la sexualité. Jancee Dunn du magazine Rolling Stone encense dans sa critique les capacités vocales de Christina Aguilera mais trouve que l’album manque de « concentration musicale ». L’album est néanmoins un succès commercial, culminant à la deuxième place du Top 200 de Billboard et se vend à plus de 4,3 millions d’exemplaires aux États-Unis.

L’album devient un succès majeur au Royaume-Uni, après avoir vendu 2 millions d’exemplaires et devient le deuxième album le plus vendu par une artiste américaine des années 2000, derrière Norah Jones avec Come Away With Me. Stripped se vend à plus de 12 millions d’exemplaires dans le monde entier, dont 150 000 exemplaires en France. Quatre singles seront extraits de l’album à la suite de Dirrty : Beautiful, Fighter, Can’t Hold Us Down avec Lil’ Kim, et The Voice Within. Beautiful obtient une reconnaissance universelle pour la représentation positive de la communauté LGBT et devient le single le plus vendu de l’album, culminant à la deuxième place du Billboard Hot 100. Le titre sera également classé n^o 1 en Europe et en Australie. Il permet à la chanteuse d’obtenir un Grammy Award pour la meilleure performance vocale féminine lors de la cérémonie de 2004. La chanson est plus tard classée numéro 52 parmi les 100 meilleures chansons des années 2000 par le magazine Rolling Stone en 2011.

Au cours de la promotion de Stripped, Christina Aguilera cultive sa nouvelle image en utilisant le pseudo de « Xtina », en teignant ses cheveux en noir et en arborant plusieurs tatouages et piercings. Elle partage la tournée Justified and Stripped Tour aux côtés de Justin Timberlake de juin à septembre 2003 aux États-Unis. Elle lance sa tournée seule, le Stripped Tour, le 22 septembre 2003. Elle donne un concert en France à Paris le 24 octobre en France au Zénith de Paris. Sa tournée européenne s’achève au mois de novembre avec 10 spectacles au Royaume-Uni, après 29 dates en Europe. La tournée Stripped World Tour génère la somme de 75 millions de dollars.

Christina Aguilera attire l’attention des médias après avoir été sur la scène des MTV Video Music Awards en août 2003, où elle et Britney Spears embrassent Madonna lors de leur performance de Like a Virgin et Hollywood. Plus tard cette même année, elle devient l’hôte des MTV Europe Music Awards 2003, où elle remporte un prix pour la meilleure artiste féminine. Billboard la consacre également comme le « Top Pop Act » de 2003.

En juin 2004, la chanteuse publie la chanson Hello en partenariat avec la marque Mercedes-Benz, puis elle enregistre deux nouvelles collaborations : Car Wash, une version revisitée du morceau de Rose Royce avec Missy Elliott pour le film d’animation Gang de Requins et Tilt Ya Head Back avec le rappeur Nelly présenté lors des MTV Video Music Awards 2004 et présent dans l’album Sweat du chanteur. Elle sort également le DVD de sa tournée intitulé Stripped, Live in the UK et enregistré au Royaume-Uni. Elle se tourne provisoirement vers un style plus jazzy et blues, en participant à la reprise de la chanson de Leon Russell A Song for You avec le pianiste Herbie Hancock pour l’album Possibilities de ce dernier. Le morceau est nommé pour un Grammy Award dans la catégorie « meilleure collaboration pop vocale » lors de la 48^e cérémonie. Elle collabore également avec Andrea Bocelli sur le titre Somos Novios.

Back to Basics et Keeps Gettin’ Better – A Decade of Hits (2006–2009)

Christina commence à travailler sur son nouvel album studio, s’inspirant aussi bien au niveau musical que du look des personnalités de la « vieille époque glamour d’Hollywood » comme Marilyn Monroe, Marlene Dietrich et Mary Pickford, en arborant des cheveux blond platine frisés et un maquillage aux airs rétro.

Le cinquième album de Christina Aguilera, Back to Basics (en français : « Retour aux Sources ») sort en France le 14 août 2006. Ce double album est selon elle « un retour au jazz, au blues et à la musique soul des années 1920-1930-1940, mais avec un mélange de musique moderne ». Pendant le processus d’enregistrement, Christina Aguilera s’inspire beaucoup d’œuvres de chanteurs classiques de blues et de soul, dont Otis Redding, Millie Jackson et Nina Simone, qu’elle décrit comme « une musique qui avait vraiment du cœur ». L’album est accueilli assez positivement par la critique, avec des compliments concernant les styles musicaux rétro-orientés et sa puissance vocale. Back to Basics fait ses débuts à la première position du top Billboard 200 aux États-Unis et se classe n^o 10 lors de sa première semaine en France. Dans le monde entier, 615 000 albums se vendent en une semaine, atteignant au total plus de 5 millions d’exemplaires, dont 100 000 en France et 1,7 million aux États-Unis.

Le premier single extrait du double album est Ain’t No Other Man et atteint la sixième position du Billboard Hot 100. Le vidéoclip de la chanson, réalisé par Bryan Barber, nous montre l’alter-ego de la chanteuse durant toute la période de son album : Baby Jane. Ce single remporte le Grammy Award dans la catégorie « Meilleure performance vocale féminine » en 2007. Lors de cette cérémonie, Christina Aguilera interprète It’s Man’s Man’s Man’s World en hommage à James Brown disparu quelques mois plus tôt. En France, elle remporte également 2 NRJ Music Awards : Artiste féminine internationale et Album international avec Back to Basics. Deux autres singles, Hurt et Candyman, viennent également assurer la promotion de l’album Back to Basics. La ballade Hurt connait un grand succès en Europe et se classe n^o 3 en France avec plus de 100 000 exemplaires, tandis que Candyman propose un style rétro jazz. Le single Slow Down Baby sort uniquement en Australie en tant que quatrième single et Oh Mother uniquement en Europe.

À la suite de la sortie de l’album Back to Basics, Christina Aguilera démarre la tournée Back to Basics Tour, qui débute en novembre 2006 en Europe et passe par l’Amérique du Nord l’Asie et l’Océanie. Elle passe par Paris le 6 décembre 2006 au Palais Omnisport de Paris-Bercy. Elle se produira également en octobre 2008 aux Émirats arabes unis. Elle profite de son passage en Australie pour filmer cette tournée (elle apprend le même moment qu’elle est enceinte) et sort en février 2008 le DVD live Back to Basics: Live and Down Under. Le Back to Basics Tour est la tournée féminine solo la plus lucrative de 2007 avec un gain de 48,1 millions de dollars selon Billboard Boxscore. Durant la même période, elle collabore avec le rappeur P. Diddy, sur le titre Tell Me pour l’album du chanteur, Press Play.

En 2006, avec 60 millions de dollars, Christina Aguilera est classée 19^e femme du show-business la plus riche du monde par le magazine Forbes. À la fin de l’année 2006, sa statue de cire entre au musée Madame Tussauds à Londres, où elle est mise en scène dans un décor des années rétro, vêtue d’une longue robe dorée pailletée. Cette même année, elle participe au documentaire Shine a Light réalisé par Martin Scorsese qui retrace pendant 2 jours un concert des Rolling Stones au Beacon Theatre de New York, dans lequel elle chante Live with Me aux côtés du chanteur Mick Jagger.

Pour fêter ses 10 ans de carrière dans l’industrie de la musique, Christina Aguilera sort une compilation de ses plus grands succès intitulé Keeps Gettin’ Better: A Decade of Hits en novembre 2008. En plus de ses précédents singles, cette compilation comprend quatre nouvelles chansons aux sonorités électro, dont deux sont des nouvelles versions de ses anciens singles : Beautiful (avec You Are What You Are) et Genie in a Bottle (avec Genie 2.0). Christina décrit que les morceaux récemment enregistrés présentent « un son robotique très futuriste » et servent d’aperçu de la vision pour son prochain album studio. Lors de sa sortie, Keeps Gettin’ Better: A Decade of Hits est classé n^o 9 au Billboard 200 aux États-Unis, tandis que son single Keeps Gettin’ Better est classé n^o 7 au Billboard Hot 100. En 2009, Billboard distingue Christina Aguilera comme la 20^e artiste la plus populaire des années 2000.

Bionic, Burlesque et débuts The Voice (2010–2011)

Christina Aguilera commence à travailler sur son sixième album studio pendant sa grossesse et lors de la fin du Back to Basics Tour, en écoutant fréquemment de la musique électronique. Le 22 janvier 2010, la chanteuse se mobilise aux côtés d’autres artistes pour venir en aide aux victimes du séisme en Haïti, en interprétant le titre Lift Me Up dans l’émission spéciale Hope For Haiti Now. Deux mois plus tard, en mars 2010, sort le premier single de son nouvel album, Not Myself Tonight. Fortement influencée par les musiques électroniques, la chanson donne l’ambiance de son futur album, clairement identifié comme pop-electro. La chanson se classera à la 23^e place au Billboard Hot 100 et N^o 1 du Billboard Dance Club Songs aux États-Unis.

L’album, intitulé Bionic, sort le 7 juin 2010 en France et le 8 juin 2010 aux États-Unis. La jaquette de l’album et une partie du livret de l’album sont créés par le street artiste D*Face. Classé comme étant un album futuriste, aux accents RnB par les critiques, Bionic se compose de plusieurs thèmes, comme la sexualité et le féminisme, mais aussi des thèmes personnels comme la maternité^[105]. Plusieurs collaborateurs comme Linda Perry, Sia Furler, Ladytron, Christopher Stewart, Hill & Switch, Focus, Polow da Don, M.I.A. et Santigold participent à ce nouveau projet. L’album est accueilli assez timidement par la critique qui est mitigée : on salue l’expérimentation de Christina Aguilera qui va dans de nouveaux styles, mais on trouve ce virage artistique forcé et pas naturel. L’album se classe numéro 3 au Billboard 200 et se vend à 332 000 exemplaires physiques aux États-Unis en 2019. En France, l’album démarre à la 23^e position du Top Albums.

Le 10 mai 2010, Aguilera annonce une tournée pour promouvoir l’album Bionic : The Bionic Tour. Cependant, le 25 mai, Aguilera déclare qu’elle a besoin de plus de temps pour se concentrer sur son premier long métrage Burlesque, annulant ainsi la tournée. Christina Aguilera annonce que la tournée est reportée à 2011, mais cela ne se fera jamais. Le second single You Lost Me, titre cocréé avec l’artiste Sia sort en juillet 2010. Le remix de la chanson atteint la 1^re place du Billboard Hot Dance, devenant le cinquième single de Christina Aguilera à être N^o 1 de ce classement. Deux autres singles de l’album, Woohoo avec la rappeuse Nicki Minaj et I Hate Boys, sortent respectivement aux États-Unis et en Europe et en Australie.

Plus tard cette même année 2010, Christina Aguilera joue son premier vrai rôle au cinéma aux côtés de Cher dans le film musical Burlesque. Le tournage a eu lieu dès novembre 2009. Il s’agit du premier film de Christina Aguilera en tant qu’actrice. Écrit et réalisé par Steve Antin, le film sort en salles en novembre 2010 aux États-Unis et en décembre en France. Christina Aguilera joue Ali Rose, une jeune femme qui quitte son poste de serveuse de bar dans une petite ville d’Iowa et déménage à Los Angeles, où elle aspire à être interprète dans un club burlesque, le Burlesque Lounge, appartenant à Tess Scali (Cher).

Burlesque rapporte 90 millions de dollars au box-office américain et cumule 143 697 entrées dans les cinémas français. Le film reçoit des critiques mitigées, qui trouvent le film cliché mais qui louent le jeu de Christina Aguilera. Le film reçoit 3 nominations aux 68^e Golden Globe Awards, dans la catégorie « Meilleur film – comédie musicale ou comédie » et dans la catégorie « Meilleure chanson originale dans un film » avec You Haven’t Seen The Last of Me (qui gagne la récompense) et Bound To You. Pour ce film, Christina Aguilera enregistre huit titres pour la bande originale accompagnant le film qui en compte 10, Cher interprétant les deux autres. La bande originale atteint la 18^e place au Billboard 200 aux États-Unis et est certifiée disque d’or par la RIAA.

En février 2011, Christina Aguilera est choisie pour interpréter l’Hymne National Américain lors du Super Bowl XLV opposant les Steelers de Pittsburgh aux Packers de Green Bay. Elle omet quelques lignes lors de sa prestation. Quelques mois plus tard, elle s’excuse de cet incident, en déclarant : « J’ai été tellement prise dans l’esprit de la chanson que je m’y suis perdue ». Une semaine plus tard, lors de la 53^e cérémonie annuelle des Grammy Awards, elle rend hommage à la chanteuse Aretha Franklin aux côtés de Jennifer Hudson, Martina McBride, Yolanda Adams et Florence Welch. Christina Aguilera officialise le 12 avril 2011 son divorce d’avec Jordan Bratman, dont elle était séparée depuis septembre 2010. Elle a simultanément commencé à sortir avec Matthew Rutler, un assistant sur le tournage de Burlesque.

D’avril 2011 à décembre 2012, Christina Aguilera devient coach pendant les trois premières saisons de l’émission télévisée The Voice aux États-Unis aux côtés de Cee Lo Green, Blake Shelton et Adam Levine. Au cours de la première saison, Christina Aguilera sort le duo Moves like Jagger avec le groupe Maroon 5 dont Adam Levine, son partenaire dans The Voice, est membre. Le single culmine au sommet du Billboard Hot 100 et se vend à sept millions de copies numériques dans le monde. La chanson est un succès et se classe n^o 1 aux États-Unis et dans de nombreux pays (Finlande, Irlande, Norvège, Canada, Autriche…), n^o 2 au Royaume-Uni, Allemagne, Russie, Italie et Australie, et dans le top 3 des ventes en Espagne. Moves Like Jagger est le 5^e single n^o 1 de la chanteuse aux États-Unis, après Genie in a Bottle, What a Girl Wants, Come On Over (All I Want Is You) et Lady Marmalade. En France, le titre atteint le 3^e position du Top Singles. En mai 2011, elle déclare enregistrer un nouvel album.

Lotus, second enfant et projets télévisuels (2012–2016)

Le 28 janvier 2012, lors des funérailles de la chanteuse Etta James, Christina Aguilera lui rend un hommage musical en interprétant At Last devant l’église City of Refuge à Gardena en Californie. Elle témoigne de son admiration pour Etta James, rappelant que depuis dix ans elle chante At Last à chacun de ses concerts. Le 5 février 2012, elle revient dans le jury de The Voice saison 2 aux États-Unis. Le 8 mai 2012, elle enregistre une nouvelle chanson en studio, plus précisément une reprise The Prayer avec le chanteur Chris Mann (finaliste de The Voice 2) qu’ils interprètent également en live lors de l’émission. Le 14 septembre 2012, quelques jours après le début de la troisième saison de l’émission The Voice, son nouveau single Your Body, extrait de son septième album Lotus, est diffusé sur les radios américaines. Ce nouvel album, recevant des critiques partagées, est beaucoup moins « en avance sur son temps » que Bionic. Après le flop de l’album précédent et ses difficultés personnelles (divorce), Lotus marque le début d’une nouvelle ère pour la chanteuse. Charts in France attribue à l’album une note de 3 sur 5, expliquant : « À l’image de Christina Aguilera, Lotus est contradictoire. La chanteuse s’y place en victime, attaque, se veut incassable sans vraiment se remettre en question, tout en livrant une collection de titres qui confirme qu’elle a voulu mettre toutes les chances de son côté pour renouer avec le succès. Malheureusement, pas sûr que cet opus solide suffise. » Entre-temps, elle est invitée à co-interpréter la chanson traditionnelle Baby, It’s Cold Outside, sur l’album Cee-Lo’s Magic Moment de Cee-Lo Green. Elle enregistre également un duo avec le rappeur cubano-américain Pitbull intitulé Feel This Moment sur le septième album studio du rappeur Global Warming, où Aguilera chante uniquement sur les refrains. Au même moment, elle est aussi invitée sur le titre Steppin’ Out With My Baby pour le troisième album de duos Viva Duets du crooner Tony Bennett.

Lotus, le cinquième album international de Christina Aguilera sort le 12 novembre 2012. Le premier single extrait de l’album s’intitule Your Body, produit par Max Martin. Lotus s’avère être l’opus d’Aguilera qui obtient le moins de succès commercial. Elle ne participe pas à la quatrième saison de The Voice et est donc remplacée par Shakira (Cee Lo Green, également absent au cours de cette saison, est lui remplacé par le chanteur américain Usher).

Le 10 janvier 2013, Christina Aguilera chante la ballade Blank Page aux Peoples Choice Awards et reçoit un prix d’honneur. En avril 2013, Christina Aguilera fait partie de la liste des 100 personnalités les plus influentes au monde du magazine Time. C’est la chanteuse Céline Dion qui est choisie pour rendre hommage à Christina Aguilera dans le magazine. Le 8 mai 2013, le chanteur Alejandro Fernandez l’invite à chanter sur le single Hoy Tango Ganas De Ti, qui s’érige à la première place du classement au Mexique avec plus de 65 000 ventes digitales. Le 26 septembre, Christina Aguilera interprète We Remain pour la bande originale de Hunger Games : L’Embrasement. Quelques mois plus tard, elle enregistre, avec le groupe A Great Big World, une version duo de leur titre Say Something^[157], dont le vidéoclip est dévoilé sur la plateforme Vevo le 20 novembre 2013. Le titre s’érige à la quatrième place du Billboard Hot 100. Le 17 décembre 2013, lors de la finale de The Voice, Xtina rejoint sur scène Lady Gaga sur la chanson Do What U Want dans l’émission The Voice dont elle en est jurée et coach. Cette prestation créant l’événement, Christina Aguilera enregistre alors sa performance en studio sur le remix du titre Do What U Want en duo avec Lady Gaga.

En avril 2014, elle annonce travailler sur son huitième opus studio. Dans un même temps, elle obtient le rôle récurrent de Jade St. John dans la 3^e saison de la série à succès Nashville. Elle a également annoncé qu’elle sortirait pas un, mais deux opus consécutifs : un en anglais et un autre en espagnol et collabore avec Pharrell Williams. En février 2015, le titre Say Something de A Great Big World dont elle est l’invitée, remporte un Grammy Awards pour le meilleur duo ou prestation pour un groupe lors de la 57^e cérémonie des Grammy Awards. La même année, elle apparait dans le film à succès Pitch Perfect 2.

En 2016, elle publie le single Change, qui rend hommage aux victimes de la Fusillade du 12 juin 2016 à Orlando et dont les bénéfices du single vont directement à l’association des familles des victimes. En août 2016, elle commercialise le single Telepathy en featuring avec Nile Rodgers, écrit et coproduit par Sia Furler et Stargate, qui officie en tant que bande originale de la série de Netflix : The Get Down. Toujours en 2016, sa fortune est estimée à 160 millions de dollars.

Liberation, projets avec Disney et films (2017–2020)

Le 18 octobre 2017, elle prête sa voix au personnage Akiko Glitter dans le film d’animation Le Monde secret des Émojis, qui comprend en vedettes T. J. Miller, Anna Faris, Jennifer Coolidge et Patrick Stewart. Le film obtient un accueil largement négatif de la part des critiques professionnelles mais est un succès commercial, totalisant 125 367 352 millions de dollars dans le monde entier. Le 3 mai 2018, elle publie le single Accelerate en featuring Ty Dolla $ign et 2 Chainz, puis le 11 mai 2018, un second titre Twice. Le même jour, elle est à l’affiche du film de Mère incontrôlable à la fac, ayant pour vedette Melissa McCarthy, qui sort le 11 mai 2018 aux États-Unis et le 14 mai 2018 en VOD en France. Le film obtient de bonnes critiques et atteint 65,7 millions de dollars de recettes mondiales. Le 16 mai 2018, la chanteuse sort son troisième extrait Fall in Line, en duo avec l’artiste Demi Lovato. Le 8 juin 2018, Christina Aguilera présente la quatrième chanson Like I Do, en fetauring GoldLink. Le 15 juin 2018, elle dévoile son huitième opus Liberation, qui reçoit des critiques positives et devient l’album de la chanteuse ayant le meilleur score sur le site Metacritic. L’opus débute à la 6^e place du US Billboard 200, et se vend à 200 000 exemplaires dans le monde lors de sa 1^re semaine de sortie.

Le 20 juillet 2018, le film Zoe, dont elle partage l’affiche avec Ewan McGregor et Léa Seydoux, sort en France sur la plateforme Netflix. Le film obtient de bonnes critiques. En novembre 2018, elle est choisie par la marque de supermarché Lidl, afin de confectionner une ligne d’accessoires et de fers à cheveux à prix mini, qui est disponible le 13 décembre 2018 et dont elle est également l’égerie.

Le 30 septembre 2019, elle est choisie pour interpréter la chanson Haunted Heart pour le film d’animation La Famille Addams.

En 2020, elle prend part à plusieurs titres de la bande originale du film de Disney Mulan dont la sortie du film est repoussée : Loyal Brave True et sa version espagnole El Mejor Guerrero et une nouvelle version de Reflection.

Projets espagnols et nouvelle résidence à Las Vegas (depuis 2021)

En octobre 2021, Christina Aguilera officialise son nouveau projet espagnol depuis l’album Mi Reflejo avec la sortie du premier single Pa’ Mis Muchachas, en featuring avec Becky G, Nicki Nicole et Nathy Peluso et de la ballade Somos Nada. Elle annonce que ce projet sera composé de trois EP distincts avec une sortie qui s’écoulera entre 2021 et 2022. En décembre 2021, elle est la première récipiendaire du prix Music Icon aux People’s Choice Awards qui récompense l’ensemble de sa carrière.

Au début de l’année 2022, la chanteuse annonce la sortie de son troisième titre en langue latine, Santo, en featuring avec le chanteur de reggaeton Ozuna. Elle sort un premier EP de 6 chansons espagnoles, La Fuerza, le 21 janvier 2022. Le 24 mai 2022, elle dévoile sa collaboration avec la chanteuse TINI sur la chanson Suéltame, premier extrait de son deuxième EP baptisé La Tormenta. Ce dernier comprend 5 titres. Le 30 septembre 2022, la chanteuse dévoile son dernier EP, La Luz, avec la chanson No Es Que Te Extrañe. Ce titre, très personnel, a pour thème les violences domestiques qu’elle a pu subir étant enfant de la part de son père. Les trois EP sont réunis dans un album, AGUILERA. Cet opus contient en plus des titres des trois EP la chanson Cuando Me Dé la Gana en duo avec le chanteur Christian Nodal. La version physique de l’album sort en juin 2023 lors de son premier anniversaire.

Le 22 septembre 2023, elle publie le single Learning To Fly, extrait de la bande originale du film d’animation La Pat’ Patrouille : La Super Patrouille, le film. En octobre 2023, elle succède à Snoop Dogg et Katy Perry en tant que nouvelle égérie de Menulog / Just Eat, la plateforme de livraison à la demande, aux côtés de Latto. Le même mois, elle annonce une nouvelle résidence à Las Vegas dès le mois de décembre et jusqu’au début du mois de mars 2024 qui a lieu au Voltaire, salle appartenant au complexe The Venetian. Cette nouvelle résidence fait suite à The Xperience, créé en 2019. La chanteuse déclare au sujet de ce spectacle qui se veut plus intimiste : « J’ai hâte de présenter à Las Vegas un nouveau spectacle qui fusionne musique, sophistication et art d’une manière que je n’ai jamais proposée auparavant. Ce que j’aime dans l’intimité du Voltaire au Venetian Resort, c’est la façon dont je peux être proche du public… une touche vraiment moderne à l’expérience de la performance ».

En septembre 2024, pour célébrer les 25 ans de la sortie de son premier album « Christina Aguilera », elle sort un EP baptisé The 25th Anniversary of Christina Aguilera, LIVE. Il comporte une reprise live de 6 de ses titres, dont Genie in a Bottle en featuring avec Machine Gun Kelly, What a Girl Wants en duo avec Sabrina Carpenter et pour la première fois la chanson Obivous.

En octobre 2025, le site Deadline annonce que la chanteuse prépare un « concert film » intitulé Christina Aguilera: Christmas in Paris pour fêter les 25 ans de la sortie de son album My Kind Of Christmas. Ce projet tourné à Paris, qui regroupe notamment un concert privé sur le toit du musée du Quai Branly et des mises en scènes tournées au Crazy Horse, est prévu d’être diffusé dans une sélection de cinémas le 14 et 21 décembre 2025. Le film est diffusé en France au Grand Rex les 14, 21 et 23 décembre.

Un extrait de ce projet sort en novembre 2025 en tant que single officiel : My Favorite Things, réinterprétation de la chanson présente dans le film La Mélodie Du Bonheur.

Vie personnelle

En décembre 2002, Christina commence à fréquenter Jordan Bratman – rencontré lors de l’enregistrement de Stripped. Après s’être fiancés en février 2005, ils se marient le 19 novembre 2005 dans le comté de Napa en Californie. Le 12 janvier 2008, elle donne naissance à leur premier enfant, un garçon prénommé Max Liron Bratman. Après leur séparation en juillet 2010, Christina demande le divorce en octobre 2010. Celui-ci est prononcé le 15 avril 2011.

Depuis novembre 2010, Christina est en couple avec Matthew « Matt » Rutler, un réalisateur rencontré sur le tournage de Burlesque. Ils se fiancent le 14 février 2014^[210]. Le 16 août 2014, Christina donne naissance à son deuxième enfant, une fille prénommée Summer Rain Rutler.

Style musical

Capacité vocale

Après la sortie de son premier album éponyme, Ron Fair, directeur de RCA Records, a déclaré qu’il pariait sur la chanteuse en raison de son « intonation parfaite », avouant qu’elle avait « des capacités pour être la prochaine Barbra Streisand ou Céline Dion ».

Christina Aguilera utilise le mélisme dans ses chansons et ses performances. Jon Pareles, écrivant pour le New York Times, souligne « qu’elle peut viser une note aussi directement qu’un missile ou transformer sa trajectoire en une spirale acrobatique de mélismes bondissants et frémissants ».

Selon les critiques du magazine américain Rolling Stone, elle a modelé sa « technique dramatique et mélismatique » en s’inspirant d’autres chanteuses comme Etta James.

Le critique américain David Browne l’a associée à Whitney Houston et Mariah Carey, estimant que les trois artistes forment l’équipe des principales représentantes de cette technique vocale.

Influences

Christina Aguilera a plusieurs fois déclaré que la chanteuse de blues Etta James était sa principale influence et inspiration, expliquant : « Etta est ma chanteuse préférée de tous les temps. Je le dis depuis sept ans – depuis que j’ai sorti mon premier album – dans chaque interview ». À la mort d’Etta James en 2012, Christina Aguilera est invitée par la famille pour Interpréter At Last lors des funérailles. Avant cette représentation, Christina Aguilera déclare : « Il y a une phrase dans cette chanson qui dit : « J’ai trouvé un rêve auquel je pouvais parler. » Et pour moi, ce rêve, toute ma vie, a été Etta James « en ajoutant « Ce n’est pas tous les jours qu’un artiste rencontre la personne qui a inspiré sa carrière. Le fait que la famille de la légendaire Etta James me demande de chanter et de lui rendre hommage lors de ses funérailles est pour moi un grand honneur. ». D’autres artistes classiques, dont Billie Holiday, Otis Redding, Aretha Franklin, Nina Simone et Ella Fitzgerald sont également les principales influences de Christina Aguilera ; son cinquième album studio Back to Basics est inspiré par les disques de jazz vintage, de blues et de soul.

Christina Aguilera mentionne Whitney Houston comme une autre influence, ayant interprété bon nombre de ses chansons au cours de ses premières années lors de spectacles et de télécrochets. Elle interprète également en 2017 plusieurs des titres de la chanteuse lors de la cérémonie des American Music Awards.

Elle cite également Mariah Carey et Céline Dion comme inspirations et a pu reprendre les chansons de cette dernière : These Are The Special Times sur My Kind of Christmas et The Prayer durant une émission de The Voice avec Chris Mann.

Selon l’auteur Pier Dominguez du livre Christina Aguilera: A Star Is Made, Christina Aguilera a déclaré que Mariah Carey et son premier single, Vision of Love, avaient la plus grande influence sur son style vocal.

Christina Aguilera a plusieurs fois déclaré le film musical La Mélodie du bonheur comme sa première inspiration pour chanter et jouer. À l’âge de six ans, le film a aidé Christina Aguilera à faire face à son enfance violente, « De mauvaises choses se sont produites chez moi. Il y avait de la violence. La Mélodie du bonheur ressemblait à une certaine forme de libération. » En 2018, Christina Aguilera rend hommage à ce film dans l’album Liberation avec le titre Searching for Maria, reprenant les notes de la chanson Maria^[235].

Lors de la promotion de Back to Basics, son image a également été inspirée par les actrices de « l’âge d’or d’Hollywood », dont Marlene Dietrich, Marilyn Monroe, Carole Lombard, Greta Garbo et Veronica Lake. Christina Aguilera est également inspirée par sa co-star du film Burlesque, Cher.

Autres activités

En dehors de sa carrière dans l’industrie de la musique et plus largement du divertissement, Christina Aguilera travaille pour d’autres activités. En 2011, elle lance sa première ligne de vêtements lors de la Fashion Week de São Paulo qui sera ensuite mise à vente exclusivement les magasins C&A au Brésil.

En 2016, après la fondation de sa propre société de production avec son compagnon Matthew Rutler, MX Productions, elle signe avec Lions Gate Entertainment pour le développement d’un programme de concours de musique pour la chaîne américaine Spike TV intitulé Tracks. La même année, elle participe en tant qu’investisseur dans la plateforme MasterClass, gérée également par Matthew Rutler. Christina Aguilera réalise d’ailleurs sa propre MasterClass où elle enseigne ses techniques de chant. Christina Aguilera participe également à un certain nombre de campagnes de publicités et marketing. Elle est par exemple l’égérie de marques comme Coca-Cola (2000), Versace (2003), Mercedes-Benz (2004), Skechers (2004) Pepsi (2006) ou encore Oreo (2016).

Christina Aguilera est reconnue comme l’une des artistes féminines les plus riches du divertissement. Sa fortune est estimée à plus de 160 millions de dollars en 2020. En 2007, elle se classe pour la première fois sur la liste annuelle du magazine Forbes avec une fortune d’une valeur nette de 60 millions de dollars.

En 2024, elle est la productrice de la comédie musicale Burlesque, inspirée du film du même nom dont elle était l’un des actrices principales. Le spectacle se produira à Manchester et Glasgow ainsi qu’à West End en 2025.

Gamme de parfums

En 2007, Christina Aguilera signe un accord avec la marque Procter & Gamble (P&G) pour créer une gamme de parfums à son nom, vendue en Amérique du Nord, en Amérique latine, en Asie et dans certains pays d’Europe. Aux parfums s’ajoute la vente de lotions et de sprays pour le corps, des déodorants et d’autres produits cosmétiques dérivés. Les parfums connaissent un grand succès et ont été classés parmi les best-sellers du Royaume-Uni en 2007, 2009 et 2010. Ses parfums ont également reçu de nombreuses distinctions, notamment aux Duftstars Awards et aux FiFi Awards.

Entre 2007 et 2023, ce sont 17 parfums différents qui ont été vendus, avec une moyenne d’une nouveauté par an. En 2016, Procter et Gamble décide de vendre la licence de parfums Christina Aguilera à la marque Elizabeth Arden pour 80 millions de dollars (chiffre non officiel).

Produits de cosmétique féminins

Au printemps 2023, Christina Aguilera annonce le lancement de la marque Playground aux Etats-Unis, dont elle est la cofondatrice et conseillère principale avec Catherine Magee et Sandy Vukovic. L’entreprise conçoit des produits de bien-être sexuel, principalement des lubrifiants et des soins pour la peau à destination des femmes.

Engagement caritatif

Au cours de sa carrière, Christina Aguilera s’engage auprès de plusieurs associations. Début juillet 2003, elle a été saluée d’une récompense par l’Alliance américaine gay et lesbienne contre la diffamation (GLAAD) pour avoir intégré des personnes homosexuelles et transgenres dans sa vidéo Beautiful. En acceptant la récompense, elle déclare: « Ma vidéo capture la réalité que les homosexuels et les transgenres sont beaux, bien que des préjugés et la discrimination contre eux existent toujours. » En 2004, elle se mobilise pour les fondations d’Elton John^] et aux côtés de M.A.C Aids Fund qui luttent toutes les deux contre le SIDA. Toujours en 2004, lors de l’élection présidentielle américaine de 2004, Christina Aguilera apparaît dans les publicités d’incitation à voter Only You Can Silence Yourself et Declare Yourself. Les vidéos, réalisées par David LaChapelle, montrent Aguilera avec la bouche cousue, symbolisant les effets du non-vote. Elle apparait dans le Oprah Winfrey Show pour discuter de l’importance du vote.

En 2005, elle apparait sur une compilation, Love Rocks, dont les revenus sont utilisés dans la Campagne des Droits de l’homme, un combat pour l’égalité des droits des personnes homosexuelles, lesbiennes, bisexuelles et transgenres. Au mois d’avril 2007, la chanteuse se mobilise aux côtés de Nicole Kidman dans la lutte contre la violence conjugale. D’autres femmes se sont jointes à elles pour ce mouvement humanitaire. Elle filme une campagne publicitaire afin de faire agir les personnes dans la lutte contre la violence contre les femmes. Ce spot est diffusé lors de sa tournée Back to Basics Tour et sur les télévisions américaines. La chanteuse avait écrit une chanson, Oh Mother (dans l’album Back to Basics), qui remercie le courage dont sa maman a fait preuve en tant que survivante de ce drame, et I’m Ok (dans l’album Stripped) qui relate les épreuves qu’elle a vécues lorsque son père les battait, elle et sa mère. En 2007, elle fait partie des artistes participant au projet Instant Karma, un album de 20 reprises du chanteur John Lennon, et reprend à cette occasion Mother. Les bénéfices des ventes de cet album, sorti le 12 juin 2007, devaient permettre de venir en aide aux populations touchées par le génocide qui frappe la région du Darfour.

En 2009, elle est nommée ambassadrice mondiale, porte parole de l’association World Hunger Relief. Elle tourne une publicité intitulée From Hunger To Hope. En 2010, Aguilera vend aux enchères des billets pour sa prochaine tournée; Christie’s, une Offre pour sauver la terre. Les revenus en seront reversés à plusieurs ONG écologistes, dont Oceana, au Conseil de Défense de Ressources naturelles ou utilisés pour la Conservation de Central Park.

En janvier 2026, elle participe au Gala des Pièces Jaunes en France et partage la scène avec Charlotte Cardin, Mika, G-Dragon ou encore Ibrahim Maalouf.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/77855-Christina-Aguilera

CLIMIE FISHER

Climie Fisher était un duo pop britannique formé par le chanteur Simon Climie et l’ancien claviériste de Naked Eyes , Rob Fisher. En 1987-1988, ils ont connu deux succès internationaux : « Rise to the Occasion » et « Love Changes (Everything) ».

Carrière

Simon Climie et Rob Fisher se sont rencontrés aux studios Abbey Road , où ils travaillaient tous deux comme musiciens de studio. Le duo est surtout connu pour son tube de 1987 , « Love Changes (Everything) », qui a remporté un Ivor Novello Award. Il a atteint la 67e place au Royaume-Uni et, après un remix et une nouvelle sortie, la 2e place au Royaume-Uni, la 12e en Nouvelle-Zélande, la 24e en Australie, la 7e en Allemagne, la 8e en Suisse, la 15e en Autriche et la 23e aux États-Unis, le tout en 1988.

Le remix hip-hop de « Rise to the Occasion » avait été initialement conçu comme une version dance de niche par les remixeurs Phil Harding et Ian Curnow, mais c’est finalement la maison de disques du groupe qui l’a choisi comme single principal. « Son style s’inspire d’un morceau de rap », explique Harding. « On n’aurait jamais imaginé que la maison de disques le sortirait comme single principal ; on n’a jamais vraiment su ce que Climie Fisher pensait du fait que leur version originale soit écartée. » Le titre a atteint la 10e place du UK Singles Chart, puis la 1re place en Afrique du Sud, la 6e en Belgique, la 14e en Allemagne, la 17e en Suède et la 19e en Autriche.

Leur dernier grand succès fut « Love Like a River » en 1989, qui atteignit la 18e place en Autriche, la 22e au Royaume-Uni et la 54e en Allemagne. Ils composaient la plupart de leurs chansons avec Dennis Morgan , avec qui Climie avait déjà collaboré, et engagèrent Steve Lillywhite et Stephen Hague à la production. Bien que leur premier album, Everything, se soit classé au Royaume-Uni (14e place) et aux États-Unis (120e place), leur deuxième album, Coming In for the Kill (35e place au Royaume-Uni), connut moins de succès et le groupe se sépara peu après sa sortie.

Fisher a ensuite coécrit la chanson « Cry for Help » de Rick Astley (7e au classement des singles britanniques en 1991). Il a également contribué à l’écriture des chansons des albums Free (1991) et Body & Soul (1993) d’Astley. Fisher est décédé le 25 août 1999 des suites d’une opération pour un cancer du côlon .

Avant de connaître le succès sous le nom de Climie Fisher, Climie avait co-écrit (avec Dennis Morgan) le single « I Knew You Were Waiting (For Me) » de George Michael et Aretha Franklin en 1986. Il a travaillé comme producteur pour des artistes tels que Louise , MN8 et Five Star , et comme co-auteur-compositeur et musicien pour Eric Clapton, notamment sur l’album « The Road to Escondido » avec JJ Cale (avec Derek Trucks et Billy Preston ) . En 1992, Climie a sorti un album solo et un single, tous deux intitulés « Soul Inspiration ». Il a également collaboré avec Michael McDonald, ancien membre des Doobie Brothers, sur ses albums chez Motown . En 2009, il a produit l’album « The Distance » de Taylor Hicks, gagnante d’American Idol .

Dans la culture populaire

La ballade folk pastiche « Ballad of Climie Fisher » du groupe Half Man Half Biscuit, extraite de leur album « Trouble Over Bridgwater », est un récit fictif de ce qui est arrivé au couple après leur rupture.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/112925-Climie-Fisher

ALMA FAYE

Alma Faye Brooks est une chanteuse de disco canadienne d’origine américaine. Elle est surtout connue pour avoir été nominée deux fois aux prix Juno dans la catégorie Meilleure nouvelle chanteuse , en 1978 et en 1980.

Née à Tyler , au Texas, elle a déménagé à Montréal , au Québec, à l’âge de 12 ans avec sa famille. Vivant dans le quartier de la Petite-Bourgogne , elle chantait à l’ église Union United et a joué dans une production de comédie musicale Hair.

En 1977, elle sort son premier single « Stop, I Don’t Need No Sympathy », une reprise d’une chanson précédemment interprétée par Lynn Roman.

En 1979, elle sort l’album Doin’ It, dont sont extraits les singles « It’s Over » et « Don’t Fall In Love ». Pour promouvoir l’album, elle participe notamment à Whatever Turns You On , une version éphémère en prime time de la célèbre émission humoristique You Can’t Do That on Television . Cependant, le disco étant en déclin à cette époque, elle ne sort pas d’autre album et revient à la fin des années 1980 sur la scène musicale montréalaise, interprétant des titres Motown d’artistes comme Aretha Franklin et The Supremes lors des soirées « Soul Unlimited » au club Rising Sun.

Elle a continué à se produire comme chanteuse avec La Gioventu, un groupe de musique dance montréalais dirigé par son mari, Louis Toteda. Après la mort de l’icône du disco Donna Summer en 2012, elle a commencé à interpréter des chansons de Donna Summer avec La Gioventu en hommage.

Sa chanson « Thank You », tirée de Doin’ It , a été utilisée dans la bande originale du film Solo de 2023.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/288631-Alma-Faye

LUTHER VANDROSS

Luther Ronzoni Vandross, né le 20 avril 1951 à New York et mort le 1^er juillet 2005 à Edison, est un chanteur et auteur-compositeur américain de R&B et de soul. Il a vendu plus de 25 millions de disques pendant sa carrière et gagné 8 Grammy Awards dont le meilleur chanteur R&B 4 fois. Il a gagné 4 Grammy Awards en 2004 dont celui pour la meilleure chanson de l’année pour Dance With My Father, coécrite avec Richard Marx.

Les débuts en tant que choriste

Luther Vandross est né le 20 avril 1951 à Manhattan à New York. Il a commencé à être connu en 1972 quand il écrit Everybody rejoice (A brand new day) pour la comédie musicale The wiz. Mais la route vers le succès sera longue puisqu’il mettra une dizaine d’années à percer et une autre dizaine d’années à avoir un succès pop.

En 1974 il participe à l’album Young Americans de David Bowie (album sorti en 1975). Il fait partie des chœurs et écrit une chanson de l’album avec Bowie, Fascination. Ceci conduit à un contrat de choriste pour Atlantic où il chantera pour Bette Midler, Carly Simon, Barbra Streisand, Average White Band et Roberta Flack entre autres. Il chante aussi des musiques publicitaires pour la télévision durant la seconde moitié des années 1970.

Puis avec un petit coup de pouce de Donna Summer il crée le groupe Luther chez Cotillion. Deux albums sortiront dans l’indifférence générale : Luther en 1976 et This close to you en 1977. Après avoir chanté sur le premier album de Chic en 1977, sur C’est chic de Chic en tant que «special guest artist», sur l’album Hot butterfly de Bionic Boogie en 1978, sur Music box d’Evelyn King (1979) et comme choriste des Sister Sledge sur We are family (1979), il fait partie de Charme (sur l’album Let it in en 1979), de New York City Band (pour la B.O. du film Sunnyside) et surtout de Change. Pour ce groupe il chante The glow of love et Searching en 1980 et est choriste sur leur album de 1981. En 1980 il coécrit Welcome back sur le second album de Peter Jacques Band et participe aussi en tant que choriste à Fame, à l’album de Cissy Houston Step aside for a a lady, à celui de Chaka Khan Naughty et à l’album de Cher Prisoner.

Les premiers albums

En septembre 1981 il sort son premier véritable album chez Epic. L’album intitulé Never too much est disque de platine, nº1 R&B deux semaines au classement US, n°19 pop et le single du même nom se classe nº1 R&B en faisant une entrée dans les boîtes grâce à un 12″. Vandross met en place un style de R&B chic qui ne variera guère avec les années. Il s’entoure aussi de musiciens auxquels il restera fidèle : Marcus Miller (basse), Nat Adderley, Jr. (claviers) et Cissy Houston (chœurs) entre autres. L’album se compose de sept chansons dont il assure la réalisation artistique. Il en a écrit six et la septième est une reprise de A house is not home.

Toujours en 1981 il réalise les arrangements des chœurs de cinq chansons de l’album I’ll keep on loving you de Linda Clifford. Il y chante aussi en tant que choriste.

Suit en 1982 Forever, for always, for love, nº1 R&B aux US et disque de platine. Les chansons sont de nouveau écrites ou coécrites par Vandross sauf la première, un pot-pourri contenant Having a party de Sam Cooke, et la troisième, Since I lost my baby, composition de Moore et Robinson pour les Temptations à l’origine.

En Angleterre ces deux albums ne sortiront pas dans leur intégralité mais seront remplacés par une sélection des deux intitulée Luther Vandross. Ils sortiront finalement en 1986 et 1987 respectivement. Toujours en 1982 il réalise un album intitulé Instant love pour Cheryl Lynn, il contient la reprise de Marvin Gaye et Tammi Terrell If this world were mine que Vandross chante avec Lynn.

Productions personnelles et réalisations extérieures

Il réalise en 1982 Jump to it pour Aretha Franklin, Anyone can see, le premier album solo d’Irene Cara, il participe à Suddenly de Marcus Miller en coécrivant une chanson (Be my love) et en étant choriste sur deux autres (Lovin’ you et Just for you), il chante comme choriste sur «So close» de Diana Ross, chanson dont il a réalisé les arrangements vocaux, et enfin il chante comme choriste sur You’ve Really Got a Hold on Me, chanson dont il a réalisé les arrangements vocaux et qui est une reprise de Smokey Robinson chantée par Bernard Edwards et Jocelyn Brown sur l’album Glad to be here d’Edwards.

Il sort son cinquième album en 1983, Busy body, qui est aussi disque de platine et nº1 R&B.

Enfin en 1984 il participe à la B.O. du film Choose me avec une chanson, «You’re my choice tonight (Choose me)», déclinée en plusieurs versions tout au long du film. Cette chanson est sortie sur l’album Love language de Pendergrass où elle est la seule réalisée par Vandross.

En 1985 il sort The night I fell in love, album charnière entre les trois premiers du début au son non encore dominé par les synthétiseurs et ceux qui suivront aux arrangements très marqués par leur époque. L’album se vendra très bien et sera double platine, en plus de l’habituel nº1 R&B.

Toujours en 1985 il chante She’s so good to me pour la B.O. du film Goonies. Là les arrangements chics laissant la prépondérance à la basse sont remplacés par la boîte à rythme. En novembre 1985 sort l’album Touch me des Temptations avec Do you really love your baby qui est coécrite par Marcus Miller et Vandross qui y participe également en tant que choriste.

Son prochain album Give me the reason sort en 1986, Vandross a écrit ou coécrit tous les titres sauf Anyone Who Had a Heart, de Burt Bacharach et Hal David. Le premier titre de l’album, Stop to love (nº1 R&B et nº15 pop), a été remixé par Marcus Miller pour le maxi. Cette chanson passe à MTV et c’est la première fois qu’un clip vidéo de Vandross y est abondamment passé. L’album s’est classé nº1 R&B et nº14 pop et a été vendu à plus de deux millions d’exemplaires aux États-Unis (double album de platine). Il est aussi resté classé 53 semaines aux États-Unis.

En 1987 Luther Vandross réalise une chanson pour Diana Ross sur son album Red hot rhythm & blues en coécrivant et réalisant la ballade It’s hard for me to say.

La fin des années 1980 et la reconnaissance pop

Any love, sorti en 1988, est presque un disque entier de ballades à part le rythmé She won’t talk to me (nº3 R&B), sorti aussi en remix house de Keith Cohen en maxi. L’album s’est classé nº1 R&B et pour la première fois Vandross a réussi à transformer ce succès dans les classements pop avec un nº9 pop. L’album est un autre disque de platine pour le chanteur.

En 1989 il sort une double compilation The best of love (nº2 R&B, double platine). Elle contient deux inédits dont «Here and now». Cette dernière coécrite par David Elliott, le fils de Dionne Warwick, est une ballade devenue le plus gros hit pop de Vandross (disque d’or, nº1 R&B et nº6 pop fin 1989). Elle a aussi obtenu une récompense, la «best male R&B vocal performance» aux «Grammys» de 1990. L’autre inédit est Treat you right.

En 1990 il réalise Who do you love pour Whitney Houston, suivi l’année suivante de Docter’s orders, un duo avec Aretha Franklin.

En 1991 sort Power of love, son album le mieux vendu de tous (double platine et nº1 R&B). Il est réalisé par Vandross et Miller tandis que les chansons sont coécrites par Vandross et ceux que l’on retrouve tout au long de sa carrière (Miller, Vertelney, Adderley, Eaves et Anderson). Le single Power of love/Love power a été son premier Top 5 pop (nº1 R&B, nº4 pop, n°11 ventes de maxis, n°3 AC). Il est composé de deux chansons : Power of love écrit par Vandross et Miller couplé avec Love power une composition de Teddy Van pour le trio The Sandpebbles en 1968. L’album a obtenu la «best male R&B vocal performance» aux «Grammys» de 1991.

Cette même année, il participe au premier album solo de sa choriste Lisa Fischer, So Intense. Il réalise et arrange une partie du disque tout en participant aux arrangements vocaux et aux chœurs. Il écrit deux chansons avec Marcus Miller, Get back to love et Some girls. En 1992 il participe à la B.O de Mo’ money en chantant «The Best Things In Life Are Free» avec Janet Jackson (n°1 R&B, n°10 pop, n°3 club play et n°39 en ventes de maxis).

Suit en 1993 Never let me go, un album de platine. Cet album a la particularité d’être le premier lancé sur le label LV records, une association entre Luther Vandross et Epic. Si l’on excepte les reprises, les chansons sont écrites essentiellement par Vandross et Miller ou Vandross et Reed Vertelney (qui joue aussi des synthétiseurs). La réalisation est aux mains de Vandross et Miller.

En 1993 il participe aussi au film Meteor man de Robert Townsend. Toujours en 1993, Luther Vandross chante The Lady Is a Tramp avec Frank Sinatra sur son album Duets et il est un des choristes sur «Your love» de Diana Ross, chanson dont il réalise aussi les arrangements choraux.

En 1994 il sort Songs, un très gros succès composé uniquement de reprises (disque de platine). L’idée de faire un disque de reprises n’est cependant pas de Vandross mais de la maison de disques Epic qui le couple avec le réalisateur artistique Walter Afanassief, qui a travaillé avec la chanteuse à succès Mariah Carey. Le hit en est d’ailleurs Endless love, un duo avec Mariah Carey.

La fin des années Epic

En 1995 il sort This is Christmas, album de chansons de Noël, sur les dix chansons de l’album, sept sont des compositions originales écrites ou coécrites par Vandross.

L’année suivante il sort une compilation intitulée Greatest hits 1981-1995, avec une photo de pochette tranchant sur les précédentes et jouant sur un registre jeune où il arbore une paire de lunettes de rappeur, une grosse chaîne et un blouson métallisé.

En 1996 il sort Your secret love pour lequel il obtient une récompense, la «best male R&B vocal performance» aux «Grammys» de 1996.

En 1997 il sort The best of love, volume 2 : One night with you. Il s’agit d’une compilation de 15 titres dont quatre inédits. Les inédits sont trois balladettes (dont une de Diane Warren et l’autre de R. Kelly) et une chanson de danse lente moyenne de Jimmy Jam et Terry Lewis.

Après 15 ans et onze albums, Vandross met un terme à sa relation avec Epic.

I know

En 1998 il sort I know, sur le label Virgin, et fait réaliser quelques chansons par des hommes extérieurs à son équipe habituelle. Il s’agit de mixeurs à la mode comme Tony Moran (qui coécrit et coréalise le bon Religion), Little Louie Vega et Kenny Dope Gonzalez, avec à l’arrivée un disque beaucoup plus hip-hop que d’habitude. Mais l’ancien style est toujours présent et la chanteuse de jazz Cassandra Wilson et Stevie Wonder ne bousculent pas ses habitudes ni les choristes accoutumées comme Cissy Houston, Tawatha Agee et Lisa Fischer.

On trouve aussi Luther Vandross parmi les choristes sur «Say you love me» de Natalie Cole Snowfall on the Sahara (1999).

Les années 2000

Le succès de I know n’étant pas à la hauteur des espérances des deux parties, l’association avec Virgin ne durera pas et l’album suivant de Vandross sort chez J records en 2001. Il est paradoxalement intitulé Luther Vandross alors que ce dernier n’a coécrit que six chansons des quatorze de l’album et qu’il partage les fonctions de réalisateur artistique avec une demi-douzaine d’autres. Les choristes Cissy Houston, Tawatha Agee, Fonzi Thornton, Cindy Mizelle, Brenda White-King et le bassiste et arrangeur Marcus Miller sont toujours là néanmoins.

En 2002, il chante quelques couplets sur la chanson humanitaire de Michael Jackson What more can I give avec une pléiade d’autres stars. Toujours la même année, il chante en tant que choriste sur l’album Love and freedom de BeBe Winans et il arrange des chœurs de certaines chansons.

L’album suivant, Dance with my father, sort en 2003 en grande pompe médiatique. Vandross en a écrit et réalisé la majeure partie des chansons en s’entourant de vedettes du hip-hop et du rap comme Foxy Brown, Busta Rhymes et Queen Latifah. Cet album est l’occasion pour Vandross de recevoir quatre «Grammys» : «Dance with my father» est chanson de l’année et meilleure chanson R&B, «The closer I get to you» est meilleur duo R&B et l’album est meilleur album R&B.

En octobre de la même année il sort le disque enregistré en public Live 2003 at Radio City music hall. Il s’agit de son dernier album avant sa mort survenue en juillet 2005 à la suite d’un infarctus du myocarde.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/22757-Luther-Vandross

CE CE PENISTON

Cecilia Veronica « CeCe » Peniston ( / siːˈsiːˈpɛnɪstən / ; née le 6 septembre 1969) est une chanteuse américaine et ancienne reine de beauté . Au début des années 1990, elle a classé cinq titres numéro un au Billboard Hot Dance Music / Club Play américain . Son titre phare « Finally » a atteint la 5e place du Hot 100 américain et la 2e place au Royaume-Uni.

Peniston s’est produite lors d’événements privés : pour la fête d’anniversaire d’ Aretha Franklin à Détroit (Michigan) , pour le pape Jean-Paul II au Vatican (en tant que membre du groupe de gospel Sisters of Glory ) et pour le 42e président des États-Unis , Bill Clinton , lors de ses deux cérémonies d’investiture à Washington (DC). Elle a été la première artiste étrangère à se produire en Afrique du Sud post- apartheid . Selon Peniston, sa tessiture vocale oscille entre « cinq et sept octaves »^.

En février 2011, Peniston a signé un contrat avec West Swagg Music Group / Bungalo Records , avec une distribution assurée par Universal Music Group Distribution , et a annoncé la sortie d’un nouvel album solo 15 ans après son dernier album studio ( I’m Movin’ On, sorti en 1996 chez A&M Records ). À la fin de l’année, cependant, seuls trois singles numériques avaient été publiés, dont une nouvelle chanson intitulée « Stoopid! », et deux reprises de ses anciens succès, « Keep On Walkin’ » et « Finally ».

En décembre 2016, le magazine Billboard l’a classée parmi les 100 meilleurs artistes de dance club de tous les temps (à la 52e place).

Vie et carrière

Enfance et éducation

Peniston est née à Dayton, dans l’Ohio , mais a passé la majeure partie de son enfance et de son adolescence à Phoenix, en Arizona , où elle a grandi à partir de l’âge de neuf ans. Elle est la troisième d’une fratrie de quatre enfants. Fille de Ronald Peniston, un ancien combattant, et de Barbara Anne, elle a commencé à chanter à l’église et à participer à des pièces de théâtre et des comédies musicales comme HMS Pinafore en sixième. Elle a participé à des concours de karaoké et à des émissions de chant locales, tout en prenant des cours de piano.

Elle a fréquenté le lycée Trevor G. Browne de Phoenix, promotion 1987, et a décroché un rôle dans la production théâtrale locale de Bubblin’ Brown Sugar (elle y interprétait la jeune Sweet Georgia Brown ). Après l’obtention de son diplôme, elle a poursuivi des études de lettres au Phoenix College , où elle s’est investie dans le sport et a participé à des concours de beauté. Elle a été couronnée Miss Black Arizona en 1989.

Peniston a commencé à écrire des paroles de chansons pop pendant ses études. Les paroles de son tube international « Finally » ont été écrites pendant un cours de chimie, alors qu’elle pensait à ses relations amoureuses à l’université.

1990-1991 : Female Preacher

Ce qui est drôle, c’est que j’étais toujours celle qui ralentissait le rythme. C’est d’autant plus ironique que je sors « Finally », car j’étais plutôt du genre R&B, la chanteuse de ballades, quand j’arrivais et que je faisais de tout. À l’époque, il y avait une rappeuse [Overweight Pooch] chez A&M, et on m’a demandé de faire des chœurs. Je suis allée enregistrer, j’ai fait les chœurs pour elle, et le label a entendu. Ils m’ont dit : « On aime beaucoup ton flow, pourquoi tu ne sortirais pas ton propre single ? » À ce moment-là, j’écrivais de la poésie. J’ai donc pris un de mes poèmes, « Finally ». Je pensais à mes relations amoureuses à la fac, et au fait que je n’avais pas encore trouvé le bon. On est allés en studio, on a finalisé le morceau, on l’a envoyé au label et ils ont adoré. Et voilà comment tout a commencé. J’ai composé la mélodie et les paroles de « Finally », puis RK [Jackson] et Felipe [Delgado], les gars avec qui je travaillais à l’époque, ont mis la musique.

— Déclaration de Peniston lors d’une interview avec la chaîne 5 Chicago en 2006

Sa carrière musicale a débuté en janvier 1991, lorsque Felipe « DJ Wax Dawg » Delgado , son ami et producteur de disques également basé à Phoenix, a demandé à Peniston d’enregistrer des chœurs pour Tonya Davis , une rappeuse noire connue sous le nom d’Overweight Pooch, d’après son surnom d’enfance.

Davis, qui s’orientait vers un style similaire à celui de Monie Love , cherchait une chanteuse pour ajouter des voix au titre éponyme de son album Female Preacher , qui devait sortir chez A&M Records cet été-là. Lors d’un concours de jeunes talents, elle rencontra une femme nommée Malaika LeRae Sallard , mais au moment de faire venir Sallard en studio, la rappeuse s’aperçut qu’elle avait perdu le numéro de sa future collègue. Lorsque Delgado, qui avait préféré Peniston, fit venir sa favorite pour les chœurs, la réaction fut immédiate, mais ne convainquit pas Davis de réinviter Peniston pour d’autres parties vocales – à moins qu’elle ne parvienne à retrouver Sallard.

Plus tard, alors que Peniston accédait sans aucun doute au sommet des charts grâce à l’album d’Overweight Pooch, la rumeur courait que ce dernier fulminait contre Peniston, qui avait utilisé Female Preacher comme tremplin. Tonya Davis, enceinte au moment de l’enregistrement de son album, a juré n’éprouver aucune jalousie envers Peniston. « Il n’y a pas de jalousie, car elle a du talent. Je lui ai donné sa chance, mais je ne lui ai pas donné sa voix », a insisté la rappeuse auprès du Phoenix New Times en juillet 1992. Peniston, interviewée entre-temps par le même journal, a réagi : « Je crois que tout est possible et je sais une chose : même si je n’étais pas à ce niveau, je travaillerais dur pour y arriver. ». Ironie du sort, Sallard a finalement ajouté quelques chœurs pour Peniston sur une chanson au titre significatif, « You Win, I Win, We Lose », tandis que Peniston, qui en retour avait joué le rôle d’agent pour obtenir un contrat d’enregistrement également pour Malaika (dont l’album Sugar Time a connu en 1993 deux succès dans le Top 5 du classement Dance américain , dont le single numéro 1 « Gotta Know (Your Name) »), a mentionné le nom de Pooch sur son propre premier album, laissant également à Davis un mot disant « merci de m’avoir permis de faire partie de Female Preacher ».

Outre sa participation vocale sur trois titres, dont « I Like It », sorti en single avec un succès modéré (16e au classement Dance américain et 58e au classement des singles britanniques en janvier suivant), Peniston fut également créditée comme co-auteure de deux d’entre eux : « Kickin’ Da Blues » et « Female Preacher », titre éponyme. Cependant, l’album d’Overweight Pooch fut un échec commercial, et A&M était le premier grand label de Delgado, qui était alors en conflit contractuel avec la maison de disques. Après que Manny Lehman ( DJ , alors directeur artistique chez A&M et l’un des producteurs exécutifs de « Female Preacher ») eut remarqué la voix puissante de cette choriste, il offrit une seconde chance à Delgado et lui commanda un titre pour Peniston en tant qu’artiste solo. Ne voulant pas perdre ses contacts dans le secteur des contrats importants, Delgado a fait appel au producteur de musique Rodney K. Jackson, qu’elle avait rencontré par l’intermédiaire d’amis communs en Arizona, qui a été amené dans la famille A&M pour aider à coproduire le single de Peniston, qui allait bientôt être reconnu comme » Finally « .

Malgré la réticence initiale d’un label à signer Peniston pour plus qu’un contrat pour un seul single, la session « Finally » a abouti à l’enregistrement de son premier album après l’approbation finale du vice-président d’A&M , Mark Mazzetti.

1991-1992 : Finally

J’étais assise dans une pizzeria de Chicago en octobre et j’ai entendu à la radio « Finally » de CeCe Peniston. Je me suis mise à regarder autour de moi en disant « C’est moi ! C’est moi ! »

— Peniston a été rappelée pour le magazine EW en 1992. (Près de 20 ans plus tard, interrogée par Mega 104.3 , elle a nié l’avoir dit, lors de son interview diffusée en direct le 5 avril 2011.)

Peniston avait 21 ans lorsque son premier single « Finally » est sorti. La chanson a fait irruption sur la scène des clubs américains à l’automne 1991, où elle est devenue un hymne de danse instantané culminant, en octobre, au sommet du Billboard Hot Dance Music/Club Play pendant deux semaines, tout en atteignant une position de départ respectable (au n° 29) à l’étranger.

Après le succès international de son premier titre, Peniston s’est précipitée en studio pour enregistrer un album. Cependant, elle n’avait que deux mois pour finaliser l’album et n’a pris conscience de son impact qu’une fois le disque entré dans le top 5. Elle a également décrit la difficulté de démarrer sa carrière à un rythme aussi effréné, mais le résultat fut un album de dix titres à la production soignée, intitulé Finally , sorti en janvier de l’année suivante.

Le single et l’album ont tous deux figuré au Billboard Hot 100 américain , ainsi qu’au Top 75 britannique (à la 5e place et à la 2e place pour le single, et à la 70e place pour l’album [3]), et à la 10e place pour l’album, permettant à Peniston d’obtenir une certification or ou argent dans les deux pays. Fin 1992, son premier album (réédité en Europe en 1997 avec un remix bonus « Finally ’97 ») s’était vendu à plus de 540 000 exemplaires aux États-Unis.

« We Got a Love Thang », le deuxième single (co-écrit par Chantay Savage), dont le clip vidéo a été diffusé en boucle sur les chaînes musicales télévisées, s’est classé numéro 1 du classement Dance américain en février (20e du Hot 100) et, en Angleterre (où « Finally » a finalement atteint la 2e place), « We Got a Love Thang » a culminé à la 6e place. L’identité des choristes sur l’album reste sujette à controverse. Si Darnnel Rush est créditée sur l’album « Finally » , le nom de Kym Sims (co-auteure de « Keep On Walkin’ ») apparaît parmi les choristes sur le single.

Avec un nouveau succès dans les charts, Peniston a entamé une année de tournée aux États-Unis, se produisant dans des clubs et des petites salles pour promouvoir son album. Sa tournée a débuté par une série de concerts aux Philippines, au Japon, au Royaume-Uni, en Allemagne, en Espagne et en Italie. À son retour aux États-Unis, Peniston a partagé la scène avec des artistes R&B tels que Joe Public , les Cover Girls , R. Kelly et LeVert . Pendant cette tournée, « Keep On Walkin’ », un titre hip-hop entraînant, est venu s’ajouter à la liste de ses trois tubes consécutifs, offrant à Peniston en juin son troisième numéro un au classement Billboard Hot Dance Music/Club Play aux États-Unis (et la 15e place du Hot 100), ainsi qu’un nouveau top 10 au Royaume-Uni. Plus tard en août, ce titre a également atteint la 3e place du classement R&B américain , signant ainsi son meilleur résultat.

Le 17 octobre, le magazine Billboard annonçait que Peniston était l’artiste la plus nommée aux Billboard Music Awards, avec quatre nominations : trois fois dans la catégorie dance pour « Finally » (Meilleure nouvelle artiste, Meilleure artiste féminine et Meilleur réalisateur), et une fois dans la catégorie R&B/Rap (Meilleure artiste féminine) pour son tube urbain « Keep On Walkin’ ». La chanson remporta finalement deux prix, et trois de ses singles sortis en 1992 figurèrent également dans le Top 100 du classement annuel de Billboard (à la 20e place pour « Finally », à la 61e pour « Keep On Walkin’ » et à la 97e pour « We Got a Love Thang »). Au Royaume-Uni, Peniston se classa 20e des artistes ayant vendu le plus de singles en 1992.

D’autres titres extraits de l’album « Finally » ont atteint le Top 40, au moins dans le domaine hip-hop/R&B. Les paroles poignantes de sa ballade « Inside That I Cried », co-écrite par son mari de l’époque, Malik Byrd (qui apparaît également dans le clip), et produite en collaboration avec Steve Lindsey, collaborateur d’ Anita Baker, ont culminé à la 10e place du classement R&B américain (94e au Hot 100 et 42e au Royaume-Uni). Le cinquième single, un morceau midtempo intitulé « Crazy Love », s’est hissé à la 31e place (97e au Hot 100 et 44e au Royaume-Uni).

À la fin de l’année, Peniston a reçu plusieurs prix pour ses réalisations dans l’industrie musicale en 1992. Parmi eux, un Billboard Music Award (Meilleure nouvelle artiste dance, le second étant décerné au réalisateur du clip, Claude Borenzweig), trois ASCAP Awards (Chanson de l’année, Chanson la plus diffusée de l’année et Auteur-compositeur pop de l’année), trois autres prix (Meilleure nouvelle artiste dance, Meilleure artiste solo dance et Meilleur maxi 45 tours dance) lors de la Winter Music Conference annuelle , et le BMI Urban Award of Achievement. L’album lui-même a été nominé aux Soul Train Music Awards 1993 dans la catégorie Meilleur album R&B/Soul féminin.

1993-1995 : Thought ‘Ya Knew

Un an plus tard, Peniston retournait en studio pour enregistrer son deuxième album. Le principal défi pour la chanteuse était d’éviter d’être cataloguée dans le genre dance. C’est pourquoi plusieurs ballades furent prévues pour l’album final (dont « Forever In My Heart », produite par Brian McKnight ), mais aucune ne fut finalement retenue pour un single. Cette fois-ci, Peniston co-écrivit trois des treize titres (« Whatever It Is », « Give What I’m Givin » et « Maybe It’s The Way », une ballade dédiée à son père). Avec Manny Lehman et Damon Jones, qui devint plus tard son manager, elle fut également créditée comme productrice exécutive de son album, Thought ‘Ya Knew . La chanteuse Norma Jean Wright , elle aussi originaire de l’Ohio, participa également à l’enregistrement.

Après quelques hésitations concernant le premier single, « I’m in the Mood » (initialement produit par Soulshock et Karlin ) fut finalement choisi comme single principal, en première partie de « Searchin’ », qui serait distribué séparément sur vinyle uniquement aux DJs. « I’m in the Mood » connut un succès certain, et grâce à un clip vidéo accompagné d’un remix hip-hop de M-Doc & Jere MC (plus connus sous le nom d’In Da Soul), le titre figura sur les singles réédités par David Morales pour les pistes de danse. La chanson offrit à Peniston son quatrième numéro un ^[ 3 ] (détrônant « A Deeper Love » d’ Aretha Franklin en tête du classement Dance américain ) et atteignit la 16e place au Royaume-Uni (32e du Hot 100).

Je suppose que le titre vous donne une idée de ce que je veux dire avec ce nouvel album. C’est comme si je vous disais : « Je croyais que vous saviez que j’en étais capable », que je revenais vers vous, authentique et sincère.

— Peniston l’a déclaré dans sa biographie à A&M

Le 25 janvier 1994, l’album *Thought ‘Ya Knew* , qui devait représenter l’apogée musicale de Peniston à cette époque, est sorti sur tous les supports disponibles, y compris les cassettes numériques . Cependant, dès son entrée dans les classements musicaux, il est apparu clairement que *Thought ‘Ya Knew* ne connaissait pas le même succès retentissant que son précédent album, * Finally* . Après avoir stagné à la 96e place du Billboard 200 . *Thought ‘Ya Knew* a atteint la 31e place au Royaume-Uni, mais n’y est resté que deux semaines.

L’incertitude planait également sur le second single, mais « Keep Givin’ Me Your Love » fut finalement choisi pour la sortie britannique. Cependant, le morceau, remixé par l’équipe de production d’ Eddie Gordon à West End, ne bénéficia d’aucun clip vidéo. Après avoir atteint la 36e place des charts britanniques en avril, un autre titre (« I’m Not Over You ») fut sélectionné pour le marché américain comme deuxième extrait de l’ album Thought ‘Ya Knew .

« I’m Not Over You » (écrit par Steve Hurley , Jamie Principle et M-Doc) a manqué de peu la première place du classement Dance américain (à la 2e place). Le single a ensuite été classé neuvième au classement général Billboard Hot Dance Music/Club Play en 1994 (reléguant « I’m in the Mood » loin derrière, à la 44e place). Cependant, bien que la chanson ait atteint le Top 10 du classement R&B américain, elle n’a pas rencontré le même succès dans le Hot 100, ne parvenant pas à se hisser dans le Top 40 (41e place). Considérant que les attentes de la maison de disques A&M Records devaient être plus élevées que les seules ventes en club des singles de Peniston, « I’m Not Over You » n’est sorti au Royaume-Uni qu’en face B du single « Hit by Love ».

« Hit by Love » devait être le troisième extrait de l’album. Comme pour ses précédents titres, la chanson (avec des remixes de David Morales) devint le nouveau tube dance américain de Peniston, s’inscrivant dans une série de numéros 1. Cependant, si « Hit by Love » resta en tête des charts pendant une semaine supplémentaire, le single stagna à la 33e place du Top 75 britannique, ainsi que dans les dernières positions du classement américain Hot 100 (à la 90e place).

Parallèlement au succès de « Hit by Love », A&M a sorti au Japon une compilation rare, Remix Collection , regroupant neuf versions alternatives de ses chansons, auparavant disponibles uniquement sur vinyle. Cette compilation retraçait la carrière musicale de Peniston depuis la sortie de « Keep On Walkin’ ». Une compilation de remixes similaire, composée de seulement deux singles (« Finally » et « We Got a Love Thang »), était cependant déjà sortie au Japon sous forme d’ EP intitulé Finally / We Got a Love Thang: Remix Collection, proposant au total huit versions remixées.

À la fin de l’année, Peniston a été nommée artiste numéro 1 du classement Billboard Hot Dance Music/Club Play, résumant toutes ses chansons sorties en 1994 (« I’m Not Over You » n° 9, « Hit by Love » n° 24 et « I’m in the Mood » n° 44). Alors qu’A&M figurait au sixième rang des meilleurs labels dance du classement annuel de Billboard , Peniston était également classée cinquième meilleure artiste féminine de singles R&B (derrière Janet Jackson , Toni Braxton , Aaliyah et Mariah Carey ).

De plus, un remix de « Keep Givin’ Me Your Love » a été popularisé sur la bande originale du film Prêt-à-Porter et est sorti aux États-Unis après un an de retard, atteignant la 4e place des charts Dance américains en mars 1995. « Keep Givin’ Me Your Love » est devenue la première chanson de Peniston à ne pas entrer dans le classement Hot 100 (101e place), probablement parce qu’elle figurait en face B de son précédent single et partageait ses ventes avec le single « Hit by Love ».

J’ai encore beaucoup de choses en moi que les gens n’ont pas encore entendues. Il y a tout un autre aspect, un côté R&B, un côté jazz que les gens n’ont pas encore découvert et qui, je pense, les surprendrait beaucoup. Mais je n’ai pas eu l’occasion de le montrer parce que les gens veulent écouter les morceaux house.

— a déclaré Peniston en 2006

Les Sœurs de Gloire

Entre deux albums, Peniston a fait une apparition remarquée sur le titre jazz « Don’t Forget the Love », avec des paroles et une musique de Jeff Lorber , compositeur nominé aux Grammy Awards , et d’Eric Benét (lui aussi nominé aux Grammy Awards par la suite), pour son album West Side Stories . Le titre de l’album de Lorber était une réponse à son expérience de vie dans le West Side de Los Angeles (et non une adaptation de chansons de la comédie musicale West Side Story ). Après sa sortie en novembre 1994, l’album studio a atteint la 5e place du classement Billboard des meilleurs albums de jazz contemporain.

En tant que membre du quintette gospel The Sisters of Glory , qui comprenait également Thelma Houston , Phoebe Snow , Lois Walden , Albertina Walker et elle-même, Peniston a enregistré un album de spiritualité, Good News in Hard Times , qui incluait deux chansons traditionnelles en solo (« How I Got Over » et « Precious Memories ») interprétées par Peniston, quatre standards avec sa partie solo (« Rough Side of the Mountain », « He’s Got the Whole World in His Hands », « I Won’t Be Back No More » et « Oh Happy Day »), ainsi que ses chœurs sur neuf autres titres. Good News in Hard Times (produit par Jennifer Cohen et Lois Walden) est sorti en août 1995 chez Warner Bros. L’album a permis à Peniston de figurer dans le classement Billboard des meilleurs albums gospel , où il a atteint la 29e place en octobre et est resté classé pendant six semaines.

1996–98 : I’m Movin’ On et l’ album The Best Of

En février 1996, Billboard annonçait que la chanteuse finalisait son nouvel album studio, * I’m Movin’ On* , dont la sortie était prévue en mai. À en juger par les extraits déjà publiés par le magazine, Billboard indiquait que Peniston s’apprêtait à explorer un style soul plus mature, à la manière de Faith Evans , et qu’elle n’avait jamais paru aussi assurée et convaincante. Bien que *I’m Movin’ On*, avec une Peniston visiblement amincie sur sa pochette, ne soit sorti qu’en septembre, le single éponyme, diffusé sur les ondes le 17 juillet et disponible en magasin une semaine plus tard, offrait un son tout aussi soigné.

« Movin’ On », considérée comme le titre le plus prometteur pour toucher un large public R&B et avoir un potentiel intergénérationnel, a été produite par Dave « Jam » Hall , le producteur du tube « Dreamlover » de Mariah Carey , qui avait également travaillé sur l’album « Bedtime Stories » de Madonna . La chanson s’est hissée dans le Top 40 du classement R&B/Hip Hop américain à la 29e place, mais n’a pas réussi à se classer au Royaume-Uni, atteignant seulement la 83e place du Hot 100.

Le 9 septembre, l’album « I’m Movin’ On » , marqué par l’absence de ses titres club habituels, est enfin sorti. Peniston y a contribué avec trois chansons qu’elle a co-écrites (à l’exception du titre éponyme, de la ballade « The Last To Know » et du morceau à potentiel club « Don’t Know What To Do », qui n’a pas bénéficié de promotion). Après avoir atteint la 48e place du classement R&B américain, l’album a disparu du classement Billboard Top 200 et a rapidement souffert d’un marketing inadapté.

« Nous avons nommé l’album I’m Movin’ On parce que cela en dit long sur moi et sur qui je suis maintenant en 1996. Je progresse mentalement, physiquement, spirituellement et musicalement à tous les niveaux. »

Malgré l’insistance du management de Peniston pour la sortie de « Somebody Else’s Guy » comme single suivant, le label A&M a préféré une autre composition, « Before I Lay (You Drive Me Crazy) », en duo avec JoJo Hailey (du duo K-Ci & JoJo ) , alors petit ami de Peniston, qui était censé l’aider à s’imposer comme artiste R&B. Cependant, le duo a atteint la 52e place du classement R&B américain, sans toutefois figurer dans le Hot 100 (121e place) ni dans les charts britanniques.

Pourtant, Peniston elle-même ne semblait pas s’inquiéter de perdre son public, comme elle l’a confié à Billboard lors de la sortie de « I’m Movin’ On » : « Quand on débute en tant qu’artiste, les dirigeants des maisons de disques ont souvent leur propre vision de vous. Mais à mesure que vous progressez, il est normal que vous commenciez à définir votre propre direction. Le public vous suivra dans le changement si vous êtes honnête quant à votre art et si vous êtes à l’aise avec ce que vous faites ». Deux ans plus tard, interrogée par le magazine, Peniston a confirmé ses doutes : « Je peux en parler de vive voix, croyez-moi. Parfois, faire ce que l’on ressent n’est pas toujours bien vu du public. Il faut choisir sa voie et être cohérent ». (Propos tenus par l’artiste lors du 5e sommet annuel de la musique dance de Billboard, qui encourageait les membres de la communauté de la musique dance à collaborer pour une plus grande crédibilité, visibilité et ventes du genre, qui s’est tenu du 8 au 10 juillet 1998). Après la sortie de seulement deux singles extraits de son album R&B, A&M n’a pas souhaité sélectionner un titre destiné à un autre genre musical et a finalement opté pour l’album « I’m Movin’ On », que Peniston a également promu lors de la campagne électorale de Bill Clinton , et sur lequel elle a interprété plusieurs morceaux. Clinton a commenté sa prestation le 4 novembre 1996 à Sioux Falls, dans le Dakota du Sud , en déclarant : « Je tiens à remercier CeCe Peniston pour sa magnifique voix. »

Suite à son renvoi, Peniston a interprété le rôle de Glinda la Bonne Sorcière dans une production théâtrale de la comédie musicale The Wiz . Le spectacle a été présenté au Paramount Theatre d’Oakland pendant cinq jours à partir du 11 juin 1997, et outre elle-même, Grace Jones et Peabo Bryson y ont également joué.

En septembre, A&M a réédité le single « Finally » qui est réintégré dans le UK Singles Chart (n° 26),ainsi que son premier album sur CD amélioré avec le nouveau remix, Finally (Classic Funk Radio Mix) , tous deux réédités uniquement à l’étranger.

En février 1998, le remix de « Somebody Else’s Guy » par David Morales, popularisé par Jocelyn Brown et enregistré pour l’album I’m Movin’ On , connut un grand succès en Europe, atteignant la 13e place du Top 75 britannique (son dernier classement en Angleterre à ce jour), ainsi que la 26e place au Japon en avril, après avoir été choisi pour promouvoir la compilation de ses plus grands succès, The Best Of . Les photographies en noir et blanc du livret étaient signées Daniela Federici, dont le travail avait déjà été remarqué pour la sortie de I’m Movin’ On , et plus tard également pour les pochettes d’albums et de singles d’autres artistes féminines, telles que Céline Dion, Toni Braxton ou Pink .

Après son départ d’A&M, Peniston a contribué avec deux chansons à la compilation de MC Magic regroupant divers artistes de Phoenix, intitulée Desert Funk! et sortie sur Nastyboy Records. Le premier titre, « I Know You Want Me », était un duo hip-hop enregistré en collaboration avec Nastyboy Klick (n° 109 au classement R&B américain), tandis que le second, une ballade hip-hop latino, « When I’m with You », était son propre morceau solo également produit par Marcus Cardenas .

1998–2000 : Album Nobody Else annulé

« Steve est vraiment doué pour faire ressortir cette attitude en moi. Il m’a beaucoup appris sur la prononciation des mots, pour qu’ils sonnent comme ils doivent sonner, même si ce n’est pas ce que je dis réellement. Ça donne une ambiance particulière. J’ai donc beaucoup appris de lui vocalement en studio. »

— Peniston à propos de Steve Hurley

Des rumeurs concernant un nouvel album de Peniston à Chicago avec Steve « Silk » Hurley ont surgi après la sortie officielle de « Nobody Else », une chanson gospel envoûtante et son premier album sur le label du producteur, en 1998. Cependant, outre le Billboard , les détails de l’insert de « Nobody Else » informaient également ses fans qu’un album studio du même titre était prévu pour cet été-là, cette information semblait plutôt optionnelle que la réalité qui a suivi l’avenir de l’artiste, alors qu’elle était sous contrat avec la société Silk Entertainment .

Pour ne rien arranger, le titre house percutant « Nobody Else », présenté en avant-première au 5e Billboard Dance Music Summit sur la scène du Green Dolphin Street, n’a pas réussi à entrer dans les classements musicaux, malgré les critiques favorables de Billboard qui le qualifiait de « l’un des meilleurs enregistrements de l’artiste », de « titre qui ravira les fans inconditionnels » ^[ 52 ] et de « retour triomphal dans le monde des clubs », commentant également sa performance live au sommet.

En 1999, « He Loves Me 2 », coécrit par M-Doc (connu pour ses remixes pour des artistes majeurs tels que Madonna , Janet Jackson ou Keith Sweat), à qui la chanteuse avait rendu la pareille en fournissant des chœurs sur « Keep It Real », une chanson enregistrée pour son propre album Young, Black, Rich and Famous , semble avoir obtenu des résultats plus compétitifs que son précédent projet, atteignant la 24e place du Hot Dance Club Play.

Mais le single suivant de Peniston, « My Boo », en collaboration avec Hurley, alors déjà nominé aux Grammy Awards (outre cinq autres remixes pour différents artistes, dont son propre remix « Silk’s 12″ Mix » de « He Loves Me 2 », finalement remporté par Peter Rauhofer alias Club 69 , élu Remixeur de l’année (musique non classique ) en 2000), fut à nouveau une déception pour les deux artistes, et le dernier titre distribué par le label du producteur. La chanson contenait un sample de « The Bottle » de Gil Scott-Heron , l’un des pionniers du rap, alors emprisonné pour une durée d’un à trois ans suite à de multiples condamnations pour possession de stupéfiants.

2000 à aujourd’hui : L’ère des singles

« Lifetime to Love »

Alors qu’elle cherchait des solutions alternatives pour la production annulée de son album, Peniston décida de prendre du recul et d’enregistrer une reprise de « Lifetime to Love », écrite par Steven Nikolas et Brendon Sibley, pour son ancien producteur chez une major et la compilation Circuit Sessions 00.1 de Manny Lehman . Cette composition faillit lui permettre de retrouver la première place des charts en février 2001, la faisant réintégrer le classement Billboard Hot Dance Music/Club Play et lui offrant une place dans le Top 3 au début du millénaire (2e place). ^[ 3 ] Bien que la chanson ait été classée 30e meilleur titre dance américain de 2001 à la fin de l’année, elle n’entra pas dans le classement officiel Hot 100.

La version numérique de « Lifetime to Love », accompagnée de photos et d’autres informations concernant Peniston, devait être proposée en téléchargement gratuit via Napster, un service de partage de fichiers musicaux en ligne. Malheureusement, des problèmes de calendrier ont empêché la concrétisation de l’accord, et le chanteur a quitté le label 4 Play par la suite.

« Reminiscin »

Après l’an 2000, Peniston, désormais éloignée du courant dominant qui l’avait propulsée au début des années 90, a passé la première décennie à collaborer avec de nombreux artistes aux styles et influences musicales variés. Ces collaborations lui ont permis de rester dans l’industrie musicale et sous les feux des projecteurs, principalement en tant que chanteuse invitée, mais néanmoins reconnue.
En 2001, elle a collaboré avec Ella Mae Saison , une chanteuse philippine, sur un titre commun. Ce duo, mixé en partie en France et en partie à New York, a été sponsorisé par le multiple champion du monde de boxe Evander Holyfield et est sorti sur son label en avril. Après un démarrage timide, malgré son classement de « Meilleure performance dance » n° 1 des ventes de maxi-singles dans le Billboard Hot Dance Breakout, le titre a finalement atteint la 30e place du classement Dance américain le 18 août, sous le titre « Reminiscin », avec Peniston créditée comme artiste invitée.

Peniston a commenté plus tard son enregistrement avec Saison : « J’ai eu le plaisir de travailler avec une artiste très talentueuse et inspirante du nom de Saison. En janvier 2001, nous avons collaboré sur un duo, Reminiscin. J’ai eu la chance de constater la chaleur d’une belle personnalité et le grand talent d’une étoile montante. J’espère que le monde aura également l’occasion de partager cette expérience. »

« For My Baby » et Colour of My Soul

Accompagnée de sept autres chanteuses venues des deux côtés de l’Atlantique, elle a rejoint Rob Derbyshire et Paul « Solomon » Mullings, le duo de producteurs R&B de Birmingham connu sous le nom de Full Flava , pour enregistrer les parties vocales principales de leur album Colour of My Soul . Cet album de soul moderne, enregistré en Angleterre, est sorti chez Dôme Records en 2003. L’une des compositions interprétées par Peniston, « For My Baby », a ensuite fait l’objet de remixes house remarquables, notamment par Dave « Leggz » Longmore et Sam Junior Bromfield (Ruff ‘N’ Tumble) et le duo KT & C.

« For My Baby » n’a pas rencontré le succès escompté dans les classements musicaux. Cependant, les remixes dance de Ruf N Tumble étaient basés sur un sample du single à succès de Delegation , « Heartache No. 9 » (qui avait atteint la 57e place du classement dance américain en 1980). Son deuxième titre solo sur la compilation Colour of My Soul de Full Flava s’intitulait « I Think about Him » et était un morceau mid-tempo que Peniston avait co-écrit avec Derbyshire et Mullings.

« Eternal Lover »

Ses prochaines étapes l’ont menée aux studios Better Days à Paris où, pour une fois, la chanteuse devait travailler avec un producteur français, Frédéric Tharreau alias BIBI, sur le single import exclusif « Eternal Lover ». En plus d’être sorti en France sur RLPMix Records, le titre est également paru en Australie et en Nouvelle-Zélande sur le label dance local de premier plan, Vinyl Pusher Records, en 2004.

Gimme the Mike! et Hit Me, Baby, One More Time

De retour aux États-Unis le 2 juin 2005, Peniston participa à l’ émission de télé-réalité estivale « Hit Me, Baby, One More Time » sur la chaîne NBC . Chaque semaine, cinq anciennes stars de la pop interprétaient leur plus grand succès ainsi qu’une reprise d’un tube contemporain. Le gagnant, choisi par le public, recevait un don de 20 000 $ en son nom pour une association caritative de son choix. Peniston participa à l’émission en interprétant « Finally » et « There You’ll Be » de Faith Hill , face au groupe de hip-hop Arrested Development (qui remporta la finale ce soir-là). Deux ans plus tard, interrogée par le magazine en ligne Say What News , Peniston ne confirma pas avoir enregistré « There You’ll Be » en studio.

Pastor Jones et Don’t Touch if You Ain’t Prayed

Au premier semestre 2005, Peniston a terminé le tournage d’un film indépendant intitulé « Don’t Touch if You Ain’t Prayed » . Elle y incarnait une chrétienne de quarante ans qui s’abstenait de toute relation sexuelle en vue du mariage, et le film comportait des chants gospel interprétés par elle-même. Par ailleurs, Peniston a tenu un petit rôle dans un autre film gospel urbain destiné au public chrétien, « Pastor Jones » .

Le 19 septembre 2005, Peniston fut invitée au Manhattan Center , dans la Grand Ballroom de New York, pour assister à la 2e cérémonie annuelle d’intronisation au Dance Music Hall of Fame , aux côtés de Wanda Dee (de KLF), Nile Rodgers, Freddie Jackson et Kathy Sledge . Le Dance Music Hall of Fame, créé en 2003 par le vétéran John Parker, avait pour vocation de reconnaître la contribution de ceux qui ont marqué l’évolution et le développement de la musique dance, et de célébrer l’histoire et l’importance du genre. Une cérémonie de remise de prix annonçant les nouveaux membres devait se tenir chaque année lors d’un dîner de gala à New York, mais en raison de désaccords financiers entre les membres du conseil d’administration, le Dance Music Hall of Fame cessa ses activités après sa deuxième cérémonie (en 2005).

« Deeper Love »

Le projet musical suivant de Peniston était un duo avec David Longoria , auteur-compositeur et trompettiste dont le travail avait déjà été remarqué sur des disques d’artistes tels que Sting et George Michael. Leur collaboration fut couronnée de succès avec « Deeper Love », une composition mêlant jazz et dance, écrite et produite par Longoria. Après six semaines dans les charts, le titre atteignit la 14e place du Billboard Hot Dance Music/Club Play (le 19 novembre), permettant à Peniston de retrouver les sommets des classements dance depuis un autre duo (« Reminiscin ») en 2001. Le single, dont les droits d’auteur appartenaient à Del Oro Music , comprenait onze remixes de Junior Vasquez , Ryan Humphries, LEX et Richard Earnshaw. Selon le site officiel de David Longoria, la nouvelle version radio de « Deeper Love – Robert Eibach Mix », destinée aux radios Rhythmic Radio et aux clubs, est sortie en août 2024.

« You Are the Universe » et Music Is Our Way of Life

Interviewée par le magazine 5 Chicago en juin 2006, la chanteuse a déclaré qu’elle travaillait sur un autre album avec George Jackson (ancien manager du label Silk Entertainment ), Tre et Ron Carroll , et a exprimé son souhait de retravailler avec Steve Hurley. Elle a également indiqué qu’elle prévoyait de terminer son album studio dans les trois ou quatre mois suivants.

« Je pense que les gens considèrent Diva comme quelqu’un qui a beaucoup d’âme, et je me considère moi-même comme une personne qui a beaucoup d’âme, donc je pense que la description lui conviendrait parfaitement. »

— a déclaré l’artiste après que des critiques aient utilisé le mot « diva » au vu de ses performances.

Peniston a co-écrit avec Jackson le single « It’s Alright » pour RaShaan Houston et a participé à un autre projet précurseur de D’vas, produit par Full Flava, auquel elle a contribué avec le tube « You Are the Universe » de Brand New Heavies en 1997 (n° 21 au Royaume-Uni). Sa reprise figurait sur l’album rétro de Full Flava, « Music Is Our Way of Life » , qui regroupait onze classiques du dancefloor, et la compilation est sortie chez Dôme. Le morceau de Peniston a été remixé par le producteur japonais DJ Hasebe pour son medley disco éponyme, et pour un single en édition limitée disponible uniquement au Japon sur vinyle.

« EP Live » et Divas of Disco

Le 25 avril 2007, son icône se tenait sur la scène de l’Avalon à Hollywood à l’occasion du concert cinq étoiles Divas of Disco – Live , qui réunissait Thelma Houston , Linda Clifford , A Taste of Honey , France Joli et elle-même. Chaque diva a interprété trois chansons en solo, tandis que Peniston était la vedette principale clôturant la soirée. Ses interprétations de « Keep On Walkin’ », de la reprise de « Last Dance » de Donna Summer et de « Finally » ont été publiées sous forme d’ EP live numérique par One Media Publishing l’année suivante. L’intégralité du concert, intitulé Divas of Disco , est sortie en DVD en Europe chez ZYX Music en 2008, ainsi qu’en CD en 2010, tandis qu’aux États-Unis, seule la version DVD est sortie (chez RSM Records en 2009).

« I’m Feelin’ U »

En 2007, Peniston s’est associée au DJ house américain Ron Carroll pour un titre funky explosif, « I’m Feelin’ U », sorti en mai sur le label Soulfuric Recordings . Le morceau a attiré l’attention des clubs européens (n° 2 du classement DJ House). Le single quatre titres comprenait également des remixes signés par un DJ français, DJ Fudge, et Brian Tappert , mais comme pour son précédent single japonais (« You Are the Universe »), « I’m Feelin’ U » était disponible exclusivement en vinyle ou en téléchargement.

« Shame Shame Shame »

Son single promotionnel suivant, « Shame Shame Shame », sorti au Royaume-Uni en juin 2007, a été co-écrit par Matt, Warren Meyers et Kelly Mueller, plus connus sous le nom de Soulshaker (alias The Soul Shakers). Cette équipe de producteurs britanniques a composé pour Peniston un titre qui, à la fin de l’année, a atteint la première place de plusieurs classements de magazines spécialisés britanniques (dont le Music Week Pop Tip Chart, le Music Week Club Chart et le DJ Mag Hype Chart). Alors qu’en Angleterre, « Shame Shame Shame » est sorti sur le label AATW , aux États-Unis, le titre est paru sur Trackworks Records en plusieurs éditions promotionnelles.

Le 26 août 2007, un an après son interview pour 5 Chicago Mag , Peniston a de nouveau évoqué son projet d’album pour Say What News , sans toutefois donner plus de détails. Interrogée sur l’artiste avec lequel elle aimerait collaborer, elle a cité Stevie Wonder, lauréat de vingt-deux Grammy Awards.

« Still I »

Initialement, la sortie potentielle du titre R&B « Still I », après une longue absence, devait être annulée. Cependant, le morceau a fuité après qu’un des producteurs a autorisé la maison de disques Adrenaline Music à le distribuer.
La production du titre était assurée par les anciens collaborateurs de Peniston en Arizona, Felipe Delgado et Jackson (qui avaient également produit son premier tube, « Finally », en 1991). Ils se sont réunis en 2005 pour former une nouvelle équipe de production, SandWorx, avec Nick « Cello » Valentine (qui les a rejoints au printemps suivant). Bien que Peniston elle-même, qui soutenait le trio en se produisant au club Next In de Scottsdale, en Arizona , ne jugeât pas le morceau suffisamment abouti pour une commercialisation, « Still I » est finalement sorti en single numérique quatre titres en septembre 2007. La session qui devait réunir les anciens producteurs et Peniston a abouti à une apparente contradiction. Le reste des enregistrements inédits à ce jour sont des chansons intitulées « Wonder Woman », « Next to Me » et « Right Here ».

« Above Horizons »

Cependant, l’année 2008 s’écoula également sans nouvelles significatives concernant son nouveau projet solo. En juin suivant, Peniston sortit « Above Horizons », un hymne national de la PTA (Parent Teacher Association), en hommage aux familles, aux enseignants et aux communautés qui aident les enfants à réaliser leurs rêves grâce à cette association. Ce rôle découlait de son implication en tant qu’ambassadrice nationale de la plus grande organisation américaine de défense des droits de l’enfant. La ballade fut écrite par Byron V. Garrett, Peniston, Erric Carrington, Essej et Marcus L. Barnum, et le CD promotionnel, sorti chez National PTA Recordings , comprenait quatre versions. On y trouvait également deux remixes d’ Aaron-Carl Ragland , producteur et DJ de house music de Détroit , qui citait l’une des compositions de Peniston (« Nobody Else », 1998) parmi ses influences musicales.

Le 17 juin 2009, le Chicago Defender interviewait l’artiste, qui annonçait qu’après plus d’une décennie d’absence, elle était sur le point de terminer l’enregistrement de son album de retour. Bien qu’elle n’ait pas précisé la date de sortie, Peniston révélait collaborer avec des artistes tels que Track Kingz West, Vudu, Status (« Above Horizons »), David Givens, Montell Jordan (sur leur duo « He Say, She Say »), Mateo (sur « Piece of That »), Isalene Elliot et Ragland. « Dès que j’aurai conclu un accord avec une maison de disques, l’album sortira », ajoutait-elle. Un mois plus tard, Peniston confirmait l’information concernant son nouvel album studio en direct, lors de son passage à l’émission d’anniversaire de Wendy Williams , où elle interprétait « Finally ». Par la suite, la chanteuse offrait à sa communauté un aperçu de quelques titres sur sa page MySpace . Parmi eux, la chanson « Runway » rencontrait un succès immédiat grâce à son style hip-hop/dance comparable aux productions de Timbaland . Après qu’une correspondante new-yorkaise, Kenya Thomas, ait interrogé Peniston pour Skinny , elle a souhaité sous-titrer l’album CeCe. Son disque tant attendu ne sortirait pas, même des années plus tard.

« In Love with a DJ »

En juin 2010, Hip-Hop Press annonçait le lancement par Ron Carroll de son propre label indépendant, Electricity, intégré à One Entertainment. Ce label se spécialiserait dans la promotion de concerts, défilés de mode et événements en club à travers le monde, et signerait des artistes de musique électronique, hip-hop/R&B et gospel. Selon le producteur lui-même, l’objectif de Carroll avec ce label (qui bénéficie d’un important contrat de distribution avec Universal ) est de se concentrer sur le développement des artistes, l’éducation musicale et de faire d’Electricity un acteur majeur de l’industrie musicale à Chicago. Suite à cette annonce, un titre house/groove, « In Love with a DJ », interprété par Peniston, est sorti en juillet, accompagné de quatre remixes. Dans une interview pour Great British Life , Carroll a déclaré : « Je voulais créer une chanson qui donne le point de vue d’une femme qui danse sur ma musique et qui m’aime suffisamment pour que sa soirée soit parfaite. »

« Make Me Say Oh », « Stoopid! » et « Celebrate »

Le 4 février 2011, Peniston a signé un contrat d’enregistrement avec le label indépendant West Swagg Music Group (WWMG), fondé par Lupe Rose en 2010. Ce label est actuellement sous contrat avec Bungalo Records , distribué exclusivement par Universal Music Group Distribution. Son premier single sur ce label, « Stoopid! », est sorti officiellement le 26 avril en téléchargement. Un mois auparavant, Peniston avait participé à la compilation numérique Miami 2011 , parue en mars, avec le titre « Make Me Say Oh », son quatrième morceau enregistré en collaboration avec Ron Carroll (après « My Boo », « I’m Feelin’ U » et « In Love with a DJ »). Le 9 août, WWMG a sorti « Keep On Flossing » (une version remixée de son ancien single des années 90) enregistrée en duo avec le rappeur Lavon Collins (alias LC). Le 3 octobre, une nouvelle version de « Finally » par Paul Oakenfold a suivi. Un autre titre, « Celebrate », est sorti le 27 mars.

vie personnelle

En 1992, après la sortie de son premier album, Finally , Peniston a été brièvement mariée à Malik Byrd, co-auteur de « Inside That I Cried » et figurant également à ses côtés dans le clip. En 2003, elle a épousé Frank Martin, agent immobilier originaire d’ Halifax, dans le Massachusetts. Le couple a divorcé en 2011. En août 2015, lors de l’émission de téléréalité Celebrity Wife Swap , elle a fréquenté le coach sportif Marcus Matthews. Leur relation s’est terminée peu après la fin de l’émission.

Alors que la mère de Peniston, Barbara Anne Quick Peniston, était également son agent, l’un des frères de Peniston, Gregory, gère désormais la carrière de Cece. Auparavant, elle avait eu des difficultés financières avec un ancien gestionnaire de compte, Alvin Grubman, de la société Grubman and Associates de New York. Grubman and Associates a engendré une dette fiscale pour Peniston.

Controverses

Chirurgie plastique

Hormis ses années de formation où elle fut couronnée reine de beauté, Peniston a constamment lutté contre son poids. « Quand j’ai débuté dans ce milieu, les gens éclataient de rire quand je me présentais, mais je m’acceptais telle que j’étais. C’était un problème pour ma maison de disques », a t’elle confié en 2006. « Aujourd’hui, vu où j’en suis, ce ne serait plus un problème pour une maison de disques, et je vais m’assurer que ça n’en soit pas un. Mais pour quelqu’un qui se lance dans ce métier, il faut comprendre qu’on est une marchandise, et si une maison de disques investit en vous, assurez-vous d’investir en vous-même. L’apparence est importante, car les gens voient d’abord le physique », conseillait elle aux jeunes talents lors d’une interview pour le magazine 5 .

Cependant, trois ans plus tard, en novembre 2009, Peniston a été aperçue à Culver City, en Californie , posant pour l’émission Inside Edition (produite quotidiennement au CBS Broadcast Center de New York), qui a révélé pour la première fois les détails de sa transformation physique radicale et de sa liposuccion tumescente , une intervention qui lui aurait été recommandée par ses nouveaux producteurs. De plus, elle a fait la une de plusieurs magazines people et de mode nationaux, dont le magazine Us Weekly, qui a suivi son parcours dans sa quête de perte de poids par la chirurgie esthétique. L’opération a été une réussite pour Peniston, qui a ensuite déclaré se sentir « super bien » après sa liposuccion du cou.

œuvres caritatives

LOTS alias CeCe Peniston Youth Foundation

« Entourez-vous de personnes qui vous diront la vérité quoi qu’il arrive, continuez d’aimer ce que vous faites et soyez prêt à évoluer et à changer. Vous devriez également avoir une solide base spirituelle, accepter le bon comme le mauvais et l’analyser. Une fois que vous savez que les hauts et les bas seront là, vous les accepterez beaucoup mieux. »

— Les réflexions de Peniston sur la longévité pour Exceptional Mag .

En 1997, la chanteuse, avec son amie Heather, a fondé la CeCe Peniston Youth Foundation afin de collecter des fonds pour de nombreuses organisations, notamment celles œuvrant dans la lutte contre le VIH/SIDA, auprès des femmes et des enfants dans le besoin, contre la faim et pour l’égalité des êtres humains. Après les attentats du 11 septembre , Michael Jackson l’a invitée à participer à son concert « United We Stand » au profit des familles des victimes . Elle a également interprété deux titres (« The Christmas Song » et « What a Wonderful World ») sur les albums Merry Arizona II et Merry Arizona 97 , dont les bénéfices ont été reversés à la recherche sur la sclérose en plaques . Elle a été sollicitée pour se produire devant les troupes américaines à bord de l’USS Dwight D. Eisenhower en 1993 et continue depuis à se produire pour divertir les soldats américains à l’étranger.

Plus tard en 2006, la fondation devait être rebaptisée LOTS Foundation (Lifting Others To Succeed), après sa déclaration dans l’interview pour 5 Mag en juin de la même année, et elle prévoyait d’organiser un événement caritatif pour la recherche sur le cancer, en raison de son père, un survivant du cancer.

Ambassadeur national de la PTA

En octobre 2008, la chanteuse a été nommée, avec Dara Torres, ambassadrice nationale de l’ Association des parents d’élèves (PTA) , la plus grande organisation bénévole de défense des droits de l’enfant, forte de plus de 5 millions de membres. Dans le cadre de ses nouvelles fonctions, elle a rencontré des centaines d’enfants à travers le pays afin de souligner l’importance de l’éducation artistique et de la poursuite de leurs rêves. Elle s’est également associée à des parents et des enseignants pour œuvrer à l’amélioration de la vie des enfants et encourager les familles à s’impliquer davantage.
Suite à cette annonce, Peniston a commencé l’enregistrement de l’hymne officiel de la PTA, « Above Horizons », qui est sorti en juin 2009 sur le label de l’organisation, National PTA Recordings , marquant ainsi sa première sortie musicale. Le single était disponible en trois mix différents (« Original Mix », « Status Mix » et « Aaron-Carl Mix ») sur PTAmusic.org, et sa sortie a coïncidé avec l’annonce non officielle de la PTA concernant Downloadfundraiser.com en tant que fournisseur national d’avantages pour les membres de la PTA et détaillant de musique numérique « exclusif à la catégorie » pour la PTA nationale.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/5876-Ce-Ce-Peniston

ALICIA BRIDGES

Alicia Bridges (née le 15 juillet 1953) est une chanteuse et compositrice américaine qui a co-écrit et interprété son tube international « I Love the Nightlife (Disco ‘Round) » en 1978.

Petite enfance

Née à Charlotte, en Caroline du Nord, et ayant grandi à Lawndale , petite ville du comté de Cleveland , Alicia Bridges chantait dès son plus jeune âge et apprenait à jouer de la guitare à 10 ans. À 12 ans, elle animait sa propre émission de radio, « The Alicia Bridges Show » , diffusée tous les samedis sur la station WADA à Shelby, en Caroline du Nord . Dès l’âge de treize ans, elle était la chanteuse principale de groupes qui se produisaient dans des clubs locaux : « C’étaient des endroits assez difficiles… mais c’étaient les seuls où je pouvais acquérir de l’expérience sur scène… alors j’ai dû m’adapter à ce milieu rude et apprendre à y survivre. »

Découverte et célébrité (années 1970)

Bridges a d’abord enregistré pour le label Mega Records de Nashville , avec la sortie de deux singles de ses compositions originales en 1973. Malgré le manque de succès de ces titres, elle a attiré l’attention de Bill Lowery , qui est devenu son manager et l’a soutenue financièrement pendant environ deux ans. Durant cette période, il a démarché les maisons de disques en son nom, ce qui lui a permis de signer chez Polydor en 1977.

Le premier album éponyme de Bridges fut la première production de Steve Buckingham , engagé pour la produire après avoir joué de la guitare lors d’une de ses premières sessions. Bridges et sa partenaire personnelle et d’écriture, Susan Hutcheson, avaient composé une chanson intitulée « Disco ‘Round », qui, sur la suggestion de Buckingham, fut enregistrée sous le titre « I Love the Nightlife », Buckingham estimant qu’il s’agissait plutôt de R&B que de disco (« Disco ‘Round » fut conservé comme sous-titre). Bridges elle-même admit plus tard avoir espéré que la chanson serait perçue comme un morceau soul de Memphis , la qualifiant de « quelque chose qu’Al Green aurait pu chanter ». Cependant, le soutien des clubs fut un facteur clé du succès du titre, qui devint un tube surprise du Top 40 , restant 27 semaines dans le Billboard Hot 100 avec une cinquième place comme point culminant, et figurant également dans plusieurs hit-parades internationaux, comme en témoigne le classement « Hits of the World » de Billboard . La chanson s’est également classée 7e au palmarès de Record World et 6e à celui de Cash Box . Ce fut un succès intergénérationnel, diffusée même sur les stations de musique country. La pochette de l’album éponyme de 1978 présente une photo ancienne de la skyline d’ Atlanta, en Géorgie .

En 1978, Alicia Bridges était nommée aux Grammy Awards et assurait la première partie du concert avec son titre « I Love the Nightlife ». Son album éponyme, Alicia Bridges , grimpait dans les classements Billboard , Cash Box et Record World , où il resta pendant 35 semaines. L’album et le single qui en fut extrait connurent un succès international, et « I Love the Nightlife » se hissa dans le top 40 au Royaume-Uni, en Allemagne, en Espagne et dans d’autres pays européens. La musique d’Alicia Bridges était particulièrement populaire au Japon. Elle reçut un disque d’or de la RIAA pour la vente de plus d’un million d’exemplaires de son tube aux États-Unis, ainsi qu’un disque d’or au Canada.

Contrairement à l’impression que son succès avec « I Love the Nightlife » a pu donner, Bridges était avant tout une chanteuse de R&B, de rock, de blues et de chansons d’amour. « I Love the Nightlife » possède un rythme marqué et un orgue typique du R&B du début des années 1970 ; à l’origine, ce titre était conçu comme une chanson R&B, mais lorsque Bill Lowery l’a entendu pour la première fois, il a perçu son potentiel disco : Jim Burgess en a ensuite réalisé un remix en maxi 45 tours , qui est devenu un tube planétaire en discothèque.

La chanson « I Love the Nightlife » a figuré dans plusieurs films, dont « Love at First Bite » , « The Last Days of Disco » et « Priscilla, Queen of the Desert » .

Le deuxième single de Bridges, « Body Heat », était un morceau rock aux rythmes de guitare électrique puissants. C’était un titre « rock/dance » sorti à une époque où existait une certaine rivalité entre les fans de disco et les fans de rock ; cette période a vu apparaître de plus en plus de chansons mélangeant les genres rock et disco pour créer un style « rock/disco ».

Dans une interview, Bridges a mentionné Elvis Presley comme le chanteur qui a initialement éveillé son intérêt pour le rock, mais elle s’est toujours considérée comme une chanteuse de R&B. Elle a cité Tina Turner, Aretha Franklin, Gladys Knight et Patti LaBelle comme ses influences des années 1970. Elle a déclaré qu’en règle générale, elle n’appréciait pas les chanteuses blanches, à l’exception de Joni Mitchell et Janis Joplin . Elle a déploré que les femmes blanches donnent l’impression de « somnambuler » pendant leurs performances. « Oui, je bouge beaucoup quand je chante », a-t-elle dit.

Imposteur

En 1983, une femme fut arrêtée à Nashville, dans le Tennessee, pour avoir usurpé l’identité d’Alicia Bridges lors d’une convention de musique country. Bridges avait fait le trajet depuis son domicile à Atlanta pour témoigner dans cette affaire. Elle déclara avoir été harcelée par une impostrice pendant cinq ans.

Ces dernières années

Après la sortie en 1984 de son deuxième album consécutif, qui s’est soldé par un échec, Bridges a commencé à travailler comme DJ dans des boîtes de nuit d’Atlanta. Elle travaillait à l’ Atlanta Eagle, sur Ponce de Leon Avenue, lorsque son tube disco « I Love the Nightlife » a connu un regain de popularité en 1994 grâce à sa présence sur la bande originale du film Priscilla, folle du désert . Ce regain de popularité l’a incitée à se produire dans des soirées disco rétro pendant plusieurs années, avant de prendre sa retraite à Charlotte, en Caroline du Nord.

La maison d’édition musicale Alicia Bridges a été fondée en 2006 et a produit trois albums.

En novembre 2006, Bridges a sorti une compilation de ses chansons remixées et remasterisées intitulée This Girl Don’t Care . En 2007, elle a sorti Say It Sister . Son troisième album, Faux Diva , est sorti en 2008 ; il comprenait un remix de « I Love The Nightlife ».

Bridges est actuellement active dans le milieu musical en tant que productrice et DJ. Ses œuvres, les versions numériques de ses enregistrements, un blog et des vidéos sont disponibles sur ses sites web officiels.

En 2009, Bridges a été intronisé au North Carolina Music Hall of Fame.

vie personnelle

Bridges a fait son coming out en tant que lesbienne en 1998. Dans une interview accordée à The Advocate , Bridges a déclaré qu’à l’adolescence, elle s’était rendu compte qu’elle était « différente des autres ».

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/33198-Alicia-Bridges

CARL CARLTON

Carl Carlton (21 mai 1952 – 14 décembre 2025) était un chanteur-compositeur américain de R&B , de soul et de funk, surtout connu pour ses succès « Everlasting Love » et « She’s a Bad Mama Jama (She’s Built, She’s Stacked) ».

Arrière-plan

Carlton est né à Détroit , dans le Michigan, le 21 mai 1952. Il a débuté sa carrière au milieu des années 1960 sous le nom de « Little » Carl Carlton. Il s’agissait d’une stratégie marketing visant à tirer profit de certaines similitudes vocales avec Stevie Wonder , qui avait enregistré sous le nom de « Little Stevie Wonder » au début des années 1960. Ses premiers enregistrements ont été réalisés pour Lando Records, label pour lequel il a enregistré quelques succès locaux mineurs, notamment « So What » et « Don’t You Need a Boy Like Me ».

En 1968, Don D. Robey a signé Carlton sur le label Back Beat Record, que Robey avait fondé en 1957. Peu de temps après avoir signé avec le label, Carlton a déménagé à Houston , au Texas, pour être plus près de son nouveau label.

Carrière

Le premier single de Carlton avec Back Beat Records , « Competition Ain’t Nothing », est devenu un énorme succès sur la scène northern soul britannique après sa sortie sur le label britannique Action Records.

Il a été répertorié comme l’un des meilleurs artistes R&B de 1970 par Cash Box dans le numéro du 26 décembre du magazine.

En janvier 1971, Carlton connut un succès au classement Billboard des meilleurs singles soul avec « I Can Feel It ». Le titre resta trois semaines dans le classement, atteignant la 47e place.

Carlton connut enfin un grand succès aux États-Unis avec sa reprise de « Everlasting Love » de Robert Knight . Ce titre se classa 6e au Billboard Hot 100 américain en 1974 et 11e au classement R&B de Billboard , restant 15 semaines dans le Billboard Hot 100.

En 1972, Robey, propriétaire de Back Beat Records, vendit ses labels à ABC Records. ABC Records publia l’album anthologique You Can’t Stop a Man in Love , une compilation des premiers succès de Carlton. À partir de 1976, Carlton fut impliqué dans un différend concernant les droits d’auteur avec ABC Records, ce qui l’obligea à interrompre ses enregistrements pendant un certain temps. Il signa avec Mercury Records en 1977 et sortit You, You/Something’s Wrong la même année. Carlton ne parvint pas à obtenir un nouveau contrat d’enregistrement pendant plusieurs années, jusqu’à ce que Leon Haywood l’aide à signer un contrat pour des singles avec 20th Century Records.

Le single « She’s a Bad Mama Jama (She’s Built, She’s Stacked) » , écrit par Haywood, connut un succès retentissant en 1981, atteignant la 2e place du classement soul et valant à Carlton une nomination aux Grammy Awards dans la catégorie Meilleure performance vocale R&B masculine lors de la 24e cérémonie des Grammy Awards en 1982. Le titre culmina à la 34e place du UK Singles Chart. Son album suivant, Carl Carlton , fut certifié disque d’or en 1981. Depuis, « She’s a Bad Mama Jama » est devenu un incontournable des compilations et des bandes originales de films, et est fréquemment samplé dans le rap.

Carlton a continué à sortir des albums après son album éponyme de 1981, notamment Private Property en 1985 et Main Event en 1994 , mais ses albums suivants ont eu moins de succès et sa production créative a diminué à la fin des années 1980.

En 2003, Carlton a figuré aux côtés de nombreuses stars du R&B, dont Aretha Franklin, dans l’épisode « Rhythm, Love, and Soul » de la série American Soundtrack diffusée sur PBS . Son interprétation d’« Everlasting Love » a été incluse sur l’album live qui l’accompagnait et qui est sorti en 2004.

Le 1er août 2010, Carlton a sorti son premier single gospel intitulé « God Is Good ». Le 16 avril 2011, Carlton a été nominé aux Detroit Music Awards dans la catégorie « Meilleur chanteur gospel/chrétien ».

Vie et mort

Carlton a souffert de complications suite à un accident vasculaire cérébral en 2019. Il est décédé le 14 décembre 2025, à l’âge de 73 ans.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/86336-Carl-Carlton

TINA TURNER

Tina Turner est une chanteuse, danseuse, actrice et compositrice d’origine américaine naturalisée suisse, née le 26 novembre 1939 à Nutbush (Tennessee, États-Unis) et morte le 24 mai 2023 à Küsnacht (Suisse).

Ses contributions constantes à la musique rock lui ont permis d’acquérir le titre de « Queen of Rock & Roll » (« Reine du Rock & Roll »). En plus du rock, elle s’est également illustrée dans le R’n’B, la soul, la dance et la pop. Turner a commencé sa carrière avec les Kings of Rhythm d’Ike Turner en 1957 puis au sein du duo Ike and Tina Turner. Ce dernier atteint le succès avec des titres comme River Deep, Mountain High ou Proud Mary (qui remporte un Grammy Award) avant de se dissoudre en 1976. Dans les années 1980, Tina Turner a effectué l’un des plus grands retours de l’histoire de la musique. Son album multi-platine Private Dancer (1984) contient la chanson à succès What’s Love Got to Do with It, qui a remporté le Grammy Award de l’enregistrement de l’année et est devenue aux États-Unis son premier et unique n°1 au Billboard Hot 100. À 44 ans, elle était l’artiste solo féminine la plus âgée à réussir cette performance. Son succès s’est poursuivi avec d’autres titres comme We Don’t Need Another Hero (1985), The Best (1989) ou encore GoldenEye (1995).

Tina Turner est une des artistes les plus populaires du monde, avec des ventes estimées à plus de 180 millions de disques. À ce jour, elle affiche au Billboard Hot 100 sept Top 10 singles et seize Top 10 R’n’B singles. Au Royaume-Uni, elle compte trente-trois Top 40 dans le UK Singles Chart et tous ses albums depuis Private Dancer ont atteint la première place. Elle fait partie avec Diana Ross et Aretha Franklin des chanteuses afro-américaines les plus influentes du xxe siècle. Elle a été la première artiste noire et la première femme à faire la couverture du magazine Rolling Stone qui l’a classée parmi les 100 plus grands artistes de tous les temps et les 100 plus grands chanteurs de tous les temps. Elle a été deux fois intronisée au Rock and Roll Hall of Fame avec Ike Turner en 1991 et en tant qu’artiste solo en 2021. Elle a remporté 12 Grammy Awards, dont un Grammy Lifetime Achievement Award, et est lauréate en 2005 du Kennedy Center Honors. Elle a également son étoile sur le Hollywood Walk of Fame et le St. Louis Walk of Fame.

Au cours de sa tournée mondiale Break Every Rule (1988), elle a établi, selon le Livre Guinness des records, le record du plus grand concert payant pour un artiste solo, avec 180 000 spectateurs. Tina Turner est aussi, toujours d’après le Livre Guinness des records, l’artiste à avoir vendu le plus de billets de concerts de l’histoire de la musique pour un artiste solo (environ 200 millions de places vendues). En 2009, Turner a pris sa retraite après avoir terminé sa tournée Tina !: 50th Anniversary qui est l’une des plus lucratives des années 2000.

Turner est également actrice et a joué dans Mad Max : Au-delà du dôme du tonnerre (1985) ou encore Last Action Hero (1993). En 1993, un biopic intitulé What’s Love Got to Do with It est adapté de son autobiographie I, Tina: My Life Story.

Biographie

Débuts

De son vrai nom Anna Mae Bullock, elle naît à Nutbush dans le Tennessee le 26 novembre 1939. D’ascendance afro-américaine et euro-américaine, elle est la fille de Zelma Currie et de Floyd Richard Bullock, tous deux employés d’usine, ce dernier étant également métayer. Abandonnée avec sa grande sœur Alline par son père, homme violent, et, provisoirement, par sa mère, elle est élève à la Flag Grove School à Haywood County (Tennessee) et chante dans la chorale de son église. Les jeunes filles déménagent de Nutbush à Saint-Louis dans le Missouri pour vivre avec leur mère en 1956.

En 1957, à Saint-Louis, Anna rencontre un musicien de rock, Ike Turner. Bien que mineure, elle parvient à entrer avec sa sœur dans le club Manhattan où se produit son groupe Kings of Rhythm. Elle lui demande de chanter et il la fait monter sur scène. Emballé par sa voix, Ike l’engage comme choriste occasionnelle dans ses spectacles à 18 ans.

En 1960, la chanteuse qui devait venir enregistrer A Fool in Love ne se présentant pas, Anna Mae la remplace et enregistre la chanson. A Fool in Love est un énorme succès dans les charts R&B, se plaçant no 2 et dans le Top 30 des charts US. Ike change le prénom d’Anna en Tina en référence à Sheena, reine de la jungle, et son nom en Turner, ce qui traduit déjà son emprise sur elle.

Homme violent, égoïste et drogué, Ike la convainc de l’épouser pour éviter que son ancienne femme récupère la garde de ses enfants. Leur mariage en 1962 à Tijuana au Mexique, est « un cauchemar qui s’achève dans un bordel ». Durant les années 1960 et 1970, Ike et Tina atteignent des sommets. Alors que l’époque et la musique changent, Tina développe un personnage scénique unique, en tant que chanteuse, danseuse, « entertainer » qui électrise le public durant les nombreux concerts du groupe.

Tina et les danseuses de la revue, les Ikettes, accomplissent des performances inoubliables et inimitables qui ont influencé beaucoup d’autres artistes comme Mick Jagger, dont le duo Turner fait la « première partie » en 1969.

Ike et Tina enregistrent de nombreux succès dans les années 1960 tels que It’s Gonna Work Out Fine, I Idolize You et River Deep Mountain High, avec le producteur Phil Spector, créateur du Mur de son. À la fin des années 1960, Tina découvre le rock et le duo commence à inclure dans ses shows des chansons telles que Come Together, Honky Tonk Women et I Want to Take you Higher, un titre signé Sylvester Stewart, véritable patronyme du leader de Sly and the Family Stone. La reprise de Proud Mary, de Creedence Clearwater Revival, demeure la chanson signature de Tina Turner et l’un de ses plus anciens standards. Proud Mary est le plus grand succès commercial du duo, atteignant la 4e place des charts US. Le single a également remporté un Grammy Award pour Best R’n’B Vocal Performance by a Duo or Group.

Alors que beaucoup de leurs titres n’atteignent pas le succès escompté, The Ike and Tina Turner Revue est acclamé et salué par Elvis Presley, les Rolling Stones (dont ils font la première partie), David Bowie, Sly Stone, Janis Joplin, Cher, James Brown, Ray Charles et Elton John.

À la grande époque du couple Turner, un petit concert dans un club à prédominance noire dans le Sud pouvait être suivi, la même semaine, d’un important concert à Las Vegas ou d’une apparition à la télévision nationale. Ike est le manager ainsi que le directeur artistique du groupe dirigeant Tina d’une main de fer.

Ike Turner voit le nombre de ses contrats et de ses concerts décliner à cause de ses abus de drogue. Cette atmosphère pesante et violente amènera Tina, des années après, à révéler avoir subi des violences physiques répétées durant toute la durée de leur mariage.

Années 1970

Au milieu des années 1970, la vie privée de Tina Turner commence à se détériorer. L’addiction de Ike à la cocaïne et son comportement irascible leur font perdre tout crédit dans la profession ; plusieurs concerts sont annulés. Les ventes d’albums décroissent, leur dernier succès est Nutbush City Limits, une chanson écrite par Tina dépeignant le village de sa jeunesse. Elle se classe no 22 aux États-Unis et no 4 au Royaume-Uni en 1973.

Ayant ouvert un studio d’enregistrement – Bolic Sound – grâce à l’argent de Proud Mary, Ike produit le premier album solo de Tina Turner Tina Turns the Country On en 1974. Mais il ne réussit pas à capter l’attention des médias, tout comme Acid Queen (1975), sorti au moment des débuts très populaires de Tina dans le film Tommy, l’opéra-rock des Who.

Après un dernier conflit juste avant un show à Dallas, le 4 juillet 1976, Tina Turner quitte Ike avec 36 cents et une carte de station-service. Elle passe six mois à se cacher d’Ike, logeant chez différents amis et vivant grâce aux aides des « food stamps ».

Tina évoque sa foi dans le bouddhisme comme la force dont elle avait besoin pour quitter son mari. En quittant Ike au milieu d’une tournée, elle devient légalement responsable envers les promoteurs de son interruption et de tous les autres contrats déjà signés. Ayant besoin de beaucoup d’argent pour les rembourser, elle se lance dans une carrière en solo, en commençant par des apparitions dans des shows télé tels que The Hollywood Squares, Donny and Mari, The Sonny and Cher Show et le Brady Bunch Hour.

Son divorce est officialisé en 1978 après seize ans de mariage. Elle accusera plus tard Ike de violences dans son autobiographie Moi, Tina, qui deviendra un best-seller porté en 1993 à l’écran avec le film Tina. Ayant coupé entièrement les ponts avec Ike, elle obtient cependant d’utiliser comme nom de scène le patronyme de son ancien mari. Elle assume le remboursement de toutes les dettes du couple dues aux annulations de contrats.

Tina Turner finit les années 1970 en publiant son premier album depuis la séparation, Rough, qui était au départ une chanson de la revue. On y retrouve des chansons rock, marquant le nouveau départ qu’elle veut donner à sa carrière. L’album ne se vend pas bien. En 1979, Love Explosion, un essai pour conquérir le marché disco, échoue également.

Années 1980

Tina Turner commence à se produire un peu partout dans le monde, mais sa carrière tarde à décoller jusqu’en 1982, lorsque l’équipe de la British Electric Foundation la contacte pour enregistrer une reprise des Temptations : Ball of Confusion. Les producteurs sont tellement impressionnés par le résultat qu’ils la persuadent d’enregistrer la chanson Let’s Stay Together d’Al Green.

Alors qu’elle est largement considérée comme « hors circuit » par l’industrie du disque américaine, sa popularité en tant que « bête de scène » n’a jamais faibli en Europe. Capitol lui signe un contrat limité avec leur label anglais. Elle partage son temps entre de petits concerts aux États-Unis afin de rester dans l’œil du public alors que, de l’autre côté de l’Atlantique, elle remplit de grandes salles de concert.

Sa version de Let’s Stay Together sort en Angleterre et devient un hit majeur en décembre 1983 : elle culmine à la 5e place des charts anglais, donnant un tournant important à sa carrière solo.

Capitol Records édite également le morceau aux États-Unis où il atteint le Top 20. C’est un grand succès dans les charts R&B où il est no 4 et également no 1 du Billboard Dance/Club Play Charts. Devant cette situation, Capitol Records décide de miser sur l’enregistrement d’un album.

Alors qu’elle était déjà très connue et respectée en tant qu’artiste aux côtés de son ex-mari Ike Turner, elle effectue en 1984, à l’âge de quarante-cinq ans, « le plus grand come-back de l’histoire de la musique ».

À l’automne 1984, Tina Turner sort son 5e album solo, Private Dancer. Il connaît un succès retentissant (8 millions d’albums vendus en un an) et l’établit au rang d’artiste solo crédible. Private Dancer classe cinq titres au Top 30 et trois singles dans le Top 10. Après le succès de Let’s Stay Together, Capitol sort le titre qui va devenir no 1 What’s Love Got To Do With It. Tina Turner remporte cette année-là, aux Grammy Awards, les récompenses pour la chanson de l’année, l’album de l’année, la meilleure chanteuse rock et la meilleure chanteuse pop.

À l’origine, Tina Turner détestait la chanson What’s Love parce qu’elle sentait qu’elle était « trop pop » et « pas assez rock ». Elle trouvait que Better Be Good To Me devait être le 2e single, mais Capitol la convainc et elle accepte que sorte What’s Love à la place. La chanson-titre de l’album, Private Dancer, écrite par Mark Knopfler, est no 7 des charts au début de l’année 1985.

Le 5e single, Show Some Respect, entre dans le Top 40 et y reste trois semaines. Private Dancer atteint la troisième place des ventes d’album et continue à se vendre énormément au fil des ans. Private Dancer demeure l’un des albums les plus vendus au monde. Il s’en est écoulé environ 20 millions d’exemplaires depuis sa parution.

En 1985, Tina Turner enregistre avec Bryan Adams un duo intitulé It’s Only Love, nommé pour le Grammy Awards For Best Rock Vocal Performance by a Duo or a Group. Elle apporte également sa voix et son énergie à la chanson de charité We Are the World, enregistrée en une nuit avec d’autres artistes comme Michael Jackson, Stevie Wonder, Diana Ross, Ray Charles. En juillet de la même année, elle apparaît en scène pour un duo mythique avec Mick Jagger des Rolling Stones, interprétant State of Shock et It’s only Rock’n’Roll, au profit du Live Aid, au John F. Kennedy Stadium.

Pour le dernier concert du « Private Dancer Tour », le 23 mars 1985, elle invite la rock star David Bowie, pour trois titres, Tonight (enregistré en studio aussi sur l’album éponyme de Bowie), le Let’s Dance de Chris Montez (1962) et le Let’s Dance de David Bowie (1983).

Cinéma

Tina Turner apparaît en 1985 sous les traits de Aunty Entity dans Mad Max 3 – Au-delà du dôme du tonnerre avec Mel Gibson. Elle enregistre les tubes de la BO avec We Don’t Need Another Hero et One of the Living.

We Don’t Need… obtient une nomination aux Grammy : c’est un énorme succès atteignant la 2e place des charts US et la 1re place des classements européens. One of the Living, le second single de la B.O, atteint la 15e place au Billboard’s Hot 100. Tina Turner remporte un nouveau Grammy Awards dans la catégorie Best Rock Vocal.

Tina Turner s’installe en 1986 en Europe pour vivre avec son compagnon Erwin Bach, cadre chez EMI (sa maison de disques) qu’elle a rencontré un an plus tôt. En plus de leur manoir sur les bords du lac de Zurich, la diva a également acquis une villa en France, à Saint-Jean-Cap-Ferrat.

En 1986, Tina Turner sort son 6e album solo, Break Every Rule. L’album est un nouveau succès. La tournée qui l’accompagne atteint un record en termes de vente de tickets.

On y retrouve le tube qui fut no 1, Typical Male, qui reçoit une nomination pour le Grammy de la meilleure performance pop. Grâce à Break Every Rule, elle obtient son 3e Grammy consécutif pour Female Rock Vocal, son duo avec Bryan Adams .

Tina Turner fait son entrée dans le Livre Guinness des records lors de la tournée Break Every Rule, lorsqu’elle chante à Rio de Janeiro devant 184 000 spectateurs en janvier, pour le plus grand concert payant jamais donné.

Le 28 août, elle inaugure son étoile sur le Hollywood Walk of Fame d’Hollywood Boulevard (face au 1750 North Vine Street).

En 1988, sort l’album Tina Live in Europe qui lui apporte son 4e Grammy Award pour Best Rock Vocal.

En 1989, Tina Turner sort son dernier album des années 1980. Foreign Affair ; il se vend à plus de 6 millions d’exemplaires l’année de sa sortie. L’album reçoit des nominations aux Grammy pour Best Rock Vocal. L’année suivante, Steamy Windows reçoit également une nomination aux Grammy dans la même catégorie.

On retrouve dans cet album différents tubes tel que The Best, qui reste un hymne sportif de nos jours. La chanson se classe no 15 au US Hot 100 et no 5 au Royaume-Uni.

I Don’t Wanna Lose You est no 8 des charts anglais. Le double album contient également des duos avec David Bowie, Bryan Adams et Robert Craig.

Années 1990

Tina Turner commence cette décennie avec à nouveau une énorme tournée le Foreign Affair European Tour qui se déroule durant le printemps et l’été 1990. Elle enregistre également la chanson Break Through The Barrier de la BO du film de Tom Cruise Jours de tonnerre et enregistre une version de It Takes Two avec Rod Stewart pour une campagne de pub Pepsi. La chanson est un gros succès en Europe, atteignant le Top 5 en Angleterre et dans d’autres pays.

Au début des années 1990, la chanson The Best devient la chanson fétiche de quatre athlètes : le hockeyeur Wayne Gretzky pour qui la chanson a été écrite à l’origine, le boxeur Chris Eubank, le champion de formule 1 Ayrton Senna et la joueuse de tennis Martina Navrátilová. Une version de la chanson en duo avec Jimmy Barnes est enregistrée pour promouvoir le championnat australien de rugby à XIII. La chanson est également utilisée par la chaîne américaine HBO pour les publicités des shows et devient le deuxième thème musical de la chaîne pendant des années.

En 1991, Tina Turner sort son premier best of, intitulé Simply the Best. L’album contient trois nouvelles chansons. La compilation est plusieurs fois disque de platine aux États-Unis et se vend à 2,4 millions d’exemplaires en Angleterre.

En 1992, elle est invitée pour un concert lors de la cérémonie d’ouverture du parc Disneyland à Paris. En 1993, elle reçoit une nomination aux Grammy dans la catégorie « Best Rock Vocal » pour sa reprise de The Bitch is Back sur l’album Two Rooms Tribute d’Elton John. Elle fait également une apparition en caméo dans le film d’Arnold Schwarzenegger Last Action Hero.

Cinéma

C’est également l’année de l’adaptation au cinéma de sa biographie parue en 1986. Dans le film Tina (What’s Love Got to Do with It est le titre original), le rôle de Tina est interprété par Angela Bassett (Whitney Houston dut décliner l’offre à cause de sa maternité et Halle Berry auditionna également pour le rôle) et celui de Ike est interprété par Laurence Fishburne. Les deux acteurs reçoivent une nomination aux Oscars respectivement pour la Meilleure Actrice et le Meilleur Acteur.

Tina Turner retrouve le chemin des charts avec la chanson titre du film, I Don’t Wanna Fight (encore une nomination aux Grammy). Elle embarque également pour une tournée américaine et australienne. Tina, What’s Love Live est diffusé par la Fox aux États-Unis pour le dernier concert de la tournée.

En 1995, elle enregistre la chanson phare GoldenEye du film homonyme, qui marque le retour de James Bond et le sien. Peu de temps après, grâce au succès de la chanson, elle entre en studio et enregistre son huitième album solo intitulé Wildest Dreams.

La même année, elle entame une tournée record, le Wildest Dreams World Tour devenant l’une des plus grandes tournées européennes, remportant plus de 100 millions de dollars rien qu’en Europe. Le DVD Tina Turner, live in Amsterdam est nommé dans la catégorie Meilleure vidéo de concert. À la fin de la tournée en 1997, elle fait équipe avec le chanteur italien Eros Ramazzotti pour enregistrer Cose Della Vita/ Can’t Stop Thinking Of You qui est un succès en Europe.

Alors qu’elle vit à un rythme qui lui convient un peu plus, plus calme que durant les quarante premières années, Tina enregistre en 1999 la chanson du Roi lion 2 intitulée He Lives in You. Elle donne également une prestation mémorable cette même année aux VH1 Diva’s Live 99′. Elle ouvre le concert par The Best, ce qui lui vaut une ovation debout, la première des quatre qu’elle recevra pour sa prestation dans la soirée. Étaient également présents Cher, Whitney Houston, Elton John et Mary J. Blige.

Le neuvième album de Tina Turner, Twenty Four Seven, est publié le 2 novembre 1999. On y retrouve ses succès tels que Whatever You Need et When The Heartache is Over qui sont dans le Top 10 anglais et qui atteignent la troisième place sur le US Dance/Club Play Charts. Ce n’est certes pas un succès majeur pour Tina, mais c’est tout de même un succès. Il s’en vend un million de copies aux États-Unis, devenant disque de platine.

À la suite du lancement de l’album, Tina annonce qu’elle va entamer sa dernière grande tournée. Finissant en beauté puisque le Twenty Four Seven World Tour remporte plus de 80 millions de dollars rien qu’aux États-Unis (23 stades internationaux, tous complets, ne sont pas pris en considération à cause d’un calcul et d’un prix de billet différents) durant l’été 2000, devenant ainsi la plus grosse tournée de l’année 2000 et la cinquième plus grosse tournée américaine de l’histoire. Sa prestation au stade Wembley à Londres le 15 juillet 2000 donne lieu à une production en DVD : Tina Turner, one last time live in concert, filmé sous la direction de David Mallet et édité par Eagle Vision.

Années 2000

Tina Turner vit désormais en retrait de toute apparition publique, sauf en de rares occasions. Elle participe cependant à certains projets comme une apparition chantée dans le 14e épisode de la troisième saison de la série télévisée Ally McBeal.

En 2001, l’autoroute 19 (Highway 19) entre Brownsville et Nutbush est rebaptisée « autoroute Tina Turner ».

En 2003, elle collabore avec Phil Collins pour enregistrer la chanson Great Spirits pour le film d’animation Frère des ours.

En 2004, Tina Turner sort sa dernière compilation de Greatest Hits intitulée All the Best. L’album se hisse à la deuxième place du Billboard 200 et devient son album le mieux classé en première semaine. Il comprenait trois nouvelles chansons : Open Arms, Complicated Disaster et Something Special. La chanson Open Arms se classe dans le Top 20 anglais.

Elle fait aussi une apparition spéciale dans le 10e Prime show de Star Academy 4 en France où elle reçoit une ovation debout de l’ensemble des spectateurs et jeunes talents de l’émission.

Au début de l’année 2005, Tina Turner fait quelques apparitions télé aux États-Unis et en Europe pour promouvoir le best of. Elle a également donné un concert privé en novembre à Saint-Pétersbourg, en Russie.

Tina Turner est honorée cette année-là comme l’une des 25 légendes noires américaines, 25 légendes qui ont brisé les barrières grâce à leur travail.

À la fin de l’année, Tina Turnerest intronisée au Kennedy Center Honors au John F. Kennedy Center for the Performing Arts à Washington, rejoignant une poignée d’artistes d’exception. Certains chanteurs rendent hommage à Tina Turner ce soir-là, notamment Al Green, Beyoncé, Melissa Etheridge et Queen Latifah. Oprah Winfrey introduit Tina par ces mots : « Nous n’avons pas besoin d’autres héros, nous avons besoin de plus d’héroïnes comme vous, Tina. Vous me rendez fière d’épeler mon nom f-e-m-m-e. […] Tina Turner n’a pas seulement survécu, elle a triomphé. »

Au début de l’année 2006, la bande originale du film Les Enfants invisibles sort. Turner y chante Teach Me Again avec la chanteuse italienne Elisa, no 1 en Italie.

En octobre 2006, dans une interview au magazine Billboard, Guy Chambers, l’ancien producteur de Robbie Williams, révèle que son prochain projet est l’album Come back de Tina Turner. À la première de Casino Royale à Zurich le 16 novembre 2006, elle confirme qu’elle a enregistré plusieurs chansons pour l’album. Cela serait son premier enregistrement de nouveau matériel en huit ans.

En mai 2007, Tina retourne sur scène pour un concert de charité privé au Museum d’histoire naturelle de Londres. C’est son premier concert depuis huit ans.

Le pianiste de jazz Herbie Hancock sort un album hommage à Joni Mitchell intitulé River : The Joni Letters le 25 septembre 2007. Tina Turner apporte sa contribution en interprétant Edith and Kingpin. L’album reçoit en février 2008, le Grammy Award de l’album de l’année.

Le 16 octobre 2007, Santana publie Ultimate Santana, un best of comprenant un duo inédit avec Tina, The Game Of Love. La chanson avait été enregistrée en 2002 mais n’était jamais sortie.

Le 12 décembre 2007, Turner fait une déclaration par l’intermédiaire d’un porte-parole concernant le décès de son ex-mari Ike Turner : « Tina est au courant du décès de Ike. Elle n’avait plus aucun contact avec lui depuis vingt-cinq ans. Aucun autre commentaire ne sera fait. ».

2008 – 2009

Le 10 février 2008, Turner fait équipe avec Beyoncé pour le 50e anniversaire de la cérémonie des Grammy Awards. C’est la véritable réapparition en public de Tina depuis huit ans. À l’âge de 68 ans, sa prestation lui vaut les louanges de la presse entière et de ses pairs. À partir du 29 avril 2008, la rumeur selon laquelle elle doit revenir sur scène se renforce.

Le 5 mai 2008, elle est l’invitée spéciale d’Oprah Winfrey, où elle annonce officiellement le lancement de sa nouvelle tournée, Tina: Live in Concert qui débute le 1er octobre à Kansas City. Le 5 juillet 2008, huit ans jour pour jour après son dernier concert à Paris, elle est reçue à l’Élysée par Nicolas Sarkozy. Elle accompagne son ami de longue date, Giorgio Armani, venu recevoir la Légion d’honneur. Tina a été faite chevalier des Arts et des Lettres en 1996 par le ministre de la Culture de l’époque, Philippe Douste-Blazy.

Le 30 septembre 2008, Capitol Records sort Tina!, florilège comprenant des chansons remastérisées ainsi que deux inédits, It Would Be a Crime et I’m Ready.

Depuis 2010

En septembre 2011, elle sort un nouveau single intitulé Beyond Children, un single de chants bouddhistes. Elle donne deux concerts pour la sortie de ce single, le premier à Zurich, le deuxième pour les « Sport Awards », également en Suisse. Après quelque temps d’absence, Tina Turner fait une apparition le 3 mai 2012 en Chine, à Pékin, pour le défilé d’Armani.

En janvier 2013, Tina Turner obtient le droit de cité de la commune de Küsnacht, étape essentielle en vue d’obtenir la nationalité suisse. Elle confie alors au quotidien alémanique Blick : « Je suis très heureuse en Suisse et je me sens chez moi ici. Je ne peux pas imaginer un meilleur endroit pour vivre21. » Le 24 avril, la RTS annonce qu’elle est désormais titulaire du passeport suisse, après avoir obtenu le feu vert des autorités cantonales et fédérales. Le 21 juillet, Tina Turneret Erwin Bach, cadre allemand dans l’industrie du disque âgé de 57 ans, se marient au manoir de Küsnacht au cours d’une somptueuse cérémonie, sur les bords du lac de Zurich, en Suisse. Le 24 octobre, Tina Turner se rend à l’ambassade américaine à Berne afin d’entamer des démarches pour abandonner sa nationalité américaine.

En mars 2014, elle sort Love Within Beyond, un single de chants bouddhistes.

En août 2014, Tina Turner apparaît dans une publicité et devient l’ambassadrice de l’application iO de Swisscom, l’opérateur historique suisse.

Elle est citée dans l’affaire des Panama Papers en avril 2016.

Le 17 juillet 2020, le single What’s love got to do with it ressort dans une version remixée par le DJ Kygo. Afin de promouvoir ce titre, un nouveau clip est mis en ligne mais sans que Tina Turner et Kygo n’y apparaissent. Laura Harrier et Charles Michael Davis tiennent les rôles principaux.

En 2021, Tina Turner vend ses droits musicaux au groupe BMG, Warner Music restera toutefois sa maison de disques.

Vie privée

En 1962, elle se marie avec Ike Turner dont elle divorce en 1978 après 16 ans d’enfer conjugal qu’elle a décrit dans son livre My love story (Autobiographie).

Son compagnon de longue date et mari depuis le 21 juillet 2013 est le producteur allemand Erwin Bach, né en 1956.

Elle a élevé quatre garçons :

Ike Jr. et Michael, deux fils du premier mariage de Ike Sr avec Lorraine Taylor ;
Craig (1958 – 2018), fils de Tina Turner et du saxophoniste Raymond Hill, adopté par Ike Turner ;
Ronald (27 octobre 1960 – 9 décembre 2022), fils issu de l’union de Tina Turner et Ike Sr, qui a été marié entre 2007 et 2017 à Afida Turner.

Dernières années

Tina Turner est victime d’un accident vasculaire cérébral en 2013. Un cancer de l’intestin lui est diagnostiqué en 2016. Pour éviter les effets secondaires d’un traitement lourd, elle s’appuie sur les médecines alternatives et l’homéopathie pour traiter son hypertension, ce qui entraîne une insuffisance rénale chronique et lui coûte un rein. Elle subit une greffe le 7 avril 2017, son mari lui ayant fait don d’un de ses reins.

Tina Turner meurt le 24 mai 2023 à Küsnacht (Suisse) à l’âge de 83 ans.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/24221-Tina-Turner

BEN E KING

Benjamin Earl Nelson, dit Ben E. King, né le 28 septembre 1938 à Henderson en Caroline du Nord et mort le 30 avril 2015 à Hackensack dans le New Jersey, est un chanteur de rhythm and blues américain. Membre de plusieurs groupes, il connaît le succès en solo au début des années 1960, grâce notamment à ses tubes Stand by Me et Don’t Play That Song.

Biographie

Enfance

Benjamin Earl Nelson chante dès son plus jeune âge au sein du chœur de gospel local. Alors qu’il a 9 ans, sa famille déménage pour Harlem à New York où il intègre un groupe de doo-wop appelé The Four B’s. Au lycée, manquant l’occasion de rejoindre The Moonglows parce que trop jeune, il connaît de premiers et encourageants succès avec The Five Crowns, groupe qu’il avait rejoint en 1958.

La formation se produit plusieurs fois au mythique Apollo dont un soir en compagnie des Drifters. George Tradwell, manager d’un groupe déprimé depuis qu’il avait perdu son chanteur vedette Clyde McPhatter, est séduit par le talent du jeune Nelson. Il décide alors de balayer les Drifters d’alors (renvoyant les chanteurs) pour les remplacer par les Five Crowns.

The Drifters

S’ils héritent d’un nom prestigieux, les Five Crowns doivent faire face à la claire hostilité d’un public pas dupe du changement de formation. C’est durant cette même année 1959 qu’ils prennent le temps de travailler en studio, enregistrant notamment There Goes my Baby. Le tube, coécrit par Nelson, permet aux nouveaux Drifters d’enchaîner, la neuve et bonne réputation aidant, les succès : Dance With Me, This Magic Moment, Save the Last Dance for Me, I Count the Tears.

Pour autant, il n’est pas question pour Tradwell de répondre favorablement aux demandes d’augmentation de rémunérations des chanteurs. Ainsi, lorsque Nelson plaide en faveur de salaires et de partages de royalties plus justes, la fin de non recevoir opposée par Tradwell pousse le chanteur à quitter le groupe. C’est le début de la carrière solo.

Ben E. King

Ce n’est qu’en 1961, alors qu’il signe un contrat solo chez Atlantic, que Benjamin Nelson adopte définitivement le nom de scène de Ben E. King. Il enregistre Spanish Harlem (1961) qui atteint le top 10 des classements de vente Pop et confirme magistralement l’année suivante avec Stand by Me, un tube bientôt classique.

Capitalisant efficacement le succès de ses deux premiers titres solo, Ben E. King enregistre 5 albums entre 1961 (Spanish Harlem) et 1967 (What Is Soul). Le succès va décroissant, le chanteur ne confirmant véritablement ses débuts faute de titres porteurs. De cette ère, la plus productive de la vie du chanteur, trois titres particulièrement marquants sont Don’t Play That Song (que reprendra Aretha Franklin), I (who Have nothing) (Donny Hathaway avec Roberta Flack), Amor.

Après la gloire

En 1970 paraît son 6^e LP, Rough Edges. L’échec commercial de l’album marque la mort artistique de Ben E. King, désormais guère populaire. Pourtant, en 1975, John Lennon reprend à son compte Stand By Me, tandis que son interprète original continue à enregistrer des albums dans les années 1970 et 1980. Il retrouvera un succès d’estime avec Super Natural Thing, titre loin de son répertoire surfant surtout sur la vague disco. Le chanteur n’échappe donc pas à cette fin de parcours chaotique qu’ont vécue tant d’artistes soul dont les carrières s’essoufflèrent, la décennie 1960 passée.

En 1982, King partira en tournée avec ses anciens Drifters. En 1986, son Stand by Me renoue avec le succès grâce au film de Rob Reiner du même nom. Le chanteur ne mettra jamais de terme définitif à sa carrière, son dernier LP I’ve Been Around étant paru en 2006.

L’artiste Sean Kingston a repris la musique de Stand by Me pour en faire une chanson, Beautiful Girl.

Ben E. King meurt le 30 avril 2015. Sa mort ne fut annoncée par son agent que le jour suivant, le 1^er mai 2015.

Un hommage lui a été rendu le 17 mai 2015, lors des Billboard Music Awards en présence de sa fille et de sa petite-fille.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/155327-Ben-E-King

BOB SEGER

Robert Clark Seger (né le 6 mai 1945) est un chanteur, auteur-compositeur et musicien américain. En tant qu’artiste à succès local de la région de Détroit , il a joué et enregistré sous le nom de Bob Seger and the Last Heard et The Bob Seger System tout au long des années 1960, perçant avec son premier album, Ramblin’ Gamblin’ Man (qui contenait son premier hit national du même nom ) en 1968. Au début des années 1970, il avait abandonné le « System » de ses enregistrements et continuait à lutter pour un succès plus large avec divers autres groupes. En 1973, il monte le Silver Bullet Band, avec un groupe de musiciens de la région de Detroit, avec qui il connaît le plus de succès au niveau national avec l’album Live Bullet (1976), enregistré en direct avec le Silver Bullet Band en 1975 au Cobo Hall de Detroit, Michigan. En 1976, il réalise une percée nationale avec l’album studio Night Moves . Sur ses albums studio, il a également beaucoup travaillé avec la section rythmique Muscle Shoals basée en Alabama , qui est apparue sur plusieurs des singles et albums les plus vendus de Seger.

Un rocker roots avec une voix rauque et puissante classique, Seger a écrit et enregistré des chansons qui traitaient de thèmes d’amour, de femmes et de cols bleus , et est l’un des exemples les plus connus d’un artiste rock du cœur . Il a enregistré de nombreux hits, dont « Night Moves », « Turn the Page », « Mainstreet », « Still the Same », « Hollywood Nights », « Against the Wind », « You’ll Accomp’ny Me », « Honte à la Lune « , » Roll Me Away « , » Like a Rock « , et « », dont le dernier a été écrit pour le film Beverly Hills Cop II de 1987 et en tête du palmarès Billboard Hot 100. Il a également co-écrit le hit numéro un des Eagles » Heartache Tonight « , et son enregistrement de » Old Time Rock and Roll » a été nommée l’une des chansons du siècle en 2001.

Avec une carrière de six décennies, Seger a vendu plus de 75 millions de disques dans le monde, faisant de lui l’un des artistes les plus vendus au monde de tous les temps. Seger a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2004 et au Songwriters Hall of Fame en 2012. Seger a été nommé Billboard ‘s 2015 Legend of Live Honoree au 12e conférence annuelle Billboard Touring & Awards , qui s’est tenue du 18 au 19 novembre à l’ hôtel Roosevelt à New York. Il a annoncé sa tournée d’adieu en septembre 2018.

Premières années

Seger est né à l’hôpital Henry Ford de Detroit, Michigan, le fils de Charlotte et Stewart Seger. À cinq ans, il déménage avec sa famille à Ann Arbor. Il avait un frère aîné, George.

Le père de Seger, technicien médical pour la Ford Motor Company, jouait de plusieurs instruments et Seger a été exposé à la musique dès son plus jeune âge. Seger a également été exposé à de fréquentes disputes entre ses parents qui ont dérangé le voisinage la nuit. En 1956, lorsque Seger avait 10 ans, son père a abandonné la famille et a déménagé en Californie. La famille restante a rapidement perdu son statut confortable de classe moyenne et a eu des difficultés financières.

Seger a fréquenté le Tappan Junior High School (maintenant Tappan Middle School) à Ann Arbor, Michigan , et a obtenu son diplôme en 1963 du Pioneer High School , connu à l’époque sous le nom de Ann Arbor High School . Il a couru l’athlétisme au lycée. Seger est également allé à Lincoln Park High School pendant un certain temps.

Concernant ses premières inspirations musicales, Seger a déclaré: » Little Richard – il a été le premier qui m’a vraiment touché. Little Richard et, bien sûr, Elvis Presley . » » Come Go with Me » de The Del-Vikings , un succès en 1957, est le premier disque qu’il achète.

Premier succès national : 1961-1976

The Decibels and The Town Criers

Bob Seger est arrivé sur la scène musicale de Detroit en 1961 avec un groupe de trois musiciens appelé les Decibels. Le groupe comprenait Seger à la guitare, au piano, aux claviers et au chant, Pete Stanger à la guitare et HB Hunter à la batterie. Tous les membres ont fréquenté Ann Arbor High. Les Decibels ont enregistré une démo en acétate d’une chanson intitulée « The Lonely One », au studio de Del Shannon en 1961. En plus d’être la première chanson originale de Seger, « The Lonely One » a été la première chanson de Seger à être diffusée à la radio, diffusé une seule fois sur une station de radio d’Ann Arbor. En 2021, un enregistrement de « The Lonely One » a refait surface et a été diffusé (avec la permission de Seger) deux fois sur WCSX -FM à Detroit, les matins des 15 et 16 mars.

Après la dissolution des Decibels, Seger a rejoint les Town Criers, un groupe de quatre musiciens avec Seger au chant principal, John Flis à la basse, Pep Perrine à la batterie et Larry Mason à la guitare principale. The Town Criers, reprenant des chansons comme » Louie Louie « , ont commencé à gagner un public régulier. Pendant ce temps, Seger écoutait James Brown et a déclaré que, pour lui et ses amis, Live at the Apollo était leur disque préféré après sa sortie en 1963. Seger a également été largement influencé par la musique des Beatles , une fois qu’ils ont atteint les côtes américaines en 1964. En général, lui et des amis musiciens locaux tels que Glenn Frey (plus tard membre des Eagles) acheté dans les locaux de la radio pop et rock des années 1960, avec ses succès accrocheurs ; il s’est rappelé plus tard lui-même et Frey en pensant à l’époque: « Vous n’êtes personne si vous ne pouvez pas passer à la radio. »

Doug Brown & The Omens

Alors que les Town Criers commençaient à décrocher plus de concerts, Bob Seger a rencontré un homme du nom de Doug Brown, soutenu par un groupe appelé The Omens. Seger a rejoint Doug Brown & The Omens, qui avaient vraisemblablement un public plus important que les crieurs publics. Alors que Doug Brown était le chanteur principal du groupe, Seger prendrait la tête de certaines chansons, couvrant des numéros de R&B. C’est avec ce groupe que Seger est apparu pour la première fois sur un enregistrement officiellement sorti : le single « TGIF » de 1965 soutenu par « First Girl », crédité à Doug Brown et The Omens. Seger est apparu plus tard dans la parodie de Doug Brown et The Omens de la chanson de Barry Sadler » Ballad of the Green Berets » qui a été rebaptisée » Ballad of the Yellow Beret « .. Peu de temps après sa sortie, Sadler et son label ont menacé Brown et son groupe de poursuites, et l’enregistrement a été retiré du marché.

Alors que Bob était membre de The Omens, il a rencontré son manager de longue date Edward « Punch » Andrews , qui à l’époque était en partenariat avec Dave Leone qui dirigeait la franchise Hideout, qui se composait de quatre clubs de Clawson à Rochester Hills, où des actes locaux seraient play et une petite maison de disques. Seger a commencé à écrire et à produire pour d’autres groupes que Punch dirigeait, tels que les Mama Cats et les Mushrooms (avec Frey). Seger et Doug Brown ont ensuite été approchés par Punch et Leone pour écrire une chanson pour les Underdogs, un autre groupe local qui a récemment eu un succès avec une chanson intitulée « Man in the Glass ». Seger a contribué à une chanson intitulée » East Side Story « , qui s’est finalement avérée être un échec pour les Underdogs.

The Last Heard

Seger a décidé d’enregistrer lui-même « East Side Story » et a officiellement quitté les Omens (bien qu’il ait retenu Doug Brown comme producteur). En tant que Bob Seger and the Last Heard, Seger a sorti sa version de la chanson avec Hideout Records en janvier 1966, et c’est devenu son premier grand succès à Detroit. Le single (accompagné de « East Side Sound », une version instrumentale de « East Side Story ») s’est vendu à 50 000 exemplaires, principalement dans la région de Detroit, et a conduit à un contrat avec Cameo-Parkway Records. Bien que le nom « The Last Heard » faisait à l’origine référence à la collection d’Omens et de crieurs publics qui ont enregistré « East Side Story » avec Seger, il est rapidement devenu le nom du groupe permanent de Seger, composé de l’ancien crieur public Pep Perrine à la batterie, Carl Lagassa à la guitare et Dan Honaker à la basse. Après « East Side Story », le groupe a sorti quatre autres singles : le single de vacances inspiré de James Brown « Sock It to Me Santa », le Dylan -esque « Persecution Smith », « Vagrant Winter », et peut-être le plus remarquable, » Musique lourde », sorti en 1967. « Heavy Music », qui s’est vendu encore plus d’exemplaires que « East Side Story », avait le potentiel de percer à l’échelle nationale lorsque Cameo-Parkway a soudainement cessé ses activités. C’était un des 100 meilleurs succès au Canada, où il a atteint le sommet des charts nationaux RPM au n ° 82. Aux États-Unis, il a raté de peu le Hot 100, culminant sur le tableau « bouillonnant sous » au n ° 103. La chanson restera dans l’acte live de Seger pendant de nombreuses années à venir .

Le système Bob Seger

Après la fermeture de Cameo-Parkway, Seger et Punch ont commencé à chercher un nouveau label. Au printemps 1968, Bob Seger & the Last Heard signe avec le grand label Capitol Records , refusant Motown Records , qui offre plus d’argent que Capitol. Seger a estimé que Capitol était plus approprié pour son genre que Motown

Capitol a changé le nom du groupe en The Bob Seger System. Dans la transition entre les labels, le guitariste Carl Lagassa a quitté le groupe et le claviériste Bob Schultz l’a rejoint. Le premier single de The System avec Capitol était la chanson de message anti-guerre » 2 + 2 = ? « , qui reflétait un changement marqué dans les attitudes politiques de Seger depuis » The Ballad of the Yellow Beret « . Le single a de nouveau été un succès à Detroit et a atteint le numéro 1 sur les stations de radio de Buffalo, New York et Orlando, Floride, mais est passé inaperçu presque partout ailleurs et n’a pas réussi à se classer à l’échelle nationale aux États-Unis. Le single a cependant fait partie des charts nationaux canadiens, culminant au 79e rang.

Le deuxième single de The Bob Seger System était » Ramblin’ Gamblin’ Man « . C’était un grand succès dans le Michigan, et il est également devenu le premier succès national de Seger, culminant au n ° 17. Le succès de la chanson a conduit à la sortie d’un album du même titre en 1969. L’ album Ramblin ‘Gamblin’ Man a atteint le n ° 17. 62 sur le palmarès des albums pop Billboard . Glenn Frey a eu son premier concert en studio en chantant et en jouant de la guitare sur « Ramblin’ Gamblin’ Man ».

Seger n’a pas pu donner suite à ce succès. Pour le prochain album, l’auteur-compositeur-interprète Tom Neme a rejoint The System, écrivant et chantant finalement la majorité des morceaux présentés, pour lesquels le groupe a été fortement critiqué. L’album intitulé Noah (1969), n’a pas du tout réussi à se classer, ce qui a conduit Seger à quitter brièvement l’industrie de la musique et à fréquenter l’université. Il revient l’année suivante et sort le dernier album du System, 1970’s Mongrel , cette fois sans Neme. Bob Schultz a également quitté le groupe et a été remplacé par Dan Watson. Mongrel , avec le puissant single » Lucifer « , était considéré comme un album fort par de nombreux critiques et fans de Detroit, mais n’a pas réussi à bien se faire commercialement.

Le système Bob Seger a été intronisé au Michigan Rock and Roll Legends Hall of Fame en 2006.

Solo

Après que Mongrel (1970) n’ait pas été à la hauteur du succès de Ramblin’ Gamblin’ Man (1969), The System s’est dissipé. Pendant une courte période après la rupture, Seger avait l’ambition d’être un homme seul. [18] En 1971, il sort son premier album solo, le tout-acoustique Brand New Morning . L’album a été un échec commercial et a conduit à son départ de Capitol Records.

Seger, ayant retrouvé un œil pour les groupes, a commencé à jouer avec le duo Teegarden & Van Winkle , qui en 1970 avait un single à succès avec « God, Love and Rock & Roll ». Ensemble, ils ont enregistré Smokin’ OP’s (1972), sorti sur Palladium Records de Punch Andrews. L’album se composait principalement de reprises, engendrant un petit succès avec une version de » If I Were a Carpenter » de Tim Hardin (n ° 76 aux États-Unis), bien qu’il comportait » Someday « , un nouvel original de Seger, et un re -sortie de « Heavy Music ». L’album atteint 180 sur le Billboard 200.

Après avoir passé la majeure partie de 1972 en tournée avec Teegarden & Van Winkle, Seger a quitté le duo pour monter un nouveau groupe d’accompagnement, appelé à la fois My Band et Borneo Band, composé de musiciens de Tulsa, Oklahoma . Jamie Oldaker , Dick Sims et Marcy Levy étaient tous membres de My Band avant de rejoindre le groupe d’accompagnement d’ Eric Clapton . En 1973, Seger a sorti Back in ’72 , enregistré en partie avec la Muscle Shoals Rhythm Section , un groupe renommé de musiciens de session qui avaient enregistré avec JJ Cale et Aretha Franklin. Selon Seger, il y a eu un malentendu financier avec les musiciens : ils ont proposé de l’enregistrer « pour 1500 $ par face », ce qu’il a pris pour signifier 1500 $ par face d’album. Quand il a découvert qu’ils signifiaient 1500 $ par chanson, il est parti après avoir enregistré trois chansons mais a décidé de travailler avec eux à l’avenir. Back in ’72 présentait la version studio du dernier classique live de Seger » Turn the Page « ; » Rosalie « , une chanson que Seger a écrite sur la directrice musicale de CKLW Rosalie Trombley (et qui a ensuite été enregistrée par Thin Lizzy ); et » I’ve Been Working « , une chanson à l’origine de Van Morrison , une forte influence sur le développement musical de Seger.Malgré la force des musiciens de secours de Seger, l’album n’a atteint que 188 sur les charts américains et est depuis tombé dans l’obscurité. Malgré tout, Back in ’72 et sa tournée de soutien marquent le début des relations de longue date de Seger avec le futur saxophoniste du Silver Bullet Band Alto Reed , la puissante chanteuse Shaun Murphy et la section rythmique de Muscle Shoals. Au cours de la tournée, My Band s’est avéré peu fiable, ce qui a frustré Seger. À la fin de 1973, Seger avait quitté My Band à la recherche d’un nouveau groupe de soutien. Tout au long de 1974–75, Seger a continué à se produire dans des salles locales autour de sa ville natale alors qu’il était connu sous le nom de Bob Seger Group, y compris un concert renommé à Davisburg, MI appelé la «bataille des groupes».

Le groupe Silver Bullet

En 1974, Seger forme le Silver Bullet Band. Ses membres originaux étaient le guitariste Drew Abbott , le batteur et choriste Charlie Allen Martin, le claviériste et choriste Rick Manasa, le bassiste Chris Campbell et le saxophoniste et choriste Alto Reed . Avec ce nouveau groupe assis occasionnellement, Seger a sorti l’album Seven (1974), qui contenait le hit hard-rock de la région de Detroit » Get Out of Denver « . Cette piste a été un succès modeste et s’est classée au 80e rang national.

En 1975, Seger revient chez Capitol Records et sort l’album Beautiful Loser , avec l’aide du Silver Bullet Band (avec le nouveau claviériste Robyn Robbins remplaçant Manasa) sur sa reprise du Tina Turner écrite » Nutbush City Limits « . Le single » Katmandu » de l’album, qui figurait dans le film Mask de 1985 avec Cher (en plus d’être un autre succès substantiel dans la région de Detroit), était le premier véritable morceau national de Seger depuis » Ramblin ‘Gamblin’ Man » en 1968. Bien qu’elle ait raté de peu le Top 40 de la pop américaine – culminant au n ° 43 – la chanson a reçu une forte diffusion sur plusieurs marchés du pays, y compris Detroit.

En avril 1976, Seger et le Silver Bullet Band ont sorti l’album Live Bullet , enregistré pendant deux nuits à la Cobo Arena de Detroit en septembre 1975. Il contenait l’interprétation de Seger de « Nutbush City Limits » ainsi que la version classique de Seger de la vie sur la route, « Turn the Page », de Back in ’72 . Il comprenait également ses sorties à succès de la fin des années 1960 – « Heavy Music » et « Ramblin’ Gamblin’ Man ». Le critique Dave Marsh écrivit plus tard que » Live Bullet est l’un des meilleurs albums live jamais réalisés … Par endroits, en particulier lors du medley de » Travelin ‘Man » / » Beautiful Loser » sur la première face,Un best-seller instantané à Detroit, Live Bullet a commencé à attirer l’attention dans d’autres parties du pays, se vendant mieux que les albums précédents de Seger, obtenant une radio rock progressive et une diffusion rock orientée album , et permettant à Seger de faire la une de plus d’émissions. Pourtant, Seger avait toujours un déséquilibre de popularité. En juin 1976, il était un artiste vedette au Pontiac Silverdome près de Detroit devant près de 80 000 fans. Le lendemain soir, Seger a joué devant moins d’un millier de personnes à Chicago.

Pic de succès : 1976-1987

Seger a finalement réalisé sa percée commerciale avec son album d’octobre 1976 Night Moves . La chanson titre, » Night Moves » a été bien accueillie par la critique et commercialement, devenant un succès n ° 4 sur le palmarès Billboard Pop Singles et étant diffusée sur la radio AOR . L’album comprenait également les chansons » Mainstreet » (écrites sur Ann Arbor’s Ann Street), une ballade à succès n ° 24 qui soulignait la crédibilité rock de Seger ainsi que la ligne de guitare principale du guitariste Pete Carr , et » Rock and Roll Never Forgets « , qui a culminé à la 41e place du Billboard Hot 100 .a été le premier album de Seger dans le top 10 du palmarès des albums Billboard et, à partir de 2006, a été certifié à 6 millions d’exemplaires aux États-Unis, ce qui en fait l’album studio le plus vendu de toute sa carrière. Le succès de Night Moves a également stimulé les ventes des versions précédentes de Seger. La sortie de Seger en 1975, Beautiful Loser , se vendra finalement à deux millions d’exemplaires et l’album Live Bullet de 1976 se vendra à six millions d’exemplaires aux États-Unis. Live Bullet finira par être cité comme l’un des plus grands albums live de tous les temps.

En février 1977, le batteur du Silver Bullet Band, Charlie Allen Martin, a été heurté par une voiture par derrière alors qu’il marchait sur une voie de service et s’est retrouvé incapable de marcher. David Teegarden, ancien batteur de Seger sur son album de 1972 Smokin’ OP’s était son remplaçant. Malgré la perte de Martin, l’album Stranger in Town de Seger en 1978 a également été un succès. Le premier single, « Still the Same », atteint la 4e place du Billboard Hot 100 . » Hollywood Nights » a atteint la 12e place du même classement, tandis que la ballade » We’ve Got Tonight » a atteint la 13e place. » We’ve Got Tonight « et la chanteuse pop Sheena Easton . Notamment, il a dépassé les Hot Country Songs de Billboard et a culminé aux n ° 2 et n ° 6 des charts Adult Contemporary et Hot 100 de Billboard respectivement. » Old Time Rock and Roll « , une chanson de George Jackson et Thomas E. Jones III dont Seger a considérablement réécrit les paroles, a culminé au n ° 28 sur le Hot 100, mais a atteint une plus grande popularité après avoir été présenté dans le film de Tom Cruise de 1983 Risky Business , dans lequel le personnage de Tom Cruise danse en sous-vêtements sur la chanson. Il a depuis été classé deuxième Jukebox Single le plus joué de tous les temps, derrière« Crazy » de Patsy Cline. « Old Time Rock and Roll » a été nommé l’une des chansons du siècle en 2001. Seger a depuis fait remarquer que ne pas prendre un tiers de crédit d’écriture sur son enregistrement était, financièrement, « la chose la plus stupide que j’aie jamais faite ».

Seger a également co-écrit la chanson à succès n ° 1 des Eagles » Heartache Tonight » de leur album de 1979 The Long Run ; leur collaboration sur les premières vies partagées de Seger et Glenn Frey à Detroit.

En 1980, Seger a sorti Against the Wind (avec l’ancien membre de Grand Funk Railroad Craig Frost remplaçant Robyn Robbins aux claviers) et c’est devenu son premier et unique album n ° 1 sur le palmarès des albums Billboard . Le premier single » Fire Lake » mettait en vedette Eagles Don Henley , Timothy B. Schmit et Glenn Frey aux chœurs et le guitariste de Muscle Shoals, Pete Carr , à la 12 cordes acoustique. Fire Lake a atteint la 6e place du Hot 100, tandis que la chanson titre « Against the Wind » a atteint la 5e place en tant que single et est même passée dans le Top 10 du Billboard .Tableau contemporain adulte . » You’ll Accomp’ny Me » est devenu le troisième single à succès du disque, atteignant le n ° 14. Against the Wind remporterait également deux Grammy Awards . En 2006, Stranger in Town et Against the Wind s’étaient vendus à plus de 5 millions d’exemplaires chacun aux États-Unis.

L’album live de 1981 Nine Tonight résume ce pic de trois albums de la carrière commerciale de Seger. L’interprétation de Seger de » Tryin’ to Live My Life Without You » d’Eugene Williams est devenue l’un des cinq succès de Nine Tonight et l’album se vendrait à 4 millions d’exemplaires.

Seger a sorti le célèbre The Distance en décembre 1982. Lors de l’enregistrement de cet album, le guitariste de Silver Bullet Drew Abbott a quitté le groupe en raison de sa frustration face à l’utilisation fréquente par Seger de musiciens de session en studio et a été remplacé par Dawayne Bailey . Après la sortie de l’album, David Teegarden a également quitté le groupe en raison d’un conflit interne et a été remplacé par l’ancien batteur de Grand Funk Don Brewer . Salué par la critique pour représenter un son plus polyvalent que celui de son matériel récent, The Distance a engendré de nombreux succès à commencer par » Shame on the Moon » de Rodney Crowell . ». C’était le plus grand succès de toute la carrière du Silver Bullet Band, atteignant le n ° 1 du classement Adult Contemporary et se tenant au n ° 2 pendant quatre semaines consécutives – derrière » Baby, Come to Me » de Patti Austin et James Ingram . et » Billie Jean » de Michael Jackson – sur le Hot 100. Il est également passé n ° 15 du palmarès des singles country de Billboard . Le single suivant, » Even Now « , a raté de peu le Top 10, et » Roll Me Away » a culminé au n ° 27. La piste de l’album « Making Thunderbirds » était un clip vidéo populaire filmé à Detroit et bien accueilli sur MTV . . Les ventes multi-platine de Seger ont chuté à ce stade, The Distance culminant au n ° 5 et ne se vendant qu’à 1,9 million d’exemplaires aux États-Unis. The Distance est sorti tardivement sur cassette 8 pistes ; Capitol n’aurait apparemment pas l’intention de le faire, mais Seger, affirmant que beaucoup de ses fans utilisaient encore des lecteurs 8 pistes dans leurs véhicules, a demandé au label de sortir également l’album au format décroissant.

En 1984, Seger écrit et enregistre la ballade power rock « Understanding » pour la bande originale du film Teachers . La chanson était un autre hit du Top 20 pour Seger à la fin de 1984. En 1986, il a écrit et enregistré « Living Inside My Heart » pour la bande originale du film About Last Night… .

Seger n’était plus aussi prolifique, et plusieurs années se sont écoulées avant que son prochain album studio, Like a Rock , ne sorte au printemps 1986. Le rythme rapide « American Storm » était un autre single du Top 20 aidé par un clip vidéo populaire mettant en vedette l’actrice. Lesley Ann Warren et » Like a Rock » ont suivi, atteignant la 12e place du Billboard’s Hot 100. Plus tard, il deviendra familier à de nombreux Américains grâce à son association avec une longue campagne publicitaire de Chevrolet (quelque chose que Seger a explicitement choisi de faire pour soutenir travailleurs américains de l’automobile en difficulté à Detroit). L’ American Storm Tour 1986-1987 de Seger était sa dernière grande tournée autoproclamée, jouant 105 spectacles sur neuf mois et vendant près de 1,5 million de billets. Like a Rock a atteint la troisième place et s’est finalement vendu à plus de trois millions d’exemplaires, bien qu’il n’ait jamais été certifié au-dessus du platine.

Le 13 mars 1987, Bob Seger et le Silver Bullet Band ont reçu une étoile sur le Hollywood Walk of Fame pour leurs contributions à l’industrie de la musique, situé au 1750 Vine Street.

En 1987, Seger enregistre la chanson « Shakedown » pour la bande originale du film Beverly Hills Cop II . Une chanson pop-rock axée sur le synthé, c’était le premier et le seul hit n ° 1 de Seger sur le palmarès des singles pop. La chanson était à l’origine destinée à son compatriote de Detroit Glenn Frey , mais lorsque Frey a perdu sa voix juste avant la session d’enregistrement, il a demandé à Seger de prendre sa place. Seger a changé les couplets de la chanson mais a gardé le même refrain. La chanson a valu à Seger une nomination aux Oscars en tant que co-auteur dans la catégorie Meilleure chanson originale l’année suivante.

L’après 1988 à aujourd’hui

Le disque suivant de Bob Seger était The Fire Inside de 1991 , à une époque où le glam metal , le grunge et le rock alternatif prenaient le devant de la scène. Sa nouvelle musique a trouvé peu de visibilité à la radio ou ailleurs. Il y va de même pour It’s a Mystery en 1995 , bien que l’album soit certifié disque d’or (500 000 exemplaires vendus). Cependant, en 1994, Seger sort Greatest Hits ; l’album de compilation était son plus gros record en termes de ventes, se vendant à près de 10 millions d’exemplaires aux États-Unis en 2010. Seger a repris la route pour une tournée en 1996, qui a été un succès et a vendu le quatrième plus grand nombre de billets de toute tournée nord-américaine cette année-là. (Seger était autrefois connu pour ses concerts dans de petites salles, comme en témoigne son apparition au 18e amendement à Omaha, Nebraska.)

Seger a pris un congé sabbatique de l’industrie de la musique pendant environ dix ans pour passer du temps avec sa femme et ses deux jeunes enfants. En 2001 et 2002, Seger a remporté la prestigieuse Port Huron to Mackinac Boat Race à bord de son voilier Lightning de 52 pieds (16 m) . Il a ensuite vendu le bateau. Il a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame le 15 mars 2004. Son camarade Detroiter Kid Rock a prononcé le discours d’intronisation et la gouverneure du Michigan, Jennifer Granholm , a proclamé cette date Bob Seger Day en son honneur. En 2005, Seger a chanté avec 3 Doors Down sur la chanson » Landing in London » de leur album Seventeen Days .

Bob Seger et The Silver Bullet Band ont été intronisés au Michigan Rock and Roll Legends Hall of Fame en 2005.

Le premier nouvel album de Seger en onze ans, intitulé Face the Promise , est sorti en 2006. Au cours de ses 45 premiers jours, il s’est vendu à plus de 400 000 exemplaires. L’album s’est vendu à plus de 1,2 million d’exemplaires, ramenant Seger au statut de platine et restant sur le palmarès Billboard pendant plusieurs mois. Sa tournée de soutien était également très attendue, de nombreux spectacles se vendant en quelques minutes. Montrant que l’attrait légendaire de Seger dans le Michigan n’avait pas diminué, les 10 834 billets disponibles pour son premier spectacle à la Van Andel Arena de Grand Rapids se sont vendus en moins de cinq minutes; trois spectacles supplémentaires ont ensuite été ajoutés, dont chacun a également vendu.

En 2009, Seger a sorti un album de compilation intitulé Early Seger Vol. 1 , qui contenait des documents d’archives des années 1970 et 1980, y compris des morceaux entièrement ou partiellement réenregistrés de ses albums Smokin’ OP’s (1972) et Seven (1974) et des chansons inédites. L’album n’était initialement disponible à l’achat que dans les magasins Meijer , puis plus tard en téléchargement sur BobSeger.com. Seger a contribué au piano et au chant sur l’album Born Free de Kid Rock en 2010 . Seger a organisé une tournée d’arène réussie en 2011, accompagnée de la sortie d’un album de compilation de deux CD, Ultimate Hits: Rock and Roll Never Forgets. Le 28 mai 2011, le gouverneur du Michigan, Rick Snyder , a proclamé cette date comme la Journée Bob Seger pour ses plus de 50 ans de partage de ses talents musicaux célèbres avec des fans du monde entier.

Le 30 décembre 2011, devant une foule à guichets fermés au Mandalay Bay Events Center de Las Vegas, Seger a clôturé une autre tournée réussie. Le 30 octobre 2011, il a déclaré au directeur d’AnnArbor.com, Bob Needham, qu’il retournait au studio pour terminer un autre nouvel album à paraître à l’automne 2012, suivi d’une autre tournée de soutien.

Le 14 juin 2012, Seger a été intronisé au Songwriters Hall of Fame. Le 10 janvier 2013, Seger a annoncé une autre tournée aux États-Unis et au Canada.

Seger a interprété un duo de » Who’ll Stop the Rain » avec John Fogerty sur l’album de Fogerty Wrote a Song for Everyone , sorti en 2013.

Le 17e album studio de Seger, Ride Out , est sorti le 14 octobre 2014. Ride Out a été accompagné d’une tournée d’arène très réussie aux États-Unis et au Canada.

Le 22 décembre 2016, Seger a interprété » Heartache Tonight » alors que le Kennedy Center honorait les Eagles . Quelques semaines plus tard, le 18 janvier 2017, Seger a offert le single » Glenn Song » sur son site Web en hommage à la mort d’un an du membre fondateur des Eagles Glenn Frey , avec qui Seger était un ami proche. À partir du 24 août 2017, Seger s’est lancé dans une tournée Runaway Train de 32 villes qui devait initialement se terminer le 17 novembre 2017 à Chicago . Cette tournée comprenait un spectacle le 22 septembre 2017 au Palace of Auburn Hills ( Michigan ), qui était le dernier événement à se tenir dans ce lieu. Le même jour, Seger a annoncé son nouvel album studio, I Knew You When , et a sorti » Busload of Faith « , une reprise de la chanson de Lou Reed de l’album de 1989 New York , en tant que premier single tiré de l’album. I Knew You When est sorti le 17 novembre 2017, ce qui aurait marqué le dernier jour de la tournée Runaway Train de Seger. Cependant, en raison « d’un problème médical urgent avec ses vertèbres « , toutes les dates de concert commençant le 30 septembre ont dû être reportées. Sur les 32 dates de tournée prévues, Seger a pu en terminer 13 et a dû en reporter 19.

Le 18 septembre 2018, Seger a annoncé sa dernière tournée. Nommée la tournée Travelin ‘Man , elle comprend des dates reportées de la tournée 2017 ainsi que des spectacles supplémentaires, et devait débuter le 21 novembre à la Van Andel Arena de Grand Rapids, MI.

Héritage

Lincoln Park a déclaré le 17 novembre 2017, « Bob Seger Day » dans la ville. Le maire Thomas Karnes a qualifié Seger de voix de la ville pour leur génération. Seger y a fréquenté l’école dans sa jeunesse et s’est produit au kiosque à musique de la ville dans les années 1960.

Vie personnelle

Le premier mariage de Seger avec Renee Andrietti en 1968 a duré « un jour avant un an ». Il a eu une relation à long terme avec Jan Dinsdale de 1972 à 1983. En 1987, il a épousé l’actrice Annette Sinclair et ils ont divorcé un an plus tard. Il a épousé Juanita Dorricott en 1993, dans un petit cadre privé au Village Club, à Bloomfield Hills ; ils ont deux enfants.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/267854-Bob-Seger