BILLY PAUL
Paul Williams (1er décembre 1934 – 24 avril 2016), connu professionnellement sous le nom de Billy Paul , était un chanteur de soul américain lauréat d’un Grammy Award , connu pour son single n ° 1 de 1972 » Me and Mrs. Jones « , comme ainsi que l’album de 1973 et le single War of the Gods , qui mélange ses styles pop , soul et funk plus conventionnels avec des influences électroniques et psychédéliques .
Il était l’un des nombreux artistes associés au son soul de Philadelphie créé par Kenny Gamble, Leon Huff et Thom Bell . Paul a été identifié par son style vocal diversifié, qui allait de doux et émouvant à bas et rauque. Questlove of the Roots a assimilé Paul à Marvin Gaye et Stevie Wonder , le qualifiant de « l’un des propriétaires criminellement non mentionnés de la musique socialement consciente des droits civiques post-révolution des années 60 « .
Vie et carrière
Premières années
Paul a grandi dans le nord de Philadelphie . Son amour de la musique a commencé à un jeune âge, écoutant à la maison la collection de musique de sa famille.
Il se souvient: « C’est comme ça que j’ai vraiment été endoctriné dans la musique. Ma mère était toujours … collectionneuse de disques et elle achetait tout, de Jazz au Philharmonic Hall à Nat King Cole . » Il a commencé à chanter et a essayé d’imiter les disques qu’il a entendus : « J’ai toujours aimé Nat King Cole. J’ai toujours voulu suivre ma propre voie, mais j’ai toujours favorisé d’autres chanteuses comme Dinah Washington, Sarah Vaughan , Ella Fitzgerald – je J’ai adoré Ella Fitzgerald. Il y en a tellement. Nina Simone était l’une de mes préférées – Johnny Mathis, Ils avaient tous un style, un soyeux… Je voulais chanter soyeux, comme du beurre – moelleux. Je voulais chanter doucement tu vois ce que je veux dire. L’une de mes préférées est Jessie Belvin – ils l’appelaient M. Easy. Beaucoup de gens l’ont oublié, vous savez – Sam Cooke est un autre de mes favoris. »
Paul a expliqué pourquoi il était particulièrement influencé par les chanteuses de jazz : « Je pense que la raison en est à cause de mon registre aigu. Les chanteurs masculins qui avaient le même registre que moi, quand j’étais jeune, n’ont pas fait grand-chose pour moi. . Mais mettez Nina Simone, Carmen McRae ou Nancy Wilson , et je serais au septième ciel. Peut-être que la chanteuse qui a eu le plus d’impact sur lui était Billie Holiday , qu’il appelait « une GRANDE influence ». Il a commencé à développer un style vocal qui incorporerait éventuellement des traces de jazz , de R&B et de pop .
Il a commencé sa carrière de chanteur à l’âge de 11 ans, apparaissant sur la station de radio locale WPEN , alors propriété du journal local Philadelphia Bulletin . Il a fréquenté la West Philadelphia Music School et la Granoff School of Music pour une formation vocale formelle. Il a rappelé: « Eh bien, vous savez, c’était quelque chose dont ma mère disait que j’avais besoin, tenant mes notes, vous savez, et livrant mes notes. Cela m’a donné de l’assurance, car ma mère était à 100% derrière moi et cela a créé le style et l’unicité de Billy Paul. Toute ma vie, j’ai voulu sonner comme moi-même, je n’ai jamais voulu sonner comme quelqu’un d’autre. Comment cela s’est produit parce que j’ai toujours voulu être un saxophoniste… J’ai pris mon unicité et je l’ai traité comme un cor , ce qui m’a donné un bon style.
Quand j’avais 16 ans, je jouais au Club Harlem à Philadelphie et j’étais sur la même affiche que Charlie Parker . Il est mort plus tard cette année-là. J’étais là-bas avec lui pendant une semaine et j’ai appris ce qu’il faudrait normalement deux ans pour comprendre. Bird m’a dit que si je continuais à lutter, j’irais loin, et je n’ai jamais oublié ses paroles.
— Billy Paul
La popularité de Paul a grandi et a conduit à des apparitions dans des clubs et sur des campus universitaires à l’échelle nationale. Il a changé son nom de Paul Williams en Billy Paul afin d’éviter toute confusion avec d’autres artistes tels que l’auteur-compositeur Paul Williams et le saxophoniste Paul « Hucklebuck » Williams . Il a expliqué: « J’avais Jules Malvin, qui était comme mon père de jeu. C’était mon manager à l’époque. Il m’a emmené jusqu’à l’ Apollo et j’ai chauffé l’Apollo pendant six semaines et c’est là qu’il m’a donné le nom de Billy Paul. Je ne me suis pas posé la question. »
Premiers enregistrements
En 1952, il se rend à New York et entre dans le studio d’enregistrement de Jubilee Records . Soutenu par Tadd Dameron au piano et Jackie Davis à l’orgue Hammond , Paul sort son premier single en avril : « Why Am I » avec « That’s Why I Dream » en face B (Jubilee Records 508, tous deux écrits par Bernard Sacks et B.Sidney Zeff). Billboard a passé en revue les morceaux favorablement, disant de « Why Am I » que c’était « Un gazouillis expressif d’une ballade de mauvaise humeur, par le nouveau chanteur de 16 ans du label », et de « C’est pourquoi je rêve »: « Orgue et le piano prêtent main forte au chanteur dans cette gravure au rythme lent d’un numéro romantique ».
En juin 1952, Paul sort son deuxième single – cette fois en collaboration avec le Buddy Lucas Orchestra – « You Didn’t Know », accompagné de « The Stars Are Mine » ( Jubilee Records 508). Billboard était à nouveau positif, disant à propos de « You Didn’t Know » – « Billy Paul, nouveau jeune chanteur, fait un salut impressionnant sur le label avec une solide performance d’une ballade pleureuse qui devrait ramasser des tours et des jeux. Le Lucas ork fournit un support correct. Un bon disque » et à propos de » The Stars Are Mine » – » Paul chante ce nouveau morceau plus doucement, sur une lecture ork fluide. Le côté n’est pas aussi excitant que le retournement et la mélodie n’est pas aussi forte. » Quelques semaines plus tard,pour promouvoir leurs artistes en prévision du NAMM Show annuel – la convention commerciale de l’industrie musicale organisée par la National Association of Music Merchants (NAMM). Jubilee a branché le dernier single de Paul et a noté: « He’s New – He’s Hot! » Malgré les efforts de Jubilee, aucun des morceaux du jeune chanteur n’a atteint les charts.
Années militaires et reprise de carrière professionnelle
La carrière de Paul a pris une tournure inattendue lorsqu’il a été enrôlé dans les forces armées . Il a rappelé :
J’y suis allé en 1957 et j’étais en poste avec Elvis Presley et Gary Crosby – le fils de Bing Crosby . Nous étions en Allemagne et nous avons dit que nous allions monter un groupe, donc nous n’avons pas eu à travailler dur dans le service. Nous avons essayé de faire participer Elvis mais il voulait devenir chauffeur de jeep. Alors moi et Gary Crosby, nous avons commencé et nous nous sommes appelés le Jazz Blues Symphony Band. Certaines personnes célèbres sont sorties de ce groupe; Cedar Walton , Eddie Harris et nous avons tourné dans toute l’Allemagne. Elvis ne voulait pas nous rejoindre. Je le voyais tous les jours, mais il conduisait la jeep du colonel. Il ne voulait pas rejoindre notre groupe. Il voulait s’éloigner de la musique pendant un certain temps, alors qu’il était dans le service, vous savez.
Paul et les autres membres de la 7th Army Band, dont Don Ellis , Leo Wright et Ron Anthony , ont utilisé le service pour faire avancer leur carrière musicale du mieux qu’ils pouvaient – des carrières qu’ils savaient continueraient une fois qu’ils seraient revenus à la vie civile. Paul a déclaré: « J’ai chanté dans le service, j’ai chanté avec un groupe de jazz. Alors quand je suis sorti, j’ai chanté du jazz, aller dans des clubs et ainsi de suite.
Paul a également fait de la boxe dans l’armée – un sport avec lequel il avait grandi, comme il l’a expliqué dans une interview en 2012 : « Oui, nous avions une salle de sport et tous mes amis de mon quartier étaient des boxeurs. Même pendant mes jours à l’armée, je boxais aussi. comme chant. En fait, je vais toujours à la gym, ma femme et moi avons des entraîneurs… Miles Davis disait toujours : « Viens à la gym ! Je vais te botter le cul ! » Puis une fois, j’ai été frappé trop fort et j’ai dit non, je vais chanter !… Cela m’a décidé. »
Après sa libération, Paul a formé un trio de jazz avec le pianiste hard bop Sam Dockery et le bassiste Buster Williams . En 1959, il rejoint le label New Dawn et sort le single « Ebony Woman » accompagné de « You’ll Go to Hell » (New Dawn 1001), tous deux écrits par Morris Bailey Jr. En 1960, Paul enregistre » Il y a a Small Hotel » (Finch 1005, écrit par Rodgers et Hart ), accompagné de « I’m Always A Brother » (Finch 1006, écrit par Leon Mitchell et Charles Gaston). Aucune de ces chansons n’a été répertoriée, mais Paul ressuscitera et réenregistrera à la fois « Ebony Woman » et « There’s a Small Hotel » dans les années suivantes.
Je me suis toujours vu comme un artiste solo.
-Billy Paul
Paul a été un bref remplaçant pour l’un des Blue Notes malades avec Harold Melvin. Paul se souvient : « Eh bien, je ne voulais pas danser alors Harold Melvin m’a viré (rires). J’ai passé six mois avec les Flamingos – j’étais avec les Flamingos pendant un moment. » C’était à peu près à cette époque que Paul a établi une amitié à vie avec Marvin Gaye – les deux chanteurs remplissant d’autres groupes. Paul a rappelé: « J’étais l’un des Blue Notes à un moment donné et Marvin Gaye était dans les Moonglows…. Nous étions de si bons amis. Nous n’avons jamais fait de disque ensemble et cela aurait été un de mes rêves. Et vous savez quelle est l’une de mes fascinations ? Ce que nous ferions s’il était ici aujourd’hui. Je pense à Marvin tous les jours. L’amour que j’ai pour cet homme est incroyable. Nous étions proches, nous étions comme des frères. Quand j’allais sur la route en Californie, il faisait le tour de la maison – lui et Blanche (la femme de Billy) s’assuraient que la mère de Blanche prendrait son insuline parce qu’elle était diabétique. Je dépendrais fortement de lui pour s’assurer qu’elle mangeait et prenait son insuline. C’est à quel point nous étions proches. Vous savez parfois, même aujourd’hui. Je me réveille et j’espère que c’était un rêve, mais c’est réel – c’est réel, vous savez. »
Les années de l’âme de Philadelphie
En 2012, on a demandé à Paul à quel point la ville de Philadelphie était importante pour lui et quel était le son de Philadelphie : « C’est très très important pour moi. Je suis né ici et tant d’artistes formidables et influents viennent également d’ici. C’est une ville qui lui est propre et a son propre son. Je pense que ce qui le rend différent, c’est le drame ; vous savez comment ils disent que tout le monde marche à son propre rythme ? Eh bien, je pense que Philly a aussi son propre rythme, et c’est distinctif. Cela semble facile, mais c’est difficile à jouer. »
Sorties de Neptune et Gamble
Paul et sa femme et manager Blanche Williams étaient en train d’enregistrer son premier album lorsqu’ils ont rencontré Kenny Gamble . Paul a rappelé :
Je chantais dans un club de jazz qui s’appelait le Sahara. Il avait un magasin de disques sur South St & Philly – juste au coin de la rue et je chantais avec un trio au club Sahara vendredi, samedi et dimanche. Il est venu et m’a dit : « Je démarre une maison de disques et j’aimerais te signer ». Low [ sic ] et voilà, j’ai pris tout le matériel que je chantais chaque week-end et j’ai fait un album en trois heures et demie – un album entier. J’avais cet album et je l’ai produit – moi et ma femme. Et nous lui avons donné cet album intitulé Feelin’ Good at the Cadillac Club pour aider à démarrer la maison de disques et c’est l’album qui a aidé à démarrer. Je chantais totalement Jazz à l’époque, mais quand j’ai entendu les Beatles et j’ai entendu l’influence du gospel et tout ce que je viens de dire : « Je peux faire du jazz avec du R&B ». Cette transition s’est produite lorsque les Beatles sont sortis en Amérique. Quand j’ai entendu les Beatles, ça a été mon tournant. Ils étaient comme mes mentors. Vous savez ce qui est drôle à ce sujet, quand j’ai entendu (Billy chante) ‘ I Wanna Hold Your Hand ‘, j’ai d’abord dit que ces gars étaient comme un feu de paille. Mais le deuxième album quand ils ont commencé à faire tout ça, j’ai dû reprendre tout ça. John Lennon – l’un des plus grands écrivains du monde.
Le premier album de Paul, Feelin’ Good at the Cadillac Club , est sorti en 1968 sur le label Gamble. En grande partie une collection de reprises de jazz de chansons popularisées par d’autres, il s’agissait d’un album studio qui tentait de recréer l’ambiance des performances de club en direct de Paul. Ni le single « Bluesette » ni l’album n’ont atteint les charts. L’album a été réédité en 1973.
Le deuxième LP de Paul, Ebony Woman (1970), était une sortie plus commerciale sur le label Neptune de Gamble & Huff . Paul a coupé une nouvelle version de son single de 1959 et en a fait la chanson titre. Gamble & Huff contrôlaient fermement la production. Fusionnant jazz et soul, le LP a remporté un succès modeste atteignant le n ° 12 sur le palmarès soul Billboard et le n ° 183 sur le palmarès pop.
Sorties de Philadelphia International
Après la fermeture de Neptune, Gamble et Huff ont lancé leur troisième label – Philadelphia International Records (PIR) – et ont amené Paul avec eux. Gamble et Huff ont signé un accord de distribution avec Clive Davis et CBS Records .
Going East (1971) a été le premier album de Billy Paul sorti sur le label Philadelphia International Records, utilisant pleinement le groupe régulier de musiciens as du label MFSB aux Sigma Sound Studios . Comme ils l’avaient fait sur le précédent LP, Gamble et Huff ont cherché à trouver l’équilibre entre les racines jazz de Paul et l’âme funky qu’ils espéraient apporter au succès grand public. Paul a presque atteint les charts avec le single « Magic Carpet Ride » (reprise du hit Steppenwolf de 1968 ) et l’album a grimpé au n ° 42 sur lepalmarès soul Billboard et au n ° 197 sur le palmarès pop.
La bonne chose à propos de Gamble and Huff est que personne ne se ressemblait, tout le monde avait son propre son et c’était la partie distinctive qui revenait sans cesse.
-Billy Paul
« Moi et Mme Jones » et renommée internationale
Avec chaque album, Gamble et Huff se rapprochaient de la réalisation du son qu’ils envisageaient pour Billy Paul, et ils y sont parvenus avec l’album de 1972 360 degrés de Billy Paul et le single » Me and Mrs. Jones « . L’album et la chanson ont tous deux reçu des éloges commerciaux et critiques.
« Me and Mrs. Jones » a été un hit n ° 1 au cours des trois dernières semaines de 1972, se vendant à deux millions d’exemplaires (statut de single de platine), et a remporté un Grammy Award à Paul . L’ album d’or et le single de platine ont battu l’artiste dans les charts mondiaux, y compris au Royaume-Uni, où le single est entré dans le Top 20 du UK Singles Chart , atteignant la 12e place au début de 1973. Dans les années qui ont suivi, la chanson a été couvert de nombreuses fois, notamment par The Dramatics en 1974, Freddie Jackson en 1992 et Michael Bublé en 2007. Paul a rappelé la victoire aux Grammy Awards et le succès général de la chanson : « Oh mec ! J’étais contre Ray Charles , j’étais contre Curtis Mayfield , j’étais contre Isaac Hayes . J’étais à l’Université Wilberforce dans l’Ohio, j’avais pour aller faire un retour aux sources – ma femme et sa mère sont allées. Et quand j’ai vu Ringo Starr appeler mon nom, j’ai dit Ohhh… Ouais… La chose la plus décevante est d’avoir un disque numéro un dans le monde entier en toutes les langues. C’est un chef-d’œuvre, c’est un classique.
La chanson était le premier n ° 1 de PIR. De plus, le label connaissait un succès considérable auprès de ses autres artistes, notamment les O’Jays et Harold Melvin & the Blue Notes . Paul se souvient de l’ambiance du label : « C’était comme une famille pleine de musique. C’était comme de la musique 24 heures sur 24, vous savez. »
Controverse « Suis-je assez noir »
Le succès massif de Paul a été de courte durée. Le single suivant – » Am I Black Enough for You? » – n’a pas réussi à atteindre les sommets de » Mrs. Jones « , le message politique Black Power de la chanson se révélant trop au goût de la radio grand public. Il y a eu beaucoup de controverse autour du choix de sortir ce morceau à la suite d’un succès croisé.
Dans une interview de 1977, Paul a clairement indiqué qu’il s’opposait au choix depuis le début :
Je pense cependant que beaucoup d’erreurs ont été commises à l’époque. Le plus gros a été de sortir « Am I Black Enough For You » juste après « Mrs. Jones’. Les gens n’étaient pas prêts pour ce genre de chanson après le succès pop de ‘Mrs. Jones’. Ils cherchaient une suite ou du moins quelque chose qui ne soit pas provocateur. Vous vous souviendrez à l’époque que je vous avais dit que j’étais contre à 100% et l’histoire m’a donné raison. Mais même si c’était une erreur de l’entreprise, je suis toujours satisfait à la fois de CBS et de Philadelphia International. Cependant si j’avais sorti un morceau différent j’aurais peut-être atteint les sommets de Michael Jackson .
Des décennies plus tard, Paul était plus philosophe à propos de la chanson : « C’est ce que j’avais avec ‘Am I Black Enough.’ Je voulais – je vais le faire cette fois et sortir. Je pense que c’est vrai pour le public, parce qu’ils cherchent quelque chose à sortir par rapport à Mme Jones et c’était l’idée de Clive Davis de faire ça. Je pense que c’est était Kenny et Clive Davis, mais je pense que c’était surtout Clive Davis. » Pour sa part, Davis a déclaré qu’il s’opposait à la sortie de la chanson en single. Pourtant, Davis l’a appelé « un grand record de tous les temps, une grande performance de tous les temps ». Gamble, le co-auteur et producteur du morceau, a déclaré que la chanson « était géniale et que Billy avait l’air génial de le faire ». Paul a réfléchi: « Eh bien, vous savez … Pendant longtemps, j’étais en colère à ce sujet, j’ai eu un peu de déception. Maintenant, la chanson est en avance sur son temps. [3] J’ai l’impression d’avoir laissé tomber la chanson quand Je suis allé dans mes ténèbres. J’ai l’impression d’avoir abandonné la chanson. Et je vais toujours aller au fond de « Am I Black Enough ».
Nous allons avancer
un par un,
nous n’allons pas nous arrêter
jusqu’à ce que le travail soit terminé
– Billy Paul, « Suis-je assez noir pour toi? »
En fin de compte, 360 degrés de Billy Paul a atteint le n ° 1 du palmarès soul Billboard et le n ° 17 du palmarès pop. Malgré la déception suscitée par la performance dans les charts de « Am I Black Enough », il n’y avait aucune raison de croire qu’il ne pourrait pas reproduire le succès de l’album ou atteindre des sommets encore plus élevés. En mai 1973, alors qu’il faisait encore la promotion de 360 degrés de Billy Paul , on lui a posé des questions sur un album de suivi : « J’ai peur qu’il y ait un peu de retard. Pour l’instant, il y a deux côtés en fait terminés. Je Je dois vous parler de l’un d’eux – Kenny et Leonl’a écrit spécialement et c’est un single définitif à un moment donné. Ça s’appelle ‘I Was Married’ et je pense honnêtement que ce sera plus gros que ‘Me and Mrs. Jones’. Mais pour moi, il reste encore deux singles de l’ album 360 Degrees — « Brown Baby » et « I’m Just a Prisoner ». Mais, nous commençons à travailler plus sérieusement sur l’album à partir du 15 mai. » Malgré l’enthousiasme de Paul, ni « Brown Baby » ni « I’m Just a Prisoner » ne sont sortis aux États-Unis, bien que « Brown Baby » soit sorti au Royaume-Uni. mais n’a pas réussi à tracer.
» Me and Mrs. Jones » a été un tel succès que Gamble et Huff ont décidé de rééditer les deux premiers albums de Paul, Feelin’ Good at the Cadillac Club et Ebony Woman . Réédités en 1973, les deux albums présentaient une nouvelle pochette et étaient une aubaine pour les nouveaux fans avides de produits Billy Paul qui avaient déjà acheté ses deux premiers disques PIR . Pourtant, aucune des rééditions n’a été un grand succès, seule Ebony Woman réintégrant les charts d’albums au n ° 186 Pop et au n ° 43 Soul.
Le prochain album de Paul, War of the Gods , faisait suite à 360 Degrees of Billy Paul et a été publié en novembre 1973. Unique dans le catalogue de Paul, il contient de longues suites psychédéliques soul , des suites de chansons et a marqué une avancée conceptuelle et musicale pour Paul qui n’est pas passé inaperçu auprès des critiques et des fans. Et tandis que le LP et ses singles ont connu un certain succès, Paul n’a pas été en mesure de répéter le genre d’impact large qu’il a eu avec son album précédent et « Mrs. Jones ». Le single de War of the Gods « Thanks for Saving My Life », accompagné de « I Was Married » en face B, a été un hit parmi les 40 premiers, atteignant la 37e place du classement pop et un record parmi les 10 meilleurs soul, atteignant le n ° 9. Il a également atteint le n ° 33 au Royaume-Uni.
La tournée européenne de Paul en 1973 avec les O’Jays et les Intruders a donné naissance à son premier véritable album live : Live in Europe . Enregistré à Londres et sorti en 1974, il atteint la 10e place du classement Billboard Soul Album et la 187e place du classement pop.
Got My Head on Straight est sorti en 1975 et était une tentative de revenir à la formule à succès de 360 degrés de Billy Paul . Une collection de chansons jazzy, soulful, funky et pop, il a atteint la 140e place du palmarès Billboard Pop Album et la 20e place du palmarès Soul. Il comprenait les singles » Be Truthful to Me » (n ° 37 R&B); » Billy’s Back Home » (n ° 52 R&B); et « juillet, juillet, juillet, juillet », qui n’a pas été enregistré. Malgré la tentative de retour à la forme, le manque de succès grand public a été une grande déception pour Paul, Gamble et Huff, et tout le monde au PIR.
Controverse Jesse Jackson
When Love is New suivait la même veine que son prédécesseur et avait un destin similaire. Sorti en décembre 1975, il atteint la 139e place du palmarès Billboard Pop Album et la 17e place du palmarès Soul. Il comprenait les singles » Let’s Make a Baby « , qui ont atteint la 83e place du classement des singles Pop (le dernier disque de Paul à faire ce classement), la 18e place du classement Soul et la 30e au Royaume-Uni, et » People Power », qui a atteint la 82e place du classement Soul et la 14e place du classement US Dance.
Viens, viens, faisons un bébé
Oh, bébé, viens, viens
Donnons une autre vie à ce monde
Un petit garçon, une petite fille
Prends ma main pendant que nous marchons lentement vers la chambre
Ne vois-tu pas ce soir je Je vais te faire un doux, doux amour ?
…. Mettons la sagesse dans sa tête
Pour qu’il ne regarde jamais en arrière, il regarde droit devant
Nous lui apprendrons la vérité et comprendrons le sens de tout cela
Pour qu’il puisse se promener la tête haute
-Billy Paul, « Let’s Make a Baby »
« Let’s Make a Baby » s’est avéré controversé et il y a eu des appels pour interdire ou modifier le morceau en raison de son message supposé obscène ou négatif. Jesse Jackson et Operation PUSH ont mené le mouvement contre cette chanson et d’autres telles que « Rich Girl » de Hall & Oates et « Catfish » des Four Tops . La campagne a été menée localement, avec des stations individuelles faisant leurs propres choix sur la façon de gérer la question. Par exemple, la principale station R&B WWRL à New York a joué « Let’s Make a Baby » mais a décidé de ne pas annoncer son titre. D’autres stations sont allées jusqu’à modifier les paroles. En privé, plusieurs disc-jockeys noirs ont décrit la controverse comme « la fausse croisade de Jessie contre le sexe à l’antenne ». Les disc-jockeys – qui ont refusé que leurs noms soient utilisés par crainte de représailles – ont accusé Jackson d’être « absolument malhonnête » à propos de la campagne, une personnalité de la radio populaire faisant référence à l’apparition de Richard Pryor en 1975 à l’un des événements de Jackson :
Cet homme a soudainement découvert des enregistrements sexy lorsque plusieurs de nos artistes noirs ont commencé à arrêter de se produire pour rien lors de ses Black Expos annuelles. Rappelez-vous, c’est le même Jackson qui a présenté à l’une de ses Black Expos le comédien d’enregistrement le plus sale du show business. Et ce comédien était sale ce soir-là à l’Amphithéâtre. C’est devenu si grave que les parents et leurs enfants ont pu être vus en train de quitter les lieux.
Les disc-jockeys ont en outre souligné que Jackson ne critiquait pas d’autres artistes, tels que Roberta Flack et les Brothers Johnson , qui avaient des chansons tout aussi suggestives comme « Jesse » et « Get the Funk Out of My Face » mais qui étaient partisans de l’opération PUSH. . Plusieurs vétérans de la radio étaient convaincus que les actions de Jackson n’étaient rien de plus qu’un coup publicitaire, les qualifiant de « juste un autre de ses gadgets, qu’il abandonnera bientôt pour un autre, juste pour rester dans l’actualité ».
Pour sa part, Jackson a répondu :
Nous n’avons pas… nivelé ‘explosions à Billy Paul.’ Nous avons soigneusement et consciemment évité les « explosions » sur des artistes spécifiques et nous nous sommes plutôt concentrés sur des disques spécifiques – dont « Let’s Make a Baby » de Billy Paul n’est qu’un seul dans toute une série, de plus en plus explicite et dominant sur un marché presque exclusivement destiné aux enfants. ….L’amour et la romance font partie de la vie et nous ne suggérons pas que ces sujets devraient être « censurés » dans les paroles des disques. Notre appel a été dirigé vers des paroles pornographiques qui dégradent la sexualité humaine plutôt que d’élever l’esprit humain. Le changement de paroles dans le disque de Billy Paul a été décidé indépendamment par WVON radio. M. Paul n’a pas protesté auprès de WVON au sujet du changement. L’allégation selon laquelle nous avons « découvert soudainement des disques sexy » parce que les artistes ont cessé de se produire pour rien à PUSH EXPO est manifestement fausse. pas à l’artiste mais au disque.
Billy Paul a rendu hommage aux leaders des droits civiques décédés, dont Martin Luther King Jr. et Malcolm X, dans sa version du hit de 1976 de Paul McCartney » Let ‘Em In « .
Étonnamment, la controverse ne s’est intensifiée qu’avec la sortie du prochain album de Paul, Let ‘Em In à la fin de 1976. La chanson titre était une version soul funky du hit américain n ° 3 de Paul McCartney du début de l’été. Alors que la version de McCartney était lourde de références personnelles et relativement légère sur les personnalités politiques, la version de Billy Paul a bouleversé la formule pour devenir une sorte d’hymne des droits civiques – bien qu’avec une touche personnelle en raison de la mention de sa sœur jumelle récemment décédée Pauline Williams. Comme là où McCartney ne se réfère qu’indirectement à « Brother John » ( John Lennon ou beau-frère John Eastman ou John F. Kennedy ) et « Martin Luther » La version de Billy Paul est beaucoup plus explicite en récitant une liste de leaders des droits civiques décédés ( Elijah Muhammad , Malcolm X , Martin Luther King Jr. , John F. Kennedy , Robert F. Kennedy , Medgar Evers et Louis Armstrong ). De plus, entrecoupés des vers de Billy Paul, se trouvent des passages mémorables de discours de Malcolm X et King.
Pauline Williams, Était mon jumeau
Elijah et Malcolm, Toujours nos amis
Frère Martin, Nous ne pouvons pas oublier John
Bobby et Medgar, Louis Armstrong !
-Billy Paul, » Let ‘Em In »
Pourtant, tout comme ils l’avaient fait avec » Let’s Make a Baby « , WVON – la plus ancienne station de radio orientée vers les noirs de Chicago – a modifié la chanson. Cette fois, un ingénieur de la station a intégré des parties d’un discours de Jesse Jackson en remplacement de parties du discours de King. Le chroniqueur du Chicago Tribune, Gary Deeb, a déclaré que la station « avait mutilé » la chanson, le faisant afin de solidifier les liens avec Jackson, et a qualifié l’épisode entier de « simplement ridicule ». Paul était furieux et a dit qu’il avait eu le « choc de ma vie » quand il a appris la modification.
Le révérend George Clements , le pasteur croisé de l’église catholique Holy Angels du côté sud de Chicago, a remis à Paul un prix pour la chanson du Billy Paul Day, le 23 mai 1977, qui comprenait une cérémonie à l’église avec la chorale de l’école de l’église. la chanson. Lorsqu’il a été informé de l’honneur par le père Clements, Paul aurait pleuré des larmes de joie. Clément a dit :
À une époque de cynisme, de suspicion et de désespoir absolu, il est édifiant d’entendre le genre de message que Billy Paul nous donne à tous à la radio. Billy Paul nous dit que les rêveurs, comme le Dr Martin Luther King, sont morts maintenant, mais il est temps de laisser leurs rêves entrer dans nos âmes et commencer à avoir un impact sur notre société. Félicitations à Billy Paul. Vraiment, il a fait un tabac, non seulement auprès du grand public, mais aussi auprès de Dieu Tout-Puissant !
En tout, Let ‘Em In a été le premier LP de Paul à se classer parmi les 100 meilleurs albums pop depuis 1972 360 degrés de Billy Paul , atteignant le n ° 88. Paul a également eu son succès habituel dans les charts Soul, l’album atteignant le n ° 27. et les singles » How Good is Your Game « , » I Trust You » et » Let ‘Em In » atteignant respectivement les numéros 50, 79 et 91. La version de Paul du hit d’ Elton John » Your Song » a percé le top 40 au Royaume-Uni, atteignant la 38e place.
Enregistrements PIR finaux
Paul a sorti Only the Strong Survive en 1977 et il s’est avéré être son dernier album, atteignant le n ° 152 du classement Pop et le n ° 36 Soul. La chanson titre du LP était le premier single, atteignant la 68e place du classement Soul et la 33e au Royaume-Uni. La prochaine fois que la voix de Paul se fera entendre au cours de l’été 1977, ce sera sur le morceau « Let’s Clean Up the Ghetto », avec les « Philadelphia International All-Stars »: Billy Paul, Lou Rawls, Archie Bell , Teddy Pendergrass , Dee Dee Sharp Gamble, et Eddie Levert et Walter Williams des O’Jays . La chanson a atteint la 91e place du classement Pop et la 4e place du classement Soul. Le Let’s Clean Up the GhettoL’album comprenait également les morceaux de Billy Paul (tous deux écrits par Gamble & Huff ) « New Day » et « New World Comin' ». Tous les bénéfices de l’album et du single sont allés à un programme au profit des centres-villes à travers les États-Unis. Paul a suivi le succès de son single « Only the Strong Survive » et de « Let’s Clean Up the Ghetto » avec « Sooner or Later » morceau de son dernier LP. Pourtant, le morceau n’a pas réussi à se classer, tout comme « Don’t Give Up on Us » et « Everybody’s Breaking Up », qui a été officiellement publié au Royaume-Uni mais uniquement diffusé à la radio aux États-Unis.
Le dernier album studio de Paul pour Philadelphia International était First Class , sorti en 1979. C’était le premier album depuis ses débuts en 1968 Feelin ‘Good au Cadillac Club qui n’a fait ni les charts Pop ni Soul. Le premier single du LP « Bring the Family Back » n’a pas réussi à se classer, mais une version disco 12 « a atteint la 90e place du classement Soul et la 51e place du classement Dance. « False Faces » est également sorti en single et 12 » versions disco mais ni cartographié.
La course de Paul à Philadelphia International s’est officiellement terminée avec la sortie de 1980 Best of Billy Paul . Cette compilation à double album comprenait quatre titres inédits: « You’re My Sweetness », « Next to Nature », « What Are We Going to Do Now That He’s Back » et « My Old Flame ». La version britannique était un single LP intitulé Billy Paul’s Greatest Hits avec une liste de morceaux différente et une seule des « nouvelles » chansons : « You’re My Sweetness ». Cette chanson est sortie en single et a atteint la 69e place du classement Soul. Le dernier single de Paul pour Philadelphia International était une version éditée d’une chanson de son premier album de Philadelphia International Going East : « Jesus Boy (You Only Look Like a Man) »,
De nombreuses compilations « best of » du travail de Paul à Philadelphia International ont été publiées au fil des ans, bien que les critiques aient clairement indiqué que la plupart n’avaient pas réussi à capturer le bon équilibre entre les singles et les pistes d’album pour représenter pleinement la profondeur et l’étendue de sa production PIR. Par exemple, Andrew Hamilton d’ AllMusic a déclaré à propos de la collection Super Hits de 2002 : « Si vous n’avez pas vécu et ne mourez pas avec les albums de Billy Paul lorsqu’il les a sortis sur Philadelphia International Records, vous n’aurez aucune idée de ce que son les fans veulent entendre. Compiler un CD à partir des singles de Paul, c’est compiler une collection médiocre ; vous devez compléter les singles avec des coupes LP de choix. Et avec une brève collection de dix pistes comme celle-ci, En revanche, Jason Ankeny a déclaré que la compilation de 1999 Me & Mrs. Jones: Best of Billy Paul « va bien au-delà de la chanson titre classique en restaurant le chanteur sur le devant de la scène, mettant en valeur sa polyvalence via de superbes reprises de favoris pop… . [et] l’inclusion de succès dans les charts R&B… tout cela s’ajoute à un portrait définitif de Paul à son apogée. »
Paul a été sur le label Philadelphia International, en tout, pendant neuf ans et bien qu’il ait connu un succès considérable – en particulier avec « Me and Mrs. Jones » – les critiques s’accordent généralement à dire qu’il méritait mieux. Andrew Hamilton l’a dit sans ambages: « Gamble et Huff ont fait un travail horrible en choisissant les singles de Paul. De meilleurs choix, et sa carrière aurait pu être Hall of Famish. » De même, Jason Ankeny a écrit : » Trop facilement rejeté comme un peu plus qu’une merveille à un coup, Billy Paul était, en fait, l’un des talents les plus doués et les plus émouvants pour honorer l’écurie internationale de Philadelphie – le récipiendaire de certains de les productions les plus luxuriantes et les plus sophistiquées de l’équipe Gamble and Huff. Sa voix profondément soul a comblé le fossé entre le jazz et la soul,
Enregistrements en studio post-PIR
Paul a réalisé deux albums studio dans les années 1980. Le premier, Lately , est sorti en 1985 et était un changement musical dramatique par rapport à la luxuriante Philadelphia Soul de ses efforts précédents. Enregistré pour Total Experience Records de Lonnie Simmons , le synthétiseur et les pistes au clavier de l’album (typiques de la production musicale de l’époque) étaient plus proches du travail de Simmons avec le Gap Band et Yarbrough and Peoples qu’ils ne l’étaient du mur de musique orchestré par Paul dans les années 70. son. La chanson titre de l’album, une ballade, est sortie en single au Royaume-Uni mais n’a pas été enregistrée. Le single suivant – un slow jam appelé « Sexual Therapy » – s’en est mieux sorti, grimpant à la 80e place des charts britanniques.
Le dernier album studio de Paul était Wide Open en 1988 pour le label Ichiban . Semblable dans le style de production à sa version précédente, bien que peut-être un peu plus fluide, il a atteint la 61e place du classement Soul. Cependant, les singles » We Could Have Been » et » I Just Love You So Much » n’ont pas réussi à se classer.
Années de « retraite »
Paul a annoncé sa retraite en 1989 sur scène à Londres. Mais comme tant d’artistes avant lui, il n’a pas pu résister à la tentation de continuer à jouer des concerts et à enregistrer. En 2009, on lui a demandé comment il appréciait sa retraite dans le sud de Jersey : « Retired? Are you serious?
Après sa « retraite », Paul a régulièrement tourné aux États-Unis et à l’étranger en jouant dans de petits clubs, des salles de bal d’hôtels, des salles d’exposition de Las Vegas, des festivals de jazz et des théâtres. Lorsqu’on lui a demandé en 2012 si jouer à Philadelphie avait une signification particulière pour lui, il a déclaré: « J’essaie de me sentir à l’aise partout où je joue, mais ils appellent cela être un fils du pays et j’obtiens beaucoup de respect là-bas, donc c’est spécial. La réaction à l’international, c’est super aussi, donc même à Paris ou au Brésil, nous avons un super public. Des chansons comme Mrs. Jones sont énormes partout, donc je joue beaucoup à l’étranger.
En 2000, il sort un CD – Live World Tour 1999-2000 – sur son propre label, PhillySounds . Enregistré à São Paulo, Brésil; Paris, France; Bermudes et Philadelphie, il contenait les morceaux suivants : « Billy’s Back Home », « Love Buddies », « When Love is New », « This is Your Life », « Thanks for Saving My Life », « Let’s Get It On/ Que se passe-t-il ? », « La guerre des dieux », « Je crois que je peux voler », « Votre chanson », « Sans toi » et « Mr & Mrs Jones ». Deux ans plus tard, un spectacle complet de cette tournée est sorti en dehors des États-Unis sur le label PID. Intitulé Your Songs: Live in Paris , il a été enregistré en décembre 2000 lors d’un événement privé pour la chaîne de télévision RFM au Studio 287 à Paris, France. Il comprend les chansons « July, July, July, July », « Only the Strong Survive », » It’s Too Late », « Brown Baby », « Let ‘Em In », « It’s Critical », « False Faces » et « Let’s Clean Up the Ghetto », entre autres.
J’ai toujours travaillé dur pour créer mon propre style. Personne ne me ressemble. Je les ai entendus m’appeler « légendaire ». Cela fait du bien… même si le mot est surutilisé de nos jours.
-Billy Paul, 2009
Comme l’illustrent ces albums live, les listes de concerts de Paul étaient variées, contenant à la fois ses propres chansons ainsi que des reprises de morceaux de jazz, de soul, de rock et de pop. Par exemple, son émission du dimanche après-midi du 16 septembre 2001 au Gloria’s Seafood à Philadelphie présentait « Billy Boy », « Billy’s Back Home », « Just in Time », « Old Folks », « Sleeping Bee », « Ebony Woman », » Merci de m’avoir sauvé la vie « , » Love Buddies « , » April in Paris / I Love Paris » et » Moi et Mme Jones « .
Son émission du 12 juin 2011 à São Paulo, au Brésil, comprenait « Thanks for Saving My Life », « I Will Survive » (interprété par la choriste Anna Jordan), « Hello », « Purple Rain », « Smile », « Mme Robinson », « Votre chanson », « Moi et Mme Jones » et « Vous êtes si belle ».
Procès « Me et Mme Jones »
En 2000, Nike a commencé à diffuser une publicité mettant en vedette la star de l’athlétisme Marion Jones – le visage de l’équipe américaine pour les Jeux olympiques d’été de 2000 , remportant cinq médailles, qui lui ont toutes été retirées plus tard pour avoir triché. La campagne, intitulée « Mme Jones », a dépeint l’athlète comme un DJ à moitié caché parlant de questions telles que l’éducation et un meilleur salaire pour les athlètes féminines. L’annonce présentait également l’enregistrement en studio de Paul de » Me and Mrs. Jones « .Paul a vu la publicité et a contacté un avocat, qui a intenté une action devant un tribunal fédéral de Los Angeles contre la société de vêtements de sport et son agence de publicité, Wieden & Kennedy. Paul a demandé 1 million de dollars en frais de licence perdus, arguant que la société l’avait trompé en n’obtenant pas sa permission d’utiliser la chanson. Un porte-parole de l’agence de publicité a qualifié la décision de diffuser la chanson sans autorisation « d’erreur très stupide ».
Dans la foulée du costume Nike, Paul a ciblé son ancienne maison de disques pour des redevances impayées sur sa chanson signature. Il a affirmé qu’il n’avait pas reçu de relevé comptable de Philadelphia International Records depuis 27 ans et a poursuivi Assorted Music, ses propriétaires Kenny Gamble et Leon Huff et Sony Music Entertainment pour près d’un demi-million de dollars. Lors du procès de 2003 devant un tribunal de district fédéral de Los Angeles, Joseph E. Porter, l’avocat d’Assorted Music, a fait valoir que Paul ne devait qu’environ 27 000 $, expliquant que même si la société avait par erreur omis de percevoir les redevances étrangères appropriées sur le dossier, Paul devait en fait à la société environ 314 000 $ pour les coûts d’enregistrement et de production des 10 albums qu’il a réalisés pour Philadelphia International de 1971 à 1980.
Au final, le jury a délibéré pendant moins d’une heure et a conclu que Paul ne devait rien à l’entreprise. Au lieu de cela, ils lui ont accordé un demi-million de dollars en redevances impayées pour son enregistrement de » Me and Mrs. Jones « . Paul a déclaré à travers une déclaration publiée par son avocat: « Je suis si heureux que mon chemin vers la justice soit enfin terminé. J’attends depuis des années d’être payé pour mes enregistrements. » Seymour Straus, qui a témoigné au procès au nom de Paul a commenté: « Il n’y a aucun doute que les redevances de Billy Paul avaient été mal calculées pendant de nombreuses années. » Jay Berger de l’Artists Rights Enforcement Corporation a déclaré: « Cette affaire établit fermement les droits des chanteurs signés avec de petites sociétés de production de recevoir 50% de l’argent gagné par les grands labels qui distribuent les disques. » Chuck Rubin, le président des droits des artistes, a déclaré : « Les producteurs ne repartiront plus avec aucune des redevances de l’artiste. » L’avocat de Paul, Steven Ames Brown, a commenté : « Ce fut une victoire éclatante pour Billy. Le jury lui a accordé 12 000 $ de plus que ce que nous avions demandé. Les années de tromperie et d’excuses sont terminées et Billy Paul va désormais profiter des fruits de ses talents. . Les jurys de Los Angeles n’ont aucune patience pour les maisons de disques malhonnêtes. » Brown a ajouté: « Et Billy Paul était le meilleur ami de Kenny Gamble. Pouvez-vous imaginer ce qui aurait pu arriver aux autres? »
L’épouse et manager de Paul, Blanche Williams, a qualifié la décision de « victoire morale » et a eu des mots particulièrement durs pour Kenny Gamble et Leon Huff : « Le jury était… énervé par l’arrogance de G&H, la » comptabilité créative « faite par Sony, et de découvrir à quel point Sony et PIR ont sous-déclaré de manière flagrante et systématique les revenus de Billy… De plus, G&H devra nous payer des intérêts sur cet argent depuis 1994 (prescription). se percher.’ Gagner cette affaire ouvre la porte à tous les autres artistes dont les redevances ont été retenues ou sous-estimées pour aller en justice et demander justice, et savoir qu’ils ont de bonnes chances de gagner leur affaire. cauchemar. L’avalanche arrive.
L’ avocat de Gamble & Huff , Porter, a déclaré après le verdict : « Ce n’était qu’un problème de comptabilité. Personne n’a dit » vous m’avez trompé « . Bell & the Drells et les O’Jays qui ont également poursuivi Gamble & Huff pour des redevances impayées.
Long métrage
En 2009, le long métrage biographique Suis-je assez noir pour toi ? , réalisé par le réalisateur suédois Göran Hugo Olsson, est sorti. Attribuant trois étoiles au film, le magazine Uncut a déclaré : « Olsson a modelé son film sur Let’s Get Lost , le portrait de Chet Baker par Bruce Weber en 1989 , en disant : « Paul n’est certainement pas un demi-génie déchu à mettre aux côtés de Baker, mais il prouve un sujet engageant et articulé, avec une histoire qui remonte à jouer aux côtés de Charlie Parker, et parsemé des préjugés raciaux habituels. Sa carrière est, à sa manière, emblématique des luttes de l’Amérique noire au cours du dernier demi-siècle, y compris une descente dans la dépendance à la cocaïne et la récupération, toutes deux partagées avec sa femme, qui reste une présence excentrique et volontaire tout au long du film. Le couple se présente comme un Derby et une Joan jazzy. »
s très important car la relation que j’ai avec ma femme est basée sur la confiance. Je souhaite que tout le monde puisse avoir ce niveau dans sa vie… Je suis maintenant en paix avec moi-même, je pense que ce film a beaucoup fait pour moi car il m’a aidé à me débarrasser de beaucoup de démons.
Activité ultérieure
En 2011, Paul participe à un album de la chanteuse française Chimène Badi , enregistrant un duo avec elle sur la chanson Motown « Ain’t No Mountain High Enough ».
Pour marquer le 40e anniversaire de Philadelphia International Records , en 2011, Big Break Records au Royaume-Uni a commencé à remasteriser et à rééditer de nombreux albums sortis sur PIR, y compris les œuvres de Paul. Ils comprenaient de nouvelles notes de doublure, des interviews et des pistes bonus. Aux États-Unis, Legacy Recordings a publié Golden Gate Groove: The Sound of Philadelphia Live à San Francisco 1973 – un événement de la maison de disques enregistré le 27 juin 1973 à l’ hôtel Fairmont . Paul et d’autres groupes de PIR ont été soutenus par MFSB qui comprenait 35 musiciens dont Leon Huff à l’orgue. Les performances de Paul de » East » (10:21) et » Me and Mrs. Jones » (8:34) apparaissent sur l’album. Toute la musique Andy Kellman a attribué à la sortie 4,5 étoiles sur 5.
Prix et distinctions
En plus de recevoir le Grammy pour « Me and Mrs. Jones », Paul a remporté plusieurs prix Ebby décernés par les lecteurs du magazine Ebony ; a été récipiendaire d’un American Music Award , du NAACP Image Award et de nombreuses proclamations et clés de villes à travers les États-Unis. aul a reçu le prix AMG Favorite Retro Artist of the Year 2015, ainsi que le Sandy Hosey Lifetime Achievement Award lors de la diffusion des AMG Heritage Awards 2015 de la Artists Music Guild le 14 novembre 2015 à Monroe, North. Caroline .
En 2010, Questlove of the Roots a assimilé Paul à Marvin Gaye et Stevie Wonder , le qualifiant de « l’un des propriétaires criminellement non mentionnés de la musique socialement consciente des droits civiques post-révolution des années 60 « .
Mort
Paul est décédé l’après-midi du 24 avril 2016 à son domicile dans la section Blackwood du canton de Gloucester, New Jersey , d’ un cancer du pancréas à l’âge de 81 ans. Il est enterré au cimetière West Laurel à Bala Cynwyd, en Pennsylvanie, près de son compagnon de label Teddy Pendergrass.
Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/171857-Billy-Paul
BILLY OCEAN
Leslie Sebastian Charles , MBE (né le 21 janvier 1950), plus connu sous son nom de scène Billy Ocean , est un artiste britannique qui a eu une série de succès pop internationaux R&B dans les années 1970 et 1980. Il était l’auteur-compositeur-interprète britannique de R&B le plus populaire du début au milieu des années 1980. Après avoir marqué ses quatre premiers singles dans le top 20 britannique, dont deux succès n ° 2 en 1976 et 1977, sept ans se sont écoulés avant qu’il n’accumule une série de succès transatlantiques, dont trois numéros un américains. Son hit de 1985 » When the Going Gets Tough, the Tough Get Going » a atteint le n ° 1 au Royaume-Uni et le n ° 2 aux États-Unis. En 1985, Ocean remporte le Grammy Award de la meilleure performance vocale R&B masculine pour son tube mondial « Caribbean Queen (No More Love on the Run) » et en 1987, il a été nominé pour le Brit Award du meilleur artiste masculin britannique. Son hit de 1988 » Get Outta My Dreams, Get into My Car » a atteint le n ° 1 aux États-Unis et le n ° 3 au Royaume-Uni. Son tube de 1986 » There’ll Be Sad Songs (To Make You Cry) » a également atteint la première place aux États-Unis.
En 2002, l’ Université de Westminster, à Londres, a décerné à Ocean un doctorat honorifique en musique. En 2010, Ocean a reçu le Lifetime Achievement Award aux MOBO Awards. Le 29 juillet 2011, Ocean est devenu Compagnon du Liverpool Institute for Performing Arts, présenté par Sir Paul McCartney. Il est membre du mouvement Rastafari.
Première vie et célébrité
Ocean est né le 21 janvier 1950 à Fyzabad, Trinité-et-Tobago, de Hainsley Charles, un musicien grenadien et de sa femme Violet. Il a déménagé à Romford, en Angleterre, quand il avait dix ans, juste avant que Trinité-et-Tobago ne devienne indépendante en 1962. Il a été exposé à la musique dès son plus jeune âge. Durant son adolescence, il chante régulièrement dans les clubs londoniens tout en travaillant également comme tailleur à Savile Row à Londres . Il a été découvert par son premier manager, John Morphew, qui a enregistré un single double face A aux Pye Studios.à Londres avec un orchestre complet. Cependant, le style de chant ballade d’Ocean n’était plus à la mode et Morphew n’a pas pu obtenir de label majeur pour le sortir. Il reste inédit. Le père d’Ocean – qui avait contresigné le contrat de gestion car Ocean était mineur – a demandé à Morphew de le libérer du contrat d’enregistrement, ce qu’il a fait sans pénalité. En 1969, il rejoint un groupe local, les Shades of Midnight, jouant dans le quartier de Shoreditch à Londres. Il a enregistré son premier single, « Nashville Rain », accompagné de « Sun in the Morning » en 1971 pour Spark Records sous le nom de Les Charles, et pendant deux ans a dirigé un groupe de studio appelé Scorched Earth, avec qui il a sorti « On the Run » soutenu avec « Mettons nos émotions en mouvement » en 1974.
Dans une interview avec Myf Warhurst sur ABC Radio Melbourne, Ocean a déclaré que l’histoire de lui ayant pris son nom de scène du « Ocean Estate » local, Stepney dans l’East End de Londres , où il vivait à l’époque, était en fait pas exact. Selon l’interview, le nom est dérivé d’une équipe de football locale qui se trouvait dans sa ville natale à Trinité-et-Tobago, qui s’appelait « Oceans 11 ». En 1976, il enregistre son premier album studio, Billy Ocean , avec son premier single, » Love Really Hurts Without You « , se classant au n ° 2 du UK Singles Chart .et n ° 22 du Billboard Hot 100 américain . Il a connu le succès en club avec les chansons « Are You Ready » et « Stay the Night » de son deuxième album studio City Limit – qui ont tous deux été repris plus tard par La Toya Jackson. D’autres succès ont suivi, dont « LOD (Love on Delivery) ». Il a également écrit et composé des chansons pour d’autres artistes. En 1981, il a marqué le palmarès R&B américain avec « Nights (Feel Like Getting Down) ».
Succès international
Entre 1976 et 1982, Ocean a sorti quatre albums studio ( Billy Ocean , City Limit , Nights (Feel Like Getting Down) et Inner Feelings ) via son label GTO, dont aucun n’a remporté de succès sur les charts musicaux, à part son le plus grand single à ce jour, » Love Really Hurts Without You » de 1976, qui était un top 40 et un top 10 à la fois au Royaume-Uni (n ° 2) et aux États-Unis (n ° 22).
Lorsque Sony Music a acquis GTO Records en 1978, Ocean a été transféré à Jive d’ Epic, dans lequel il a connu une deuxième percée dans sa carrière au début des années 1980. La fin de 1984 a vu la sortie de son cinquième album studio Suddenly et son single principal, » Caribbean Queen (No More Love on the Run) » devenir des succès dans les charts. « Caribbean Queen » est devenu le premier single numéro un d’Ocean sur les palmarès US Billboard Hot 100 et Hot Black Singles à la fin de 1984, et l’album a fait ses débuts dans le top dix, culminant au n ° 9 sur le Billboard 200 américain et le tableau des albums britanniquessimultanément aux États-Unis et au Royaume-Uni. A soudainement atteint l’or au Royaume-Uni et a été certifié double platine par la Recording Industry Association of America (RIAA). Il a également enregistré avec Scott Walker en 1984, chantant des voix d’harmonie sur » Track Three » du onzième album studio de Walker, Climate of Hunter .
« Caribbean Queen » a remporté Ocean deux nominations aux Grammy Awards et a remporté le Grammy Award de la meilleure performance vocale R&B masculine aux Grammy Awards de 1985. Ocean a ensuite reçu son prix de Jeffrey Daniel du groupe vocal Shalamar sur 620 Soul Train , une incarnation britannique du spectacle de danse musicale américain Soul Train . La chanson titre de l’album est également devenue un succès, culminant au n ° 4 aux États-Unis et au Royaume-Uni et la chanson » Loverboy « , tout en étant également un succès n ° 2 aux États-Unis en 1985, a également été présentée dans la première scène du populaire Royaume-Uni. Série télévisée BBC One Casualty, en 1986. Ocean est apparu au Live Aid en 1985, chantant « Caribbean Queen » et « Loverboy », depuis le stade JFK de Philadelphie.
Son sixième album studio Love Zone (1986) s’est également bien vendu. Il comprenait les singles à succès » When the Going Gets Tough, the Tough Get Going « , le thème du film The Jewel of the Nile (1985); ce fut un succès n ° 1 au Royaume-Uni et un n ° 2 aux États-Unis; et » There’ll Be Sad Songs (To Make You Cry) » (un numéro 1 aux États-Unis, et aussi un grand succès au Royaume-Uni). La chanson titre et « Love Is Forever », qui étaient respectivement les 10e et 16e succès américains pour Ocean, étaient également inclus. Cela a également valu à Ocean une deuxième nomination pour la meilleure performance vocale R&B masculine aux Grammy Awards de 1987.
En février 1986, la vidéo d’Ocean pour « When the Going Gets Tough, the Tough Get Going » a été interdite par la BBC, en raison de membres non syndiqués tels que les acteurs américains Michael Douglas, Kathleen Turner et Danny DeVito, tous trois membres de la distribution de Romancing the Stone (1984) et The Jewel of the Nile (1985), mimant les chœurs. Aux Brit Awards de 1987 , Ocean a été nominé pour le Brit Award du meilleur mâle britannique.
Le prochain album studio d’Ocean, Tear Down These Walls (1988), comportait un autre single n ° 1, » Get Outta My Dreams, Get into My Car « , tandis que l’album était certifié platine.
Carrière ultérieure
Le huitième album studio d’Ocean Time to Move On (1993) n’a pas produit de succès majeurs, mais sa collection Greatest Hits de 1989 s’est vendue régulièrement au fil des ans, et son album de compilation de 1997 LIFE – Love Is for Ever a fait n ° 7 sur le Tableau des albums britanniques. Le dernier album studio d’Ocean pour Jive Records était Time to Move On , qu’il a enregistré à Chicago avec la star du R&B R. Kelly.
En 2002, l’ Université de Westminster à Londres a décerné à Ocean un doctorat honorifique en musique. La cérémonie de remise des prix a eu lieu au Barbican Centre, à Londres. Il continue de tourner et d’enregistrer en Europe. Ocean est maintenant un mécène des écoles de musique Tech à Londres, composées de Drumtech, Vocaltech, Guitar-X et Keyboardtech. Il se rend régulièrement pour organiser des cliniques et des séminaires pour les étudiants.
En 2004, « Caribbean Queen » a été réédité en tant que single numérique pour son 20e anniversaire, atteignant la 25e place du palmarès des singles numériques Billboard et recueillant des émissions de radio à travers les États-Unis et le Royaume-Uni. Un remix du single de will.i.am est sorti en 2005.
En février et mars 2008, il a effectué une tournée en Australie et en Extrême-Orient. Son neuvième album studio Because I Love You est sorti le 2 février 2009.
En avril 2010, un album de compilation de 18 titres est sorti au Royaume-Uni par Sony Music intitulé The Very Best of Billy Ocean pour se rattacher à une tournée de 30 dates au Royaume-Uni et en Irlande. Présentant les plus grands succès d’Ocean, l’album a fait ses débuts dans le classement britannique des albums au n ° 17.
En octobre 2007, Ocean a commencé sa première tournée au Royaume-Uni en plus de 15 ans.
Le 20 octobre 2010, Ocean a reçu le Lifetime Achievement Award aux MOBO Awards à Londres. Le 29 juillet 2011, Ocean est devenu Compagnon du Liverpool Institute for Performing Arts. Son titre a été présenté par l’ancien Beatle Paul McCartney.
En 2012, Ocean a fait une apparition dans la comédie britannique Keith Lemon: The Film en tant que père de Lemon . En janvier 2016, Ocean est apparu sur The Tonight Show avec Jimmy Fallon pour interpréter certains de ses succès classiques dans le cadre d’une tournée promotionnelle pour son nouvel album. Ocean a fait une tournée au Royaume-Uni en mars et avril 2017.
Ocean a enregistré un nouvel album studio à la mi-2019 aux Eve Studios à Stockport, travaillant à nouveau avec le producteur Barry Eastmond en tant que co-scénariste. L’album, One World , devait sortir le 17 avril 2020. Après un délai, il est sorti plus tard le 4 septembre 2020.
Vie personnelle
Ocean vit à Sunningdale, Berkshire, Angleterre, avec sa femme Judy, depuis 1978. Ils ont trois enfants. Son fils a joué au rugby à sept aux Jeux du Commonwealth de 2014 pour la Barbade.
Ocean a décidé de devenir végétarien après la perte de sa mère en 1989, décédée d’ un cancer de l’ovaire.
Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/77019-Billy-Ocean
BILLY JOEL
William Martin Joel, plus connu sous le nom de Billy Joel, né le 9 mai 1949 dans le quartier du Bronx à New York, est un pianiste, chanteur et auteur-compositeur américain. Il démarre dans la pop music en 1973 avec le disque Piano Man. Musicien de talent, il a gagné pas moins de six Grammy Award durant sa carrière, mise entre parenthèses depuis 1993.
Selon la RIAA, ses albums sont certifiés à hauteur de 69,69 millions d’unités vendues aux États-Unis. Il continue à parcourir le monde pour se produire en public.
Biographie
Enfance
Son titre Leningrad résume en quelques mots son enfance. Il naît en plein milieu de la Guerre froide, du temps de McCarthy (en référence au fort mouvement anticommuniste de l’époque). Il habitait le sud du Bronx, qui était alors un quartier moderne à majorité blanche.
Il a une sœur et un demi-frère.
Après le Bronx, il déménage avec sa famille pour Long Island, ensuite Levittown puis Hicksville2, deux villes de classes ouvrières dans le comté de Nassau. Son père, Howard Joel est un réfugié juif en provenance d’Allemagne. Sa mère, Rosalind Nyman est née en Angleterre de famille juive agnostique. Son père retourne en Europe de l’Est après avoir divorcé de Rosalind. Le demi-frère de Billy s’appelle Alexander et est également musicien.
Durant son enfance, il montre un grand intérêt pour la musique, particulièrement la musique classique. Il prend des leçons de piano depuis un très jeune âge, son intérêt pour la musique classique lui vaudra d’être régulièrement maltraité par les enfants de son âge, plus intéressés par le sport et le rock and roll.
Souvent malmené, Billy décide de suivre des cours de boxe pour pouvoir se défendre. Il boxa un temps, dans le tournoi « golden gloves » mais abandonne rapidement le sport pour se consacrer à sa future carrière musicale.
Études
Billy Joel fréquente un lycée de Hicksville et doit recevoir son diplôme en 1967. Durant cette période, il est régulièrement engagé comme musicien professionnel pour donner des concerts et il manque beaucoup de sommeil. Il arrive souvent en retard et finalement, lors du décompte des absences, il s’avère qu’il lui manque un cours de gymnastique pour l’obtention de son diplôme. Pour obtenir celui-ci, il doit suivre des cours pendant l’été. Il décide de ne pas s’astreindre à cette obligation et lors d’une interview à un journaliste, il lui dit : « Je ne vais pas à l’université Columbia, je vais à Columbia records ».
Il quitte les bancs d’école pour suivre sa carrière musicale. En 1992, on lui retire l’obligation de suivre des cours de gymnastique. 25 ans après avoir quitté le lycée, il obtient son diplôme lors d’une cérémonie à Hicksville.
Premiers pas dans la musique
Il rejoint le groupe The Echoes à l’âge de quatorze ans. Dans les années 1960, il joue en concert avec un groupe de Long Island, les Hassles connaissant un bon succès localement (Every Step I Take, You Got Me Hummin’). Ensuite, il forme le groupe Attila avec le batteur des Hassles, Jon Small. Attila enregistre un seul album, un LP sorti en 1970 (Epic E 30030) comportant 8 titres :
- Face A : 1) Wonder Woman 2) California Flash 3) Revenge is Sweet 4) Amplifier Fire : Part 1 Godzilla, Part 2 March of the Huns ;
- Face B : 1) Rollin’ Home 2) Tear This Castle Down 3) Holy Moses 4) Brain Invasion.
Tous les titres sont composés par William Joel & Jonathan Small. Il obtiendra un bon succès mais le groupe se disloquera peu après. Joel tombe alors en dépression. Souhaitant en finir avec la vie, il est admis au Meadowbrook Hospital après avoir ingéré un produit de polissage pour meubles. Cet épisode malheureux de sa vie est raconté dans sa chanson Tomorrow is Today.
Sa carrière en solo
Premiers albums 1970–1976
Cold Spring Harbor (1971)
Billy Joel signe sa première chanson avec Artie Ripp et enregistre son premier album solo avec le label Family Productions. Cold Spring Harbor (en référence à une ville de Long Island du même nom) est enregistré en 1971. L’album sera mixé à la mauvaise vitesse et l’album vendu avec ce défaut, au grand dam du musicien.
Le contrat qui lie Billy Joel avec la Family Productions ne lui apporte que très peu d’argent provenant de la vente des disques. Joel part pour Los Angeles en Californie avec Elizabeth Weber, joue sous le nom de Bill Martin et se marie avec elle en mai 1971. De cette union naîtront des tubes tels que She’s Got a Way ou encore Everybody Loves You Now enregistré dans l’album Executive Lounge sans avoir réellement de succès. En 1981, lors d’un enregistrement en Live, ces deux tubes rejoignent l’album Song in the Attic.
Cold Spring Harbor sera réenregistré en 1983 et aura un énorme succès.
Piano Man (1973)
Son expérience à Los Angeles le rapproche de Columbia Records, qui obtiendra d’Artie Ripp l’annulation du contrat à la condition que le logo de « Family Productions » apparaisse à côté du logo de la Columbia sur les cinq prochains albums, en plus d’une large compensation financière.
Son bref passage à Los Angeles lui inspire la chanson Piano Man et l’album du même nom sera enregistré à la fin 1973. Il s’en vendra plus de 5 millions d’exemplaires. L’annulation du contrat avec Artie Ripp lui coûtera beaucoup d’argent et les ventes de ce disque d’or ne lui rapporteront que 7 000 dollars.
Streetlife Serenade (1974)
Billy Joel reste à Los Angeles pour écrire Streetlife Serenade, son deuxième album sous le label Columbia. On retrouve des références à la ville et sa banlieue dans l’album. Le titre phare de cet album est The entertainer qui reprend les thèmes de Piano Man. Billy Joel était dérangé par les réarrangements significatifs effectués sur Piano Man pour qu’il passe mieux à la radio, et dans The Entertainer, il crache dans sa soupe avec des paroles sarcastiques comme « If you’re gonna have a hit, you gotta make it fit, so they cut it down to 3:05 » (« Si tu fais un tube, tu devras le couper, pour qu’ils le fassent tenir en 3:05 »).
Turnstiles (1976)
En 1976, Billy Joel sort Turnstiles, un titre approprié pour cet album sur les transitions géographiques et professionnelles (turnstiles veut dire tourniquet en anglais). Écrit pour marquer le retour de Billy Joel sur la côte Est après avoir passé trois ans en Californie, le premier titre Say Goodbye to Hollywood montre que Billy Joel prend un nouveau départ. Malgré I’ve Loved These Days, chanson parlant avec regret d’un Los Angeles du début des années 1970, Turnstiles rend clair le retour de Billy Joel au bercail. En effet, New York State of Mind, une chanson d’amour sur la ville natale de Billy Joel est devenue un classique.
Dans Turnstiles, Billy Joel utilise ses propres musiciens dans le studio pour la première fois, et il a plus de contrôle, produisant lui-même son album. Ces prises de risques ont payé, l’album donne beaucoup plus l’impression d’un live que les albums précédents. Néanmoins, la signature de Billy Joel empreinte de cynisme continue de s’exprimer à travers des morceaux tels que Angry Young Man, une chanson qui deviendra un pilier de ses concerts durant des années, en partie grâce à son prélude au piano qui l’introduit.
La décennie 70 et la seconde moitié de la suivante ont coïncidé avec sa période d’apogée. New York State Of Mind, The Stranger, Just the Way You Are, Honesty, My Life et Uptown Girl sont ses tubes les plus mémorables.
Vers la célébrité, 1977–1981
The Stranger (1977)
Pour l’album The Stranger, Billy Joel s’associa au producteur Phil Ramone. Quatre titres de ce disque apparurent dans le Top 40 aux États-Unis, les ventes dépassant celles de l’album de Simon et Garfunkel Bridge Over Troubled Water, le titre le mieux vendu auparavant par Columbia Records. Ce fut le premier album de Billy Joel à entrer dans le Top 10, montant jusqu’à la deuxième place des albums les plus vendus à l’époque. Phil Ramone fut reconduit pour produire tous les albums studio de Billy Joel jusqu’à Storm Front sorti en 1989.
The Stranger permit à Billy Joel de remporter deux Grammy Awards : l’un pour meilleur album, l’autre pour meilleure chanson pour Just the Way You Are, une chanson écrite pour sa femme Elizabeth. Sa chanson Vienna peut être entendue dans le film 30 ans sinon rien avec Jennifer Garner et Mark Ruffalo.
52nd Street (1978)
Billy Joel était attendu au tournant pour son prochain album. 52nd Street représentait une journée passée à Manhattan, et tirait son nom de la rue dans laquelle étaient les bureaux de Columbia Records’. Plus de sept millions d’exemplaires furent vendus, notamment grâce aux succès des titres My Life, Big Shot et Honesty. 52nd Street fut ainsi classé no 1, une première pour Billy Joel. My Life fut choisi comme générique de la sitcom, Bosom Buddies, dans laquelle on peut entre autres retrouver Tom Hanks dans l’un de ses premiers rôles. 52nd Street fut le premier album à sortir en disque compact au Japon en 1982. 52nd Street fut récompensé par 3 Grammy Awards : meilleure performance vocale pop, meilleur artiste masculin et meilleur album.
Glass Houses (1980)
Après de nombreuses critiques sur des chansons comme Just the Way You Are, She’s Always a Woman ou Honesty, Billy Joel est jugé par de nombreuses critiques comme un « petit rocker ». Trouvant cela injuste et insultant, il décide alors d’enregistrer un album, Glass Houses, afin de prouver qu’il pouvait faire un album plus « rock ».
Glass House est le premier album de Billy Joel à être no 1 dans le Billboard chart. Il y reste pendant six semaines grâce à des titres comme You May Be Right (7e, mai 1980), Don’t Ask Me Why (19e, septembre 1980), Sometimes A Fantasy (36e, novembre 1980), et surtout It’s Still Rock And Roll To Me, qui sera le premier titre de Billy Joel à être no 1 au Billboard chart pendant deux semaines.
Il remporta le Grammy Award de meilleure performance vocale rock, ainsi que le American Music Award de meilleur album pop/rock.
Songs in the Attic (1981)
Son album suivant, Songs in the Attic, fut produit à partir de morceaux peu connus de son début de carrière joués en concert. Il fut enregistré pendant une tournée dans des salles et des clubs en juin et juillet 1980.
She’s Got a Way (de l’album Cold Spring Harbor) et Say Goodbye to Hollywood (de l’album Turnstile) seront les seules singles de l’album et atteindront la 23e et 17e places respectivement dans le Billboard Chart.
Le succès 1982–1986
The Nylon Curtain (1982)
The Nylon Curtain est souvent considéré comme l’album le plus ambitieux de Billy Joel. Il commença à y travailler au printemps 1982 lorsqu’il eut un accident de voiture. Un chauffard ayant grillé un feu rouge percuta Billy Joel alors que celui-ci était à moto. Son poignet gauche fut cassé et sa main sérieusement blessée. À cause des opérations et de la convalescence d’un mois nécessaire, la production de l’album fut interrompue le temps qu’il guérisse.
Le 30 décembre 1982, Billy Joel enregistra son premier concert sur vidéo : Live on Long Island, enregistré au Nassau Coliseum à Uniondale (New York).
Le 20 juillet 1983, Billy Joel et sa femme Elizabeth Weber divorcèrent : Elizabeth obtint alors la moitié de la fortune du chanteur. Pendant ce temps, The Nylon Curtain arriva 7e des meilleures ventes, notamment grâce aux chansons Allentown, Goodnight Saigon et Pressure. Allentown arriva 17e du Top 100 de l’époque, devenant ainsi l’une des chansons les plus jouées à la radio en 1982. L’intro de Pressure est reprise pour le générique de début du jeu Génies en herbe diffusé en 1986 sur FR3.
Après la fin de sa tournée ayant suivi la sortie de l’album, Joel se retira sur l’île de Saint-Barthélemy pour se reposer. C’est au bar de l’hôtel qu’il rencontra la mannequin Christie Brinkley, qui venait de divorcer. Ils se rapprochèrent, puis finirent par se marier le 23 mars 1985.
An Innocent Man (1983)
La chanson Uptown Girl fut l’une des premières chansons écrites au retour des vacances de Joel. Uptown Girl a été conçue comme une interrogation à haute voix de Joel sur les raisons qui poussaient la magnifique Christie Brinkley à rester avec un homme comme lui. Cette chanson est devenue un succès mondial dès sa sortie, et fut le seul titre de Joel à avoir été no 1 au Royaume-Uni. L’album résultant, An Innocent Man, réalisé comme un hommage à la musique « doo-wop » des années 1950, fut classé 4e des meilleures ventes aux États-Unis et 2e en Angleterre, grâce notamment à la présence de six de ses chansons dans le Top 30 des charts américains qui sont Leave a Tender Moment Alone (27e), Keeping the Faith (18e), The Longest Time (14e), An Innocent Man (10e), Uptown Girl (3e) et Tell Her About It (1er).
L’album fut également nommé pour le Grammy du meilleur album de l’année, mais il perdit face à Thriller de Michael Jackson.
Greatest Hits Vol. 1 and 2 (1985)
Après le succès de An Innocent Man, Joel avait été consulté pour produire un album de ses meilleurs titres. Ce n’était pas la première fois que ce sujet était abordé, mais Joel avait au commencement considéré la réalisation de compilations de ses meilleurs titres comme sonnant la fin de sa carrière. Cette fois, il accepta, et Greatest Hits Vol. 1 et 2 sorti dans un format deux disques deux faces ou 2 CD, avec les chansons dans leur ordre de création. Les nouvelles chansons You’re Only Human (Second Wind) et The Night Is Still Young ont été enregistrées et diffusées pour soutenir l’album.
Greatest Hits remporta un franc succès, se vendant à plus de vingt millions d’exemplaires dans le monde devenant le double album le plus vendu de tous les temps par un artiste solo, seul The Wall de Pink Floyd et L’« album blanc » des Beatles ayant fait mieux. Jusqu’ici c’est le 6e album le plus vendu dans l’histoire américaine de musique selon la RIAA.
Coïncidant avec la sortie de Greatest Hits, Joel sort une compilation des vidéos promotionnelles qu’il avait enregistrées de 1977 à 1985. En plus de vidéos pour accompagner certains morceaux des Greatest Hits, Joel enregistra également un clip de son premier succès : Piano Man.
Deux versions de Greatest Hits sortirent en CD : l’une en 1985 et l’autre en 1998. Bien qu’ayant toutes les deux la même trame générale, on peut néanmoins noter quelques légères différences :
- Bien que tous les titres les plus longs soient intacts (comme Piano Man, Captain Jack ou Goodnight Saigon), d’autres chansons plus courtes (Pressure, Just The Way You Are ou encore My Life) ont été raccourcies de manière significative dans la version de 1985. Pourtant, le livret accompagnant l’album liste l’ensemble des paroles, même celles tronquées. Ces chansons sont en version intégrale dans la version de 1998.
- Dans l’album de 1985, c’est la version live de Say Goodbye to Hollywood sur Songs in the Attic qui est utilisée alors que c’est la version de l’album Turnstiles qu’on peut entendre sur la compilation de 1998.
- La version de 1998 a une qualité de son améliorée, grâce aux progrès technologiques faits depuis la première sortie.
The Bridge (1986)
Billy Joel venait de remporter un vif succès avec Modern Woman de la bande originale du film Y a-t-il quelqu’un pour tuer ma femme ? (Ruthless People) (avec Bette Midler, Danny DeVito et Judge Reinhold) quand il commença à travailler sur l’album The Bridge au début de 1986. Ray Charles apporta sa contribution à la chanson Baby Grand, et Steve Winwood joua de l’orgue sur Getting Closer. Cyndi Lauper a aussi contribué à cet album en faisant partie des chœurs.
Bien que faisant partie des dix albums les plus vendus du moment, The Bridge n’eut pas autant de succès que certains autres de ses albums. Quelques chansons sortirent néanmoins du lot : la ballade This is the Time est un classique des bals de fin d’année ; et Modern Woman, pourtant considérée par Billy Joel lui-même comme ne méritant pas d’attention, rencontra un vif succès dans sa forme single.
C’est à cette époque que Billy participa au dessin animé de Disney Oliver et Compagnie, sorti en 1988, dans lequel il double le chien Dodger (Roublard en français). Il enregistra également une chanson spécialement pour le film Why Should I Worry ?. Billy Joel expliqua avoir accepté ce rôle par amour pour les films de Walt Disney lorsqu’il était enfant.
La période soviétique, 1987–1989
Pendant la tournée suivant la sortie de The Bridge, Joel et ses musiciens commencèrent à prévoir une tournée dans l’Union soviétique à l’été 1987, une première pour un artiste rock américain depuis la construction du mur de Berlin. Et donc, en juin 1987, six concerts eurent lieu, trois à Moscou et trois à Leningrad, tous filmés et radiodiffusés.
КОНЦЕРТ (1987)
L’album КОНЦЕРТ, « concert » en russe, paraît à l’automne 1987. Billy Joel aurait perdu environ 1 million de dollars pour la tournée, mais il déclara ne pas regretter ce déficit au vu de l’hospitalité dont les Russes avaient fait preuve.
Derniers albums 1989–1994
Storm Front (1989)
La chanson We Didn’t Start the Fire, le premier single de l’album Storm Front, sorti en septembre 1989, et devint rapidement la 3e chanson de Billy Joel numéro 1 aux États-Unis.
Storm Front sorti en octobre 1989, et devint finalement le premier album de Billy Joel à être numéro 1 aux États-Unis depuis Glass Houses, neuf années auparavant. Storm Front fut le premier album depuis Turnstiles à ne pas avoir été enregistré avec Phil Ramone en producteur. Pour cet album, il voulait un nouveau son, et s’entoura donc de Mick Jones du groupe Foreigner et de la musicienne Crystal Taliefero (qui devint finalement sa directrice musicale). Hormis We Didn’t Start the Fire, l’album comportait aussi la chanson Leningrad, écrite après une rencontre avec un clown dans la ville soviétique lors de la tournée en URSS.
En 1992, Billy Joel poursuivit son ancien manager et ex-beau-frère Frank Weber (frère de son ex-femme Elizabeth) pour diverses fraudes de comptabilité. L’affaire fut réglée à l’amiable.
River Of Dreams (1993)
Billy Joel commença à travailler sur River Of Dreams au début de 1993. La couverture de l’album était une peinture de Christie Brinkley représentant chacune des chansons du disque. La chanson éponyme River Of Dreams (In the Middle of the Night) eut un énorme succès international et fut la dernière de Joel à entrer dans le top 10.
Une vie plus calme : de 1994 à aujourd’hui
En août 1995, le bassiste de Billy Joel, Doug Stegmeyer se suicide dans sa maison de Long Island. Stegmeyer avait participé à tous les albums de Joel de Turnstiles à The Bridge.
En 1999, Billy Joel se produit au Madison Square Garden (New York) à la veille du nouveau millénaire. Le concert dure près de quatre heures et est ensuite commercialisé sous le titre 2000 Years : The Millennium Concert.
En 2001 paraît l’album Fantasies & Delusions, une compilation de morceaux de piano, tous composés par Billy Joel et interprétés par Richard Joo. Billy Joel utilise d’ailleurs souvent des extraits de ces morceaux comme interludes entre ses chansons en concert. L’album est le plus vendu des albums classiques du moment.
Billy Joel effectue de nombreux concerts avec Elton John dans une tournée intitulée Face to Face, durant laquelle les deux chanteurs interprètent leurs chansons, seuls ou en duo.
En 2005, Columbia sort un coffret, My Lives, qui est dans une large mesure une compilation d’inédits, de face-B et de versions live de tubes de Joel. On y trouve le logiciel Umixit, grâce auquel il est possible de remixer avec son PC Zanzibar, Only The Good Die Young, Keepin’ The Faith, et des versions live de I Go To Extremes et Movin’ Out (Anthony’s Song). Un DVD de la tournée River of Dreams est également inclus.
Le 7 janvier 2006, Billy Joel entame une nouvelle tournée à travers les États-Unis. N’ayant pas écrit de nouvelles chansons, ses concerts reposent sur de nouvelles versions de toutes ses chansons, y compris les tubes. Douze concerts à guichets fermés ont lieu au Madison Square Garden (un record, le précédent tenant du titre étant Bruce Springsteen avec onze concerts), concerts desquels sont extraites les chansons de l’album 12 Gardens : Live, sorti en juin 2006. Billy Joel s’arrête aussi au Royaume-Uni et en Irlande pour la première fois depuis de nombreuses années.
Le 4 février 2007 à Miami, Billy Joel devint le premier chanteur à avoir interprété deux fois l’hymne national américain avant la finale du Super Bowl, il avait déjà participé à cet événement en 1989 (à Miami également).
Il invite Paul McCartney, Tony Bennett et plusieurs autres vedettes pour un dernier concert donné au mythique Shea Stadium de New York en juillet 2008, un mois avant sa démolition. Le documentaire The Last Play at Shea est produit en 2010 et le 11 mars de l’année suivante sort un double album live intitulé Live at the Shea Stadium.
Le 3 décembre 2013, Billy Joel annonce qu’il fait du Madison Square Garden sa résidence, en effet, il joue depuis le 27 janvier 2014 un concert par mois. Il entame depuis cette fin d’année de 2013 une tournée aux États-Unis et au Canada, remplissant des salles comme le Carrier Dome à Syracuse en mars 2015, la Barclays Center pour le nouvel an de 2014 ou encore à la Nassau Coliseum en août 2015, salle importante pour l’artiste, ayant été un des plus grands locataires, notamment un concert en 1982 pour son premier « live » filmé.
Billy Joel devient le chanteur s’étant le plus produit au Madison Square Garden avec 65 concerts le 1 juillet 2015, battant ainsi l’ancien record d’Elton John (64 concerts).
Paroles de ses chansons
Les paroles des chansons de Billy Joel comportent de très nombreuses références à des lieux de New York, et en particulier Long Island. Par exemple, la ligne « Miracle Mile » de la chanson It’s Still Rock & Roll to Me fait référence au quartier très commerçant du Northern Boulevard de Manhasset.
Plusieurs de ses chansons viennent de son expérience personnelle, comme Piano Man, dans laquelle il décrit son travail comme pianiste de bar à Los Angeles dans les années 1970. Sa chanson Vienna fut écrite en référence à une de ses visites à son père en Europe.
À l’inverse, et contrairement à une rumeur persistante, la chanson Big Shot ne résulte pas d’un rendez-vous raté avec l’ancienne femme de Mick Jagger, Bianca.
Influences
En plus d’une grande parenté stylistique et vocale avec Paul McCartney et avec les Beatles, sa musique reflète des influences de très nombreux genres musicaux différents comme la musique classique, le doo-wop, le rock, le jazz, le blues, le punk, le ska, le gospel, la pop et même les chansons folkloriques russes. Cela a contribué à son succès pendant une longue période, mais a aussi rendu difficile son classement dans un genre musical unique.
Le groupe
Dans le milieu des années 1970, la composition du groupe de musiciens accompagnant Billy Joel se stabilisa. Les musiciens principaux étaient :
- Billy Joel – chant, piano, orgue
- Russell Javors – guitare
- David Brown – guitare
- Doug Stegmeyer – basse
- Richie Cannata – saxophone, flûte, clarinette, orgue
- Liberty DeVitto – batterie
Ce fut également la composition du groupe pour l’album live Songs In The Attic.
Dans les années 1980 et 90, le groupe changea radicalement. Au moment de la tournée River of Dreams (1993), seul DeVitto faisait encore partie du groupe. Les multi-instrumentistes Crystal Taliefero et Mark Rivera rejoignirent le groupe duquel ils font d’ailleurs toujours partie. Rivera réussit à prendre le relais de Cannata sur le solo de saxophone de la chanson New York State of Mind, qu’il joua d’ailleurs lors de l’enregistrement de Greatest Hits. Dave Rosenthal quant à lui rejoint le groupe aux claviers, et est lui aussi toujours dans le groupe. Tommy Byrnes joua régulièrement de la guitare pour Joel, et fut l’un des conseillers musicaux pour la comédie musicale de Billy Joel Movin’ Out. Pour la tournée de 2006, Billy Joel n’invita pas DeVitto pour jouer des percussions : c’est Chuck Burgi (de la production de Movin’ Out) qui le remplaça. Richie Cannata était au saxophone, accompagné de Mark Rivera et Crystal Taliefero.
Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/137418-Billy-Joel
BILLY IDOL
William Broad, dit Billy Idol, est un chanteur de rock britannique, né le 30 novembre 1955 à Stanmore dans le Middlesex en Angleterre.
Il rejoint brièvement le groupe Siouxsie and the Banshees en 1976 avant d’intégrer comme guitariste en 1977 le groupe punk Chelsea, qui deviendra Generation X après le départ de son leader Gene October dont il récupère la place de chanteur-leader. Dans les années 1980, après la séparation du groupe, il entame avec succès une carrière solo internationale dans un style plus new wave.
Biographie
Enfance et débuts
William Broad est âgé de deux ans lorsque, avec ses parents et sa sœur Jane, il arrive aux États-Unis pour y vivre le rêve américain ; la famille emménage à Long Island (New York). Mais ils repartent au Royaume-Uni au bout de quatre ans. Billy gardera néanmoins un bon souvenir des voitures et des musiques américaines.
Encore lycéen, il émerge sur la scène musicale avec son premier groupe, The Rockettes. Son surnom de « Idol », qui fera son succès, lui vient de l’un de ses enseignants qui le traitait de fainéant (« Idle » en anglais, qui se prononce comme « idol ») ; il rajoute un « o » pour que cela se prononce mieux.
Carrière artistique
Années 1970-80 : succès mondial
En 1976, le jeune Billy quitte l’Université du Sussex pour intégrer le mouvement punk et plus particulièrement le Bromley Contingent, groupe de fans et suiveurs des Sex Pistols, proches de la boutique SEX de Vivienne Westwood, qui inspire et diffuse l’esthétique punk, et de Malcolm McLaren, le manager des Sex Pistols.
La plupart des membres du Bromley Contingent finissent par monter leur propre groupe et Billy Idol, après avoir rejoint Chelsea, fonde avec son bassiste Tony James Generation X, en référence à la génération sociologique des occidentaux nés entre 1960 et 1981, intercalée entre celle des baby boomers et la génération Y. Generation X sera l’un des tout premiers groupes punk à apparaître sur la BBC Television dans le programme musical Top of the Pops.
Après l’échec commercial du 3e album de Generation X en 1981, et alors que la vague punk est en train de s’essouffler, le groupe se sépare et le chanteur décide de partir aux États-Unis pour tenter l’aventure solo. Il s’installe à New York et travaille avec Bill Aucoin, le producteur du groupe glam-hard Kiss qui rencontre alors un énorme succès aux États-Unis. Sa rencontre avec le guitariste Steve Stevens et l’explosion de la télévision musicale avec les clips de MTV qui tournent en boucle lui amènent rapidement un énorme succès.
Son premier album sort en 1982 et reste deux années dans les charts, grâce entre autres au titre White Wedding. Cependant, c’est son deuxième album Rebel Yell qui lui ouvre les portes de la notoriété, avec plus de deux millions d’exemplaires vendus. Suivent les deux albums à succès, Whiplash Smile en 1986 et Charmed Life en 1990.
Années 1990 : les années difficiles
En 1990, un grave accident de moto oblige Billy Idol à rester alité pendant près de six mois, réduisant à néant ses chances de tenir le rôle du méchant Terminator T-1000 que James Cameron avait spécialement écrit pour lui pour le film Terminator 2. On le voit d’ailleurs boiter dans le film The Doors d’Oliver Stone.
En 1993, il connaît son premier échec commercial avec Cyberpunk, album techno-rock réalisé après avoir participé à une partie de jeu de rôle du même nom. L’album recevra néanmoins de très bonnes critiques de la part d’une nouvelle clientèle, les « rôlistes », qui l’apprécient pour son ambiance très proche du jeu, permettant ainsi de le faire tourner durant les parties. En 1994, il frôle la mort à la suite d’une surdose et, de cures de désintoxication en rechutes, reste discret jusqu’en 1998 où il fait une apparition dans le film Wedding Singer : Demain, on se marie ! de Frank Coraci. En 1999, il sort une compilation pour marquer son retour et alterne scène et doublages de films.
Années 2000-2010 : tentatives de retour
En 2005, Billy Idol fait son retour avec la sortie de l’album Devil’s Playground, qui est un retour aux sources musicales.
En 2014, il sort un autre album studio, Kings & Queens of the Underground, porté par le single Can’t Break Me Down qui sera suivi par Save Me.
En 2015, il est présent au Hellfest pour la première fois et au Zénith de Paris. Son dernier concert en France datait de 1993 en première partie de Bon Jovi.
Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/46373-Billy-Idol
BILLY GRIFFIN
William L. Griffin (plus connu sous le nom de Billy Griffin) (né le 15 août 1950) est un chanteur et auteur-compositeur américain. Il est surtout connu pour avoir remplacé Smokey Robinson en tant que chanteur principal de The Miracles en 1972.
Biographie
Griffin est né et a grandi à West Baltimore, Maryland. Il a fréquenté le Garrison Junior High School et le Forest Park High School. Lui, comme son frère Donald Griffin (1955-2015), (qui a remplacé plus tard Marv Tarplin dans les Miracles), était un guitariste, ainsi qu’un chanteur, et a chanté avec un groupe local de Baltimore appelé The Last Dynastie. Damon Harris, qui devint plus tard célèbre en tant que membre de The Temptations, était un ami du lycée et membre d’un autre groupe local, les Young Tempts (plus tard rebaptisé The Young Vandals). Griffin idolâtrait le chanteur de Miracles, Smokey Robinson, tandis que Harris idolâtrait Temptation.Eddie Kendricks. Tous deux ont fini par remplacer leurs idoles dans leurs groupes respectifs.
Griffin et trois amis ont formé le groupe Last Dynasty et ont remporté un programme de talents sur NBC Television.
Lors de la tournée nationale d’adieu de The Miracles en 1972 avec Smokey Robinson, Griffin a été présenté par Robinson comme son remplaçant dans The Miracles en tant que chanteur principal. Après un an de woodshedding avec le célèbre département de développement des artistes de Motown, Griffin a sorti son premier single avec les Miracles, « What Is a Heart Good For », de leur premier album post-Robinson, Renaissance en 1973. Griffin a chanté cette chanson sur son premier apparition à la télévision nationale en tant que Miracle avec les autres membres du groupe The Miracles, Bobby Rogers, Ronnie White et Pete Moore dans un autre programme musical de NBC, The Midnight Special, en 1973, animé par Robinson. Le single a été retiré et remplacé par une ballade, » Don’t Let It End (Till You Let It Begin) « , qui a été un léger succès. Après un deuxième single, » Give Me Just Another Day « , sorti plus tard cette année-là, sous la direction de Martin Pichinson, The Miracles sort » Do It Baby » en 1974, qui culmine à la 4e place du palmarès Billboard R&B et devient le premier véritable succès du groupe avec Griffin.
Comme Robinson avant lui, Griffin a co-écrit de nombreuses chansons des Miracles, en plus de chanter. Griffin et le membre original de Miracles, Pete Moore, ont écrit tout l’ album de vente de platine des Miracles en 1975 , City of Angels . Au cours de son mandat avec le groupe, ils ont enregistré trois tubes : » Do It Baby » en 1974, et le single le plus réussi des Miracles, le hit numéro un » Love Machine « , en 1975 qui s’est vendu à 4,5 millions de disques dans le monde. Griffin a également chanté le rôle principal sur » Don’t Cha Love It « , un single du Top 10 R&B # 4.
Les Miracles ont quitté Motown en 1976, en signant avec Columbia Records. Après deux albums pour Columbia, Griffin et Moore ont décidé de se retirer de la scène et de se concentrer sur l’écriture de chansons. En 1982, Griffin a sorti son premier album solo , Be with Me , qui a donné le top 20 du UK Singles Chart « Hold Me Tighter in the Rain ». L’année suivante, Respect a produit le succès du club, « Serious » qui a culminé à la 64e place des charts britanniques. Après un troisième album avec Leon Ware, Griffin a changé de label pour Atlantic Recordsmais malgré l’achèvement d’un album, un seul single « Believe It or Not » y est sorti avant qu’il ne se retrouve sans contrat d’enregistrement.
En 1989, Griffin a rejoint Motorcity Records, le projet Motown-reunion du producteur de disques britannique Ian Levine, et a été le premier à sortir un single sur le label, « First in Line ». Griiffin a également dirigé une réunion de Miracles avec un nouvel enregistrement de « Love Machine ». Griffin est devenu écrivain et arrangeur de chœurs pour plusieurs des autres artistes, et a enregistré un grand nombre de morceaux lui-même, mais son album Technicolor n’est jamais sorti et le label s’est effondré en 1992. La plupart de ses enregistrements Motorcity sont sortis sur la compilation de 1996 Best de Billy Griffin .
Levine et Griffin ont également décroché quelques singles à succès pour le groupe de soul britannique The Pasadenas et ont coproduit le premier album de Take That , qui comprend les singles à succès « Could It Be Magic » (UK #3) et « I Found Heaven » . (Royaume-Uni #15). Ils ont également travaillé avec le boys band de Levine , Bad Boys Inc.
Griffin a écrit des chansons et chanté des chœurs pour Aretha Franklin, The O’Jays, Ronald Isley, Freda Payne, Edwin Starr, Evelyn Champagne King, Herb Alpert, Martine McCutcheon, The Emotions et bien d’autres. En 2006, Griffin sort son dernier album solo, Like Water . On peut voir Griffin jouer « Do It Baby » et « Love Machine » avec les Miracles sur la sortie DVD Motown / Universal : Smokey Robinson & the Miracles: The Definitive Performances 1963-1987
La chanson » Love Machine » des Miracles a été échantillonnée dans le single » Closet Freak » de Ceelo Green en 2002 et également dans le single d’or 2010 de Drake » Miss Me « . Ces deux productions sont maintenant prévues pour une réédition sur les cd « Greatest Hits » pour Drake et Ceelo. Aujourd’hui, Griffin est copropriétaire de sa propre société d’édition musicale, Grimora Music (détenue avec le membre original de Miracles Pete Moore ( Griffin + Moor e) – a .
Reconnaissance
Griffin a été honoré des autres Miracles lorsque le groupe a reçu une étoile sur le Hollywood Walk Of Fame le 20 mars 2009.
En 1987, Smokey Robinson a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en tant qu’artiste solo, mais Griffin et les autres membres de The Miracles ne l’étaient pas. En 2012, les Miracles ont été intronisés au Temple de la renommée en tant que groupe, mais Griffin n’a pas été inclus. Les membres intronisés des Miracles étaient Warren « Pete » Moore, Claudette Rogers Robinson, Bobby Rogers, Marvin Tarplin et Ronald White.
Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/46706-Billy-Griffin
NONA HENDRYX
Nona Bernis Hendryx (née le 9 octobre 1944) est une chanteuse, productrice de disques, compositrice, musicienne et auteure américaine. Hendryx est connue pour son travail en tant qu’artiste solo ainsi que pour être un tiers du trio Labelle , qui a eu un succès avec « Lady Marmalade ». En 1977, Hendryx a sorti son premier album solo éponyme, un échec commercial qui a entraîné la résiliation de son contrat d’enregistrement. Au début des années 1980, Hendryx a chanté avec le groupe de funk expérimental Material , obtenant le tube « Busting Out ».
Material a produit son deuxième album, Nona (1983), contenant le modeste tube « Keep It Confidential » (Top 30 des classements R&B et Dance). Le morceau « Transformation » est devenu une chanson emblématique d’Hendryx. En 1985, Hendryx a écrit et enregistré la chanson « Rock This House » nominée aux Grammy Awards avec Keith Richards, tirée de son quatrième album solo, The Heat (1985). Hendryx a ensuite enregistré le thème de Moving Violations et « I Sweat (Going Through the Motions) », un succès commercial pour Hendryx tiré du film Perfect de Jamie Lee Curtis . Elle a également participé au projet Artists United Against Apartheid avec le tube international « Sun City », issu de l’album du même nom . Le single « Why Should I Cry? » (1987) d’Hendryx, issu de son cinquième album, est devenu un hit du Top 10 des classements R&B. Elle a enregistré « Transparent » pour le film d’ Eddie Murphy de 1988 , Coming to America . Hendryx a reçu une nomination aux Emmy Awards en tant que compositeur de People: A Musical Celebration en 1996 pour la meilleure musique et les meilleures paroles.
Elle a également participé à la troisième saison de The L Word . Sa musique s’étend de la soul , du funk et du R&B au hard rock , à la new wave et au new age . Elle a déclaré dans une interview que son nom de famille s’écrivait à l’origine avec un « i » et qu’elle était une cousine éloignée du guitariste Jimi Hendrix
.
Biographie
Début de carrière
Nona Bernis Hendryx, d’ origine afro-américaine , est née le 9 octobre 1944 à Trenton , dans le New Jersey. C’est là qu’elle rencontre Sarah Dash, originaire du même New Jersey , puis la chanteuse Patricia Holte (Patti LaBelle), originaire de Philadelphie . Après une brève collaboration avec les Del-Capris, Hendryx et Dash forment un groupe de chant avec Holte (ancienne chanteuse principale d’un groupe féminin de Philadelphie appelé The Ordettes). En 1961, Cindy Birdsong , originaire de Camden, dans le New Jersey, devient la quatrième membre du groupe, qui devient les Bluebelles et signe son premier contrat avec Newtown Records.
Après la sortie de leur premier tube, « I Sold My Heart to the Junkman » en 1962, leur nom change à nouveau pour devenir Patti LaBelle and the Bluebelles. L’alto rauque d’Hendryx diffère du soprano aigu de Dash , du mezzo-soprano de LaBelle et du second soprano de Birdsong . Durant cette période, le groupe se fait connaître pour ses performances live pleines d’émotion et ses interprétations de standards classiques tels que « You’ll Never Walk Alone », « Over The Rainbow » et « Danny Boy ». Le groupe se retrouve souvent en compétition avec des groupes féminins tels que les Chantels , les Shirelles et les Supremes . En 1967, Hendryx, LaBelle et Dash sont choqués de découvrir que Birdsong a secrètement rejoint les Supremes après que Florence Ballard a été évincée du groupe par Motown . Différents membres du groupe sont restés en contact avec Birdsong au fil des ans. Les relations de Birdsong avec les Bluebelles se sont améliorées et ils se sont réunis à nouveau pour la cérémonie où le groupe a remporté un Lifetime Achievement Award de la R&B Foundation en 1999.
Labelle
Pendant les trois années suivantes, le groupe peinait à rivaliser avec l’évolution du paysage musical, qui avait vu son style de groupe féminin tomber en disgrâce auprès du grand public. En 1971, elles s’installèrent en Angleterre, où elles avaient une base de fans culte, et, sur les conseils de Vicki Wickham , elles changèrent leur nom pour Labelle et troquèrent robes et perruques bouffantes pour des jeans et des coupes afros . Sortant des albums de transition, dont Labelle en 1971 et Moon Shadow en 1972 , le groupe enregistra des morceaux à thèmes sexuels et politiques – du jamais vu pour un groupe entièrement féminin noir. La transition fut difficile pour la chanteuse principale, LaBelle, fan des ballades des débuts du groupe, mais elle finit par céder. Dash resta neutre tout au long du mandat du groupe. Peu après la sortie de Labelle , le groupe assura la première partie de The Who , dont le producteur Kit Lambert avait produit le premier album du groupe chez Warner. Ils ont également ouvert pour Laura Nyro à la même époque et ont chanté en chœur sur son album Gonna Take a Miracle .
À partir de l’ album Moon Shadow , Hendryx devient l’auteur-compositeur principal de la plupart des albums du groupe, tandis que LaBelle et Dash composent occasionnellement leurs propres morceaux. Après avoir assuré avec succès la première partie des Rolling Stones lors de leur tournée américaine en 1973, le groupe sort Pressure Cookin’ , où ils adoptent une fois de plus un nouveau look de « divas glam rock et spatiales ». En tant qu’auteur-compositeur, Hendryx écrit ensuite des ballades puissantes (« You Turn Me On » et « Nightbird » de Nightbirds , « Going Down Makes Me Shiver » de Chameleon , le dernier album de Labelle ), ainsi qu’une multitude de titres plus rythmés (« Space Children », « Messin’ with My Mind », « Gypsy Moths » et « Who’s Watching the Watcher »). Ses thèmes sont non conventionnels, variés et souvent expérimentaux. Sa composition « A Man in a Trenchcoat (Voodoo) » de Chameleon marque également la première participation d’Hendryx au chant principal d’un album. En 1974, le groupe connut un succès phénoménal avec la sortie de l’ album Nightbirds , qui succéda au tube « Lady Marmalade ». Dans ses mémoires , intitulées Don’t Block the Blessings , Patti LaBelle, la chanteuse de Labelle , attribua la séparation du groupe en 1976 à des tensions musicales et personnelles au sein du groupe. Labelle, Dash et Hendryx se lancèrent tous dans des carrières solo ; Wickham resta aux côtés d’Hendryx pour gérer sa carrière solo.
Carrière solo
En 1977, Hendryx sort son premier album solo, un album éponyme. Mélange de soul et de hard rock, il contient des titres marquants comme sa reprise de « Winning » et la ballade « Leaving Here Today ». Il disparaît rapidement des rayons et Hendryx est renvoyée d’ Epic Records . Par la suite, elle enregistre quatre singles pour Arista (Londres), qui ne rencontrent pas non plus de succès dans les charts. Elle rencontre cependant le succès en studio durant cette période, notamment en choriste pour Talking Heads et en tournée avec eux, apparaissant pour la première fois au grand festival Heatwave en août 1980. Elle contribue à l’album de Dusty Springfield , « It Begins Again », en 1978 (la première des nombreuses tentatives de retour de Springfield), en écrivant la chanson « Checkmate ».
Au début des années 1980, Hendryx dirigeait son propre groupe de rock progressif , Zero Cool , qui comprenait le guitariste Naux (China Shop, Richard Hell), le bassiste Michael Allison (Darshan Ambient), le guitariste Kevin Fullen et le batteur Jimmy Allington. Simultanément, elle chantait avec le groupe de funk expérimental Material , obtenant un énorme succès en club avec « Busting Out ». Elle enchaîna deux autres grands succès en club peu après : une reprise dance de « Love Is Like an Itching in My Heart » des Supremes et, en tant qu’invitée vocale principale pour The Cage, « Do What You Wanna Do ». Material produisit également son deuxième album Nona en 1983. Le son dance contemporain et branché de cet album s’avéra plus compatible avec les charts, à l’ époque du disco , et le single « Keep It Confidential » devint un modeste tube R&B écrit par Ellie Greenwich, Jeff Kent et Ellen Foley, tandis qu’un remix de « B-boys » rencontra un succès majeur dans les charts dance. « Transformation » est devenue un incontournable d’Hendryx, et a ensuite été reprise par Fierce Ruling Diva . Un autre morceau particulièrement remarquable de l’album est la ballade « Design for Living », avec la participation de Laurie Anderson , Gina Shock de The Go-Go’s , Valerie Simpson d’ Ashford & Simpson , Tina Weymouth de Tom Tom Club et Talking Heads, Nancy Wilson de Heart et son ancienne compagne Patti LaBelle .
Au milieu des années 1980, Hendryx fut recrutée par RCA pour enregistrer des chansons pour diverses bandes originales, dont le thème de « Moving Violations » ; « I Sweat (Going Through the Motions) », un succès commercial pour Hendryx tiré du film Perfect de Jamie Lee Curtis ; et « Transparent » tiré du film d’ Eddie Murphy , « Coming to America » . Son album « The Art of Defense » sortit en 1984.
En 1985, Hendryx a écrit et enregistré « Rock This House » avec Keith Richards, extrait de son album The Heat . La chanson a été nominée pour un Grammy Award de la meilleure performance vocale rock féminine lors de la 28e cérémonie des Grammy Awards. La même année, la diffusion sur MTV du clip « I Need Love », coécrit par Jean Beauvoir, a suscité une controverse car il mettait en scène des drag queens . En conséquence, il a rapidement été retiré de la playlist de MTV.
La même année, elle participe au projet Artists United Against Apartheid avec la chanson « Sun City », issue de l’album éponyme . La chanson est enregistrée avec d’autres artistes comme Bruce Springsteen , Little Steven , Bono de U2 , Eddie Kendricks , Hall & Oates , Bobby Womack , Lou Reed et bien d’autres. Ce fut l’une des plus grandes et plus fortes chansons de protestation contre l’apartheid en Afrique du Sud à cette époque.
Son plus grand succès commercial est venu avec le single « Why Should I Cry? » de 1987, un hit R&B top 5 qui a également atteint la 58e place du Billboard 100. L’album qui l’accompagnait, Female Trouble , comptait une liste impressionnante de contributeurs, dont Dan Hartman (qui a également été producteur), Peter Gabriel , Prince (« Baby Go Go »), George Clinton , David Van Tieghem et Mavis Staples. À cette époque, elle est devenue membre de la Black Rock Coalition , fondée par Vernon Reid de Living Colour .
Hendryx s’est éloigné de la musique commerciale avec Skin Diver , un disque new age produit avec Peter Baumann, membre de longue date de Tangerine Dream. L’album a été généralement accueilli positivement par la critique, mais n’a pas eu de succès commercial. Le titre éponyme a attiré l’attention, tout comme « Women Who Fly », reprise plus tard par Jefferson Starship .
Outre l’album en duo You Have to Cry Sometime avec Billy Vera en 1992 et quelques titres de compilation, Hendryx a enregistré plus de cinq albums, mais n’a pu en sortir aucun en raison du manque d’intérêt des majors et des maisons de disques indépendantes. Ses albums Epic, RCA et EMI sont épuisés et n’ont attiré que récemment l’attention des labels de réédition spécialisés , mais un album de ses plus grands succès intitulé Transformation est sorti en 1999 chez Razor & Tie . Son premier album solo de 1977 est sorti pour la première fois en CD par le label T-Bird du label de réédition britannique Cherry Red à l’automne 2010. Le label de réédition R&B britannique Funky Town Grooves a sorti The Heat en CD fin 2011, qui comprenait trois titres bonus. Funky Town Grooves a annoncé son intention de sortir Nona et The Art of Defense début 2012. Chaque CD doit contenir sept titres bonus.
Hendryx s’est également essayée au cinéma. Elle a écrit et interprété le thème de Landlord Blues (1987), tout en tenant un petit rôle dans le film, celui de l’avocate Sally Viscuso. Elle a joué son propre rôle dans la série Linc’s avec Pam Grier à la fin des années 1990 et, à la fin de la série, s’est accompagnée au piano pour « Lift Every Voice ». Plus récemment, elle a participé à la troisième saison de The L Word , qui s’est conclue avec Grier, Hendryx et le trio BETTY interprétant une reprise du titre « Transformation » d’Hendryx.
Hendryx a participé à de nombreuses collaborations musicales, tant au chant qu’à l’écriture. L’une de ses premières collaborations a eu lieu avec Jerry Harrison ( Taking Heads ) sur l’album « The Red and the Black » en 1981. En 1992, elle a enregistré un duo avec Billy Crawford, « Urgently in Love ». En 1998, elle a participé au clip du tube rap « It’s a Party » avec Bounty Killer . Elle a écrit des chansons pour Dusty Springfield et Ultra Nate . Elle a produit des albums pour Lisa Lisa and the Bush Tetras . Parmi les autres artistes avec lesquels elle a enregistré au fil des ans, on compte David Johansen , Yoko Ono , Cameo , Talking Heads (3 albums : Remain in Light , The Name of This Band Is Talking Heads et Speaking in Tongues ), Garland Jeffreys , Dan Hartman , Afrika Bambaata (interprétant un duo de « Giving Him Something He Can Feel » avec Boy George), Rough Trade , Curtis Hairston et Graham Parker sur « Soul Christmas ».
Au début des années 2000, Hendryx a été invitée à participer à deux albums de Paul Haslinger . Elle a chanté sur deux titres, « Higher Purpose » et « Beginning to End », figurant sur la bande originale de la série Sleeper Cell de Showtime .
Fin de carrière et retrouvailles avec Labelle
Hendryx continue de tourner et a écrit de la musique pour le théâtre, des chansons pour la pièce avec la musique Blue . Sandra St. Victor (The Family Stand) a recruté les filles de célèbres icônes afro-américaines de la soul/blues – dont Lalah Hathaway , Simone , Indira Khan et Leah McCrae – ainsi que les « filles spirituelles » Joyce Kennedy , Caron Wheeler et Nona, pour former le groupe Daughters of Soul, qui a connu un grand succès, notamment lors des tournées européennes.
Hendryx a fondé Rhythmbank, son propre label avec Bob Banks , en 2005. Ils ont signé et sorti plusieurs EP et albums, la série Showtime Sleeper Cell et un album gospel de son protégé Najiyah Threatt.
Depuis la séparation de Labelle, Patti, Sarah et Nona se sont retrouvées à plusieurs reprises. Parmi ces retrouvailles, on compte le clip de « Live in New York » de Patti LaBelle, le tube dance « Turn It Out » de la bande originale de « To Wong Foo, Thanks for Everything ! » de Julie Newmar (1995), et deux émissions spéciales télévisées. En janvier 2006, Labelle s’est à nouveau réunie pour enregistrer « Dear Rosa », un hommage à la militante des droits civiques Rosa Parks . Elle a également interprété la chanson thème de la bande originale du film « Preaching to the Choir » , dont Nona est la compositrice. Fin 2008, Labelle a sorti son album de retour, « Back to Now », et a entamé une tournée de concerts à succès jusqu’au printemps 2009.
En avril 2009, lors d’une interview avec Pete Lewis, célèbre auteur soul/R&B britannique et auteur de l’album primé Blues & Soul , Hendryx a évoqué le contexte de la reformation de Labelle pour Back to Now : « Nous en avons discuté à plusieurs reprises. Et c’était en grande partie dû au fait que les fans nous EXIGEAIT ! Mais plutôt que de simplement revenir en arrière et de refaire ce que nous avions fait par le passé, nous voulions pouvoir enregistrer un nouvel album avant de nous remettre ensemble. Et c’est après avoir enregistré la chanson « Dear Rosa » ensemble que Patti a finalement été convaincue que nous devions enregistrer un nouvel album et partir en tournée. Je dirais donc que nos retrouvailles sont nées de deux choses : la pression des fans ; et le fait que Patti ait retrouvé un son qu’elle aimait et qu’elle n’avait pas entendu depuis des années. »
Hendryx a écrit un livre pour enfants intitulé The Brownies .
Le 27 mai 2010, Hendryx a interprété des extraits de Skindiver, une comédie musicale de science-fiction qu’elle coécrit avec Charles Randolph-Wright. Ce spectacle surprise a eu lieu au Busboys and Poets de Washington DC, sponsorisé par l’Arena Stage. Hendryx et Wright ont présenté deux lectures nocturnes de Skindiver à l’Arena Stage en 2011.
En septembre 2012, l’album numérique d’Hendryx, Mutatis Mutandis , est sorti en CD. Pour promouvoir l’album, Hendryx est apparue dans l’émission Later… with Jools Holland sur la BBC le 28 novembre 2012, où elle a interprété deux titres : Let’s Give Love A Try et Temple Of Heaven (ce dernier étant uniquement disponible en ligne sur BBC iPlayer ). En février 2013, elle a été l’invitée spéciale de The World of Captain Beefheart, un concert hommage organisé par l’animateur radio néerlandais Co de Kloet, avec Gary Lucas et le Metropole Orchestra, composé de 60 musiciens .
Hendryx a sorti plusieurs singles en 2016, dont une collaboration avec le duo de DJ et producteurs américain Soul Clap , qui a donné naissance au single « Shine (This Is It) ». Shine (This Is It) a été inclus sur l’album éponyme de Soul Clap en octobre 2016, et un EP contenant différents remixes du titre est sorti l’année suivante. Hendryx a également collaboré avec le guitariste Gary Lucas la même année, ce qui a donné naissance à l’album « The World of Captain Beefheart » , un recueil de reprises de chansons de l’artiste avant-gardiste Captain Beefheart .
En février 2018, Hendryx a sorti un EP, Keep Funkin , produit par Soul Clap, avec la participation de Nile Rogers et Jason Miles . Hendryx a également chanté sur un autre morceau, « Peel Back », produit par FSQ, inclus en bonus sur les versions numériques de l’EP Keep Funkin (ainsi que sur l’album de FSQ en 2020).
Vie personnelle et activisme
Hendryx vit dans l’ Upper West Side de Manhattan à New York depuis le début des années 1970. Son partenaire de longue date est la manager de talents anglaise Vicki Wickham, et elle a parlé de sa bisexualité dans une interview avec le magazine The Advocate.
Hendryx est une militante des droits des homosexuels ; à l’été 2008, elle a rejoint Cyndi Lauper lors de sa tournée True Colors , sensibilisant ainsi à la discrimination et à la communauté LGBT.
Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/30092-Nona-Hendryx
BILLY CRAWFORD
Billy Crawford, né le à Manille, est un acteur et chanteur philippin.
Il a connu le succès en France avec les singles Trackin, When You Think About Me, You Didn’t Expect That et Me passer de toi (Someone Like You), extraits de son second album Ride paru en 2001.
Depuis 2010, il présente Pilipinas Got Talent, la version philippine d’Incroyable Talent ainsi que Your Face Sounds Familiar depuis 2015. Il connaît également le succès grâce à une série de films commerciaux.
En 2022, il est le vainqueur de la douzième saison de l’édition française de l’émission Danse avec les stars, avec la danseuse Fauve Hautot.
Biographie
Enfance et débuts de carrière
Billy Crawford est découvert dans un bowling de Manille à l’âge de 3 ans et commence à jouer des petits rôles dans des films aux Philippines. Arrivé aux États-Unis à 11 ans, il devient à 14 ans l’un des danseurs de Michael Jackson lors des MTV Video Music Awards 1995.
En 1999, il signe une reprise de Gotta catch’em all, le premier générique du dessin animé Pokémon, à l’occasion du premier film de la franchise. La chanson peut être entendue en introduction de la version américaine du film.
Succès musical et au cinéma
Au début des années 2000, il connaît le succès en France avec les singles Trackin, When You Think About Me, You Didn’t Expect That et Me Passer De Toi (Someone Like You) extraits de son deuxième album Ride paru en 2001.
En 2004, il revient avec son troisième album Big City contenant les singles Bright Lights et Steamy Nights, qui obtiennent un succès relatif. En parallèle, il prête également sa voix au personnage de Dean pour le premier épisode de saison 3 de la série animée à succès Totally Spies.
Il a tenu en 2005 un rôle dans le film L’Exorciste : aux sources du mal de Paul Schrader. La même année, il parcourt la France pour la tournée Big City Tour avec un passage au Zénith de Paris le .
De même en 2006, il assure la tournée Summer Tour. Dans un même temps, il crée sa propre ligne de vêtements et sort une autobiographie intitulée La musique et moi dans laquelle il raconte ses 20 ans d’expérience. La même année, il enregistre le titre Super Freak, une reprise de Rick James de 1981, pour la bande originale du film d’animation Astérix et les Vikings.
Depuis, il connait le succès aux Philippines via une série de films commerciaux.
Reconversion dans les médias
En 2008, il signe un contrat d’animateur avec ABS CBN. Depuis 2010, il présente Pilipinas Got Talent, la version philippine d’Incroyable talent. Depuis le , il présente sa propre émission Your Face Sounds Familiar dans son pays d’origine, les Philippines.
En 2019, il publie le single Filipina Girl, en featuring Marcus Davis & James Reid, issu de son opus Work In Progress, qui sont tous les deux acclamés par la critique.
En 2022, il participe et gagne la saison 12 de l’émission française Danse avec les stars sur TF1 avec la danseuse Fauve Hautot.
Vie privée
De 2002 à 2004, le chanteur a été en couple avec la chanteuse française Lorie. Cette relation l’a amené à rencontrer Thibault Vernier, cousin de la chanteuse Lorie, qui produira trois de ses singles pendant cette période.
Billy Crawford s’est marié le sur l’île de Balesin, aux Philippines. Sa femme, l’hispano-philippine Coleen García, est une véritable star aux Philippines. Mannequin dès son plus jeune âge, la jeune femme a longtemps été animatrice de l’émission de variété It’s Showtime où elle a rencontré son futur mari. Le 10 septembre 2020, ils deviennent parents d’un garçon prénommé Amari. Le 17 août 2025, ils accueillent leur second enfant Austin.
Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/145058-Billy-Crawford
BILLIE MYERS
Billie Myers, née à Coventry le d’un père jamaïcain et d’une mère anglaise, est une auteur-compositeur-interprète pop-rock.
Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/197788-Billie-Myers
BILLIE
Billie Piper, née le à Swindon, en Angleterre, est une chanteuse et actrice britannique. Elle est notamment connue pour ses rôles dans les séries télévisées Doctor Who et Journal intime d’une call girl.
Biographie
Enfance et formation
Lianne Paul Piper naît le à Swindon, en Angleterre.
Son père, Paul Piper est un petit entrepreneur. Ses parents, lui ont donné initialement le prénom de Lianne, changent d’avis au bout de trois semaines. Billie est l’aînée d’une fratrie de quatre enfants. De 12 à 15 ans, elle fréquente la Sylvia Young Theatre School, à Londres.
Carrière de chanteuse
Grâce à sa prestation dans un spot publicitaire, elle est remarquée par des producteurs de musique. En 1998, alors qu’elle n’a que 15 ans, sa carrière de chanteuse pop démarre. Son premier single Because We Want To est directement no 1 des ventes au Royaume-Uni. Elle devient la plus jeune artiste à atteindre la 1re place des charts britanniques. À cette époque, elle est connue sous le nom de « Billie. »
Elle sort son premier album, Honey to the B et atteint directement la 14e des charts britanniques, se vendant à plus de 300 000 exemplaires et devient disque de platine en Nouvelle-Zélande. En Australie, l’album passe inaperçu, n’atteignant que la 31e des charts. En 1999, elle enregistre une chanson pour la version anglaise de Pokémon, le film : Mewtwo contre-attaque, intitulée « Makin’ My Way (Any Way That I Can) ».
Carrière d’actrice
Après quelques petits rôles au cinéma et à la télévision, sa carrière de comédienne débute véritablement en 2005 quand on lui confie un rôle principal dans l’indéboulonnable série de science-fiction Doctor Who diffusée depuis 1963 sur BBC One. Elle y joue Rose Tyler, la compagne du Docteur, dans ses neuvième et dixième régénérations jouées par Christopher Eccleston puis par David Tennant. Elle est récompensée aux National Television Awards ainsi qu’aux TV Quick Awards pour ce rôle. En mars 2006, elle annonce vouloir continuer à jouer son rôle dans la 3e saison prévue pour 2007 mais change finalement d’avis en mai, lorsque la possibilité d’un spin-off sur Rose est en discussion. En juin, la BBC annonce que l’épisode final de la saison 2 est la dernière apparition de Billie Piper. En 2008, elle reprend son rôle dans les trois derniers épisodes de la saison 4 aux côtés de nombreux anciens compagnons du Doctor. Après 5 ans d’absence, elle revient une dernière fois dans Doctor Who, où elle endosse le rôle de l’interface de l’arme que le Docteur de la guerre (autre incarnation du Docteur) veut utiliser.
En 2007, elle apparaît dans l’adaptation du roman de Jane Austen, Mansfield Park, diffusé sur ITV1. La même année, elle est l’actrice principale de la nouvelle série Journal intime d’une call girl de la chaîne britannique ITV adaptée de The Intimate Adventures of a London Call Girl, roman autobiographique du Dr Brooke Magnanti, dite Belle de Jour. Dans une interview en 2008, elle avoue qu’elle a craint à cette époque que son rôle de prostituée de luxe ait détruit ses chances de faire carrière à Hollywood. La série prend fin en 2011. En 2011, elle rejoint le casting de la comédie romantique de Robin Sheppard, Truth about Lies. Elle est également à l’affiche du drame en deux parties de A Passionate Woman sur la BBC en avril 2010.
En 2014, elle est choisie par sky et showtime pour interpréter Brona Croft, une immigrante irlandaise, dans la série Penny Dreadful.
En 2018, elle fait ses débuts derrière la caméra avec le lancement de la production de son premier film intitulé Rare Beasts, dont elle est également la scénariste, film qui réunit David Thewlis, Leo Bill et Kerry Fox. L’année suivante, elle fait partie du casting d’Eternal Beauty, créé par Craig Roberts aux côtés des David Thewlis, Alice Lowe et Sally Hawkins.
En 2025, Billie Piper crée la surprise en revenant dans l’univers de Doctor Who sous les traits d’un personnage à l’identité encore inconnue. Elle apparaît dans l’épisode final de la deuxième saison, intitulé La Guerre de la réalité.
Carrière au théâtre
Également actrice de théâtre, elle est la tête d’affiche de Yerma à West End en 2016-2017 ainsi que lors de l’exportation outre-Atlantique de la pièce au Park Avenue Armory à New York en 2018. Sa performance est acclamée par la critique ; The Guardian dit que « Billie Piper […] fait trembler la terre dans le rôle titre » et met 5 étoiles à la pièce. La pièce est annoncée pour une diffusion en live dans 700 cinémas britanniques le 31 août 2017 et, avant même la mise en vente des billets, plus de 100 cinémas annoncent être complets avec une liste d’attente.
De novembre 2011 à janvier 2012, elle joue Carly dans la pièce Reasons to Be Pretty de Neil LaBute au Almeida Theatre, considérée comme l’« une des meilleures pièces jamais produites » par le journaliste Quentin Letts du Daily Mail. En 2012-2013, elle joue le rôle principal dans The Effect au Royal National Theatre, rôle pour lequel elle est nommée pour un Laurence Olivier Awards ainsi qu’aux Evening Standard Theatre Awards.
Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/15840-Billie-Piper
BILL WITHERS
William Harrison Withers, dit Bill Withers (né le à Slab Fork (Virginie-Occidentale) et mort le à Los Angeles, est un auteur-compositeur-interprète américain.
Actif de la fin des années 1960 au milieu des années 1980, il est l’un des plus célèbres représentants de la musique soul et rhythm and blues, ainsi que l’un des plus repris. Parmi ses titres les plus populaires, on peut citer les chansons Ain’t No Sunshine, Lean on Me, Use Me, Lovely Day ou Just the Two of Us (qu’il interprète avec le saxophoniste de jazz Grover Washington Jr.).
En 2015, il est introduit au Rock and Roll Hall of Fame.
Biographie
À ses débuts dans le monde de la musique, il a gardé son travail chez Ford, convaincu que le show business est imprévisible, et qu’il n’est qu’un novice comparé à d’autres artistes noirs tels que The Temptations ou Sammy Davis Jr..
Entre 1971 et 1985, Bill Withers enregistre 9 albums. Son premier succès vient avec son hit Ain’t No Sunshine, dans lequel il répète 26 fois « I know » sur le troisième couplet, car il avait oublié de l’écrire. Les producteurs lors de l’enregistrement assurent qu’il ne fallait absolument pas changer la chanson. Il chante Ain’t No Sunshine sur l’album Just as I Am avec le label Sussex Records en 1971.
Son second album, Still Bill, également un succès commercial, contient le hit single Lean on Me. Son album live Bill Withers Live at Carnegie Hall, encensé par les critiques, sort en 1973.
Le , il est introduit au Songwriters Hall of Fame avec les musiciens David Porter, Isaac Hayes, Steve Cropper, Robert B. Sherman, Richard M. Sherman et John Fogerty.
Bill Withers meurt le , des suites de complications cardiaques.
Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/59249-Bill-Withers
