CHARLIE MAKES THE COOK

Charlie makes the cook est un girl group franco-américain créé à la fin des années 1980, formé de trois chanteuses : Bethanee Bishop et deux sœurs, Sophia et Maryanna Matiss.

Le groupe Charlie makes the cook enregistre plusieurs titres dont leur premier single, Boys and girl, qui devient un succès. Par son originalité, le groupe se fait remarquer et traverse les frontières, se classant rapidement dans tous les charts en France, en Europe et en Asie, sous le label Kasino Music.

Plus tard, les deux sœurs Matiss créent le groupe Palma ; elles enregistrent une balade langoureuse, Makes me love again, sous le label Kazino/Scorpio Music. Cette chanson est beaucoup diffusée dans les pays scandinaves et surtout en Suède, mais également en France.

À travers leur discographie, le groupe vendraa 3 millions de disques dans le monde.

Les trois chanteuses se séparent en 1998, laissant le champ à des carrières solo dont en particulier l’une des deux sœurs, Maryanna Matiss.

Celle-ci enregistre en 2011 un album chez Sony Music/Columbia de musique pop aux ambiances spirituelles, parfois world et electro. Cet album sort en France Europe, Etats-Unis et en Asie, réalisé par des coproducteurs tels que Henry Jackman (USA), Adam kivman (Suède) et son alter ego et compagnon de route, Allan Cegarra.

Maryanna Matiss, auteur compositeur voyageuse de nature, continue de parcourir le monde avec sa musique, sa guitare et sa tribu.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/344954-Charlie-Makes-The-Cook

BLUE RODEO

Blue Rodeo est un groupe country rock canadien formé en 1984 à Toronto.

Le groupe comprend les membres originaux Jim Cuddy (guitariste/chanteurs), Greg Keelor (guitariste/chanteurs) et Bazil Donovan (bassiste) ainsi que les nouvelles additions Glenn Milchem (batteur) et le multi-instrumentiste Bob Egan.

Le groupe a gagné plusieurs prix de musique canadienne, incluant 7 Prix Juno et 7 Prix SOCAN.

Jim Cuddy et Greg Keelor se sont rencontrés à l’école secondaire à Toronto. En 1977, ils forment le groupe aux influences punk, The Hi-Fi’s qui ne connaîtra aucun succès. Le duo se renomme Fly to France et déménage à New York en 1981 dans l’espoir de s’y faire connaître et d’y signer un contrat de musique. Malgré plusieurs changements de style musical sur cette période, ils rentrent bredouilles à Toronto trois ans plus tard. Ils y rencontrent peu après Cleave Anderson et lui proposent de se joindre à leur groupe. Celui-ci accepte et amène aussi son ami Bazil Donovan. Bobby Wiseman se joint ensuite au groupe, celui-ci étant le jeune frère d’un de leur colocataire quand ils étaient à New York. Le groupe s’organise autour d’un style country folk très appuyé sur la guitare à une époque où c’est plutôt la pop et les synthétiseurs qui sont populaires. En 1985, Blue Rodeo joue son premier spectacle au Rivoli à Toronto.

Les années qui suivent, le groupe se donne très fréquemment en concert et commence à se faire un nom dans les bars du quartier Queen Street West à Toronto (notamment à la Horseshoe Tavern), puis dans les circuits de bars dans tous les coins du Canada. Ils finissent par capter l’attention du label « Risque Disque » qui négociera pour eux un contrat de distribution avec Warner Music.

En 1987, Blue Rodeo lance son premier album: Outskirts. Cet album qui mélange country et rock se vendra à plus de 200 000 exemplaires. Il contient notamment la balade Try qui remportera le prix Juno de la meilleure chanson ainsi que du meilleur vidéo de l’année en 1989. L’album est bien reçu par les critiques qui comparent fréquemment Blue Rodeo à un autre groupe folk rock canadien The Band qui connut du succès au début des années 1970.

En 1989, Blue Rodeo lance son second album Diamond Mine. Cet album plus introspectif et complexe est aussi couronné de succès et vaudra à Blue Rodeo le Juno Award du groupe de l’année. L’album est enregistré presque d’un seul trait dans un théâtre vide de Toronto ce qui donne une résonance creuse particulière au son du disque. Les critiques accueillent aussi très bien cet album qui est plus fluide que le premier et qui contient plusieurs passages instrumentaux.

Le 3^e album de Blue Rodeo, Casino, contient les chansons Til I Am Myself Again ainsi que Trust Yourself qui obtiendront un certain succès aux États-Unis. Le groupe apparaîtra dans le film Bons Baisers d’Hollywood (Postcards from the Edge) après que le chauffeur de Meryl Streep lui fait écouter leur musique en chemin vers une scène de tournage en Nouvelle-Angleterre. Mais malgré cette visibilité momentanée aux États-Unis, le groupe n’arrivera jamais réellement à percer le marché américain.

Blue Rodeo connaitra son plus grand succès commercial avec son 5^e album Five Days in July, lancé en 1993. Cet album, vendu à plus de 600 000 copies, a été enregistré à la ferme de Keelor à Peterborough, en Ontario et le titre fait référence au temps qu’il a fallu pour enregistrer l’album. Il contient les chansons Hasn’t Hit Me Yet et 5 Days in May qui apparaîtront tous deux dans le Top-10 au Canada.

Le groupe continuera à enregistrer des albums tout au long des années 1990 et 2000, puis un DVD en 2004. Au total, le groupe a enregistré 12 albums studio, 3 albums concert, une compilation de greatest hits et 5 DVD. Leur plus récent album, The Things We Left Behind, a été lancé en 2009.

Les membres de Blue Rodeo ont beaucoup collaboré avec d’autres artistes canadiens célèbres, dont Sarah McLachlan, The Tragically Hip, Burton Cummings, Great Big Sea, Jann Arden, Crash Vegas et Cowboy Junkies.

Blue Rodeo fait partie de la scène musicale canadienne depuis les 25 dernières années. Leurs albums se sont vendus à plus de 4 millions de copies et ils ont été nommés groupe de l’année 5 fois aux Junos Awards, un record. En 2009, ils ont reçu une étoile sur l’Allée des célébrités canadiennes à Toronto – ils étaient seulement le 5^e groupe musical à recevoir cette distinction. En 2012, Blue Rodeo a été intronisé au Panthéon de la musique canadienne durant la remise des prix Juno. Le groupe se distingue notamment par la belle complicité vocale de Cuddy et Keelor ainsi que par la qualité constante de sa musique au fil des ans, ce qui lui vaut sa longévité remarquable.

Selon la critique artistique, « Greg Keelor et Jim Cuddy sont les Lennon et McCartney canadiens : deux chanteurs et musiciens de grand talent qui ont pondu des bijoux de chansons par dizaines et dont la complémentarité fait de Blue Rodeo un groupe d’exception. »

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/346650-Blue-Rodeo

BETTE MIDLER

Bette Midler, née le 1^er décembre 1945 à Honolulu, à Hawaï (États-Unis), est une actrice, chanteuse et humoriste américaine.

Elle est surnommée The Divine Miss M.

Elle a été à l’affiche de films comme The Rose, Y a-t-il quelqu’un pour tuer ma femme ?, Le Clochard de Beverly Hills et For the Boys. En plus de quarante ans de carrière, Bette Midler a été nommée deux fois aux Oscars et a remporté quatre Grammy Awards, quatre Golden Globes, trois Emmy Awards, un Special Tony Award et un Tony Award de la Meilleure actrice dans une comédie musicale pour Hello Dolly.

En outre, elle a vendu plus de 30 millions d’albums dans le monde entier.

Bette Midler passe son enfance à Honolulu, Hawaï. Sa famille appartenait à la très petite communauté juive parmi une très grande majorité d’habitants d’origine asiatique.

Son prénom « Bette » lui vient de sa mère, grande cinéphile, en hommage à Bette Davis : d’ailleurs les trois enfants reçoivent les noms des étoiles d’Hollywood de l’époque. Jusqu’à l’âge de treize ans, il lui est interdit de regarder la télévision et son éducation est très stricte.

Elle est mariée depuis 1984 à Martin von Haselberg. Le couple a une fille, Sophie von Haselberg, née en 1986.

À l’été 1965, Midler se rend à New York, utilisant l’argent qu’elle a gagné pour avoir participé à un film intitulé Hawaii. Elle joue, la même année, dans deux pièces de théâtre : Miss Nefertiti Regrets et Cinderella Revisited. De 1966 à 1969, elle interprète le rôle de Tzeitel dans le spectacle Un violon sur le toit : elle participera à la tournée nationale et rejoint ensuite Broadway.

Au début des années 1970, Midler est engagée pour jouer au « Continental Baths », un sauna de la ville de New York. Son succès est tel que depuis cette époque, on l’évoque sous le titre de « The Divine Miss M ». Elle continue à se produire dans des clubs et des cafétérias. En 1972 elle signe un contrat avec Atlantic Records : en novembre son premier album,The Divine Miss M, est enregistré en studio. Il se hisse à la neuvième place du Billboard 200 des disques les plus vendus et est récompensé d’un « disque de platine » par la Recording Industry Association of America. Sur cet enregistrement, on retrouve Do You Want To Dance?, Friends et Boogie Woogie Bugle Boy sur la liste du top 40 du Billboard Hot 100. La chanteuse reçoit le Grammy Award de la « meilleure nouvelle artiste ». L’année suivante paraît l’album intitulé Bette Midler : il est composé de chansons choisies dans le répertoire d’artistes comme Bob Dylan ou Glenn Miller. Ce disque sera classé à la sixième place du Billboard Hot 100 et sera « disque d’or » selon les critères de la RIAA.

En 1974, elle reçoit le Tony Award pour sa participation à Broadway au spectacle Clams on the Half Shell Revue. Puis en 1976 c’est le programme de télévision The Bette Midler Show de la chaîne HBO, et en 1977 le Bette Midler : Ol’Red Hair is Back de la NBC. Cette dernière émission lui permet de recevoir un « Primetime Emmy » dans la catégorie « Meilleur programme spécial de musique, de comédie ou de variété ». Parallèlement elle incarne le rôle de Woody dans la série télévisée Vegetable Soup (1975-1978) du canal PBS. Elle participe aussi à des programmes tels que The Sonny & Cher Comedy Hour et Saturday Night Live. De 1975 à 1977, elle a une histoire d’amour avec le chanteur Tom Waits.

Bette Midler fait ses débuts d’actrice en 1979, dans le film The Rose qui reçoit un accueil favorable des critiques et du public. Elle interprète une chanteuse de rock, dont la vie fait écho à celle de Janis Joplin : ce rôle lui vaut sa première nomination aux Oscars dans la catégorie Meilleure actrice. Ensuite elle gagne deux Golden Globes dans les catégories Nouvelle star de l’année et Meilleure actrice- comédie ou film musical. La bande sonore du film atteint la douzième place du Billboard 200 et l’année suivante elle décroche un Grammy pour la « Meilleure interprétation vocale pop féminine ».

Au milieu de 1980, sort le long-métrage de Michael Ritchie, Divine Madness, documentaire sur une série de concerts donnés par Midler en 1979 à Pasadena, Californie. Elle est de nouveau nommée pour le Golden Globe dans la catégorie « Meilleure actrice – comédie ou film musical ». Le disque homonyme est couronné « disque de platine» par la RIAA. Par contre, le film suivant Jinxed!, en 1982, est un échec commercial.

En 1983 sort son sixième album studio : No Frills qui est mieux apprécié en Europe. Il est composé de nouvelles versions de chansons folk, rock et new wave. Une tournée de concerts est mise sur pied : le De Tour (1983-1984) qui sera suivie par six années de silence musical.

En 1986 elle participe à deux films : la comédie Ruthless People dirigée par David Zucker et Jim Abrahams, avec Judge Reinhold, Danny DeVito et Helen Slater. Ensuite le film Le Clochard de Beverly Hills, réalisé par Paul Mazursky avec Nick Nolte, Richard Dreyfuss, Tracy Nelson et Elizabeth Peña. Elle est une nouvelle fois nommée comme meilleure actrice de comédie ou de film musical. En 1988, Bette prête sa voix à Georgette la caniche dans le dessin animé Oliver et Compagnie. Elle remporte la même année un grand succès avec le film Beaches dans lequel elle interprète la chanson Wind Beneath My Wings, l’un des plus grands succès de sa carrière musicale, pour lequel elle obtient un Grammy.

En 1990, Midler sort un nouvel album intitulé Some People’s Lives: son seul album-studio en sept ans. C’est un succès commercial : plus de deux millions de disques vendus et un très bon classement au Billboard 200 et au UK Albums Chart (respectivement classé sixième et cinquième).

En 1991, elle remporte un nouveau Grammy grâce à la chanson « From a Distance » contenue dans l’album Some People’s Lives. Elle participe au film musical For the Boys de Mark Rydell aux côtés de James Caan et de George Segal : cela lui vaut sa seconde nomination aux Oscars dans la catégorie meilleure actrice et remporte le Golden Globe de la meilleure actrice de comédie ou de film musical.

L’année suivante, elle est l’invitée du programme The Tonight Show; à cette occasion elle interprète un chant d’adieu à Johnny Carson, qui abandonne cette émission populaire. En 1993, elle participe au téléfilm Gypsy sous la direction d’Emile Ardolino, avec Cynthia Gibb et Peter Riegert : le thème est repris de la comédie musicale de Broadway. Elle reçoit un Golden Globe comme meilleure actrice de mini-série ou de téléfilm ; elle est aussi nommée pour un Emmy dans la catégorie « Meilleure actrice – mini-série ou téléfilm »;

En 1995, elle sort l’album intitulé Bette of Roses, mélange de chansons folk, rock et country ; c’est le dernier disque qu’elle publiera chez Atlantic Records. Elle s’entoure de Arif Martin, Marc Mann, Robbie Buchanan, Robbie Kondor, Steve Skinner et Bonnie Hayes. Ce disque est un succès commercial attesté par un « disque de platine » décerné par la RIAA.

En 1996, elle joue dans The First Wives Club aux côtés de Goldie Hawn et Diane Keaton.

L’année 2000, Midler joue dans trois films : la comédie What Women Want aux côtés de Mel Gibson et d’Helen Hunt, ensuite Isn’t She Great avec Nathan Lane, Stockard Channing et David Hyde Pierce, enfin le film Drowning Mona de Nick Gomez avec Danny DeVito, Neve Campbell et Jamie Lee Curtis. Les deux derniers longs-métrages sont très critiqués et sont des échecs commerciaux. L’émission Bette connaît à ses débuts un succès d’audience : seront invités des stars comme Oprah Winfrey, Dolly Parton, Danny DeVito, George Segal, Brenda Song, Tim Curry, David James Elliott, Olivia Newton-John, Lindsay Lohan et Jon Lovitz. Très vite le nombre de téléspectateurs va diminuer, amenant CBS à supprimer l’émission. Cependant ce programme lui vaudra une nomination aux Golden Globes dans la catégorie « Meilleure actrice de série télévisée- Comédie » et de remporter la récompense People’s Choice en tant qu’« interprète favorite d’une nouvelle série télévisée ». En même temps sort l’album de studio Bette qui est un échec commercial.

En 2003, elle signe un contrat avec Columbia Records et sort un album en hommage à Rosemary Clooney : Bette Midler Sings the Rosemary Clooney Songbook. C’est un succès commercial aux États-Unis : l’album se hisse à la 14^e place du Billboard 200 et sera reconnu comme « disque d’or » par la RIAA. Sa promotion est assurée par la tournée américaine et australienne Kiss. Un hommage à Peggy Lee sort en 2005 : Bette Midler Sings the Peggy Lee Songbook. À nouveau, c’est un succès commercial non seulement aux États-Unis mais aussi en Europe. On retrouve l’album dans les premières places du Billboard 200, du Swedish Album Chart et de l’Official Albums Chart britannique.

Fin 2006, elle enregistre l’album Cool Yule, bien accueilli par la critique et nommé aux Grammy en tant que Meilleur album de pop traditionnelle. L’album rentre dans la liste « top 40 » du Billboard Top Holiday Albums, Billboard Digital Album et Billboard 200. L’année suivante, c’est Jackpot: The Best Bette, succès sur le marché anglo-saxon : il arrive en sixième place des albums les plus vendus au Royaume-Uni.

Fin 2007, elle signe un contrat pour un spectacle au Caesar Palace de Las Vegas : Bette Midler: The Showgirl Must Go On. 200 représentations sont prévues sur trois années, et le show, qui débute le 20 février 2008 est un retour sur sa carrière musicale.

En 2019, elle tient un rôle secondaire dans la série The Politician créé par Ryan Murphy sur Netflix, elle revient avec un rôle plus important lors de la saison 2.

En 2020, confirme sa présence dans le prochain Hocus Pocus signé Disney.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/63507-Bette-Midler

CHARLES D. LEWIS

Charles D. Lewis, né en 1955, est un chanteur caribéen originaire de Barbade. Il s’est rendu célèbre en 1990 en interprétant la Soca Dance, numéro un pendant 6 semaines à l’été 1990 en France et en Belgique, et dans une moindre mesure en Allemagne.

Au printemps de l’année 1990, Roberto Vannucci, alors responsable artistique de Baxter Music, découvre Charles D. Lewis, originaire de Barbade, vivant à Düsseldorf en Allemagne. L’histoire de la Soca Dance a mis deux mois pour se mettre en place. D’abord, la signature du contrat de l’artiste avec Baxter Music. Ensuite les signatures avec Polygram pour la distribution, actuellement Universal Music et un autre contrat liant Baxter Music à TF1, représentée par Dominique Cantien. Ces opérations ont été orchestrées par le producteur Gérard Louvin et Dominique Rousseau, alors label manager de Baxter Music. Les choses sont ensuite allées très vite. Le recrutement du chorégraphe anglais Andy Shaft, puis d’un casting de danseurs organisé par Roberto Vannucci pour le tournage du clip, de la promo et de la tournée. Le mixage et le mastering du titre ont été dirigés par Livio Conenna et le graphisme de la pochette confié à Lionel Gédébé. Le clip vidéo a été tourné à Trinité-et-Tobago et produit par Turtles productions.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/272264-Charles-D-Lewis

CHARLES AND EDDIE

Charles & Eddie est un duo de musique pop américain formé par Charles Pettigrew et Eddie Chacon. Leur chanson, Would I Lie to You?, tirée de leur premier album Duophonic et sortie en 1992, les a fait connaître dans le monde entier.

• Charles Pettigrew, né le 12 mai 1963 à Philadelphie (Pennsylvanie) et mort le 6 avril 2001 à Philadelphie : chanteur
• Eddie Chacon, né le 22 août 1963 à Oakland (Californie) : chanteur

Charles Pettigrew et Eddie Chacon se rencontrent pour la première fois à New York. En 1992, ils connaissent un succès mondial avec Would I Lie To You?, un titre écrit par les Britanniques Mick Leeson et Peter Vale. En 2005, cette chanson est remixée par Eddie Chacon et un chanteur du nom de Musikk. Par ailleurs, Charles & Eddie sont intervenus sur la bande originale des films True Romance, Les Valeurs de la famille Addams et Super Mario Bros.

Charles Pettigrew a longtemps étudié le jazz au Berklee College Of Music de Boston après avoir rencontré un petit succès avec un groupe appelé Down Avenue, en 1985. En 1998, il rejoint Tom Tom Club, un groupe de musique pop, mais décède quelques années plus tard des suites d’un cancer, à l’âge de 37 ans.

Eddie Chacon a grandi à Hayward et à Castro Valley, en Californie. À l’âge de 12 ans, il jouait déjà dans des groupes avec ses amis de quartiers Cliff Burton (Metallica) et Mike Bordin (Faith No More). Après que Charles & Eddie se soit dissout, il a déménagé à Los Angeles, Miami, Londres ou encore à Copenhague afin d’amener sa carrière vers d’autres horizons. Reconverti dans l’écriture musicale et la production, Eddie Chacon a depuis signé de nombreux titres, principalement en Europe.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/124492-Charles-Eddie

CHARLENE

Charlene Marilynn Oliver (née D’Angelo ; née le 1er juin 1950), plus connue sous le nom de Charlene , est une chanteuse américaine de R&B et de variété, célèbre pour son tube « I’ve Never Been to Me ». Après un premier échec commercial en 1977, la chanson a connu un succès mondial lors de sa réédition en 1982 et est restée un incontournable de la musique pop adulte . Charlene est également auteure-compositrice, productrice et écrivaine.

Charlene Marilynn D’Angelo est née le 1er juin 1950 à Hollywood, en Californie . Sa carrière musicale a débuté comme choriste pour Petula Clark au Caesars Palace de Las Vegas.

Après une audition impromptue pour Berry Gordy en 1973 à l’âge de 23 ans, elle signe avec Motown et, sous le nom de « Charlene Duncan » (son nom d’épouse ), sort deux singles sans succès : « Relove/Give It One More Try » (M 1262) en juillet 1973 et en janvier 1974 une reprise de « All That Love Went to Waste » (M 1285) du film A Touch of Class.

Charlene a cherché à trouver sa place chez Motown en écrivant ses propres chansons, en faisant des démos pour d’autres artistes (dont « One Day in Your Life » de Michael Jackson ), et en travaillant avec divers producteurs et auteurs avant de finalement faire équipe avec Ron Miller.

Lors de la sortie de son premier album éponyme (P6 10015S1) en novembre 1976 sur le label Prodigal de Motown , le nom d’artiste de Charlene fut raccourci à Charlene et figurait ainsi sur la pochette. Cependant, la tranche de l’album affichait toujours « Charlene Duncan », ce qui prêtait à confusion. En mars 1977, le premier single, « It Ain’t Easy Comin’ Down » (P 0632F), se classa 97e au Hot 100 et 23e au classement Adult Contemporary .

En mai 1977, un album intitulé Songs of Love (Prodigal, P610018S1) (avec une pochette réalisée par Patrick Nagel ) est paru. Il s’agissait d’une réédition de Charlene , avec « Freddie » (un hommage apparent à Freddie Prinze , décédé la même année) remplaçant « Shake a Hand » et un nouvel ordre des titres. De plus, le pont parlé de « I’ve Never Been to Me » est absent. « Freddie » est sorti en single (P 0633F) et a atteint la 96e place du Hot 100 (et la 40e du classement Adult Contemporary).

Un troisième single extrait des compilations Charlene/Songs of Love allait connaître non seulement une évolution lyrique inhabituelle, mais aussi un parcours musical inattendu. Les paroles de « I’ve Never Been to Me », écrites à l’origine par Ron Miller du point de vue masculin, furent réécrites pour Charlene du point de vue féminin. Sur son premier album, la ballade fut enregistrée avec une narration controversée afin de souligner le message de la chanson. Sur Songs of Love , le pont parlé fut omis. Lors de sa sortie en single (P 0636F), cette version ne resta que trois semaines dans le Hot 100, atteignant la 97e place en octobre 1977. Lorsque la chanson fut relancée en 1982, c’est la version avec le monologue (tirée de l’ album Charlene ) qui était diffusée à la radio ; c’est donc cette version que Motown réédita.

En 1978, un enregistrement de Charlene intitulé « Are You Free », produit à nouveau par Ron Miller, est sorti en single promotionnel pour le label Ariola Records America. Parallèlement au projet Charlene / Songs of Love , Charlene a enregistré pour Motown un album complet qui n’a jamais été publié. En juin 1980, Motown a sorti un dernier single, « Hungry / I Won’t Remember Ever Loving You » (M 1492F). Le titre « Hungry » était tiré de la comédie musicale Daddy Goodness , et les deux morceaux du single étaient produits par les mêmes collaborateurs que son plus grand succès. Cependant, cette tentative fut un échec, et Motown décida de se séparer de la chanteuse.

Charlene a enregistré « I’ve Never Been to Me » en 1976, et le titre a atteint la 97e place du Billboard Hot 100 américain en 1977. Lors de sa réédition en 1982 (référence 1611 MF), le single est resté 20 semaines dans le Hot 100, culminant à la 3e place et s’y maintenant pendant trois semaines. Il a également atteint la 7e place du classement Adult Contemporary et la 60e du classement Hot Country Songs . Ce titre reste son seul succès dans le Top 40 .

En 1982, Scott Shannon , disc-jockey à la station de radio WRBQ-FM de Tampa , commença à diffuser la version de l’ album de Charlene (avec le pont parlé original) à la demande de sa petite amie. L’accueil des auditeurs locaux fut tel que Shannon, ancien employé de Motown, incita Jay Lasker, président de la maison de disques, à alerter le président de Motown du potentiel du titre. À cette époque, Charlene avait perdu son contrat d’enregistrement, s’était installée au Royaume-Uni et travaillait dans une confiserie à Ilford , à Londres . Après avoir retrouvé Charlene, Lasker l’appela personnellement pour lui proposer de resigner chez Motown afin de faciliter la réédition de « I’ve Never Been to Me ».

En 1976, le nom légal de Charlene était Charlene Duncan, suite à son mariage avec le producteur de disques Larry Duncan ; peu après la réédition de la chanson en 1982, elle prit le nom de Charlene Oliver suite à son mariage avec l’Anglais Jeff Oliver, qu’elle épousa le 27 mars 1982. Le clip de la chanson a été tourné à Blickling Hall , dans le Norfolk, en Angleterre, et Charlene y apparaît dans sa véritable robe de mariée.

« I’ve Never Been to Me » fut l’un des plus grands succès de l’année et connut un succès international, se classant dans 26 pays à travers le monde. Il atteignit la première place des charts au Royaume-Uni, au Canada (4 semaines), en Irlande (3 semaines) et en Australie (6 semaines). Il se hissa également dans le top 10 en Norvège, en Belgique, en Nouvelle-Zélande et aux Pays-Bas. De plus, « I’ve Never Been to Me » devint le premier titre d’une chanteuse solo blanche à figurer dans le top 10 de Motown. (Ce n’est qu’après avoir quitté Motown Records et intenté un procès à Teena Marie qu’elle connut le succès en 1985 avec « Lovergirl ».) Charlene devint même l’une des rares artistes signées chez Motown Latino lorsqu’elle sortit une reprise en espagnol de son tube intitulée « Nunca he ido a mi » (1624LF).

La sortie simultanée de son album, I’ve Never Been to Me (Motown 6009 ML), a également connu un succès relatif, atteignant la 36e place du Top 200 de Billboard. Le LP mélangeait des morceaux déjà enregistrés avec de nouveaux morceaux et présentait deux couvertures d’album différentes : l’une montrait Charlene dans une élégante robe blanche avec un nœud et l’autre utilisait son image dans un rendu pastel mélancolique.

« It Ain’t Easy Comin’ Down » a été réutilisé sur l’ album « I’ve Never Been to Me » et ressorti en tant que deuxième single (référence 1621 MF). Sorti en 1982, le titre a atteint la 109e place des charts américains, mais la 8e en Norvège. Les diffusions radio ajoutaient une harmonie finale, « It ain’t easy without you », absente de la version album. Cette version (avec l’harmonie supplémentaire) a également été utilisée dans le film « The Last American Virgin » (1982 ). Bien que la compilation originale de Virgin ne contienne pas ce titre, « It Ain’t Easy Comin’ Down » a depuis été ajouté aux éditions étendues de la bande originale , notamment les rééditions de 2004 et 2012.

Lorsque Charlene a signé de nouveau avec Motown en 1982, la maison de disques a accepté non seulement la production d’un album grand public inédit, mais aussi la sortie américaine d’un album de musique religieuse qu’elle avait déjà commencé à enregistrer avec Chapel Lane Records en Angleterre. Sorti en 1982, The Sky Is the Limit (Motown 6024 ML) propose une musique gospel introspective, avec plusieurs chansons écrites par Charlene elle-même et une reprise de « Jesus Is Love » de Lionel Richie.

Vers la fin de l’année, Charlene sortit également un nouveau single, un duo avec Stevie Wonder intitulé « Used to Be » (1650 MF), écrit et composé par les mêmes auteurs-compositeurs que « I’ve Never Been to Me ». Le titre plafonna à la 46e place du Hot 100 (et atteignit la 31e place du classement Adult Contemporary et la 35e du classement R&B). « Used to Be » se hissa toutefois à la 13e place du classement suisse Hitparade en décembre 1982. Les paroles controversées de « Used to Be », déplorant une société indifférente et égocentrique, incitèrent certaines stations de radio américaines à refuser de diffuser le single et contribuèrent à son interdiction en Angleterre. Les vers jugés les plus inacceptables étaient prononcés par Wonder dans le premier couplet : « Have another Chivas Regal/You’re 12-years old and sex is legal. » Classé 162e au Billboard 200, l’album Used to Be de Charlene (Motown 6027 ML) n’a pas connu le même succès que l’ album I’ve Never Been to Me . Parmi les titres phares de Used to Be figuraient la ballade romantique et envoûtante « Rainbows », une reprise de « You’re Home », déjà parue dans la comédie musicale Daddy Goodness, et une reprise de « Heaven Help Us All », popularisée par Stevie Wonder. Alors que la version de Wonder utilisait les termes « homme noir » et « homme blanc », celle de Charlene les transformait en « homme pauvre » et « homme riche ».

En 1984, Charlene coproduit un nouvel album, Hit & Run Lover (6090ML), principalement composé de morceaux dance rythmés, et la sépare de son producteur habituel, Ron Miller, et du duo d’auteurs-compositeurs Miller-Hirsch, à qui l’on doit une grande partie de son catalogue. Bien que la ballade puissante « We Belong », qui deviendra rapidement un grand succès pour Pat Benatar , lui ait été proposée, le producteur exécutif Ray Singleton s’oppose à son inclusion sur l’album.

Motown a poursuivi ses efforts pour redorer l’image de Charlene et séduire un nouveau public en la mettant en avant dans un segment du film « The Last Dragon » , alors en développement par le fondateur de Motown, Berry Gordy . Elle et d’autres artistes Motown, dont DeBarge et Vanity , ont été stratégiquement placés dans le film pour surfer sur la vague MTV de l’époque. Le titre pop entraînant de Charlene, « Fire », a été utilisé, accompagné d’un clip la représentant comme une déesse. Bien que le film ait contribué à améliorer la popularité de certains autres artistes, Motown se tournait désormais vers les artistes proposant le son New Jack Swing qui allait dominer la fin des années 1980 et le début des années 1990. Cette tendance a marginalisé Charlene et d’autres artistes Motown. Sa participation au film n’a pas amélioré sa popularité et elle a de nouveau été renvoyée par Motown en 1985.

Les chansons de Charlene ont été utilisées dans le feuilleton télévisé Passions, diffusé sur NBC . En 2004, elle a effectué une tournée au Royaume-Uni avec Kiki Dee .

En 2012, Charlene vivait en Californie, son État natal, avec sa famille et continuait d’enregistrer activement. Sous le nom de Charlene Oliver, elle lança un site web où l’on pouvait télécharger sa nouvelle musique dance/club/house, notamment des titres comme « Broken Woman », « California Dreamin’ » (Dance), « Emotional Scars », « I Wanna Be a Woman », « I Was You », « I’ve Never Been to Me » (Dance), « Oh Cecilia », « Sea of ​​Tranquility », « Spirit of Woman », « Symphony for a Broken Piano », « There I’ll Be » et « (Why Can’t) Time Stand Still ». Toujours en 2012, Charlene réalisa un nouveau clip pour son remix club de « I’ve Never Been to Me », disponible sur des plateformes comme YouTube .

Charlene a également écrit trois livres : une autobiographie (avec Jordan Paramor), un livre pour enfants et le roman Orphan Train, inspiré par la Seconde Guerre mondiale.

En 2013, Charlene devait sortir un nouvel album via Gotham Records après la sortie d’un single intitulé « Heard You on the Radio » sur iTunes le 22 octobre 2012.

En mai 2021, elle a sorti un nouveau single intitulé « Destiny », disponible sur les plateformes de streaming.

En 2022, Paul Stuart Davies , chanteur soul britannique ayant déjà collaboré avec d’autres artistes de la Motown, contacta Charlene via les réseaux sociaux pour l’informer que son titre phare était numéro un le jour de sa naissance. Bien qu’ils ne se soient jamais rencontrés en personne, Charlene et Davies composèrent et enregistrèrent virtuellement un duo intitulé « Fairytale Life », disponible sur iTunes depuis le 23 septembre 2022.

Au fil des ans, des interprétations mémorables de « I’ve Never Been to Me » ont figuré dans des séries télévisées telles que Will & Grace et Desperate Housewives , ainsi que dans des films comme Shrek le Troisième en 2007 et You Were Never Really Here en 2017. Dans l’épisode de 2018 de Splitting Up Together intitulé « Asking for a Friend », Lena ( Jenna Fischer ) se met à chanter la chanson avec nostalgie à ses enfants, et son interprétation pousse son plus jeune fils, Milo, à se demander à voix haute si sa mère ne fait pas une dépression nerveuse. Chanson populaire chez les drag queens , « I’ve Never Been to Me » a été mise en avant comme numéro d’ouverture du film Priscilla, folle du désert ( 1994) . La scène montrait Mitzi Del Bra ( Hugo Weaving ) en drag queen, faisant du playback sur la voix de Charlene. La version originale de Charlene de cette ballade sentimentale figure également sur la bande originale .

Grâce à son unique tube, Charlene est devenue une artiste à succès éphémère et très médiatisée . En 2002, elle figurait dans l’émission « 100 Greatest One-Hit Wonders » de VH1 , où elle se classait 75e. L’émission précisait que sa chanson « exprimait la nostalgie des années 70 ». En 2006, « I’ve Never Been to Me » est sortie sur la compilation SingStar Anthems , l’une des compilations populaires de SingStar. Charlene a réédité la chanson sous forme de remix dance téléchargeable. « Used to Be » (n° 3) et « I’ve Never Been to Me » (n° 4) ont toutes deux figuré dans le top 10 du livre de Jimmy Guterman et Owen O’Donnell, « The Worst Rock n’ Roll Records of All Time », paru en 1991 .

Charlène a été mariée deux fois. Elle a trois filles et un petit-fils.

Avec son mari, Jeff Oliver, Charlene a été co-gérante d’une agence d’assistance juridique en matière de documents, desservant des clients dans le comté de Los Angeles et ses environs .

En 2020, Charlene vivait à Fort Worth, au Texas , où elle enseignait le piano en tant qu’instructrice à la Creative Soul Music School.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/113779-Charlene

CHARLÉLIE COUTURE

Charlélie Couture (souvent typographié CharlÉlie Couture), de son vrai nom Bertrand Charles Élie Couture, est un chanteur, compositeur, peintre, écrivain, graphiste et photographe franco-américain, né le 26 février 1956 à Nancy (Meurthe-et-Moselle).

Son pseudonyme est l’association des prénoms de ses deux grands-pères.

Il explore de multiples disciplines artistiques, et se réclame du « multisme », terme créé par Mario Salis qu’il définit ainsi :

« Le multisme c’est le fait d’évoquer l’idée qu’il y a une différence entre le fond et la forme, entre le comment et le pourquoi. On associe souvent l’art à une manière, alors que moi je crois que l’art dépend beaucoup de l’intention. Et quand on a une intention, on trouve la manière de faire. »

 

Charlélie Couture est le fils de Jean-Pierre Couture (1919-2002) et d’Odette Michel (1928-2015).

Pendant la Seconde Guerre mondiale, Jean-Pierre Couture s’engage dans la Résistance auprès de Stéphane Hessel, son chef de réseau. Arrêté et torturé, il est déporté dans les camps de Buchenwald et de Dora-Nordhausen. En 1948, à l’âge de 29 ans, il revient s’installer à Nancy. Jean-Pierre Couture a été professeur des Beaux-arts, avant de se reconvertir en antiquaire et décorateur.

Sa mère Odette Michel a enseigné le français aux États-Unis, à Jacksonville (Alabama), puis à Kenosha (Wisconsin), avant de rejoindre la boutique d’antiquités familiale.

Charlélie Couture a une sœur aînée, Sophie — à qui il consacre la chanson Surya Devi dans l’album Solo Girls —, et un frère cadet, Tom Novembre — né Jean Thomas Couture.

Sa grand-mère professeur de piano l’initie dès l’âge de 6 ans à cet instrument à raison de trente minutes par jour, et lui fait découvrir la musique classique.

Charlélie Couture poursuit une démarche vers ce qu’il définit comme « l’Art total », attitude globale consistant à trouver des interconnexions entre les formes d’expressions de l’homme que sont l’écriture, l’image et la musique.

« J’ai commencé quand j’avais 15 ans. En France, j’ai fait quatre-vingts expos. À 12 ans, dans une exposition de peintres dadaïstes que je visitais avec mon père à Nancy, j’ai eu comme le sentiment ébloui que c’était ça qu’il fallait que je fasse. »

En 1978, pour sa thèse de fin d’études, il choisit le thème de « la polymorphie de l’esprit » qu’il explore encore aujourd’hui. À cette occasion, il présente des photos, des textes et des peintures et il autoproduit deux premiers disques, 12 chansons dans la sciure et Le Pêcheur, qui attirent l’attention des professionnels. Diplômé de l’École Nationale Supérieure des Beaux Arts, Charlélie s’inscrit dans le courant multiste des artistes pluridisciplinaires dont il est une des références notoires.

En 1981, il est le premier artiste français signé par Chris Blackwell sur le label anglo-américain Island Records. Neuf mois plus tard, le succès est au rendez-vous avec l’album Poèmes rock enregistré à New York, et son tube Comme un avion sans aile. La même année, il fonde à Nancy le groupe Local à Louer, associant photographes, peintres et poètes et publie à cette occasion le Manifeste de l’Art rock où il écrit : « l’Art doit faire la jonction entre le fonctionnalisme de la société industrielle et les aspirations de la culture pop ! »

Intéressé par les nouvelles possibilités d’expression et de communication qu’offre le réseau Internet, Charlélie fait partie des mille premiers adeptes qu’on a appelés les pionniers du Web. En 1996, il crée Les champs paraboliques, son site qu’il fait régulièrement évoluer, en utilisant ce nouvel espace de création numérique.

En 2003, Charlélie Couture participe en tant qu’artiste plasticien à un concours pour l’aménagement de la Direction régionale des affaires culturelles (DRAC) d’Amiens. Son dossier franchit les étapes de sélection, et il fait partie des trois finalistes. Jusqu’à cette dernière étape, les projets sont anonymes. Enfin, le jury découvre personnellement les finalistes, et, ne retenant de Charlélie Couture que son statut de chanteur, rejette son projet avec mépris. « C’était la négation de tout ce que j’avais tenté depuis toujours ». Cet événement le pousse à partir s’installer à New York avec sa femme Annie et leurs deux filles Shaan et Yamée. Charlélie peut développer là-bas avec liberté sa peinture et son art, qu’il considère dans son pays d’origine comme trop définis par l’influence de sa « notoriété musicienne ».

En 2004, il s’installe à New York. Il déclare à cet effet : « Je suis parti pour me reconstruire, me réinventer ». En 2005, il ouvre son atelier dans le Garment District. En 2009, il crée sa propre galerie The Re Gallery, à Manhattan, où il présente essentiellement son travail. Il obtient la double nationalité américaine en 2011.

Plusieurs événements, dont la dégradation du climat politique aux États-Unis à partir de 2016, l’amènent finalement à repenser son choix de vivre à New York, et il décide de revenir en France en 2018. Depuis, il réside pour partie à Paris, et pour partie dans la campagne lorraine, au sud de Nancy.

Du milieu des années 1970 au début des années 1980, Charlélie Couture est en couple avec Martine Dubois, elle aussi élève aux Beaux-Arts, et fille de l’illustrateur Claude Dubois. Plusieurs pochettes de disques sont ainsi co-signées Mah Dubois (Martine Dubois) / Boy Scout (Charlélie Couture).

Au début des années 1980, il entame une relation avec Véronique Colucci.

En 1985, il rompt définitivement avec Martine Dubois, et se met en couple avec Annie Verdellet. Ils ont deux filles, Shaan (née en 1989), réalisatrice, et Yamée (née en 1992), chanteuse et comédienne.

Charlélie Couture est touché par la Covid-19 en mars 2020 et témoigne de sa virulence, ce qui ne l’empêche pas par la suite de protester contre l’obligation du port du masque et le confinement.

En 2025, il subit une opération pour traiter un cancer de la vessie.

Charlélie Couture revendique son multisme, un terme qui recouvre pour lui le fait de trouver « la façon la mieux adaptée pour exprimer ce qu’on a à dire artistiquement ».

Il a publié une quinzaine d’ouvrages de dessins, de photos, et de réflexions, dont le beau livre New York by Charlélie paru le 11 mars 2009 aux éditions du Chêne. Il a réalisé des affiches pour le tennis (Finale de la Coupe Davis à Paris), dessiné des logos comme celui de la région Lorraine, conçu le design de montres et créé une collection de chaussures sous la marque « ChElie ».

Il a exposé ses peintures, photos et dessins, en France, en Belgique, en Suisse, aux États-Unis.

Il a été membre ou président de jury dans différents festivals de films, d’arts, ou de musique (Festival du cinéma américain de Deauville 2007, Beaubourg Art Pocket Film 2006, Festival d’été de Québec, Cannes Festival des Vidéoclips 1998, etc.).

Il a également participé à de nombreuses conférences, exposés et commissions dont la Commission européenne sur l’Art et la Culture en 2000, conférence Ars Multimédia 1995, sur l’Influence d’internet dans le commerce de la culture en 1996.

En 2004, il participe aux premières Conversations Essentielles sur le thème Foi & Culture, puis en 2008 sur le thème de la Création, et en 2009 sur le thème Maître de son destin.

Pour la première fois ont été regroupées des œuvres de l’artiste réalisées depuis son adolescence : une importante rétrospective de son œuvre de plasticien qui s’étend sur plus de 1 000 m² produite par son producteur et manager Pacôme Vexlard en partenariat avec la Ville de Nancy se tient aux Galeries Poirel de Nancy du 28 novembre 2014 au 1^er mars 2015.

Lors de la crise sanitaire de la Covid-19, il participe en 2020 au festival Confinement, premier festival d’art urbain confiné, organisé par Projet Saato, qui réunit plus de 200 artistes. Il y réalise trois œuvres vendues au profit de la fondation de l’Assistance publique – Hôpitaux de Paris.

En 2021, Charlélie a proposé plusieurs expositions, dont Rimbaud d’aujourd’hui au musée de la Chartreuse de Douai, et CharlÉlie Couture, poète rock et multiste à Saint-Palais-sur-Mer.

Du 8 février au 25 mai 2025, la galerie Saint-Jacques située à Saint-Quentin, dans l’Aisne, accueille l’exposition intitulée Un par an, inspirée par l’ouvrage éponyme paru en 2022 aux éditions Elytel. Cette exposition constitue une rétrospective chronologique du parcours de CharlÉlie Couture depuis le milieu des années 1970 jusqu’à nos jours, et témoigne de l’évolution de son travail artistique englobant peinture, photographie, sculpture, poésie, musique et littérature.

Musicien et compositeur prolifique, CharlÉlie enregistre vingt-quatre albums et fait 1 500 concerts à travers le monde. Il compose 17 bandes originales de films, dont celle de Tchao Pantin.

Il auto-produit ses deux premiers disques, 12 chansons dans la sciure et Le Pêcheur.

En 1981, il est signé par Chris Blackwell sur le label anglo-américain Island Records. Neuf mois plus tard, le succès est au rendez-vous avec l’album Poèmes rock enregistré à New York.

En 2011, CharlÉlie sort l’album Fort rêveur. La tournée Fort rêveur Tour, en 2011-2012, l’emmène en France, en Belgique, en Suisse, au Canada et sur la côte Est des États-Unis. La tournée se termine les 10 et 11 juin 2012 au Casino de Paris, où il invite sur scène Louis Bertignac et Benjamin Biolay.

CharlÉlie confie à Benjamin Biolay la réalisation de l’album suivant. À cette occasion CharlÉlie signe son retour — éphémère — dans une major de l’industrie du disque. L’album ImMortel sort le 15 septembre 2014, sans recevoir l’exposition médiatique espérée. Une tournée de plus de cinquante dates s’ensuit et notamment un concert au Trianon à Paris.

En décembre 2015 et janvier 2016, CharlÉlie enregistre un nouvel album au studio Dockside, à Maurice, près de Lafayette en Louisiane, avec des musiciens locaux, dont les Lost Bayou Ramblers et Zachary Richard. L’album Lafayette sort le 29 avril 2016, suivi d’une tournée qui se prolonge jusqu’en septembre 2018. À la suite des inondations qui ont touché le studio Dockside, CharlÉlie participe au concert de soutien Qui l’eût crue au Cabaret Sauvage. Au printemps 2018, CharlÉlie ouvre une parenthèse dans la tournée Lafayette, et se produit seul avec Karim Attoumane, pour une série de concerts Solo+.

Enregistré en juin 2018, l’album suivant, Même pas sommeil, sort le 25 janvier 2019. Il est dédié à Véronique Colucci et Jacques Higelin, disparus tous deux le 6 avril 2018. Plusieurs dates de la tournée Solo+ leur avaient également été dédiées. À l’occasion du concert du 12 avril 2019 au Trianon à Paris, CharlÉlie invite sur scène Alice Botté, son ancien guitariste et également guitariste de Jacques Higelin, pour une reprise de Pars.

Un nouvel album, Trésors cachés et perles rares, composé d’anciens titres réorchestrés, dont certains inédits, paraît le 30 octobre 2020. Sa sortie est suivie quelques jours plus tard, le 5 novembre, par celle de CharlÉlie Couture, poète rock, la biographie écrite par David Desvérité aux éditions de l’Archipel.

Il collabore également à l’occasion avec sa fille Yamée, qui assure d’ailleurs la première partie de son concert à Nancy le 3 décembre 2021.

Le 24 mai 2022 sort l’album Quelques essentielles, composé de 9 titres anciens réorchestrés et de 4 inédits. Enregistrés à la même période que Trésors cachés et perles rares, ces arrangements confirment la volonté de CharlÉlie d’ancrer dans un son plus moderne des chansons pour la plupart sorties avant les années 2000 (Local Rock, Aime-moi encore (au moins), La Suprême Dimension…). Parmi les inédits, figure un duo avec sa fille Yamée, Slow Motion, mais aussi l’adaptation du Dormeur du val, le poème d’Arthur Rimbaud mis en musique à l’occasion de l’exposition Rimbaud d’aujourd’hui présentée à Douai en 2021. L’album se termine sur un enregistrement live de La Route, hommage à Jack Kerouac paru sur Quoi faire ? en 1982 et repris durant la tournée en duo avec Karim Attoumane en 2022 et 2023.

Le 9 février 2024, paraît Contre toi, album de 11 titres réalisé par Dominique Blanc-Francard. Écrit par Yamée Couture, L’Absence est la chanson par lequel cet album est né et qui a inspiré toutes les autres. Elle l’interpréte ici en duo avec son père. Ces chansons s’articulent autour du sentiment amoureux, fané, usé, naissant, optimiste ou résigné. Les textes jouent sur le double sens, à l’image de la polysémie du titre. Les musiciens sont ceux avec lesquels CharlÉlie travaille depuis longtemps (sur scène ou en studio) comme le bassiste Philippe Gonnand, le guitariste et producteur Karim Attoumane, le batteur Martin Mayer ou encore le violoniste Pierre Sangra. Dès sa sortie, Contre toi prend vie sur scène grâce au trio qui accompagne CharlÉlie : Barbara Felettig, Martin Mayer et Karim Attoumane.

En septembre 2021, Charlélie Couture commence à préparer un concert Ode à l’Est avec l’orchestre symphonique de Neuves-Maisons. Le projet se concrétise sous forme de concert le 9 février 2023 à Neuves-Maisons et le 25 mars 2023 à Vandœuvre-lès-Nancy. Le 14 septembre 2024, c’est avec l’orchestre symphonique Chüt que Charlélie Couture propose cette formule à Fessenheim.

Le 10 avril 2026, Charlélie Couture publie un album de duos, sur une thématique environnementale, au profit de France Nature Environnement.

• 1976 : Second prix du Jeune Photo-journaliste de la ville de Nancy
• 1978 : Prix Quintard de l’Académie de Stanislas pour la qualité de ses études d’art
• 1982 : Bus d’acier (Grand Prix du rock français) pour Poèmes rock
• 1984 : Nommé aux Césars pour la bande originale du film de Claude Berri Tchao Pantin
• 1989 : Prix de l’Académie Charles-Cros
• 1995 :  Chevalier de l’ordre national du Mérite
• 1999 : Prix Lacoste du meilleur livre sportif pour Beaux Gestes
• 2001 : Prix Lacoste du meilleur livre sportif pour Roland-Garros 2001 (collectif)
• 2001 :  Chevalier de la Légion d’honneur, décoration remise en 2003 par Stéphane Hessel
• 2010 :  Chevalier de l’ordre des Arts et des Lettres.
• 2016 :  Officier de l’ordre national du Mérite, décoration remise en 2019 par Anne Hidalgo
• 2020 : Prix Heredia décerné par l’Académie française pour La Mécanique du ciel.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/73251-Charl%C3%A9lie-Couture

CHANTEURS SANS FRONTIERES

Chanteurs sans frontières est une association française créée en 1985 suivant le modèle anglo-saxon Band Aid avec le même but : venir en aide aux victimes de la famine qui sévissait alors en Éthiopie. L’association présidée par Antoine di Zazzo, directeur général de Pathé-Marconi EMI, était dirigée par Dominique Quilichini (alors épouse de Renaud), Francis Cabrel (trésorier), Franck Langolff (compositeur de la musique) et de Rony Brauman, président de Médecins sans frontières.

Le total des dons avait atteint 23 millions de francs distribués à Médecins sans frontières (à 90 %), AICF, Médecins du monde, et aux Restos du cœur.

L’idée anglo-saxonne a été reprise à l’initiative de Valérie Lagrange et sous l’égide de Renaud.

Le groupe musical formé pour l’occasion a sorti, en mars 1985, le maxi 45 tours Éthiopie. Le disque s’est vendu rapidement à plus d’un million d’exemplaires et a rapporté plus de 10 millions de francs qui ont été reversés à l’association Médecins sans frontières. Le cumul des ventes du disque a dépassé, finalement, le 1,5 million d’exemplaires.

La chanson Éthiopie est écrite par Renaud sur une musique de Franck Langolff, la version instrumentale figure en face B (Maxi 45 tours Pathé Marconi paru en mars 1985). Une version « Picture Disc » a également été produite la même année

Serge Gainsbourg, ami de Renaud, n’a pas participé à l’enregistrement du disque car il venait de perdre sa mère à cette période. Il a réparé son absence à la création du disque en signant en direct dans l’émission Le Jeu de la vérité sur TF1, un chèque de 100 000 francs à l’ordre de Médecins sans frontières.

Les Chanteurs sans frontières donnent un concert à La Courneuve le dimanche 13 octobre 1985. Plus de 80 artistes, tous bénévoles, sont réunis sur scène à l’occasion. Cependant, le concert n’est pas à la hauteur des espérances de ses organisateurs. Alors que 150 000 spectateurs sont attendus, seuls 15 000 répondent présent. Le prix des places trop élevé pour un concert caritatif (120 francs) est évoqué comme la cause principale la plus probable de cet échec.

Les fonds récoltés sont reversés à diverses associations œuvrant pour l’Éthiopie et une première participation aux Restos du cœur de Coluche qui lui permit de continuer son œuvre alors qu’il était dans le doute.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/451963-Chanteurs-Sans-Fronti%C3%A8res

CHANTAY SAVAGE

Chantay Savage est une chanteuse américaine de R&B / dance. Elle a connu un certain succès dans les années 1990, figurant dans divers classements de singles du Billboard , notamment avec « I Will Survive », une reprise du tube de Gloria Gaynor .

Savage a connu de nombreux succès dans les classements américains, notamment le Billboard Hot 100, le classement Dance et le classement R&B. Au total, ses singles ont figuré pendant 452 semaines dans différents classements Billboard, et ses albums pendant 81 semaines dans ces mêmes classements.

Avant de signer un contrat d’enregistrement , Savage a profité de son succès pour travailler comme musicienne de studio, chanteuse et compositrice avec des artistes telles que CeCe Peniston et Tanya Blount . Elle a co-écrit le tube de Peniston, « We Got a Love Thang ». En 1993 , elle a sorti son premier single, « If You Believe », extrait de son premier album, Here We Go… . Son single suivant, « Betcha’ll Never Find », s’est classé dans le top 20 des charts dance et R&B de Billboard . Elle a également sorti les singles « Don’t Let It Go to Your Head » et « Give It to Ya ».

En 1995, elle a fait équipe avec Aaliyah , En Vogue , TLC , BlackGirl , Mary J. Blige , Vanessa Williams , SWV et d’autres pour le single « Freedom » du film Panther .

En 1996, Savage sort « I Will Survive », extrait de son deuxième album, « I Will Survive (Doin’ It My Way) » . Le single connaît un succès modéré aux États-Unis, atteignant la 24e place du classement pop et la 5e place du classement R&B de Billboard . Il se classe 12e au Royaume-Uni. Le single est également certifié disque d’or par la RIAA pour plus de 500 000 exemplaires vendus aux États-Unis. En 1997, elle interprète , avec Deborah Cox , Heavy D et Brownstone, le tube numéro un de Janet Jackson , « That’s the Way Love Goes », lors de l’hommage rendu à l’ icône par les Soul Train Music Awards . En 1998, Savage signe un autre succès mineur avec « Reminding Me (Of Sef) », interprété par Common. Ce titre se classe dans le top 10 du classement Hot Rap de Billboard .

En 1999, elle sort son troisième album, This Time , dont le premier single, « Come Around », atteint la 62e place des charts. Savage écrit tous les textes et joue du piano et de la batterie . En 2003, elle collabore avec l’artiste de spoken word Malik Yusef sur la chanson « Auto-Eroticism » de son album The Great Chicago Fire: A Cold Day In Hell . Trois ans plus tard, elle participe à une reprise du tube d’ Earth, Wind & Fire « September » pour l’album Music Is Our Way of Life de Full Flava . La même année, elle enregistre le générique de BellaNutri, intitulé « Always Beautiful », ainsi qu’un titre bonus, « Shine », qui figure sur un CD de la société.

En 2012, elle a collaboré avec un autre artiste de spoken word, Quill, sur son morceau « Everything Must Change ».

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/35134-Chantay-Savage

CHANGE

Change est un groupe italo-américain de post-disco formé à Bologne en 1979 par l’homme d’affaires et producteur Jacques Fred Petrus (1948-1987) et Mauro Malavasi (né en 1957). Ils étaient fortement influencés par le groupe disco Chic . La formation actuelle du groupe date de 2018.

Change a été initialement formé au début de 1979 en tant que groupe de studio avec une écurie tournante de musiciens, dirigé par l’homme d’affaires et producteur exécutif Jacques Fred Petrus , la majorité de l’écriture et de la production étant assurées par Mauro Malavasi et Davide Romani.

La double identité italo-américaine du groupe résultait d’un système de production où la musique, à l’exception du chant, était écrite et enregistrée par des collaborateurs italiens dans des studios comme Fonoprint Studios à Bologne , en Italie . Ces pistes d’accompagnement étaient ensuite envoyées aux États-Unis où des chanteurs américains ajoutaient les voix, avant d’être mixées pour obtenir les versions finales dans de grands studios comme Power Station à New York.

Le premier album du groupe, * The Glow of Love *, est sorti en 1980 sur le label de Ray Caviano, RFC Records (distribué par Warner Bros.). Il a été composé par une petite équipe d’auteurs-compositeurs : Romani, Malavasi, Paolo Gianolio (guitariste principal), Tanyayette Willoughby, Paul Slade et Wayne Garfield. Le premier single, « A Lover’s Holiday », vendu à plus d’un million d’exemplaires, mettait en vedette les improvisations vocales de Zachary Sanders, alors connu pour son travail sur *Schoolhouse Rock* . Les autres tubes extraits de l’album, « Searching » et la chanson titre, étaient interprétés par Luther Vandross, qui n’avait pas encore acquis de notoriété. Ces trois titres ont établi un record historique, restant neuf semaines numéro un du classement Billboard Club Play Singles, ce qui en a fait le titre de meilleur disque disco de l’année et un succès commercial aux États-Unis. L’album a également figuré dans le Top 40 pop de l’été. Le succès de « Searching » et de « The Glow of Love » a fait connaître la voix de Luther au grand public et a conduit peu après à une carrière solo réussie.

Au moment de la sortie de The Glow of Love , le groupe a également été comparé à un autre groupe disco de l’époque, Chic, qui non seulement étaient les camarades de label de Change chez Atlantic Records aux États-Unis, mais partageaient également leurs choristes.

L’album suivant, Miracles, est sorti en 1981. Il a été créé par la même équipe d’auteurs-compositeurs et de producteurs que pour le premier album. En raison de divergences contractuelles, Vandross n’a pu chanter en solo sur aucun titre et n’a assuré que les chœurs sur certaines chansons. Après Miracles , Vandross a continué à chanter pour le groupe jusqu’en 1981, date à laquelle il a quitté Change pour se lancer dans une carrière solo. Petrus et Malavasi ont engagé James « Crab » Robinson pour remplacer Vandross, en raison de sa capacité à chanter dans un style similaire. Robinson a partagé le chant avec Diva Gray sur cet album.

Miracles a connu un succès similaire à celui du premier album, même s’il n’a pas réussi à produire un tube grand public comme « A Lover’s Holiday ». Les trois singles de l’album, « Paradise », « Hold Tight » et « Heaven of My Life », ont tous atteint la première place du classement Billboard Club Play Singles en 1981.

L’album « Sharing Your Love » de Change, sorti en 1982, a marqué un tournant pour le groupe, l’éloignant du disco et de la musique club pour l’orienter vers des genres tels que le R&B et le funk. Le premier single, « The Very Best in You », illustre parfaitement leur approche du R&B. Cet album a également marqué un tournant dans la composition des albums du groupe. L’équipe à l’origine des premiers albums s’implique moins, faisant appel à un large éventail d’auteurs-compositeurs. Malgré de bonnes ventes et le succès de « The Very Best in You », l’album a contribué à un lent déclin de leur succès commercial.

Lors de l’enregistrement et de la tournée de leur quatrième album, *This Is Your Time * (1983), la formation relativement stable de Change, composée d’interprètes, d’auteurs et de producteurs, ainsi que leur succès commercial, connurent un coup d’arrêt. L’album ne parvint pas à se classer parmi les tubes majeurs, le titre éponyme faisant un flop comparé aux précédents singles. Après la sortie de l’album, Rick Brennan remplaça Robinson, qui quitta le groupe pour se lancer dans une carrière solo, tandis que les producteurs Davide Romani et Mauro Malavasi se consacrèrent à d’autres projets.

Parallèlement à ces départs importants, Change a été renforcé par les contributions du bassiste et compositeur Timmy Allen et de la chanteuse Deborah Cooper , de retour au sein du groupe et désormais promue chanteuse principale. Tous deux sont restés dans le groupe jusqu’à sa dissolution. Après Change, Cooper a travaillé avec C+C Music Factory dans les années 1990.

L’échec de l’album de 1983 a mis en péril l’avenir de Change. Petrus a judicieusement engagé Jimmy Jam et Terry Lewis, membres récemment renvoyés de Time , pour écrire et produire ce qui allait devenir Change of Heart en 1984.

L’album a connu un succès international, permettant au groupe de réintégrer les classements en Europe et aux États-Unis. Le titre éponyme est devenu le premier tube R&B du groupe Change à se classer dans le top 10 en trois ans. Contrairement aux précédents albums de Change, qui avaient fait appel à de nombreux auteurs-compositeurs, Change of Heart n’a été écrit que par trois auteurs : quatre titres étaient signés Jimmy Jam et Terry Lewis, et les quatre autres par Timmy Allen.

Néanmoins, Petrus offrit à Allen l’opportunité d’écrire et de produire la majeure partie de ce qui allait devenir le dernier album de Change, en 1985 : * Turn on Your Radio* . Cet album s’éloigna du son dance et R&B soigné que le groupe avait toujours mis en avant, et connut un succès encore moindre que * This Is Your Time* , même si l’Europe resta réceptive au groupe. Leur dernier tube américain, « Let’s Go Together », fut remarquable car il fut coécrit par Petrus avec ses collaborateurs de retour, Davide Romani et Paul Slade.

« Turn on Your Radio » fut le point le plus bas du succès commercial de Change, mais n’était pas censé être leur dernier album. La séparation officielle survint après la mort de Petrus en 1987.

Alors que le groupe Change original a disparu après la mort de Petrus, Davide Romani, Mike Francis (Francesco Puccioni) et Patrick Boothe ont tenté de relancer le projet en 1990. Ce nouveau projet Change devait sortir sur BMG North America sous le nom de X-Change en 1992, mais en raison de problèmes budgétaires, l’album n’a jamais été publié.

La disponibilité des enregistrements de X-Change a été résolue en 2009 après que Romani a conclu un accord avec le label italien Fonte Records pour sortir l’album plus tard cette année-là sous le titre Change Your Mind. Il a été produit par Romani et Puccioni, écrit par Romani, Puccioni et Boothe, avec Boothe comme chanteur principal.

En 2001, la chanteuse américaine de R&B / pop Janet Jackson a utilisé un échantillon de « The Glow of Love » de Change dans son single numéro 1 All for You.

En 2018, Change a fait son retour avec les membres originaux Davide Romani et Mauro Malavasi , et la nouvelle chanteuse Tanya Michelle Smith. Le groupe reformé a également sorti son premier single et clip vidéo, « Hit or Miss », en juin 2018, premier extrait de « Love 4 Love », un EP de neuf titres paru le 7 septembre 2018.

En mai 2025, l’album Embrace est sorti, avec la chanteuse Tanya Michelle.

Change était à l’origine un groupe de studio composé de musiciens de session et d’un noyau de collaborateurs mené par Jacques Fred Petrus et Mauro Malavasi. Après la sortie de The Glow of Love and Miracles , Petrus a cherché à donner une image plus affirmée au groupe et a formé une formation pour la promotion et les concerts. Cette seconde formation, relativement stable, a contribué aux quatre albums suivants du groupe. Depuis leur dernier album, des tournées et des concerts ont eu lieu avec une succession de musiciens et de chanteurs perpétuant le nom de Change.

Première formation (1980–1981)

• Luther Vandross – chant principal, chœurs
• Jocelyn Shaw – chant principal
• Krystal Davis – duo avec Yvonne Lewis sur « The Glow of Love » et chœurs, premier album
• Yvonne Lewis – chant en groupe sur « The Glow of Love »
• Dennis Collins – chœurs sur « The Glow of Love », « Miracles » et « Sharing Your Love »
• Zachary Saunders – chœurs sur « The Glow of Love » et « A Lover’s Holiday »
• Diva Gray – chant principal
• James « Crab » Robinson – chant principal (1981)
• David Romani – basse
• Paolo Gianolo – guitare
• Rudy Trevisi – saxophone (1981)
• Doc Powell – guitare
• Larry McRae – basse (1981)
• Terry Silverlight – batterie
• Leno Reyes – batterie
• Onaje Allan Gumbs – claviers
• Andy Schwartz – claviers
• Nathaniel S. Hardy, Jr. – claviers
• Maurizio Biancani – synthétiseur

Deuxième formation (1982–1985)

• Deborah Cooper – chant principal
• James « Crab » Robinson – chant principal (1982–83)
• Rick Brennan – chant principal, percussions (1983–85)
• Timmy Allen – basse, claviers, synthétiseur, chœurs
• Vincent Henry – guitare, saxophone
• Michael Campbell – guitare
• Jeff Bova – claviers
• Rob Aries – piano et synthétiseur
• Toby Johnson – batterie (1983–84)
• Rudy Trevisi – saxophone (1983)
• Bernard Davis – batterie (1983)
• Carole Sylvan – chœurs (1982–1983)
• John Adams – directeur musical, claviers (1982–1983)
• Mary Seymour – chœurs (1982–1983)

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/17967-Change