BASS BUMPERS

Bass Bumpers est un groupe et équipe de production allemand axé dance et techno, actif dans les années 1990.

Biographie

Bass Bumpers se compose de Henning Reith (aux claviers et à l’ingénierie sonore), Caba Kroll (disc-jockey, chorégraphe, responsable du management), CJ Stone (de son vrai nom Andreas Litterscheid ; disc-jockey résident au Bochum Tarm Center qui intègre le groupe en 1994), et Akira Yamamoto (de son vrai nom Chorn Pin Chang, qui écrit les titres depuis 1994).

Bass Bumpers est fondé en 1990 avec Henning Reith et Caba Kroll lors de leur première production Can’t Stop Dancing avec la rappeuse Nana. Pour le second titre Get The Big Bass, ils font appel au rappeur E.Mello (de son vrai nom Ian Freeman), qui chantait déjà sur une reprise du titre Situation de Yazoo en 1991. E.Mello participe à l’écriture des textes et aux chorégraphies. Ils sont révélés avec le titre The Music’s Got Me en 1992 avec l’arrivée de la nouvelle chanteuse Felicia Uwaje. Suivront ensuite les autres hits Move to the Rhythm et Runnin’, toujours extraits du premier album1. Sort en 1994 un inédit Good Fun puis un autre Keep on Pushin’ en 1995, qui seront présents sur le best-of. Après, plusieurs séries de remixes de The Music’s Got Me sortiront1. Ce titre sera également repris par le groupe allemand Brooklyn Bounce en 1998 et par le projet Purestar (voir Xavier Decanter / Tom Snare) en 2003.

Le nom de Bass Bumpers deviendra, après 1997, un label où l’équipe produira un bon nombre de projets.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/7618-Bass-Bumpers

B.J. THOMAS

Billy Joe Thomas, dit B. J. Thomas, né le 7 août 1942 à Hugo (Oklahoma) et mort le 29 mai 2021 à Arlington (Texas), est un chanteur et compositeur américain de rock, pop et country.

Il est l’interprète original de Hooked on a Feeling (1968), bien que son interprétation la plus célèbre est celle de la chanson Raindrops Keep Fallin’ on My Head en 1969. Il vend plus de cinquante millions de disques au cours de sa carrière.

B. J. Thomas grandit près de Houston, diplômé de Lamar Consolidated High School à Rosenberg. Adolescent, il chante dans une chorale d’église, puis a rejoint le groupe musical « The Triumphs » avec Tim Griffith (guitare solo), Tom Griffith (basse), Denver Zeke Zatyka (claviers), Don Drachenberg (chant et saxophone) et Ted Mensik (batterie). Au cours de sa dernière année, il s’est lié d’amitié avec Roy Head de « Roy Head and The Traits ».

En 1966, « Thomas and The Triumphs » sort l’album I’m So Lonesome I Could Cry (Pacemaker Records). Il comportait une reprise à succès de la chanson du même nom de Hank Williams. Le single s’est vendu à plus d’un million d’exemplaires et a reçu un disque d’or. Le single Mama se place à la 22^e place. Dans la même année, Thomas a sorti un album solo du même titre sur le label Scepter Records.

B. J. Thomas est revenu pour atteindre le succès grand public à nouveau en 1968, d’abord avec The eyes of a New-York woman, puis cinq mois plus tard, avec Hooked on a Feeling, avec le son du sitar électrique de Reggie Young sorti pour la première fois sur l’album On My Way (Scepter Records). Hooked on a Feeling est devenu le deuxième album de Thomas à un million de ventes. Un an plus tard, le film Butch Cassidy et le Kid, Thomas exécutant la chanson de Burt Bacharach et Hal David, Raindrops Keep Fallin’ on My Head, qui remporte l’Oscar de la meilleure chanson originale et atteint le numéro un du classement musical Billboard Hot 100 en janvier 1970. Ses ventes ont également dépassé le million d’exemplaires, Thomas obtenant son troisième disque d’or. La chanson sort également sur un album du même titre. Ses autres succès des années 1970 étaient Everybody’s Out of Town, I Just Can’t Help Believing (numéro 9 en 1970, repris par Elvis Presley), No Love at All, Mighty Clouds of Joy et Rock and Roll Lullaby.

Les premiers succès de B. J. Thomas étaient avec Scepter Records, son label depuis six ans. Il quitte le label en 1972 et passe une courte période, en 1973 et 1974, chez Paramount Records, au cours de laquelle il sort deux albums, Songs (1973) et Longhorns & Londonbridges (1974).

En 1975, l’album Reunion sort sur ABC Records, qui avait racheté le label Paramount, il contenait (Hey Won’t You Play) Another Somebody Done Somebody Wrong Song, le plus long hit n^o 1 du Hot 100. C’était le premier grand succès de B. J. Thomas depuis 1972 et lui a assuré son quatrième « Golden d’or ».

En 1976, B. J. Thomas sort Home Where I Belong produit par Chris Christian sur Myrrh Records, le premier de plusieurs albums de gospel. C’était le premier album chrétien à devenir platine, et Thomas est devenu le plus grand artiste musical chrétien contemporain de l’époque.

Sur MCA Records, B. J. Thomas et Chris Christian ont enregistré ce qui allait être son dernier single à succès dans le Top 40, Don’t Worry Baby, sur son dernier album pop, qui comprenait également le hit au format Adult contemporary, Still the Lovin ‘Is Fun.

Au cours des années 1980, son succès dans les hits pop commence à décliner, mais beaucoup de ses singles ont atteint les régions supérieures du classement des singles country, y compris deux tops de 1983, Whatever Happened to Old-Fashioned Love et New Looks from an Old Lover, ainsi que Two Car Garage, qui atteint la troisième place des charts country. En 1981, le jour de son 39^e anniversaire, B. J. Thomas est devenu le 60^e membre du « Grand Ole Opry ». L’adhésion de B. J. Thomas à Opry ayant expiré plus tard, l’Opry l’a classé comme un « artiste invité » non régulier.

B. J. Thomas a marqué un autre succès, en enregistrant As Long as We Got Each Other, le thème de la série télévisée Quoi de neuf docteur ?. Le thème de la première saison était un solo pour Thomas, qui a été réenregistré en duo avec Jennifer Warnes pour les deuxièmes et troisièmes saisons. Il a été réenregistré à nouveau pour la quatrième saison de l’émission avec la chanteuse britannique Dusty Springfield, mais la version Thomas / Warnes a été rétablie pour la saison 5 et une partie de la saison 7. Thomas a sorti ce morceau pour la première fois sur son album de 1985 Throwing Rocks at the Moon (Columbia Records).

B. J. Thomas a également écrit deux livres, dont l’autobiographie Home Where I Belong, et a joué dans les films Jory et Jake’s Corner. Plusieurs jingles publicitaires, pour notamment Coca-Cola, Pepsi et Bell Telephone, ont été produits avec sa voix et sa musique. Le 31 décembre 2011, Thomas est l’interprète à la mi-temps du « Hyundai Sun Bowl 2011 » à El Paso au Texas.

Le 2 avril 2013, B. J. Thomas a sorti l’album The Living Room Sessions avec des arrangements acoustiques de tubes bien connus. Il invite des chanteurs connus et émergents sur sept des douze titres de l’album.

Le 3 décembre 2013, la National Academy of Recording Arts and Sciences annonce que le single de 1969, Raindrops Keep Fallin ‘on My Head, serait intronisé au Grammy Hall of Fame.

Le 25 juin 2019, The New York Times Magazine cite B. J. Thomas parmi des centaines d’artistes dont les archives aurait été détruites dans l’incendie d’Universal de 2008.

B. J. Thomas épouse la chanteuse-compositrice Gloria Richardson en décembre 1968. Ils ont eu trois filles, Paige (née en 1970), Nora (nord-Coréenne adoptée en 1978) et Erin (née en 1979). Peu de temps après le début de sa carrière, il est devenu dépendant des drogues et de l’alcool, ce qui a conduit à la fin de son mariage. Le 28 janvier 1976, B. J. Thomas est devenu chrétien, moins d’un mois après Gloria. La plupart des sources de presse ont indiqué que B. J. Thomas était sobre depuis que lui et Gloria se sont réconciliés en 1976.

Le 23 mars 2021, B. J. Thomas annonce sur sa page Facebook qu’il avait un cancer du poumon et qu’il était traité au Texas. Il est mort environ neuf semaines plus tard, le 29 mai, à son domicile à Arlington à l’âge de 78 ans.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/182608-BJ-Thomas

BASIA

Barbara Stanisława Trzetrzelewsk , née le 30 septembre 1954), mieux connue sous le nom de Basia , est une auteure-compositrice-interprète et artiste polonaise connue pour sa musique jazz-pop d’inspiration latine. Elle a commencé à chanter professionnellement dans divers groupes polonais de la fin des années 1960 aux années 1970, puis a déménagé au Royaume-Uni en 1981. Elle est devenue célèbre en tant que chanteuse dans le trio britannique Matt Bianco. En 1986, Basia et son coéquipier Danny White avaient quitté le groupe pour se concentrer sur sa carrière solo. Elle signe chez Epic Records et connaît une brillante carrière internationale entre 1987 et 1995, notamment aux États-Unis où ses deux premiers albums Time and Tide etLondres Varsovie New York étaient des vendeurs d’un million d’unités certifiés platine. Durant cette période, ses plus grands succès sont  » Time and Tide « ,  » New Day for You « ,  » Promises « ,  » Baby You’re Mine « ,  » Cruising for Bruising  » et  » Drunk on Love « . Elle avait également construit une base de fans en Asie. Elle a pris une longue pause en raison de tragédies personnelles, puis a fait un retour à l’enregistrement et à la performance réguliers à la fin des années 2000. Elle sort actuellement sa musique sur des labels indépendants.

Biographie

1954-1984 : Début de la vie et carrière

Basia est née à Jaworzno , en Pologne , en 1954. Elle avait trois frères et sœurs – deux frères et une sœur – et ses parents tenaient un glacier populaire dans le centre-ville. Ayant grandi dans une famille musicale, Basia aimait chanter dès son plus jeune âge et possédait une vaste collection de disques vinyles. Sa mère jouait du piano et lui a donné les premiers cours de musique.

En 1969, Basia a fait ses débuts en tant que chanteur dans le groupe local Astry et s’est produit avec eux au Festival national de Beat Avangarde à Kalisz où ils sont arrivés premiers. Toujours doué pour les sciences exactes , Basia avait l’intention d’étudier les mathématiques à l’ Université Jagellonne , mais a finalement choisi la physique. La première année du cours, elle a été approchée par le manager du groupe féminin polonais populaire Alibabki qui lui a proposé de jouer avec le groupe. Basia a accepté l’offre, a abandonné l’université et a commencé à se produire avec Alibabki en 1972. Elle a tourné avec eux en Pologne et à l’étranger, principalement dans lePays du bloc de l’Est , jusqu’en 1974. En 1976, Basia participe au Festival national de la chanson polonaise à Opole en tant que soliste sans succès. De 1977 à 1979, elle a joué dans le groupe de rock polonais Perfect.

Basia a déménagé à Londres avec son partenaire en janvier 1981 et a continué à enregistrer des morceaux de démonstration pour divers artistes. C’est là qu’elle a rencontré Danny White (frère du guitariste de jazz Peter White ) et son collaborateur Mark Reilly. Le trio s’est produit en 1983 sous le nom de Bronze, mais a ensuite changé le nom en Matt Bianco. Leur premier album Whose Side Are You On? est sorti en 1984 et s’est avéré un succès dans toute l’Europe. Il a engendré les 40 meilleurs singles britanniques de Matt Bianco  » Get Out of Your Lazy Bed  » et  » Half a Minute « .

1985–1999 : Carrière solo

Malgré le succès, Basia et Danny ont quitté Matt Bianco en 1985 pour se concentrer sur la carrière solo de Basia, marquant le début d’une collaboration de longue date qui dure à ce jour. Leur première sortie fut le single  » Prime Time TV  » en 1986 qui fut un succès mineur dans les charts au Royaume-Uni et en Allemagne. Le premier album solo de Basia, Time and Tide , est sorti en 1987 et a d’abord rencontré un succès commercial mitigé, se vendant bien en France mais se produisant mal dans le reste de l’Europe. Les singles d’accompagnement  » New Day for You  » et  » Promises  » n’ont eux aussi été que de modestes succès. L’album s’est beaucoup mieux comporté aux États-Unis où il a trouvé la popularité sur les stations de radio de smooth jazz. La chanson  » Time and Tide » a été le premier hit de Basia sur Billboard Hot 100 , culminant au n ° 26 en 1988, suivi de  » New Day for You  » et  » Promises  » atteignant tous deux le top 10 du classement Adult Contemporary en 1989. L’album a été certifié platine par la Recording Industry Association of America en novembre 1989 pour s’être vendu à un million d’exemplaires rien qu’aux États-Unis. Dans le monde, il s’est vendu à près de deux millions d’exemplaires.

Le deuxième album, London Warsaw New York , enregistré en 1989 et sorti au début des années 1990, a été promu par les singles populaires  » Baby You’re Mine  » et  » Cruising for Bruising « . Ce dernier a culminé dans le top 40 des classements des singles américains et canadiens et s’est avéré le plus grand succès de Basia à ce jour. L’album comprenait également la couverture du morceau écrit par Stevie Wonder  » Until You Come Back to Me  » qui était un succès mineur sur le palmarès Adult Contemporary. Londres Varsovie New York a été un autre succès commercial, se vendant dans plus de deux millions d’unités dans le monde, dont plus d’un million aux États-Unis. C’est devenu aussi l’Album de Jazz Contemporain de Billboard de 1990. L’album était un vendeur fort au Japon qui à ce point était devenu le deuxième marché principal de Basia. Le LP a été soutenu par une longue tournée aux États-Unis, en Europe et au Japon. Fort du succès continu de Basia, son label a sorti Brave New Hope , une compilation composée de remixes et de morceaux rares.

Son troisième album studio, The Sweetest Illusion , est sorti au printemps 1994. Mixé par David Bascombe , alors très recherché , le projet a marqué la fin d’une relation de travail de dix ans avec le mixmaster Phil Harding et un pas vers un territoire plus sophistiqué. The Sweetest Illusion comprenait un hit numéro un sur le palmarès Billboard Dance Club Songs ,  » Drunk on Love « , et la chanson à succès modéré  » Third Time Lucky « . Bien qu’il n’ait pas égalé les performances commerciales des deux albums précédents de Basia, il a tout de même atteint le top 40 des charts américains et a reçu la certification or de la RIAA pour avoir vendu plus d’un demi-million d’exemplaires.L’album s’est avéré un plus grand succès au Japon où il a culminé dans le top 10 et était son disque le plus vendu à ce jour, recevant finalement le prix des ventes de platine. Pour soutenir The Sweetest Illusion , Basia s’est à nouveau lancée dans une longue tournée aux États-Unis, au Japon et en Europe, où elle a donné ses premiers concerts solo en Pologne. Elle a enregistré un album live de 16 chansons, Basia on Broadway pendant l’étape new-yorkaise de cette tournée.

En 1996, Basia a contribué au chant de la chanson de Peter White  » Just Another Day  » qui est sortie en single de son album Caravan of Dreams . Un album de compilation rétrospective, Clear Horizon – The Best of Basia , est sorti en 1998, composé de succès notables dans les charts, de pistes non uniques et de nouveau matériel, y compris une reprise de  » Waters of March « , écrite par le compositeur brésilien Antonio Carlos Jobim. La compilation était la dernière sortie de Basia pour Sony et a été un succès mineur, uniquement au Japon, en grande partie en raison du manque de promotion de la part du label.

2000-présent : Interruption et retour

Basia s’est retirée de l’industrie de la musique lorsque sa mère, dont elle était très proche, est décédée en décembre 2000. Peu de temps après, son cousin est décédé dans un accident de voiture suivi du décès d’autres amis proches. . La chanteuse a lutté contre la dépression , a perdu sa motivation pour travailler et pensait qu’elle ne reviendrait jamais au chant. Après quelques efforts persistants de Danny White et Mark Reilly, qui avaient recommencé à travailler ensemble, elle a accepté de rejoindre Matt Bianco réformé. Le groupe a sorti l’album Matt’s Mood en 2004, acclamé par la critique et avec un succès modeste dans les charts. La réponse positive à la réunion de Matt Bianco et aux appels de ses fans a encouragé Basia à travailler sur son prochain album solo. Ayant fini de tourner avec le groupe en 2006, Basia et Danny ont commencé à travailler ensemble sur le nouveau matériel tandis que Reilly continuait avec Matt Bianco.

Son quatrième album studio solo, It’s That Girl Again , est finalement sorti au printemps 2009 par le label indépendant Koch Records. Il a été promu par la ballade  » A Gift  » à la radio polonaise tandis que  » Blame It on the Summer  » a servi de premier single sur le marché américain. L’album a rencontré un succès critique et commercial, se classant dans le top 10 du palmarès américain des albums de jazz et dans le top 5 de sa Pologne natale où il a été certifié platine. Basia a fait de nombreuses tournées en Europe, en Asie de l’Est et en Amérique du Nord pour promouvoir It’s That Girl Again . Un concert de 2011 à Łódź , en Pologne, a été enregistré pour son deuxième album live,From Newport to London: Greatest Hits Live… and More , sorti à l’automne de cette année-là. L’album comprenait en outre trois enregistrements en studio, dont la chanson titre, sortie en tant que premier single, et  » Wandering « , un duo avec le chanteur polonais Mietek Szcześniak. Ils ont enregistré une autre chanson ensemble, une reprise duhit de Vanessa Williams  » Save the Best for Last « , produit par sa co-scénariste originale Wendy Waldman , cette fois pour l’album Signs de Szcześniak . En mars 2013, Basia a donné un spectacle complet au Java Jazz Festival à Jakarta , en Indonésie.

Basia a enregistré des duos avec les artistes polonais Monika Lidke et le groupe Pectus pour leurs albums respectifs, travaillant simultanément sur le nouvel album solo. En 2014, elle a reçu la Croix du Commandeur de Polonia Restituta pour la promotion de la culture polonaise dans le monde, et l’année suivante, elle a reçu la Médaille du Mérite à la Culture – Gloria Artis. Son cinquième album studio solo, Butterflies , est finalement sorti en mai 2018, précédé du single « Matteo ». Il a reçu des critiques positives et s’est classé dans le top 5 du classement des albums de jazz aux États-Unis et dans le top 20 en Pologne. La tournée de concerts qui l’accompagne a traversé les États-Unis, la Pologne et l’Asie de l’Est. En novembre 2019, Basia a reçu le Kosciuszko Foundation Pioneer Award.

Influence

La plus grande influence de Basia a toujours été la musique américaine , en particulier la soul et le jazz. Ses chansons s’inspirent également de la musique latino-américaine , en particulier brésilienne , et de genres tels que la bossa nova et la samba. Elle a cité Aretha Franklin , Stevie Wonder , Burt Bacharach , Astrud Gilberto et Antônio Carlos Jobim comme certaines de ses influences musicales.

Le chanteur est connu pour posséder une large gamme vocale, environ trois octaves.

Basia a toujours essayé d’incorporer des éléments polonais dans ses chansons autrement en anglais. Sa langue maternelle peut être entendue dans  » Half a Minute  » du premier album de Matt Bianco , dans  » Wrong Side of the Street  » de Matt’s Mood , dans  » Copernicus  » et  » Reward  » de Londres Varsovie New York , ainsi que « An Olive Tree » et « Yearning » de The Sweetest Illusion . Le chanteur a également sorti deux chansons entièrement interprétées en polonais: l’album de concert Basia on Broadway présente un enregistrement en direct de « Dzień się budzi » (en anglais: « comprend « Amelki śmiech » (« Le rire d’Amelka »).

Vie personnelle

Basia a un fils, Mikołaj, né à la fin des années 1970. Au tournant des années 1970 et 1980, son partenaire était un Anglais du nom de John, un travailleur social avec qui elle a brièvement vécu à Chicago puis a déménagé au Royaume-Uni. Dans la seconde moitié des années 1980, la chanteuse était en couple avec son collaborateur musical Danny White. Depuis 1991, le partenaire de Basia est le musicien Kevin Robinson, membre de Simply Red , avec qui elle réside dans la banlieue de Londres . Basia maintient aussi une maison dans sa ville natale polonaise Jaworzno et divise son temps entre les deux pays. Elle détient la double nationalité polonaise et britannique.

Basia est une passionnée d’ architecture et l’a appelée sa « passion insatisfaite ».

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/46220-Basia

BASEMENT JAXX

Basement Jaxx est un groupe de musique électronique britannique formé en 1994 à Brixton, dans le sud de Londres, par les deux producteurs Simon Ratcliffe et Felix Buxton.

À Brixton, ils se produisent régulièrement dans un club, le Rooty, qui donnera son nom à leur deuxième album. Le duo crée la même année le label Atlantic Jaxx Records. Leur premier succès est le titre Samba magic en 1995 ; ils gagnent le respect des scènes house britannique et américaine.

Après plusieurs remixes des titres des Pet Shop Boys en 1996, ils sortent leur troisième « mini-album », Basement Jaxx, dont le titre Flylife remporte un vif succès. En 1997, ils sortent une compilation des meilleurs titres de leur label. Leur premier véritable album, Remedy, est enregistré en 1999. Il contient les tubes Red Alert, Rendez Vu, Jump N’ Shout, et Bingo Bango. Red Alert est utilisé dans une publicité pour Coca-Cola. Ils sortent la même année un album de reprises et de faces B, Jaxx Released.

En 2001 sort Rooty dont sont extraits les titres Where’s Your Head At, Romeo, Jus 1 Kiss et Get Me Off. Le clip de Romeo, le premier titre de l’album, est une parodie d’un film de Bollywood. Where’s Your Head At, qui repose sur un sample de Gary Numan, devient un énorme succès. Il fait partie de la bande son du film Tomb Raider et le clip, signé Traktor, avec des singes aux visages humains, a été sacrée par Mixmag comme « la meilleure vidéo de dance jamais réalisée ». Xxtra Cutz est enregistré juste après Rooty, et contient des faces B résultant de l’enregistrement de ce dernier.

En 2003, leur troisième album Kish Kash inclut des collaborations de Siouxsie du groupe Siouxsie and the Banshees, Lisa Kekaula des Bellrays, Me’shell Ndegeocello, Dizzee Rascal, Totlyn Jackson, JC Chasez, et Phoebe. Les titres Lucky Star, Good Luck et Plug It In sont sortis en singles. Le morceau Good Luck est réenregistré avec un remix spécial en 2004 pour figurer en tant que thème de l’Euro 2004 sur MTV. La chanson figure également dans les bandes originales des films Pour le meilleur et pour le rire et Appleseed. Kish Kash remporte le prix du meilleur album dance à la 47^e cérémonie des Grammy Awards.

En 2005, le duo enregistre The Singles, une compilation des singles figurant sur leurs trois albums précédents, ainsi que des enregistrements datant de leurs débuts et deux nouvelles chansons : Oh My Gosh et U Don’t Know Me. Une autre édition est parue, The Singles (Special Edition), contenant des morceaux des premières séances d’enregistrement, ainsi que des remixes de chansons de Basement Jaxx. Le clip de U Don’t Know Me, qui met en scène une reine Élisabeth II violente et alcoolique, a été interdit de diffusion durant la journée sur la chaîne MTV.

Leur quatrième album studio, Crazy Itch Radio, est sorti le 4 septembre 2006 en Grande-Bretagne, en même temps que leur single Hush Boy. On y trouve en guest les voix de Martina Bang, Johnny Blaze, Lily Allen et Robyn.

Les Basement Jaxx sont devenus des remixeurs à la demande, comme sur les tubes 4 My People de Missy Elliott, Like I Love You de Justin Timberlake et She Wants to Move de N.E.R.D.

L’album Scars, sorti le 21 septembre 2009, inclut entre autres des collaborations avec Yoko Ono, Santigold, Lightspeed Champion et Yo! Majesty.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/1600-Basement-Jaxx

QUINCY JONES

Quincy Delight Jones Jr., dit Quincy Jones et surnommé « Q », né le 14 mars 1933 à Chicago (Illinois) et mort le 3 novembre 2024 à Los Angeles (Californie), est un trompettiste, arrangeur, compositeur, réalisateur et producteur américain.

Considéré comme l’un des plus grands producteurs de musique, il est notamment connu pour le trio qu’il forma avec Bruce Swedien (ingénieur du son) et Michael Jackson sur les albums Off the Wall (1979), Thriller (1982) et Bad (1987) de ce dernier.

Quincy Jones a remporté 28 Grammy Awards (pour 80 nominations) ainsi qu’un Grammy Legend Award en 1992.

Biographie

Jeunesse et formation

Né à Chicago, Quincy Jones est le fils de Quincy Delight (un charpentier) et de Sarah Wells Jones. Il connaît une enfance difficile : pauvreté et mère internée pour maladie mentale. Après plusieurs déménagements, son père s’installe dans la banlieue de Seattle, à Bremerton, dans l’État de Washington et c’est là que Quincy Jones commence à être fasciné par la musique. Il s’essaie d’abord en autodidacte au piano, puis apprend la trompette à l’école. À treize ans, il reçoit quelques cours de Clark Terry, lors d’un passage de l’orchestre de Count Basie à Seattle. La situation financière de la famille est difficile et, en dehors de ses heures d’école, il exerce l’activité de cireur de chaussures. Il fait la connaissance de Ray Charles, son aîné de trois ans. Les deux amis forment un combo qui se produit dans les clubs de la ville. Quincy Jones fait aussi partie d’orchestres locaux. À dix-huit ans, il obtient une bourse pour poursuivre ses études au Berklee College of Music de Boston.

Carrière

Il quitte vite cet établissement pour intégrer l’orchestre de Lionel Hampton8 comme trompettiste et arrangeur. Malgré un salaire dérisoire, Quincy Jones reste quatre ans dans ce « big band » avec lequel il fait une tournée en Europe. Il s’installe ensuite un temps à New York où il exerce comme trompettiste mais surtout arrangeur « free lance ». Il écrit des arrangements pour de nombreux musiciens (Tommy Dorsey, Gene Krupa, Sarah Vaughan, Count Basie, Dinah Washington, Cannonball Adderley, Ray Charles, etc.).

En 1956, Quincy Jones est engagé par Dizzy Gillespie comme trompettiste et directeur musical de son big band pour une tournée organisée par le Département d’État au Moyen-Orient et en Amérique du Sud. Pendant cette tournée, il fait la connaissance de Lalo Schifrin, pianiste-compositeur-arrangeur-chef d’orchestre. Peu après, il enregistre son premier disque comme chef d’orchestre pour le label ABC Paramount Records.

En 1957, Quincy s’installe à Paris où il étudie auprès de Nadia Boulanger, directrice du Conservatoire américain de Fontainebleau, et travaille comme « staff arranger » pour le label d’Eddie Barclay (pour des artistes tels que Henri Salvador, Charles Aznavour, Jacques Brel, etc.). Le groupe Les Double Six enregistre un album consacré à ses compositions. Le temps d’une tournée européenne, il est le directeur de la troupe qui joue la comédie musicale Free and easy d’Harold Arlen. En 1960, il forme un « big band » avec dix-huit musiciens. Malgré la qualité musicale de l’orchestre, l’expérience se solde par un fiasco financier et pousse Quincy Jones, homme pourtant foncièrement optimiste, au bord de la dépression.

Il retourne aux États-Unis où, grâce à l’aide d’Irving Green, il devient arrangeur puis directeur musical du label Mercury. C’est dans ce cadre qu’il va arranger des dizaines d’albums de jazzmen mais aussi, et surtout, d’artistes comme Frank Sinatra, Barbra Streisand, Nana Mouskouri ou encore Tony Bennett. En 1964, il est nommé vice-président du label. La même année il écrit sa première musique de film pour Le Prêteur sur gages de Sidney Lumet puis en écrit d’autres dans les années qui suivent.

Il travaille aussi pour la télévision : musiques de L’Homme de fer, Sanford and son et du Bill Cosby Show. Il milite dans de nombreux mouvements anti-racistes et sociaux auprès de Martin Luther King ou du Révérend Jesse Jackson. Il aide financièrement l’IBAM (« Institute for Black American Music ») et est un des fondateurs du « Black Arts Festival » de Chicago. En 1973, Quincy Jones coproduit pour CBS Duke Ellington, We Love You Madly, une émission télévisée en hommage à l’œuvre du Duke à laquelle participent Sarah Vaughan, Aretha Franklin, Peggy Lee, Count Basie, Joe Williams, et le groupe Chicago. En parallèle à son activité de producteur et de compositeur, Quincy Jones continue à enregistrer des disques, pour plusieurs labels, sous son nom, souvent plus proches du rhythm and blues, du funk ou de la pop que du jazz.

En août 1974, il est victime d’une rupture d’anévrisme et subit deux importantes opérations. Après six mois d’arrêt, il reprend une intense activité. Il est le directeur musical du film The Wiz pour le compte de la mythique maison de disques Motown. C’est sur le tournage qu’il rencontre le jeune Michael Jackson qui est à la recherche d’un nouveau producteur pour lancer sa carrière solo. Il produit ainsi en 1979 Off the Wall, le cinquième album de Michael Jackson mais son 1er album en tant qu’adulte et son 1er chez le label Epic Records. Cet album est un succès commercial mais l’apothéose vient en 1982 avec le suivant, Thriller, qui reste à ce jour l’album le plus vendu de tous les temps avec plus de 60 millions d’exemplaires vendus. Après un troisième album, Bad (1987), qui est encore un succès, Michael Jackson se sépare de Quincy Jones, mais la fortune de ce dernier est définitivement assurée.

Sa situation financière lui permet d’acheter les droits d’édition de compositions de nombreux musiciens (il possède actuellement des droits sur environ 1 600 titres). Elle lui permet aussi d’être, en 1985, coproducteur du film de Steven Spielberg La Couleur pourpre (The Color Purple). La même année, il est coorganisateur de l’enregistrement de We Are the World, titre humanitaire contre la famine en Éthiopie (1984-1985). En 1988, il remixe Blue Monday de New Order. Quincy Jones n’oublie pas pour autant le jazz. En 1991, par exemple, il dirige au festival de Montreux l’orchestre qui accompagne Miles Davis pour la reprise des arrangements écrits par Gil Evans. En 1993, Quincy Jones et David Salzman organisent le concert d’investiture du président Bill Clinton.

Jones et Salzman fondent la compagnie « QDE » (Quincy Jones/David Salzman Entertainment) qui produit aussi bien de la musique, des pièces de théâtre, des films, des émissions télévisées – dont Le Prince de Bel-Air (The Fresh Prince of Bel-Air) pour NBC-TV – et d’autres produits multimédias. QDE – dont Quincy Jones est le PDG – édite aussi le magazine Vibe. Quincy Jones fonde son propre label, Qwest Records. En 2001, Quincy Jones est fait Commandeur de la Légion d’honneur par Jacques Chirac.

En 2019, il est le parrain sur scène des concerts Quincy Jones Presents Off the Wall, Thriller & Bad (date à l’AccorHotels Arena) et Quincy Jones Presents Soundtrack Of The 80’s.

Vie personnelle

Quincy Jones a été marié par trois fois et a eu sept enfants de cinq compagnes différentes,

En 1957, Quincy épouse Jeri Caldwell, le couple donne naissance à une fille : la chanteuse de jazz Jolie Jones Levine. Ils divorcent en 1966.

En 1963, il a une brève liaison avec la danseuse Carol Reynolds, de cette union naît une fille Rachel Jones.

En 1967, il épouse la photographe, parolière et chanteuse Ulla Jones, le couple donne naissance à une fille Martina Jones et au compositeur et producteur Quincy Jones III. Ils divorcent en 1974.

En 1974, il épouse l’actrice Peggy Lipton (décédée le 11 mai 2019), le couple donne naissance à deux filles : la styliste et actrice Kidada Jones et l’actrice Rashida Jones. Ils divorcent en 1990.

De 1991 à 1997, Quincy entretient une liaison avec l’actrice Nastassja Kinski (la fille de Klaus Kinski), le couple donne naissance, en 1993, à la mannequin Kenya Kinski-Jones.

Autres

Récemment, les marques d’accessoires audio AKG ainsi que JBL lui ont proposé d’éditer sa propre ligne d’accessoires audio.

En 2017, Quincy Jones et le producteur français Reza Ackbaraly ont lancé Qwest TV, le premier service de vidéo à la demande par abonnement (SVOD) consacré au jazz et à ses musiques affiliées du monde entier. La plateforme propose une sélection de concerts, d’interviews, de documentaires et de contenus originaux et exclusifs, sans publicité .

On a pu le voir en caméo dans l’épisode 9 de la saison 1 de la série Le Prince de Bel-Air. Il fait aussi une apparition dans le film The Wiz et dans Austin Powers 3 de Mike Myers.

Le compositeur japonais Joe Hisaishi (de son vrai nom Mamoru Fujisawa), compositeur des films de Hayao Miyazaki et de Takeshi Kitano a choisi son pseudonyme en hommage à Quincy Jones. En effet, le kanji pour « Hisaishi » pourrait être lu comme « Kuishi », qui est proche de la prononciation japonaise de « Quincy », et « Joe » vient naturellement de « Jones ».

Le concert pour son 75e anniversaire a eu lieu en Suisse au Festival de Jazz de Montreux 2008.

Un concert événement pour célébrer son 85e anniversaire a eu lieu au Festival de Jazz de Montreux le dimanche 8 juillet 2018, avec notamment : Ibrahim Maalouf, Nate Smith Kinfolk, Jade Elliott, Nik West, Ezra Collective, Richard Bona, Jacob Collier, Alfredo Rodriguez, Talib Kweli, Jowee Omicil et bien d’autres.

Quincy Jones a été marié trois fois et a eu sept enfants de cinq compagnes différentes :

• En 1957, il épouse Jeri Caldwell ; le couple donne naissance à une fille : la chanteuse de jazz Jolie Jones Levine. Ils divorcent en 1966.
• En 1963, il a une brève liaison avec la danseuse Carol Reynolds ; de cette union naît une fille Rachel Jones.
• En 1967, il épouse la photographe, parolière et chanteuse Ulla Jones ; le couple donne naissance à une fille Martina Jones et au compositeur et producteur Quincy Jones III. Ils divorcent en 1974.
• En 1974, il épouse l’actrice Peggy Lipton (morte le 11 mai 2019) ; le couple donne naissance à deux filles : la styliste et actrice Kidada Jones et l’actrice Rashida Jones. Ils divorcent en 1990.
• De 1991 à 1997, il entretient une liaison avec l’actrice Nastassja Kinski (la fille de Klaus Kinski) ; le couple donne naissance, en 1993, à la mannequin Kenya Kinski-Jones.
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Quincy Jones meurt le 3 novembre 2024 à Los Angeles, à l’âge de 91 ans, des suites d’un cancer du pancréas que rien ne laissait transparaître. Sa famille exprime dans un communiqué sa tristesse face à cette perte, tout en célébrant « la grande vie qu’il a vécue ». Il est inhumé au Hollywood Forever Cemetery.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/17546-Quincy-Jones

JAMES INGRAM

James Edward Ingram (16 février 1952 – 29 janvier 2019) était un chanteur, auteur-compositeur et producteur de disques américain. Il a été deux fois lauréat d’un Grammy Award et deux fois nominé aux Oscars pour la meilleure chanson originale . Après avoir commencé sa carrière en 1973, Ingram a classé huit des 40 meilleurs succès du palmarès américain Billboard Hot 100 du début des années 1980 au début des années 1990, ainsi que treize des 40 meilleurs succès du palmarès Hot R&B/Hip-Hop Songs . De plus, il a inscrit 20 succès sur le palmarès Adult Contemporary (dont deux numéros un). Il avait deux singles numéro un sur le Hot 100 : le premier, unduo avec sa collègue artiste R&B Patti Austin ,  » Baby, Come to Me  » de 1982 a dominé le palmarès pop américain en 1983 ;  » I Don’t Have the Heart « , qui est devenu son deuxième numéro un en 1990, était son seul numéro un en tant qu’artiste solo.

Entre ces succès, il a également enregistré la chanson  » Somewhere Out There  » avec sa collègue artiste Linda Ronstadt pour le film d’animation An American Tail . La chanson et le clip sont tous deux devenus des succès. Ingram a co-écrit « The Day I Fall in Love », du film Beethoven’s 2nd (1993), et « Look What Love Has Done » de la chanteuse Patty Smyth, du film Junior (1994), qui lui a valu des nominations pour la meilleure chanson originale aux Oscars, Golden Globes et Grammy Awards en 1994 et 1995.

Biographie

Jeunesse

Ingram est né à Akron, Ohio , où il a fréquenté l’East High School d’Akron et a reçu une bourse d’études à l’ Université d’Akron . Par la suite, il a déménagé à Los Angeles et a joué avec le groupe Revelation Funk, qui a fait une apparition dans le film Dolemite de Rudy Ray Moore . Il a également joué plus tard des claviers pour Ray Charles avant de devenir célèbre. James Ingram a reçu son premier contrat d’édition avec la société d’édition 20th Century Fox, où il a chanté la démo de 50 $ pour « Just Once ».

Carrière

Ingram a fourni les voix de  » Just Once  » et  » One Hundred Ways  » sur l’album The Dude de Quincy Jones en 1981 , qui a valu à Ingram trois nominations aux Grammy Awards , dont celle du meilleur nouvel artiste . « One Hundred Ways » lui a valu le Grammy Award de la meilleure performance vocale R&B masculine pour son travail. Le 11 décembre 1981, Ingram est apparu en tant qu’invité dans la série comique canadienne SCTV (diffusée sur NBC ), en chantant « Just Once ». Le premier album d’Ingram, It’s Your Night, est sorti en 1983 et comprenait la ballade « Il n’y a pas de chemin facile ». Il a travaillé avec d’autres artistes notables tels que Donna Summer, Ray Charles, Anita Baker, Viktor Lazlo, Nancy Wilson, Natalie Cole, Kim Carnes et Kenny Rogers . En octobre 1990, il a marqué un succès n ° 1 sur le Billboard Hot 100 avec la ballade d’amour  » I Don’t Have the Heart « , de son album It’s Real .

En 1984, Ingram a reçu trois nominations supplémentaires aux Grammy Awards : « How Do You Keep the Music Playing? » (son deuxième duo avec l’artiste d’enregistrement Patti Austin ), pour la meilleure performance pop d’un duo ou d’un groupe avec voix ; le single du Top 10 américain ,  » PYT (Pretty Young Thing)  » pour Michael Jackson, qu’Ingram et Quincy Jones ont co-écrit, pour la meilleure chanson R&B ; et le morceau « Party Animal » pour la meilleure performance vocale R&B masculine . Début 1985, il est nominé pour son premier album ( It’s Your Night ) pour la meilleure performance vocale R&B masculine, et pour son single,  » Yah Mo B There  » .musicien Michael McDonald ), pour la meilleure chanson R&B et la meilleure performance R&B par un duo ou un groupe, et a remporté cette dernière.

Ingram est peut-être mieux connu pour ses collaborations à succès avec d’autres chanteurs. Il a marqué un hit n ° 1 sur le palmarès Hot 100 en février 1983 avec Patti Austin sur le duo « Baby, Come to Me », une chanson rendue populaire à l’hôpital général de la télévision . Un deuxième duo Austin-Ingram, « How Do You Keep the Music Playing? », A été présenté dans le film Best Friends (1982) et a remporté une nomination aux Oscars. En 1984, il a fait équipe avec Kenny Rogers et Kim Carnes pour la ballade du Top 40 « What About Me? » En 1985, Ingram remporte un Grammy Award pour « Yah Mo B There », un duo avec Michael McDonald, et participe au projet caritatif « Nous sommes le monde « .

Ingram a fait équipe avec la chanteuse américaine Linda Ronstadt et a eu un succès n ° 2 aux États-Unis et un hit dans le Top 10 au Royaume-Uni en 1987 avec  » Somewhere Out There « , le thème du long métrage d’animation An American Tail . La chanson a reçu le Grammy Award 1987 de la chanson de l’année . Il a également reçu des nominations aux Oscars et aux Golden Globes . C’était l’un des derniers singles 45 tours certifiés Or vendus à un million à être émis par la RIAA .

Dans les années 1990, l’équipe la plus en vue d’Ingram est revenue avec Quincy Jones, sur la chanson  » The Secret Garden « . Cette chanson comportait également des voix de Barry White, El DeBarge et Al B. Sure! . Les chansons de la bande originale étaient populaires pour Ingram dans les années 1990. Du film Sarafina ! est venu « One More Time », et de City Slickers est venu « Where Did My Heart Go? » En 1991, lui et Melissa Manchester ont interprété la chanson  » The Brightest Star  » dans le film d’animation de Noël Precious Moments Timmy’s Gift . En 1993, ils ont de nouveau interprété la chanson dans la suite du filmLivraison spéciale de Precious Moments Timmy . La composition d’Ingram en 1994 « The Day I Fall in Love », un duo avec Dolly Parton, était la chanson thème du film Beethoven’s 2nd et a été nominée pour un Oscar de la meilleure chanson originale . Ingram et Parton ont interprété la chanson en direct sur l’émission Oscar. En 1997, lui et Carnie Wilson ont co-écrit la chanson « Our Time Has Come » et l’ont prêtée au film d’animation Cats Don’t Dance .

Au cours de l’été 2004, Ingram a participé à l’émission de télé-réalité américaine Celebrity Duets en tant que partenaire de duo. Le spectacle a combiné des chanteurs professionnels, de divers genres musicaux, avec des artistes de différents horizons dans une compétition d’élimination hebdomadaire. En 2006, Ingram et la chanteuse néo-soul Angie Stone ont fait équipe sur « My People ». En 2011, Ingram a rejoint la liste des artistes invités spéciaux de Cliff Richard lors de sa tournée Soulicious se produisant dans divers lieux britanniques en novembre. Il a chanté deux chansons de l’album avec Richard, ainsi qu’un solo de « Just Once ». En 2012, Ingram est apparu comme lui-même dans l’émission de télévision ABC Suburgatory , dans l’épisode  » The Motherload « . Toujours en 2012, il était un chanteur invité au spectacle en direct de Debbie Allen le 13 octobre au coin de Crenshaw Blvd. et boulevard Martin Luther King. célébrant l’ arrivée de la navette spatiale Endeavour , en chantant  » I Believe I Can Fly  » de R. Kelly.

Mort

Ingram est décédé à Los Angeles d’un cancer du cerveau le 29 janvier 2019, à l’âge de 66 ans.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/4800-James-Ingram

DON JOHNSON

Don Johnson, de son vrai nom Donald Wayne Johnson, est un acteur, un producteur, réalisateur et chanteur américain, né le 15 décembre 1949 à Flat Creek (Missouri).

Son rôle dans la série policière Deux flics à Miami (Miami Vice) l’a rendu célèbre dans les années 1980.

Biographie

Jeunesse et formation

Sa mère, esthéticienne, lui donne naissance à l’âge de seize ans et son père était un fermier.

Quand il a onze ans, ses parents divorcent. Don Johnson reporte sa colère en se rebellant à la maison et à l’école. À douze ans, il est envoyé au Home for Boys reform school au Lac Aston après avoir fait démarrer des voitures sans clé. Enfant devenu délinquant, il se réfugie dans le vol, l’alcool et les drogues, faisant la fête sans arrêt pendant des années.

En 1961, il part vivre avec son père à Wichita.

À seize ans, il va au lycée et vit avec une strip-teaseuse. Il réussit son diplôme et reçoit une bourse pour étudier l’art dramatique à l’Université du Kansas.

En 1968, il quitte le Kansas et rejoint le conservatoire du théâtre américain à San Francisco.

Après des apparitions dans quelques pièces, il est invité par Sal Mineo pour interpréter un jeune homme homosexuel dans la Fortune et des yeux d’homme. La pièce reçoit d’excellentes critiques et passe le 12 janvier 1969 au Théâtre de Couronne à Los Angeles. Peu après, il signe un contrat avec Metro-Goldwyn-Mayer, mais Don Johnson découvre que le revenu de son travail est irrégulier.

Carrière

À la fin des années 1970, Johnson joue des rôles de premier plan dans le téléfilm The Rebels de Russ Mayberry avec Andrew Stevens et le feuilleton Tant qu’il y aura des hommes ; en 1981 il interprète Elvis Presley dans le téléfilm Elvis and the Beauty Queen. Enfin, après un épisode de Matt Houston, Michael Mann, producteur de la série Deux Flics à Miami (1984-1990), fait de lui une star mondiale. L’année suivante il tient la vedette du téléfilm Les Feux de l’été d’après William Faulkner et du film Cease Fire. De 1988 à 1993 il tourne sept films en vedette, avec une prédilection pour le film noir ; certains sont dirigés par John Frankenheimer, Dennis Hopper ou Sidney Lumet, avec pour partenaires Susan Sarandon, Rebecca de Mornay, Penelope Ann Miller, Jennifer Connelly, Mickey Rourke, et sa femme Melanie Griffith dans le drame Paradise et la comédie Quand l’esprit vient aux femmes. Malgré d’indéniables réussites, Don collectionne les échecs publics voire critiques.

L’après Deux flics à Miami s’avère difficile. Cependant, après le téléfilm L’Honneur de la cavalerie, l’acteur tient la vedette de la série Nash Bridges (1996-2001). La même année, il revient au cinéma au côté de Kevin Costner mais il a perdu le premier rôle : après Goodbye Lover en 1998, il attend presque dix années pour revenir sur le grand écran. Après avoir joué Nathan Detroit dans la comédie musicale Guys and Dolls sur scène à Londres en janvier 2007, c’est un retour en force sur grand écran que la star effectue puisque, après des expériences en Italie et en Norvège, il participe aux projets de Robert Rodriguez (Machete en 2010 avec Robert De Niro), Quentin Tarantino (Django Unchained en 2012) et Nick Cassavetes (Triple Alliance, 2014).

En juillet 2019, il est annoncé qu’il va reprendre son rôle de Nash Bridges. USA Network développe un revival de la série sous la forme d’un téléfilm d’environ 2 heures qui pourrait déboucher sur une nouvelle série.

Vie privée

Au début des années 1970, Johnson vit avec la groupie Pamela Des Barres.

La même décennie, la réputation de Johnson vis-à-vis de l’alcool, des drogues et des fêtes lui coûte plusieurs emplois.

Après un premier mariage avec Melanie Griffith en 1976 pendant six mois, Don Johnson a un fils prénommé Jesse Wayne avec Patti d’Arbanville (relation de 1981 à 1988), né le 7 décembre 1982.

En 1983, après la naissance de son fils, il décide d’aller chercher de l’aide aux réunions des alcooliques anonymes. Johnson a une brève relation avec Barbra Streisand à la fin 1988 puis se remarie avec Melanie Griffith en juin 1989 avec qui il a une fille prénommée Dakota.

En 1992, il recommence à boire et, en juin 1994, il a un accident de voiture avec son fils Jesse. Celui-ci n’a rien, mais Don Johnson a des abrasions et des coupures. Il rentre dans la clinique Betty-Ford trois jours plus tard pour traiter son alcoolisme. En 1994, Don et Mélanie se séparent, puis se réconcilient. Ils divorceront finalement en 1996.

Le 29 avril 1999, il se marie avec Kelley Phleger dans la maison d’Ann et Gordon Getty à Pacific Heights avec pour témoin Robert Wagner. Ils ont trois enfants : Atherton Grace née le 28 décembre 1999, Jasper Breckenridge né le 6 juin 2002 et un garçon né en 2006 à Los Angeles.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/259648-Don-Johnson

BARRY WHITE

Barry White, de son vrai nom Barrence Eugene Carter, né le 12 septembre 1944 à Galveston, Texas (États-Unis), et mort le 4 juillet 2003 à Los Angeles, Californie (États-Unis), est un chanteur, compositeur et producteur américain de rhythm and blues et de soul.

Trois fois récompensé par un Grammy Award, connu pour sa voix distinctive de baryton-basse et son image romantique, il connaît le succès à partir des années 1970 en tant que chanteur solo et avec The Love Unlimited Orchestra. Ses plus grands succès sont You’re the First, the Last, My Everything, Can’t Get Enough of Your Love, Babe, Never Never Gonna Give You Up ou encore Let The Music Play.

Ses ventes de disques dépassent les 100 millions, faisant de lui l’un des artistes musicaux ayant vendu le plus de disques. Parmi ses influences, on peut citer James Cleveland, Ray Charles, Aretha Franklin, Elvis Presley, The Supremes, The Four Tops et Marvin Gaye.

Biographie

Jeunesse

Né à Galveston1 au Texas, Barry est le fils de Melvin White et de Sadie Marie Carter. Son père abandonne le foyer alors qu’il n’a que six mois. Sa mère lui apprend le piano, mais Barry, qui grandit dans la banlieue de Los Angeles, ne poursuit pas son éducation musicale et devient membre d’un gang à l’adolescence. À 17 ans, il est condamné à quatre mois de prison pour le vol de 300 enjoliveurs d’un concessionnaire Cadillac, d’une valeur de 30 000 dollars. C’est en prison, en 1960, en écoutant à la radio le tube d’Elvis Presley It’s Now or Never (« C’est maintenant ou jamais »), qu’il prend conscience de la mauvaise tournure de sa vie et de l’absurdité de son incarcération. Cette chanson a un tel impact sur lui qu’il souhaite donner un tout autre sens à son existence, en décidant qu’il fera quelque chose de positif dans sa vie et notamment en se consacrant à la musique.

Carrière

C’est dans les années 1960 qu’il se fait connaître en produisant de nombreux musiciens, dont le trio féminin Love Unlimited, emmené par celle qui allait devenir sa femme, Glodean James. Il tente sa chance en tant qu’interprète sous différents pseudonymes, notamment celui de Gene West, sous lequel il reprend le tube d’Elvis Presley In the Ghetto, en 1970. Il est ensuite découvert et accompagné par le compositeur Gene Page qui le prend sous son aile et lui apporte son expérience d’instrumentiste classique. D’autres collaborateurs, tels que Paul Leo Politi, Wah Wah Watson, Billy Sepe, ou Tony Sepe avec qui il a arrangé You Are the First, the Last, My Everything, l’accompagneront durant toute la décennie 1970. Mais c’est à son ami Larry Nunes qu’il doit ses débuts de chanteur, celui-ci l’ayant encouragé dans cette voie sur laquelle il n’avait pas réussi jusqu’alors, et qu’il pensait abandonner. Il ajoutera d’ailleurs une dédicace à Larry Nunes dans les crédits de chacun de ses albums.

En parallèle de sa carrière de chanteur, il produit à partir de 1974, et au départ contre l’avis de sa maison de disque, une formation instrumentale11, The Love Unlimited Orchestra. Cette production est un succès, puisqu’en janvier 1974, l’instrumental Love’s Theme se classe numéro 1 dans les charts américains. D’autres singles suivront comme My Sweet Summer Suite (1976), tiré de l’album du même nom. En 1981, Barry White fait de cette formation un orchestre uniquement féminin, pour l’album Let’em Dance. Il tente la même année de passer le relais pour la direction du Love Unlimited Orchestra à Webster Lewis, pour l’album Welcome Aboard (The Love Unlimited Orchestra Presents Mr. Webster Lewis), mais le succès sera mitigé.

Barry White était un homme d’un physique imposant : il mesurait 1,92 m pour un poids avoisinant les 150 kg. Il a été surnommé « le maestro de l’amour ». Entre 1973 et 1976, il a produit 21 albums, du jamais vu dans l’industrie du disque. À sa mort en 2003, il avait vendu plus de 116 millions de disques dans le monde.

De 1997 à 2002, Barry White a fait des apparitions dans la série télévisée Ally McBeal, dans laquelle ses chansons servent d’exutoire au personnage de John Cage, qui l’idolâtre. Il a joué son propre rôle dans trois épisodes de la série (Saison 2 Épisode 18, Saison 3 Épisode 1 et Saison 5 Épisode 22). Au cinéma, Barry White a également composé et produit la musique du film de blaxploitation Together Brothers en 1976.

Il a également prêté sa voix à son propre personnage dans deux épisodes de la série Les Simpson. Il avait par contre décliné une invitation à apparaître dans la série animée South Park, jugeant le ton de celle-ci trop corrosif. Les producteurs ont décidé de choisir une autre icône de la soul, Isaac Hayes.

En 1999, Barry White publie son autobiographie, Love Unlimited, insights on life & love, avec la collaboration de l’écrivain Marc Eliot. Il y livre sa vision de la vie, de l’amour, ainsi que de nombreuses anecdotes sur son travail dans l’industrie du disque. Il y révèle notamment qu’en 1984, quelques semaines avant l’assassinat de Marvin Gaye, ce dernier avait tenté de le contacter pour lui proposer une collaboration sur un potentiel album en préparation.

Maladie et mort

En août 1999, il séjourne à l’hôpital pour un problème d’hypertension et est contraint d’annuler plusieurs concerts. Il est à nouveau hospitalisé en septembre 2002 et est en attente d’un don de rein, car les siens sont défaillants à la suite de nombreuses années d’hypertension. Mis sous dialyse à la suite de ces multiples ennuis de santé, il est victime d’un grave accident vasculaire cérébral en mai 2003, qui le contraint à se retirer de la vie publique. Il décède le vendredi 4 juillet 2003 à Los Angeles à l’âge de 58 ans au Centre médical Cedars-Sinai, après une longue lutte contre la maladie. Son corps a été incinéré et ses cendres ont été dispersées dans l’océan au large de la côte californienne en présence de ses proches, dont Michael Jackson.

Vie privée

Barry White a eu huit enfants, de trois femmes : sa première femme qu’il surnomme « Marie » dans son autobiographie, une relation illégitime qui lui a donné une fille lors de son premier mariage, et sa deuxième épouse Glodean, avec qui il restera marié jusqu’à sa mort malgré leur séparation. Sa dernière compagne, Katherine Denton, a donné naissance après son décès à une petite fille nommée Barrianna, mais la reconnaissance de Barry White comme père de cet enfant a donné lieu à un procès avec ses ayants droit, perdu par Denton.

Récompenses et hommages

Barry White n’a été primé que tardivement par ses pairs pour l’ensemble de sa carrière. Il a été nommé en 1974 pour le Grammy award dans la catégorie du meilleur chanteur Rhythm and Blues pour la chanson I’m Gonna Love You Just a Little More Baby, aux côtés des poids lourds de la musique noire tels que le gagnant Stevie Wonder, Marvin Gaye, Al Green et le membre fondateur du groupe The Temptations, Eddie Kendricks. Il recevra un Grammy award honorifique 29 ans plus tard, en 1999 à l’occasion de la sortie de son album Staying Power.

Le 21 mai 2003, la municipalité de Los Angeles décide de donner le nom de Barry White à un parc public situé dans le district de South Park où il a grandi et dont il s’est fait le défenseur.

Le 12 septembre 2013, inscription de son étoile sur le Hollywood Walk of Fame.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/18978-Barry-White

BARRY MANILOW

Barry Manilow né Barry Alan Pincus est un chanteur, compositeur, acteur et producteur américain d’origine juive polonaise, né le 17 juin 1943 à New York.

Il est le cinquième artiste à avoir fait le plus d’entrées au Hot Adult Contemporary Tracks derrière Elton John, Barbra Streisand, Neil Diamond et Elvis Presley.

En janvier 2013, le conseil municipal de New York décide de rendre hommage à Barry Manilow pour avoir fait « musicalement resplendir sa ville natale » en renommant officiellement la 44e rue de la 7e avenue donnant sur Broadway Manilow Way.

En plus d’une carrière de chanteur à succès, il a composé et produit des hits pour Dionne Warwick, Frank Sinatra, Barbra Streisand, Rosemary Clooney, Nancy Wilson, Whitney Houston, et Aretha Franklin entre autres.

Barry Manilow est également depuis 1964 le compositeur (et souvent interprète) de nombreux jingles, de bandes-originales films et de dessins-animés des studios Walt Disney.

Biographie

Barry Manilow a vendu près de 100 millions d’albums à travers le monde, ce qui fait de lui le chanteur à avoir vendu le plus de disques de toute la décennie 1970.

En 1971, alors que l’homosexualité est encore un tabou aux États-Unis, après plusieurs années de travail auprès de CBS en tant que compositeur de génériques et jingles, Barry Manilow se lance dans le spectacle aux côtés de la sulfureuse Bette Midler au Continental Gay Bathhouse de New York où ils affichent complet durant plusieurs mois. Réputé pour jouer entouré d’une unique serviette autour de la taille, ils deviennent rapidement des figures du rock alternatif new-yorkais. Après leur expérience en duo et un album à succès The Divine Miss M, le couple Manilow / Midler se sépare, partagé entre deux fortes personnalités. Manilow décide de sortir un album solo en 1973 qui sera classé parmi les 100 meilleurs albums de l’année du magazine Rock & Folk malgré une diffusion radiophonique peu importante. Y figure le futur tube Could It Be Magic ainsi que One of these Days, chanson travaillée avec Ray Charles.

En 1974, son chemin croise celui du jeune Clive Davis (producteur) qui lui propose de sortir un album sous son label florissant, Arista Records dont Manilow devient un membre clé. Leur première collaboration Barry Manilow II atteindra rapidement des records de vente jusqu’à une succession de classements à la première place du hit-parade américain de ces disques de 1975 à 1981. Barry Manilow devient vite un des représentants les plus influents de la musique américaine du xxe siècle.

Homme de scène le plus récompensé de 1972 à 2012, comme encore un de ses derniers spectacles à Las Vegas, meilleur spectacle de variété aux Emmy Awards 2006, en 1978, cinq de ses albums furent au top des ventes simultanément, un record égalé seulement par Michael Jackson, Frank Sinatra et Johnny Mathis. En 1988, Bob Dylan ira jusqu’à le citer comme la source d’inspiration de tout artiste.

Grâce à des hits comme Mandy, Weekend in New-England ou encore Tryin’ to get the Feeling Again, Barry Manilow s’est imposé comme une véritable icône de la musique pop rock/soft rock aux États-Unis. Michael Jackson le présentait comme son père spirituel.

Surnommé le « showman de multi-génération », le parrain de Las Vegas ou encore « un géant parmi les entertainers » par le magazine Rolling Stones, il chante à guichets fermés dans chacun des pays où il passe. À peine annonce-t-il sa venue que les fans, nommés « fanilow », se ruent littéralement sur les locations.

En 2003, il produit l’album Bette Midler Sings the Rosemary Clooney Songbook afin de rendre hommage à la chanteuse de jazz Rosemary Clooney décédée en 20025.

En 2006, deux de ses albums furent classés numéros 1 et 2 consécutifs, un record encore inégalé. Cela marquera son retour dans les charts en tant qu’artiste de premier plan.

Il est le compositeur en 1973 de la chanson Could It Be Magic, et ce fut l’interprétation de Donna Summer en 1975 qui fit de ce titre un tube international. Repris en français par Alain Chamfort, il devient Le Temps qui court, qui est en 2006 l’hymne des Enfoirés.

Après Copacabana (At the Copa), en 1978, Barry Manilow fit une interprétation du titre Memory en 1982 et qui fut la version la mieux classée dans les charts américains de cette chanson maintes fois reprise.

En 2009, il donna un concert diffusé sur la BBC à Hyde Park à Londres réunissant plusieurs centaines de milliers de fans dans la capitale anglaise lors de la BBC Proms.

Il a lancé la carrière de Bette Midler, a produit Dionne Warwick et inspiré Whitney Houston ainsi que de nombreux artistes.

Il fut pendant longtemps un ami très proche de Michael Jackson ; il lui rendit un dernier hommage ainsi qu’à sa famille après l’annonce de son décès lors d’un concert à Rochester.

Barry Manilow est l’artiste le plus demandé à la télévision américaine, d’après Oprah Winfrey.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/79091-Barry-Manilow

BARRY GIBB

Sir Barry Gibb, né le 1ᵉʳ septembre 1946 à Douglas sur l’île de Man, est un auteur-compositeur-interprète et producteur de disques anglo-américain. Il est surtout connu pour avoir été, à partir des années 1970, le chanteur principal des Bee Gees, groupe formé avec ses petits frères Robin et Maurice.

Biographie

Enfance

Fils de Hugh Gibb et de Barbara Pass, Barry grandit à Chorlton-cum-Hardy, dans la ville de Manchester au Nord-Ouest de l’Angleterre. Deuxième des cinq enfants du couple parental, Barry Gibb a une sœur aînée, Lesley Evans, née en 1945, et trois jeunes frères, aujourd’hui décédés : les jumeaux Maurice (1949-2003) et Robin (1949-2012), et Andy (1958-1988).

En 1958, sa famille déménage à Brisbane, en Australie.

Carrière

Avec ses frères Robin et Maurice, il a créé le groupe de musique mondialement connu : les Bee Gees. À la fin des années soixante, il fut le «sex-symbol» du groupe et faisait craquer les filles, si bien qu’en 1969 il fut nommé «le séducteur de l’année» en Angleterre.

Barry est connu pour sa voix de fausset (falsetto en italien), une voix aiguë qu’il utilise notamment sur la chanson Stayin’ Alive, et à ne pas confondre avec sa voix normale, car ce sont deux choses bien différentes. En effet, Barry n’a pas une voix particulièrement aiguë lorsqu’il chante normalement. C’est lorsqu’il chante en falsetto que sa voix donne un effet très aigu. Son frère Robin pouvait atteindre des notes plus hautes que Barry, mais il utilisait moins son falsetto que Barry. Cette utilisation du falsetto que Barry utilisa seulement à partir de 1975 deviendra la marque de fabrique des Bee Gees, et ne fera qu’accroître leur popularité.

Au début de la carrière du groupe, Robin et Maurice accompagnent Barry, Barry chantant les parties solo et la voix principale. Mais à partir de 1967, Robin chante également des parties solo et a maintenant un rôle aussi important que Barry. Cela créera une certaine rivalité entre Robin et Barry, au point que Robin quittera le groupe et entamera une carrière solo en 1969. Mais ils se réconcilient peu de temps après, et se rendent compte que pour avoir du succès, ils doivent rester tous les trois ensemble. Donc en 1970, Robin revient. «Si nous n’avions pas été frères, nous ne nous serions jamais retrouvés» dira-t-il. Ils ne se sépareront plus après cela jusqu’à la mort de Maurice en 2003.

Barry a également participé à la bande originale du film Grease. Il est, depuis le 21 mai 2012, le seul membre des Bee Gees encore vivant après la mort de Maurice et de Robin et le seul garçon survivant de la famille, avec la mort antérieure d’Andy. Il mena en parallèle de sa carrière avec les Bee Gees une carrière solo qu’il continue aujourd’hui. En 2016, il marque son retour avec un nouvel album In The Now qu’il a produit avec deux de ses fils.

Marié en 1970 à Linda Gray, Barry Gibb a quatre fils et une fille.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/151481-Barry-Gibb