BOB SEGER

Robert Clark Seger (né le 6 mai 1945) est un chanteur, auteur-compositeur et musicien américain. En tant qu’artiste à succès local de la région de Détroit , il a joué et enregistré sous le nom de Bob Seger and the Last Heard et The Bob Seger System tout au long des années 1960, perçant avec son premier album, Ramblin’ Gamblin’ Man (qui contenait son premier hit national du même nom ) en 1968. Au début des années 1970, il avait abandonné le « System » de ses enregistrements et continuait à lutter pour un succès plus large avec divers autres groupes. En 1973, il monte le Silver Bullet Band, avec un groupe de musiciens de la région de Detroit, avec qui il connaît le plus de succès au niveau national avec l’album Live Bullet (1976), enregistré en direct avec le Silver Bullet Band en 1975 au Cobo Hall de Detroit, Michigan. En 1976, il réalise une percée nationale avec l’album studio Night Moves . Sur ses albums studio, il a également beaucoup travaillé avec la section rythmique Muscle Shoals basée en Alabama , qui est apparue sur plusieurs des singles et albums les plus vendus de Seger.

Un rocker roots avec une voix rauque et puissante classique, Seger a écrit et enregistré des chansons qui traitaient de thèmes d’amour, de femmes et de cols bleus , et est l’un des exemples les plus connus d’un artiste rock du cœur . Il a enregistré de nombreux hits, dont « Night Moves », « Turn the Page », « Mainstreet », « Still the Same », « Hollywood Nights », « Against the Wind », « You’ll Accomp’ny Me », « Honte à la Lune « ,  » Roll Me Away « ,  » Like a Rock « , et «  », dont le dernier a été écrit pour le film Beverly Hills Cop II de 1987 et en tête du palmarès Billboard Hot 100. Il a également co-écrit le hit numéro un des Eagles  » Heartache Tonight « , et son enregistrement de  » Old Time Rock and Roll  » a été nommée l’une des chansons du siècle en 2001.

Avec une carrière de six décennies, Seger a vendu plus de 75 millions de disques dans le monde, faisant de lui l’un des artistes les plus vendus au monde de tous les temps. Seger a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2004 et au Songwriters Hall of Fame en 2012. Seger a été nommé Billboard ‘s 2015 Legend of Live Honoree au 12e conférence annuelle Billboard Touring & Awards , qui s’est tenue du 18 au 19 novembre à l’ hôtel Roosevelt à New York. Il a annoncé sa tournée d’adieu en septembre 2018.

Premières années

Seger est né à l’hôpital Henry Ford de Detroit, Michigan, le fils de Charlotte et Stewart Seger. À cinq ans, il déménage avec sa famille à Ann Arbor. Il avait un frère aîné, George.

Le père de Seger, technicien médical pour la Ford Motor Company, jouait de plusieurs instruments et Seger a été exposé à la musique dès son plus jeune âge. Seger a également été exposé à de fréquentes disputes entre ses parents qui ont dérangé le voisinage la nuit. En 1956, lorsque Seger avait 10 ans, son père a abandonné la famille et a déménagé en Californie. La famille restante a rapidement perdu son statut confortable de classe moyenne et a eu des difficultés financières.

Seger a fréquenté le Tappan Junior High School (maintenant Tappan Middle School) à Ann Arbor, Michigan , et a obtenu son diplôme en 1963 du Pioneer High School , connu à l’époque sous le nom de Ann Arbor High School . Il a couru l’athlétisme au lycée. Seger est également allé à Lincoln Park High School pendant un certain temps.

Concernant ses premières inspirations musicales, Seger a déclaré:  » Little Richard – il a été le premier qui m’a vraiment touché. Little Richard et, bien sûr, Elvis Presley . »  » Come Go with Me  » de The Del-Vikings , un succès en 1957, est le premier disque qu’il achète.

Premier succès national : 1961-1976

The Decibels and The Town Criers

Bob Seger est arrivé sur la scène musicale de Detroit en 1961 avec un groupe de trois musiciens appelé les Decibels. Le groupe comprenait Seger à la guitare, au piano, aux claviers et au chant, Pete Stanger à la guitare et HB Hunter à la batterie. Tous les membres ont fréquenté Ann Arbor High. Les Decibels ont enregistré une démo en acétate d’une chanson intitulée « The Lonely One », au studio de Del Shannon en 1961. En plus d’être la première chanson originale de Seger, « The Lonely One » a été la première chanson de Seger à être diffusée à la radio, diffusé une seule fois sur une station de radio d’Ann Arbor. En 2021, un enregistrement de « The Lonely One » a refait surface et a été diffusé (avec la permission de Seger) deux fois sur WCSX -FM à Detroit, les matins des 15 et 16 mars.

Après la dissolution des Decibels, Seger a rejoint les Town Criers, un groupe de quatre musiciens avec Seger au chant principal, John Flis à la basse, Pep Perrine à la batterie et Larry Mason à la guitare principale. The Town Criers, reprenant des chansons comme  » Louie Louie « , ont commencé à gagner un public régulier. Pendant ce temps, Seger écoutait James Brown et a déclaré que, pour lui et ses amis, Live at the Apollo était leur disque préféré après sa sortie en 1963. Seger a également été largement influencé par la musique des Beatles , une fois qu’ils ont atteint les côtes américaines en 1964. En général, lui et des amis musiciens locaux tels que Glenn Frey (plus tard membre des Eagles) acheté dans les locaux de la radio pop et rock des années 1960, avec ses succès accrocheurs ; il s’est rappelé plus tard lui-même et Frey en pensant à l’époque: « Vous n’êtes personne si vous ne pouvez pas passer à la radio. »

Doug Brown & The Omens

Alors que les Town Criers commençaient à décrocher plus de concerts, Bob Seger a rencontré un homme du nom de Doug Brown, soutenu par un groupe appelé The Omens. Seger a rejoint Doug Brown & The Omens, qui avaient vraisemblablement un public plus important que les crieurs publics. Alors que Doug Brown était le chanteur principal du groupe, Seger prendrait la tête de certaines chansons, couvrant des numéros de R&B. C’est avec ce groupe que Seger est apparu pour la première fois sur un enregistrement officiellement sorti : le single « TGIF » de 1965 soutenu par « First Girl », crédité à Doug Brown et The Omens. Seger est apparu plus tard dans la parodie de Doug Brown et The Omens de la chanson de Barry Sadler  » Ballad of the Green Berets  » qui a été rebaptisée  » Ballad of the Yellow Beret « .. Peu de temps après sa sortie, Sadler et son label ont menacé Brown et son groupe de poursuites, et l’enregistrement a été retiré du marché.

Alors que Bob était membre de The Omens, il a rencontré son manager de longue date Edward « Punch » Andrews , qui à l’époque était en partenariat avec Dave Leone qui dirigeait la franchise Hideout, qui se composait de quatre clubs de Clawson à Rochester Hills, où des actes locaux seraient play et une petite maison de disques. Seger a commencé à écrire et à produire pour d’autres groupes que Punch dirigeait, tels que les Mama Cats et les Mushrooms (avec Frey). Seger et Doug Brown ont ensuite été approchés par Punch et Leone pour écrire une chanson pour les Underdogs, un autre groupe local qui a récemment eu un succès avec une chanson intitulée « Man in the Glass ». Seger a contribué à une chanson intitulée  » East Side Story « , qui s’est finalement avérée être un échec pour les Underdogs.

The Last Heard

Seger a décidé d’enregistrer lui-même « East Side Story » et a officiellement quitté les Omens (bien qu’il ait retenu Doug Brown comme producteur). En tant que Bob Seger and the Last Heard, Seger a sorti sa version de la chanson avec Hideout Records en janvier 1966, et c’est devenu son premier grand succès à Detroit. Le single (accompagné de « East Side Sound », une version instrumentale de « East Side Story ») s’est vendu à 50 000 exemplaires, principalement dans la région de Detroit, et a conduit à un contrat avec Cameo-Parkway Records. Bien que le nom « The Last Heard » faisait à l’origine référence à la collection d’Omens et de crieurs publics qui ont enregistré « East Side Story » avec Seger, il est rapidement devenu le nom du groupe permanent de Seger, composé de l’ancien crieur public Pep Perrine à la batterie, Carl Lagassa à la guitare et Dan Honaker à la basse. Après « East Side Story », le groupe a sorti quatre autres singles : le single de vacances inspiré de James Brown « Sock It to Me Santa », le Dylan -esque « Persecution Smith », « Vagrant Winter », et peut-être le plus remarquable,  » Musique lourde », sorti en 1967. « Heavy Music », qui s’est vendu encore plus d’exemplaires que « East Side Story », avait le potentiel de percer à l’échelle nationale lorsque Cameo-Parkway a soudainement cessé ses activités. C’était un des 100 meilleurs succès au Canada, où il a atteint le sommet des charts nationaux RPM au n ° 82. Aux États-Unis, il a raté de peu le Hot 100, culminant sur le tableau « bouillonnant sous » au n ° 103. La chanson restera dans l’acte live de Seger pendant de nombreuses années à venir .

Le système Bob Seger

Après la fermeture de Cameo-Parkway, Seger et Punch ont commencé à chercher un nouveau label. Au printemps 1968, Bob Seger & the Last Heard signe avec le grand label Capitol Records , refusant Motown Records , qui offre plus d’argent que Capitol. Seger a estimé que Capitol était plus approprié pour son genre que Motown

Capitol a changé le nom du groupe en The Bob Seger System. Dans la transition entre les labels, le guitariste Carl Lagassa a quitté le groupe et le claviériste Bob Schultz l’a rejoint. Le premier single de The System avec Capitol était la chanson de message anti-guerre  » 2 + 2 = ? « , qui reflétait un changement marqué dans les attitudes politiques de Seger depuis  » The Ballad of the Yellow Beret « . Le single a de nouveau été un succès à Detroit et a atteint le numéro 1 sur les stations de radio de Buffalo, New York et Orlando, Floride, mais est passé inaperçu presque partout ailleurs et n’a pas réussi à se classer à l’échelle nationale aux États-Unis. Le single a cependant fait partie des charts nationaux canadiens, culminant au 79e rang.

Le deuxième single de The Bob Seger System était  » Ramblin’ Gamblin’ Man « . C’était un grand succès dans le Michigan, et il est également devenu le premier succès national de Seger, culminant au n ° 17. Le succès de la chanson a conduit à la sortie d’un album du même titre en 1969. L’ album Ramblin ‘Gamblin’ Man a atteint le n ° 17. 62 sur le palmarès des albums pop Billboard . Glenn Frey a eu son premier concert en studio en chantant et en jouant de la guitare sur « Ramblin’ Gamblin’ Man ».

Seger n’a pas pu donner suite à ce succès. Pour le prochain album, l’auteur-compositeur-interprète Tom Neme a rejoint The System, écrivant et chantant finalement la majorité des morceaux présentés, pour lesquels le groupe a été fortement critiqué. L’album intitulé Noah (1969), n’a pas du tout réussi à se classer, ce qui a conduit Seger à quitter brièvement l’industrie de la musique et à fréquenter l’université. Il revient l’année suivante et sort le dernier album du System, 1970’s Mongrel , cette fois sans Neme. Bob Schultz a également quitté le groupe et a été remplacé par Dan Watson. Mongrel , avec le puissant single  » Lucifer « , était considéré comme un album fort par de nombreux critiques et fans de Detroit, mais n’a pas réussi à bien se faire commercialement.

Le système Bob Seger a été intronisé au Michigan Rock and Roll Legends Hall of Fame en 2006.

Solo

Après que Mongrel (1970) n’ait pas été à la hauteur du succès de Ramblin’ Gamblin’ Man (1969), The System s’est dissipé. Pendant une courte période après la rupture, Seger avait l’ambition d’être un homme seul. [18] En 1971, il sort son premier album solo, le tout-acoustique Brand New Morning . L’album a été un échec commercial et a conduit à son départ de Capitol Records.

Seger, ayant retrouvé un œil pour les groupes, a commencé à jouer avec le duo Teegarden & Van Winkle , qui en 1970 avait un single à succès avec « God, Love and Rock & Roll ». Ensemble, ils ont enregistré Smokin’ OP’s (1972), sorti sur Palladium Records de Punch Andrews. L’album se composait principalement de reprises, engendrant un petit succès avec une version de  » If I Were a Carpenter  » de Tim Hardin (n ° 76 aux États-Unis), bien qu’il comportait  » Someday « , un nouvel original de Seger, et un re -sortie de « Heavy Music ». L’album atteint 180 sur le Billboard 200.

Après avoir passé la majeure partie de 1972 en tournée avec Teegarden & Van Winkle, Seger a quitté le duo pour monter un nouveau groupe d’accompagnement, appelé à la fois My Band et Borneo Band, composé de musiciens de Tulsa, Oklahoma . Jamie Oldaker , Dick Sims et Marcy Levy étaient tous membres de My Band avant de rejoindre le groupe d’accompagnement d’ Eric Clapton . En 1973, Seger a sorti Back in ’72 , enregistré en partie avec la Muscle Shoals Rhythm Section , un groupe renommé de musiciens de session qui avaient enregistré avec JJ Cale et Aretha Franklin. Selon Seger, il y a eu un malentendu financier avec les musiciens : ils ont proposé de l’enregistrer « pour 1500 $ par face », ce qu’il a pris pour signifier 1500 $ par face d’album. Quand il a découvert qu’ils signifiaient 1500 $ par chanson, il est parti après avoir enregistré trois chansons mais a décidé de travailler avec eux à l’avenir. Back in ’72 présentait la version studio du dernier classique live de Seger  » Turn the Page « ;  » Rosalie « , une chanson que Seger a écrite sur la directrice musicale de CKLW Rosalie Trombley (et qui a ensuite été enregistrée par Thin Lizzy ); et  » I’ve Been Working « , une chanson à l’origine de Van Morrison , une forte influence sur le développement musical de Seger.Malgré la force des musiciens de secours de Seger, l’album n’a atteint que 188 sur les charts américains et est depuis tombé dans l’obscurité. Malgré tout, Back in ’72 et sa tournée de soutien marquent le début des relations de longue date de Seger avec le futur saxophoniste du Silver Bullet Band Alto Reed , la puissante chanteuse Shaun Murphy et la section rythmique de Muscle Shoals. Au cours de la tournée, My Band s’est avéré peu fiable, ce qui a frustré Seger. À la fin de 1973, Seger avait quitté My Band à la recherche d’un nouveau groupe de soutien. Tout au long de 1974–75, Seger a continué à se produire dans des salles locales autour de sa ville natale alors qu’il était connu sous le nom de Bob Seger Group, y compris un concert renommé à Davisburg, MI appelé la «bataille des groupes».

Le groupe Silver Bullet

En 1974, Seger forme le Silver Bullet Band. Ses membres originaux étaient le guitariste Drew Abbott , le batteur et choriste Charlie Allen Martin, le claviériste et choriste Rick Manasa, le bassiste Chris Campbell et le saxophoniste et choriste Alto Reed . Avec ce nouveau groupe assis occasionnellement, Seger a sorti l’album Seven (1974), qui contenait le hit hard-rock de la région de Detroit  » Get Out of Denver « . Cette piste a été un succès modeste et s’est classée au 80e rang national.

En 1975, Seger revient chez Capitol Records et sort l’album Beautiful Loser , avec l’aide du Silver Bullet Band (avec le nouveau claviériste Robyn Robbins remplaçant Manasa) sur sa reprise du Tina Turner écrite  » Nutbush City Limits « . Le single  » Katmandu  » de l’album, qui figurait dans le film Mask de 1985 avec Cher (en plus d’être un autre succès substantiel dans la région de Detroit), était le premier véritable morceau national de Seger depuis  » Ramblin ‘Gamblin’ Man  » en 1968. Bien qu’elle ait raté de peu le Top 40 de la pop américaine – culminant au n ° 43 – la chanson a reçu une forte diffusion sur plusieurs marchés du pays, y compris Detroit.

En avril 1976, Seger et le Silver Bullet Band ont sorti l’album Live Bullet , enregistré pendant deux nuits à la Cobo Arena de Detroit en septembre 1975. Il contenait l’interprétation de Seger de « Nutbush City Limits » ainsi que la version classique de Seger de la vie sur la route, « Turn the Page », de Back in ’72 . Il comprenait également ses sorties à succès de la fin des années 1960 – « Heavy Music » et « Ramblin’ Gamblin’ Man ». Le critique Dave Marsh écrivit plus tard que  » Live Bullet est l’un des meilleurs albums live jamais réalisés … Par endroits, en particulier lors du medley de  » Travelin ‘Man  » /  » Beautiful Loser  » sur la première face,Un best-seller instantané à Detroit, Live Bullet a commencé à attirer l’attention dans d’autres parties du pays, se vendant mieux que les albums précédents de Seger, obtenant une radio rock progressive et une diffusion rock orientée album , et permettant à Seger de faire la une de plus d’émissions. Pourtant, Seger avait toujours un déséquilibre de popularité. En juin 1976, il était un artiste vedette au Pontiac Silverdome près de Detroit devant près de 80 000 fans. Le lendemain soir, Seger a joué devant moins d’un millier de personnes à Chicago.

Pic de succès : 1976-1987

Seger a finalement réalisé sa percée commerciale avec son album d’octobre 1976 Night Moves . La chanson titre,  » Night Moves  » a été bien accueillie par la critique et commercialement, devenant un succès n ° 4 sur le palmarès Billboard Pop Singles et étant diffusée sur la radio AOR . L’album comprenait également les chansons  » Mainstreet  » (écrites sur Ann Arbor’s Ann Street), une ballade à succès n ° 24 qui soulignait la crédibilité rock de Seger ainsi que la ligne de guitare principale du guitariste Pete Carr , et  » Rock and Roll Never Forgets « , qui a culminé à la 41e place du Billboard Hot 100 .a été le premier album de Seger dans le top 10 du palmarès des albums Billboard et, à partir de 2006, a été certifié à 6 millions d’exemplaires aux États-Unis, ce qui en fait l’album studio le plus vendu de toute sa carrière. Le succès de Night Moves a également stimulé les ventes des versions précédentes de Seger. La sortie de Seger en 1975, Beautiful Loser , se vendra finalement à deux millions d’exemplaires et l’album Live Bullet de 1976 se vendra à six millions d’exemplaires aux États-Unis. Live Bullet finira par être cité comme l’un des plus grands albums live de tous les temps.

En février 1977, le batteur du Silver Bullet Band, Charlie Allen Martin, a été heurté par une voiture par derrière alors qu’il marchait sur une voie de service et s’est retrouvé incapable de marcher. David Teegarden, ancien batteur de Seger sur son album de 1972 Smokin’ OP’s était son remplaçant. Malgré la perte de Martin, l’album Stranger in Town de Seger en 1978 a également été un succès. Le premier single, « Still the Same », atteint la 4e place du Billboard Hot 100 .  » Hollywood Nights  » a atteint la 12e place du même classement, tandis que la ballade  » We’ve Got Tonight  » a atteint la 13e place.  » We’ve Got Tonight « et la chanteuse pop Sheena Easton . Notamment, il a dépassé les Hot Country Songs de Billboard et a culminé aux n ° 2 et n ° 6 des charts Adult Contemporary et Hot 100 de Billboard respectivement.  » Old Time Rock and Roll « , une chanson de George Jackson et Thomas E. Jones III dont Seger a considérablement réécrit les paroles, a culminé au n ° 28 sur le Hot 100, mais a atteint une plus grande popularité après avoir été présenté dans le film de Tom Cruise de 1983 Risky Business , dans lequel le personnage de Tom Cruise danse en sous-vêtements sur la chanson. Il a depuis été classé deuxième Jukebox Single le plus joué de tous les temps, derrière« Crazy » de Patsy Cline. « Old Time Rock and Roll » a été nommé l’une des chansons du siècle en 2001. Seger a depuis fait remarquer que ne pas prendre un tiers de crédit d’écriture sur son enregistrement était, financièrement, « la chose la plus stupide que j’aie jamais faite ».

Seger a également co-écrit la chanson à succès n ° 1 des Eagles  » Heartache Tonight  » de leur album de 1979 The Long Run ; leur collaboration sur les premières vies partagées de Seger et Glenn Frey à Detroit.

En 1980, Seger a sorti Against the Wind (avec l’ancien membre de Grand Funk Railroad Craig Frost remplaçant Robyn Robbins aux claviers) et c’est devenu son premier et unique album n ° 1 sur le palmarès des albums Billboard . Le premier single  » Fire Lake  » mettait en vedette Eagles Don Henley , Timothy B. Schmit et Glenn Frey aux chœurs et le guitariste de Muscle Shoals, Pete Carr , à la 12 cordes acoustique. Fire Lake a atteint la 6e place du Hot 100, tandis que la chanson titre « Against the Wind » a atteint la 5e place en tant que single et est même passée dans le Top 10 du Billboard .Tableau contemporain adulte .  » You’ll Accomp’ny Me  » est devenu le troisième single à succès du disque, atteignant le n ° 14. Against the Wind remporterait également deux Grammy Awards . En 2006, Stranger in Town et Against the Wind s’étaient vendus à plus de 5 millions d’exemplaires chacun aux États-Unis.

L’album live de 1981 Nine Tonight résume ce pic de trois albums de la carrière commerciale de Seger. L’interprétation de Seger de  » Tryin’ to Live My Life Without You  » d’Eugene Williams est devenue l’un des cinq succès de Nine Tonight et l’album se vendrait à 4 millions d’exemplaires.

Seger a sorti le célèbre The Distance en décembre 1982. Lors de l’enregistrement de cet album, le guitariste de Silver Bullet Drew Abbott a quitté le groupe en raison de sa frustration face à l’utilisation fréquente par Seger de musiciens de session en studio et a été remplacé par Dawayne Bailey . Après la sortie de l’album, David Teegarden a également quitté le groupe en raison d’un conflit interne et a été remplacé par l’ancien batteur de Grand Funk Don Brewer . Salué par la critique pour représenter un son plus polyvalent que celui de son matériel récent, The Distance a engendré de nombreux succès à commencer par  » Shame on the Moon  » de Rodney Crowell . ». C’était le plus grand succès de toute la carrière du Silver Bullet Band, atteignant le n ° 1 du classement Adult Contemporary et se tenant au n ° 2 pendant quatre semaines consécutives – derrière  » Baby, Come to Me  » de Patti Austin et James Ingram . et  » Billie Jean  » de Michael Jackson – sur le Hot 100. Il est également passé n ° 15 du palmarès des singles country de Billboard . Le single suivant,  » Even Now « , a raté de peu le Top 10, et  » Roll Me Away  » a culminé au n ° 27. La piste de l’album « Making Thunderbirds » était un clip vidéo populaire filmé à Detroit et bien accueilli sur MTV .  . Les ventes multi-platine de Seger ont chuté à ce stade, The Distance culminant au n ° 5 et ne se vendant qu’à 1,9 million d’exemplaires aux États-Unis. The Distance est sorti tardivement sur cassette 8 pistes ; Capitol n’aurait apparemment pas l’intention de le faire, mais Seger, affirmant que beaucoup de ses fans utilisaient encore des lecteurs 8 pistes dans leurs véhicules, a demandé au label de sortir également l’album au format décroissant.

En 1984, Seger écrit et enregistre la ballade power rock « Understanding » pour la bande originale du film Teachers . La chanson était un autre hit du Top 20 pour Seger à la fin de 1984. En 1986, il a écrit et enregistré « Living Inside My Heart » pour la bande originale du film About Last Night… .

Seger n’était plus aussi prolifique, et plusieurs années se sont écoulées avant que son prochain album studio, Like a Rock , ne sorte au printemps 1986. Le rythme rapide « American Storm » était un autre single du Top 20 aidé par un clip vidéo populaire mettant en vedette l’actrice. Lesley Ann Warren et  » Like a Rock  » ont suivi, atteignant la 12e place du Billboard’s Hot 100. Plus tard, il deviendra familier à de nombreux Américains grâce à son association avec une longue campagne publicitaire de Chevrolet (quelque chose que Seger a explicitement choisi de faire pour soutenir travailleurs américains de l’automobile en difficulté à Detroit). L’ American Storm Tour 1986-1987 de Seger était sa dernière grande tournée autoproclamée, jouant 105 spectacles sur neuf mois et vendant près de 1,5 million de billets. Like a Rock a atteint la troisième place et s’est finalement vendu à plus de trois millions d’exemplaires, bien qu’il n’ait jamais été certifié au-dessus du platine.

Le 13 mars 1987, Bob Seger et le Silver Bullet Band ont reçu une étoile sur le Hollywood Walk of Fame pour leurs contributions à l’industrie de la musique, situé au 1750 Vine Street.

En 1987, Seger enregistre la chanson « Shakedown » pour la bande originale du film Beverly Hills Cop II . Une chanson pop-rock axée sur le synthé, c’était le premier et le seul hit n ° 1 de Seger sur le palmarès des singles pop. La chanson était à l’origine destinée à son compatriote de Detroit Glenn Frey , mais lorsque Frey a perdu sa voix juste avant la session d’enregistrement, il a demandé à Seger de prendre sa place. Seger a changé les couplets de la chanson mais a gardé le même refrain. La chanson a valu à Seger une nomination aux Oscars en tant que co-auteur dans la catégorie Meilleure chanson originale l’année suivante.

L’après 1988 à aujourd’hui

Le disque suivant de Bob Seger était The Fire Inside de 1991 , à une époque où le glam metal , le grunge et le rock alternatif prenaient le devant de la scène. Sa nouvelle musique a trouvé peu de visibilité à la radio ou ailleurs. Il y va de même pour It’s a Mystery en 1995 , bien que l’album soit certifié disque d’or (500 000 exemplaires vendus). Cependant, en 1994, Seger sort Greatest Hits ; l’album de compilation était son plus gros record en termes de ventes, se vendant à près de 10 millions d’exemplaires aux États-Unis en 2010. Seger a repris la route pour une tournée en 1996, qui a été un succès et a vendu le quatrième plus grand nombre de billets de toute tournée nord-américaine cette année-là. (Seger était autrefois connu pour ses concerts dans de petites salles, comme en témoigne son apparition au 18e amendement à Omaha, Nebraska.)

Seger a pris un congé sabbatique de l’industrie de la musique pendant environ dix ans pour passer du temps avec sa femme et ses deux jeunes enfants. En 2001 et 2002, Seger a remporté la prestigieuse Port Huron to Mackinac Boat Race à bord de son voilier Lightning de 52 pieds (16 m) . Il a ensuite vendu le bateau. Il a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame le 15 mars 2004. Son camarade Detroiter Kid Rock a prononcé le discours d’intronisation et la gouverneure du Michigan, Jennifer Granholm , a proclamé cette date Bob Seger Day en son honneur. En 2005, Seger a chanté avec 3 Doors Down sur la chanson  » Landing in London  » de leur album Seventeen Days .

Bob Seger et The Silver Bullet Band ont été intronisés au Michigan Rock and Roll Legends Hall of Fame en 2005.

Le premier nouvel album de Seger en onze ans, intitulé Face the Promise , est sorti en 2006. Au cours de ses 45 premiers jours, il s’est vendu à plus de 400 000 exemplaires. L’album s’est vendu à plus de 1,2 million d’exemplaires, ramenant Seger au statut de platine et restant sur le palmarès Billboard pendant plusieurs mois. Sa tournée de soutien était également très attendue, de nombreux spectacles se vendant en quelques minutes. Montrant que l’attrait légendaire de Seger dans le Michigan n’avait pas diminué, les 10 834 billets disponibles pour son premier spectacle à la Van Andel Arena de Grand Rapids se sont vendus en moins de cinq minutes; trois spectacles supplémentaires ont ensuite été ajoutés, dont chacun a également vendu.

En 2009, Seger a sorti un album de compilation intitulé Early Seger Vol. 1 , qui contenait des documents d’archives des années 1970 et 1980, y compris des morceaux entièrement ou partiellement réenregistrés de ses albums Smokin’ OP’s (1972) et Seven (1974) et des chansons inédites. L’album n’était initialement disponible à l’achat que dans les magasins Meijer , puis plus tard en téléchargement sur BobSeger.com. Seger a contribué au piano et au chant sur l’album Born Free de Kid Rock en 2010 . Seger a organisé une tournée d’arène réussie en 2011, accompagnée de la sortie d’un album de compilation de deux CD, Ultimate Hits: Rock and Roll Never Forgets. Le 28 mai 2011, le gouverneur du Michigan, Rick Snyder , a proclamé cette date comme la Journée Bob Seger pour ses plus de 50 ans de partage de ses talents musicaux célèbres avec des fans du monde entier.

Le 30 décembre 2011, devant une foule à guichets fermés au Mandalay Bay Events Center de Las Vegas, Seger a clôturé une autre tournée réussie. Le 30 octobre 2011, il a déclaré au directeur d’AnnArbor.com, Bob Needham, qu’il retournait au studio pour terminer un autre nouvel album à paraître à l’automne 2012, suivi d’une autre tournée de soutien.

Le 14 juin 2012, Seger a été intronisé au Songwriters Hall of Fame. Le 10 janvier 2013, Seger a annoncé une autre tournée aux États-Unis et au Canada.

Seger a interprété un duo de  » Who’ll Stop the Rain  » avec John Fogerty sur l’album de Fogerty Wrote a Song for Everyone , sorti en 2013.

Le 17e album studio de Seger, Ride Out , est sorti le 14 octobre 2014. Ride Out a été accompagné d’une tournée d’arène très réussie aux États-Unis et au Canada.

Le 22 décembre 2016, Seger a interprété  » Heartache Tonight  » alors que le Kennedy Center honorait les Eagles . Quelques semaines plus tard, le 18 janvier 2017, Seger a offert le single  » Glenn Song  » sur son site Web en hommage à la mort d’un an du membre fondateur des Eagles Glenn Frey , avec qui Seger était un ami proche. À partir du 24 août 2017, Seger s’est lancé dans une tournée Runaway Train de 32 villes qui devait initialement se terminer le 17 novembre 2017 à Chicago . Cette tournée comprenait un spectacle le 22 septembre 2017 au Palace of Auburn Hills ( Michigan ), qui était le dernier événement à se tenir dans ce lieu. Le même jour, Seger a annoncé son nouvel album studio, I Knew You When , et a sorti  » Busload of Faith « , une reprise de la chanson de Lou Reed de l’album de 1989 New York , en tant que premier single tiré de l’album.  I Knew You When est sorti le 17 novembre 2017, ce qui aurait marqué le dernier jour de la tournée Runaway Train de Seger. Cependant, en raison « d’un problème médical urgent avec ses vertèbres « , toutes les dates de concert commençant le 30 septembre ont dû être reportées. Sur les 32 dates de tournée prévues, Seger a pu en terminer 13 et a dû en reporter 19.

Le 18 septembre 2018, Seger a annoncé sa dernière tournée. Nommée la tournée Travelin ‘Man , elle comprend des dates reportées de la tournée 2017 ainsi que des spectacles supplémentaires, et devait débuter le 21 novembre à la Van Andel Arena de Grand Rapids, MI.

Héritage

Lincoln Park a déclaré le 17 novembre 2017, « Bob Seger Day » dans la ville. Le maire Thomas Karnes a qualifié Seger de voix de la ville pour leur génération. Seger y a fréquenté l’école dans sa jeunesse et s’est produit au kiosque à musique de la ville dans les années 1960.

Vie personnelle

Le premier mariage de Seger avec Renee Andrietti en 1968 a duré « un jour avant un an ». Il a eu une relation à long terme avec Jan Dinsdale de 1972 à 1983. En 1987, il a épousé l’actrice Annette Sinclair et ils ont divorcé un an plus tard. Il a épousé Juanita Dorricott en 1993, dans un petit cadre privé au Village Club, à Bloomfield Hills ; ils ont deux enfants.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/267854-Bob-Seger

BOB MARLEY

Robert Nesta Marley dit Bob Marley, né le 6 février 1945 à Nine Miles (Jamaïque) et mort le 11 mai 1981 à Miami (États-Unis) d’un cancer généralisé, est un auteur-compositeur-interprète et musicien jamaïcain. Il rencontre de son vivant un succès mondial, et reste à ce jour le musicien le plus connu du reggae, tout en étant considéré comme celui qui a permis à la musique jamaïcaine et au mouvement rastafari de connaître une audience planétaire. Il a vendu plus de 200 millions de disques à travers le monde.

Bob Marley commence sa carrière musicale en 1962. En 1963, il forme avec Bunny « Wailer » Livingston et Peter McIntosh un trio vocal, The Wailers. Avec Simmer Down, en 1964, qui appelle à la cessation des luttes entre les ghettos et à l’union contre la pauvreté, The Wailers rencontrent leur premier vrai succès local en Jamaïque. Beaucoup d’autres suivent jusqu’à 1968. Entre-temps, Bob Marley est devenu rasta à partir de 1966, sous l’influence de personnages importants (comme Mortimer Planno) du mouvement rastafari, alors en plein essor en Jamaïque.

Entre 1968 et 1971, les Wailers entament avec le producteur Lee « Scratch » Perry une collaboration très fructueuse qui génére quatre albums synthétisés en 1972 par le label Trojan sur l’album African Herbsman. Tout début 1973, sort sous le nom de groupe The Wailers Catch A Fire, puis Burnin’ en avril 1973, tous deux chez Island Record, le label fondé par Chris Blackwell. C’est à l’issue de la tournée anglaise Burnin’ Tour 1973 que Bunny Livingston, puis Peter McIntosh quittent le groupe fin 1973.

Bob Marley, désormais en solo, s’appuie sur la remarquable section rythmique composée par Aston « Family » Man Barrett (basse) et Carlton « Carly » Barrett (batterie) pour s’affirmer sous le nom de Bob Marley & the Wailers. À ce noyau dur, s’ajoutent le claviériste Touter (remplacé dès Rastaman Vibration par Tyrone Downie et Earl « Wya » Lindo), le guitariste américain Al Anderson et le trio vocal The I-Threes composé de Rita Marley (sa femme), Judy Mowatt et Marcia Griffiths. En 1974, sort l’album Natty Dread qui marquera le début du succès mondial de Bob Marley, notamment sous l’impulsion de la reprise du titre I Shot the Sheriff par Eric Clapton. L’album est un succès à travers le monde.

S’ensuit l’album Rastaman Vibration (1976) qui fait définitivement de Bob Marley une star mondiale et le plus grand porte-parole du reggae. Quelques mois après la sortie de cet album, Bob Marley survit en décembre 1976 à une tentative d’assassinat chez lui, à Kingston, en Jamaïque durant la campagne électorale, qui le pousse à s’installer à Londres. Il relate cet épisode dans la chanson Ambush in the Night sur l’album Survival. C’est durant cet exil qui durera jusqu’à mi-1978 et le One Love Peace Concert à Kingston, que sort l’album Exodus (1977) ; œuvre considérée par Time Magazine comme le meilleur album du xxe siècle.

En 1978 sort l’album Kaya, puis Survival en 1979, qui est considéré par nombre de spécialistes musicaux comme son album le plus abouti. Avant et après Survival, Bob Marley fait plusieurs voyages en Afrique et y donne quelques concerts, dont un au Zimbabwe, en 1980, pendant les festivités célébrant l’accession de ce pays à l’indépendance.

Atteint d’un mélanome diagnostiqué en 1977 qui devient un cancer généralisé, Bob Marley sort son dernier album, Uprising, en 1980 et donne son dernier concert à Pittsburgh le 23 septembre 1980. Il meurt le 11 mai 1981 à Miami, aux États-Unis, à l’âge de trente-six ans. Il est enterré le 21 mai à Saint Ann, en Jamaïque. Ses funérailles nationales à Kingston réunissent des milliers de personnes.

Au cours de sa carrière, Bob Marley devient le plus grand musicien de reggae à travers le monde et une icône du mouvement rastafari. Il est également considéré comme un symbole mondial de la culture et de l’identité jamaïcaine, tout en plaidant également pour le panafricanisme , le tiers monde et la réduction des inégalités et de la misère. Bob Marley figure également parmi les artistes musicaux les plus vendus de tous les temps4, tandis que son style a influencé des artistes de différents genres5. La Jamaïque l’a honoré à titre posthume peu de temps après sa mort, puisqu’il a été nommé à l’ordre du Mérite jamaïcain. Il reste au xxie siècle le Jamaïcain le plus connu dans le monde aux côtés d’Usain Bolt.

Biographie

Naissance et origine

Robert Nesta Marley est né le 6 février 1945 dans la ferme de ses grands-parents maternels, Omeriah Malcolm et Albertha Whilby, tous deux Afro-Caribéens, planteurs de café, bananes, piments, etc., à Rhoden Hall, près de Nine Miles, dans la paroisse de Saint Ann, connue comme la maison natale de Bob Marley, et dans laquelle il passa son enfance, d’une mère âgée de 18 ans, Cedella Malcolm, sixième fille des Malcolm, épouse Marley puis Booker, (1926-2008), et d’un père blanc, d’origine anglaise. Né en Jamaïque, alors colonie britannique, âgé de 59 ans au moment de la naissance de son fils, Norval Sinclair Marley (1885–1955), qui prétendait avoir été capitaine des Royal Marines, se faisait appeler « Capitaine », et était contremaître de plantation (« Il supervisait la subdivision de terres rurales »). Robert a très peu connu son père, souvent en voyage, et dont la famille désapprouvait le mariage, mais lui apportait cependant le soutien financier (irrégulier) nécessaire à Cedella et à son fils. Les grands-parents paternels de Bob sont Albert Thomas Marley, anglais du Sussex, et Ellen Broomfield, originaire du Levant née en Jamaïque. D’après Michael George Marley (fils de Noel Marley, lui-même frère de Norval Marley), qui l’aurait appris de sa famille, puis vérifié, les Marley seraient des Juifs syriens passés par l’Angleterre avant de s’installer en Jamaïque (À noter que Christopher Marley, de la famille côté Norval Marley, a déclaré, lui : « La famille de Norval Marley n’a jamais été syrienne ».

Période ska

À l’adolescence, Bob Marley suit sa mère qui quitte la misère de la campagne pour celle du ghetto de Trenchtown à Kingston. Ayant arrêté l’école à 14 ans, il retrouve à Kingston Neville Livingston, dit plus tard Bunny Wailer, qu’il connait depuis l’enfance à Nine Miles, et y rencontre Winston Hubert McIntosh, dit Peter Tosh, avec qui il chante des cantiques et des succès de soul américaine qu’ils entendent sur les radios de Miami. Le chanteur Joe Higgs, qui vit lui aussi à Trenchtown, leur donne des cours de chant et les fait beaucoup progresser. Bob Marley enregistre sa première chanson Judge Not pour le producteur Leslie Kong, du label Beverley’s, en 1962, à l’âge de 17 ans, ainsi qu’une reprise d’un succès de country de Claude Gray : One Cup of Coffee en 1962. Ces titres n’ont que peu de succès, mais il continue à s’investir dans la musique.

Bob Marley commence sa carrière musicale en 1962. En 1963, il forme avec Neville O’Reilly Livingston (plus tard Bunny Wailer) et Wynston Hubert McIntosh (plus tard Peter Tosh) un trio vocal sur le modèle des groupes vocaux américains comme les Impressions. Le trio est tout d’abord appelé les Wailing Wailers, avant de finir par s’appeler The Wailers (les gémisseurs). Le groupe intègre aussi Junior Braithwaite ainsi que, comme « Waillers Minute », Beverley Kelso et Cherry Green. Ils obtiennent un contrat avec Studio One en 1964 et leurs premiers morceaux de ska, gospel, rhythm and blues et soul sont produits par le grand producteur local Clement « Sir Coxsone » Dodd, qui a pour assistant en studio Lee « Scratch » Perry (Scratch assure aussi la promotion). Coxsone Dodd et les Wailers signent un contrat pour cinq ans. En février 1964, le titre Simmer Down (en) cartonne et devient no 1 en Jamaïque : 80 000 copies du titre sont vendues. C’est un acte politique au sens noble du terme, appel à cesser les luttes fratricides entre ghettos et à l’union pour luttre contre la misère. Les Wailers enregistrent Rude Boy, I’m Still Waiting, Put It On et une première version de One Love. Bob Marley quitte son métier de soudeur. Après l’album intitulé The Wailin’ Wailers en 1965, le trio se sépare de Coxsone, qui ne leur a pas versé grand-chose en contrepartie des dizaines de titres qu’ils ont enregistrés pour lui.

Tout au long de leur carrière en trio, puis en solo, les Wailers feront les frais de producteurs, managers et autres proches mal intentionnés qui n’auront aucun scrupule à les dépouiller, la pratique musicale à cette époque en Jamaïque n’étant pas aux dépôts légaux et aux contrats écrits, la plupart des engagements se faisant sous forme de « deals » verbaux. Ainsi, les Wailers et plus tard Bob Marley se sont fait allègrement arnaquer, notamment par Coxsone Dodd, Duke Reid, Lee « Scratch » Perry, Leslie Kong, Danny Sims et autres Mortimo Planno, Allan « Skill » Cole, Don Taylor, etc. Des volumes financiers qui, si l’on devait faire les comptes des arriérés de « royalties » et autres détournements de recettes, devraient être finalement assez vertigineux.

Période rocksteady

Vers le milieu des années 1960, le rocksteady succède au ska. Plus lent et chaloupé que ce dernier, le rocksteady marque une étape dans l’évolution de la musique jamaïcaine, qui s’affranchit de plus en plus des rythmiques rapides du ska. Reprenant la soul nord-américaine et le rhythm and blues, le style est marqué par plus de chants et de claviers, et moins de cuivre. Les chansons reprennent des thèmes d’amour et de religion et les paroles s’imprègnent peu à peu de croyances rastafari. Les chanteurs s’adressent à la jeunesse et aux rudes boys des ghettos, et tentent de leur redonner espoir.

Le lendemain de son mariage avec Rita Anderson le 11 février 1966, Bob Marley, à la demande de sa mère, remariée avec un Jamaïcain nommé Booker installé à Wilmington dans le Delaware, part la rejoindre aux États-Unis. Bob Marley y travaille à l’hôtel Dupont, mais continue à écrire des chansons. Il est provisoirement remplacé par Constantine « Dream » Walker. Souhaitant retrouver sa liberté, il retourne dans son île après l’été 1966. Il s’intéresse de plus en plus au mouvement rastafari, qui a émergé dans les années 1930 en Jamaïque, et fonde avec Peter Tosh et Bunny Livingston le label indépendant Wail’n Soul’m. Leur premier titre, autoproduit, dans le nouveau style rocksteady, s’intitule Bend Down Low. À Kingston, Mortimer Planno, un rasta jamaïcain d’origine cubaine qui a voyagé en Éthiopie et rencontré Haïlé Sélassié Ier au début des années 1960, lui transmet une partie de sa culture rasta. Métis clair rejeté par les Noirs jamaïcains, Bob Marley se sent accepté par ce mouvement. Sans le soutien d’un distributeur professionnel, ses disques se vendent très mal, et Bob Marley est trop pauvre pour vivre en ville avec sa femme Rita et ses deux enfants Cedella et Ziggy. Il retourne dans son village natal en 1967 pour un ressourcement spirituel, mais continue à enregistrer et à publier nombre de 45 tours obscurs pour sa petite marque Wail’n Soul’m, comme les futurs classiques Hypocrites et Nice Time, qui sortent sous le nom de groupe des Wailers.

Rita, Bob Marley et Peter Tosh rencontrent, en janvier 1968, le chanteur américain Johnny Nash, qui est décidé à lancer le style rocksteady aux États-Unis, et son manager Danny Sims, avec qui ils signent un contrat international exclusif pour les disques et éditions JAD. Bob Marley leur fournit quantité de compositions inédites, dont Stir It Up, qui deviendra bientôt un succès pour Nash. Johnny Nash a beaucoup de succès avec le rocksteady (tube américain Hold Me Tight en 1968), mais l’album des The Wailers qu’il a financé ne sort pas (il ne sera finalement publié qu’en 1997 chez JAD). Seule une nouvelle version de Bend Down Low avec des cuivres américains ajoutés à New York sort en France et au Canada (JAD-CBS) en 1968, mais sans aucun succès. Bob Marley écrit parallèlement son premier morceau rasta, Selassie Is the Chapel, en 1968. Cet enregistrement important, dans le style nyabinghi (tambours rastas), est financé par Mortimo Planno, qui en interprète la face B, A Little Prayer. Quelques producteurs locaux se succèdent, mais le trio vocal n’a plus aucun succès depuis son départ du giron de Coxsone Dodd.

Reggae et Island Records

Sans ressources, Bob Marley repart aux États-Unis rejoindre sa mère en 1969. Il travaille plusieurs mois comme ouvrier, de nuit, dans une usine automobile Chrysler, ce qui lui inspire les paroles de la chanson It’s Alright (1970). Sa femme et ses jeunes enfants le rejoignent. À son retour, il fonde les disques Tuff Gong, du nom du ghetto (dérivé du surnom de Leonard Howell, le « Gong » fondateur du mouvement rastafari), et enregistre une reprise de James Brown Say It Loud – I’m Black and I’m Proud rebaptisée Black Progress, dans le nouveau style reggae, avec de jeunes musiciens, les frères Carlton (à la batterie) et Aston « Family Man » Barrett (à la basse), qui ne le quitteront plus. Mais les disques indépendants Tuff Gong n’ont toujours aucun succès. Marley se rend alors en Angleterre, voir son vieil ami Lee « Scratch » Perry, qui y est arrivé fin 1969, accompagné par les frères Barrett sous le nom des Upsetters. Perry obtient un succès anglais avec l’instrumental The Return of Django et accepte de produire le trio vocal The Wailers. Lee Perry, très proche de Bob Marley sur le plan spirituel, donne une nouvelle couleur au groupe, qui enregistre plusieurs morceaux avec lui, dont Duppy Conqueror, Sun Is Shining, Soul Rebel, Kaya et le (I’ve Gotta) Keep on Moving de Curtis Mayfield. Lee Perry réunira certains de ces 45 tours et les vendra – à l’insu des Wailers – au label Trojan, pour donner l’album African Herbsman sorti en Angleterre tout début de l’année 1973. Ce qu’appréciera très moyennement Bob Marley qui sort dans le même temps Catch A Fire avec le label Island Records.

Toujours sans succès, Bob Marley (dont le groupe avec Bunny Wailer et Peter Tosh s’appelle encore The Wailers) grave une dizaine de chansons avec l’équipe de musiciens de Leslie Kong « Beverley’s All-Stars » (Lloyd Parkes, Jackie Jackson, Paul Douglas, Gladstone « Gladdie » Anderson, Winston Wright, Rad Bryan, Lynn Taitt, et Hux Brown), un producteur jamaïcain (Kong avait déjà produit les deux premiers 45 tours solo de The Wailers en 1962), qui a du succès en Angleterre grâce à un son professionnel capable de percer sur le marché britannique (disques Trojan à Londres). Il publiera ces titres en 1971 sous le nom de The Best of the Wailers. Bunny Wailer s’opposant à ce titre (il aurait préféré Cheer Up) menace alors Kong : « ce serait alors ton dernier album,…, simplement parce que tu ne serais plus là pour entendre la suite ». Leslie Kong meurt quelque temps après d’une crise cardiaque. Bob Marley se rapproche de l’organisation rasta des Douze Tribus d’Israël fondée par Prophet Gad, alias Vernon Carrington. Les Wailers continuent à alterner les auto-productions pour Tuff Gong et les séances produites et financées par Perry. Malgré la qualité de leur travail prolifique, ils n’ont aucun succès local jusqu’à leur autoproduction Trench Town Rock (Tuff Gong 1971).

À ce point charnière de sa carrière, Bob Marley a déjà contribué à au moins 350 morceaux enregistrés en studio (dont une trentaine environ en tant que choriste), dont une grande partie ne seront révélés au public international que beaucoup plus tard, bien après sa mort, notamment dans la série de dix CD The Complete Bob Marley and the Wailers 1967 to 1972 (JAD) réalisée entre 1998 et 2003 par le français Bruno Blum et l’américain Roger Steffens et la publication, en 1991, des enregistrements Studio One réalisés entre 1964 et 1966. Bob Marley réenregistrera par la suite une partie de ces compositions, comme Satisfy My Soul, Sun Is Shining ou Lively Up Yourself.

À la demande de Johnny Nash et de Danny Sims (tous deux fondateurs du label JAD avec Arthur Jenkins), qui cherchent des compositions pour la musique du film suédois Vil Sa Garna Tro (L’amour n’est pas un jeu), réalisé par Gunnard Hoglund, dans lequel Nash joue le rôle principal, Bob Marley part (seul) pour Stockholm en novembre 1970 avec toute l’équipe du film. Il vit à Nockeby près de Stockholm avec des musiciens culturellement très éloignés de sa culture rasta et est assez isolé dans le froid de l’hiver suédois où la neige bloque le tournage du film. Il y écrit plusieurs morceaux, et collabore à la musique du film. 1972, Nash signe alors avec les disques CBS à Londres où il enregistre le plus gros succès de sa carrière, I Can See Clearly Now. Bob Marley signe lui aussi avec CBS grâce à Johnny Nash et Danny Sims qui cherchent à le lancer à l’international. Mais le 45 tours Reggae on Broadway de Bob Marley qui sort en même temps que celui de Nash n’a aucun succès. Le son et les musiciens anglais apportés par Nash ne conviennent pas à Bob. Quelques concerts à Londres, avec les frères Barrett, sont organisés en première partie de Nash, mais sans succès. La tournée d’environ cent dates organisée et financée par Sony est un désastre pour Marley. Nash, dont le titre I Can See Clearly Now cartonne aux USA, quitte Londres avec Danny Sims et plante là Marley, accompagné des Wailers au grand complet.

Sans le sou et désespéré, Bob Marley contacte alors Chris Blackwell, le fondateur des labels Trojan et Island Records. Blackwell est Jamaïcain, issu d’une riche famille jamaïcaine. Il a déjà distribué en Angleterre les disques Beverley’s de Leslie Kong (certains affirment aujourd’hui, de manière illégale via son label Trojan) et connaît déjà le nom de Bob Marley et des Wailers. Chris Blackwell rachète alors le contrat de Bob Marley en octobre 1972 à Danny Sims et confie de l’argent à Bob Marley (environ 8 000 livres) pour enregistrer un album, sur un simple accord verbal. L’entourage de Chris Blackwell lui indiquant que c’était en pure perte, les rastas n’étant pas – selon eux – des gens fiables (« Chris tu ne reverras jamais ton argent et ton disque ne sortira pas »). De retour à Kingston en juin 1972, les Wailers se mettent immédiatement au travail et enregistrent le futur Catch A Fire aux studios Harry J, Dynamic Sound et Randy’s. Quelques semaines plus tard, de passage à Kingston, Chris Blackwell est sidéré par ce qu’il entend (« La musique était fantastique… C’était comme je l’avais rêvée »).

Le début du succès

À la suggestion de Chris Blackwell, les deux premiers albums pour Island — ‘ et Burnin’ — sont remixés à Londres, où des solos de guitare (de Wayne Perkins pour Catch A Fire) sont ajoutés, ainsi que des parties de claviers qui apportent un son plus rock et plus accessible au grand public occidental. Blackwell veut faire de Catch A Fire le disque d’un groupe de « rock black ». Catch a Fire puis Burnin’ sortent chez Island encore sous le nom de groupe The Wailers en avril et octobre 1973. C’est un succès auprès de la presse, mais pas auprès du public. Après une tournée anglaise promotionnelle, Bunny Wailer quitte le groupe (sur le prétexte que la tournée n’était pas rémunérée par Island et que Chris Blackwell faisait jouer les Wailers dans des lieux de perdition) , remplacé par Joe Higgs pour la tournée US de fin 1973, notamment pour le concert historique donné le 31 octobre à la KSAN Radio de San Francisco où les Wailers vont livrer une prestation live éblouissante devant un maigre public de privilégiés. De retour en Jamaïque, c’est Peter Tosh qui quitte le groupe à son tour, laissant désormais Bob Marley à sa carrière solo. Ce qui fait plutôt le bonheur d’un Chris Blackwell qui a toujours vu Bob comme un leader charismatique, une figure de proue destinée à propulser les Wailers sur la scène internationale. Au-delà de l’attitude du patron de Island Records, de fortes tensions s’exerçaient depuis plusieurs mois entre Bob, Peter et Bunny, pour différentes raisons. Trois fortes personnalités aux ambitions de moins en moins convergentes. Bob, Peter et Bunny auront enregistré ensemble des centaines de titres entre 1963 et 1973.

Le nom du groupe change alors pour s’appeler officiellement « Bob Marley and the Wailers » (à la suggestion de Chris Blackwell). Les Wailers qui seront désormais ses accompagnateurs, parmi lesquels le trio vocal féminin « I Threes » avec Rita Marley, Marcia Griffiths et Judy Mowatt, qui prend en charge les chœurs, les deux frères Barrett (Ashton « Family Man » à la basse et Carlton à la batterie), les pianistes Earl « Wire » Lindo et Tyrone Downie (c’est Touter qui est aux claviers sur l’album et durant la tournée « Natty Dread Tour »), le guitariste Earl « Chinna » Smith, l’harmoniciste Lee Jaffee (uniquement sur Natty Dread) et le percussionniste Alvin « Seeco » Patterson. Le troisième album publié chez Island s’intitule Natty Dread et sort en 1974 sous le nom de « Bob Marley and the Wailers », dans lequel le groupe incorpore une influence rythm’n blues avec le guitariste américain Al Anderson. Un autre guitariste soliste Jamaïcain, Junior Marvin est engagé après le départ de Al Anderson en 1976 (et crédité à partir de 1977 sur l’album Exodus).

L’album Natty Dread sort le 25 octobre 1974 et est suivi d’une tournée en Angleterre et aux États-Unis durant l’année 1975. Cet album devait initialement s’appeler Knotty Dread, édulcoré en Natty Dread à la demande de Island Records. Avant de partir en tournée, les Wailers jouent avec les Jackson Five le 8 mars au National Heroes Stadium à Kingston et avec Stevie Wonder après la tournée le 4 octobre au cours du Wonder Dream Concert, toujours au National Heroes Stadium. Ce sera d’ailleurs la dernière collaboration scénique de Bob avec Peter Tosh et Bunny Livingston. Natty Dread est le premier grand succès international de Bob Marley and the Wailers, en partie favorisé par la reprise, après la sortie de Burnin’, de I Shot The Sheriff par un Eric Clapton mondialement connu. L’album Live! enregistré le 18 juillet 1975 au Lyceum de Londres rend compte magistralement de cette tournée remarquable durant laquelle Bob Marley et son groupe enflamme les salles où ils se produisent, notamment le 18 juin au Schaefer Music Festival de New York, au Boarding House de San Francisco pour quatre sets du 4 au 7 juillet et au Roxy de Los Angeles où les Wailers joueront six jours du 9 au 13 juillet, sous le regard de George Harrison, des Rolling Stones ou de Herbie Hancock, entre autres. La tournée est un succès phénoménal et un titre comme No Woman, No Cry propulse Bob Marley au niveau de star internationale.

C’est en 1975 que Bob Marley rachète à Chris Blackwell la maison du 56 Hope Road, la Island House, à Kingston qu’il occupait déjà depuis 1973 et qui deviendra après la mort de Bob le Museum Bob Marley. Entre 1975 et 1980, le 56 Hope Road sera un lieu d’échanges politiques et artistiques intenses et de création musicale exceptionnel, en permanence fréquenté par des dizaines de rastas, et autres. Le 56 Hope Road sera aussi le lieu de bien des matchs de football dont Bob était un vrai passionné. Un sport qu’il a pratiqué presque chaque jour de sa vie, chez lui à Kingston comme en tournée, avant chaque concert.

Tentative d’assassinat

1976, c’est la sortie de Rastaman Vibration (1976) qui sera le disque de Bob Marley & The Wailers le plus vendu de son vivant et son premier succès américain. La sortie de l’album est suivi par une tournée américaine puis anglaise à la fois éreintante pour les musiciens car très longue et extraordinaire sur le plan musical. Le phénoménal concert donné au Roxy de Los Angeles le 26 mai 1976 est là pour témoigner de l’énergie et la puissance des Wailers sur scène à cette époque. Bob Marley est au sommet de sa puissance scénique durant cette Rastaman Vibration Tour.

1976, c’est aussi une période très dure pour la Jamaïque, au bord de la faillite après la crise pétrolière de 1973. Le gangstérisme s’est considérablement développé sur l’île, qui n’a plus grand chose à voir avec la Jamaïque célébrant son indépendance en 1962. La violence, amplifiée par l’opposition virulente entre le JLP (Jamaica Labour Party) d’Edward Seaga et le PNP (People’s National Party) de Michael Manley, élu depuis 1972, pousse le gouvernement à décréter l’état d’urgence le 19 juin 1976, à quelques mois des élections.

Le 3 décembre 1976 à Kingston, peu avant le grand concert gratuit en plein air Smile Jamaica qui a lieu à la demande du premier ministre jamaïcain Michael Manley, Bob Marley (qui ne soutenait pas Michael Manley mais s’était engagé dans ce concert pour la Jamaïque et le peuple jamaïcain en souffrance, les « Sufferers ») échappe à une fusillade déclenchée à son domicile par six hommes armés, alors qu’il répétait avec son groupe dans l’Island House au 56 Hope Road. Une balle lui érafle la poitrine et vient se loger dans son bras gauche, tandis qu’une autre touche Rita à la tête, mais sans la tuer. Don Taylor, le manager américain de Bob Marley, en sort très gravement blessé de cinq balles. Des doutes persistent sur l’origine de cette tentative d’assassinat. Au-delà des déclarations ici et là impliquant le JLP, la CIA, voire des représailles en direction d’Allan « Skill » Cole qui aurait truqué des paris, on ne peut aujourd’hui dire avec certitude qui est vraiment à l’origine de cet attentat. Bob Marley, au cours d’une interview de 1977, sera assez évasif sur le sujet et évoquera cet épisode dramatique dans sa chanson Ambush in the Night sur l’album Survival publié en 1979.

Deux jours après l’attentat qui a failli lui coûter la vie, Bob Marley participe comme prévu au concert Smile Jamaica à Kingston. Aux journalistes qui lui demandent pourquoi il tient tant à jouer lors de ce concert, il répond : « Les gens qui tentent de rendre ce monde mauvais ne prennent jamais de jours de congés. Comment le pourrais-je ? » Ashton « Family Man » Barrett, caché dans les collines, est remplacé ce jour-là par Cat Coore de Third World. À son arrivée sur scène, Bob Marley montre ses bandages au public, tel un martyre.

L’exil et le succès planétaire

Ne se sentant plus en sécurité en Jamaïque avant les élections, Bob Marley part en exil en janvier 1977 et s’installe à Londres. Il y enregistre entre mars et avril 1977 l’album Exodus qui sort à la fin du printemps. Des enregistrements d’Exodus, sera également extrait l’album Kaya qui sortira en 1978. Après le départ des guitaristes Al Anderson et Donald Kinsey, c’est un jeune guitariste jamaïcain qui prend le relais et sera crédité sur l’album, surnommé le « Hendrix jamaïcain » : Junior Marvin. Exodus est un album à la fois religieux et sentimental, s’ouvrant sur le très mystique Natural Mystic et se refermant sur ce chant d’amour universel One Love/People Get Ready. En 2000, l’album Exodus est élu, par le Times Magazine, meilleur album du XXème s., devant Sergeant Pepper des Beatles ou Kind Of Blue de Miles Davis. La relation amoureuse de Bob Marley avec la Jamaïcaine Cindy Breakspeare, Miss Monde 1976, contribue à le projeter à la une des médias. Bob et Cindy vivent durant cet exil londonien une idylle, qui durera jusqu’en 1980. Cindy Breakspeare, qui aura un fils avec Bob, Damian Marley, sera d’ailleurs présente, dans l’entourage de Bob Marley, jusqu’à la fin de sa vie, en mai 1981.

C’est au cours de l’Exodus Tour, qui débute à Paris le 10 mai 1977 au Pavillon de Paris, que Bob Marley se blesse au pouce du pied droit lors d’un match de football avec des journalistes français, la veille du concert. Quelques jours plus tard, en sortant d’un concert au Rainbow Theater à Londres, Bob a le pied en sang. Il effectue une batterie d’examens, dont une biopsie, qui révèle un mélanome malin au gros orteil (maladie de la peau qui ne représente que 4 % des cancers), sans doute dû à une trop longue exposition au soleil. Un médecin américain lui prescrit une amputation urgente de l’orteil. Mais un mélange de superstition de son entourage (selon ses proches, cette amputation l’empêcherait de danser sur scène ou de rejouer au football et surtout la culture rastafari interdit toute amputation) et de pression en pleine tournée européenne où il rencontre enfin son public, contribuent à retarder l’opération. Après beaucoup d’hésitations, un médecin de Miami lui retire uniquement le lit unguéal, croyant à tort arrêter la progression du cancer. La tournée américaine d’Exodus est annulée.

Fin mars 1978, sort l’album Kaya, enregistré conjointement avec Exodus à Londres durant l’exil de 1977. L’album rencontre un grand succès, mais est considéré par la presse spécialisée comme un album mineur, plutôt léger. En avril 1978, Bob Marley and the Wailers font un retour triomphal en Jamaïque. Lors du One Love Peace Concert qui se tient le 22 avril au National Stadium de Kingston. Bob Marley, qui monte sur scène en final d’un concert qui aura duré près de huit heures et réuni The Meditations, Culture, Dennis Brown, Jacob Miller, Peter Tosh, etc., parvient à réunir sur scène les deux ennemis politiques qui se disputent férocement le pouvoir, Edward Seaga (JLP) et le Premier Ministre Michael Manley (PNP) dans une sorte de bénédiction rastafari, immortalisée par le film documentaire Heartland Reggae de James P. Lewis. À la suite de ce concert historique, Bob Marley devient le grand héros national d’une partie de la Jamaïque (la plus pauvre), celui qui a rendu le reggae et rastafari planétaire et a fait connaître cette ile minuscule de la Caraïbe à travers le monde.

Au cours d’un Kaya Tour très long, durant lequel est enregistré l’album en public Babylon by Bus , capté entre autres au Pavillon de Paris de la porte de Pantin entre le 25 et le 27 juin 1978 (emplacement du Zenith actuel). C’est également en 1978 que Bob fait construire le studio Tuff Gong, un vieux rêve, dans sa maison du 56 Hope Road à Kingston, où il enregistre avec les Wailers l’album Survival, sur son tout nouveau studio 24 pistes. Survival, qui devait préalablement s’appeler Black Survival, chante la libération du continent africain et l’émancipation des Noirs issus de l’esclavage pour un retour à la terre d’origine, l’Afrique. Cet album est considéré par la presse spécialisée comme le plus abouti de tous les albums de Bob Marley. Le groupe Bob Marley and the Wailers jouit désormais d’un succès planétaire et joue aux quatre coins du monde jusqu’au Japon, en Australie et en Nouvelle-Zélande où Bob Marley est accueilli chaleureusement par les Maoris.

Mort de Bob Marley

Bob Marley and the Wailers commencent l’année 1980 avec deux concerts donnés au Gabon pour l’anniversaire du président Bongo. Puis enchaînent les 18 et 19 avril avec le « Zimbabwe Independence Concert », au Rufaro Stadium à Salisbury, pour l’indépendance du Zimbabwe. Entre ces deux évènements, le groupe termine l’enregistrement de l’album Uprising au studio Dynamics, à Kingston. L’album sort au printemps 1980, juste avant de partir pour la tournée Uprising Tour, qui sera la tournée de tous les superlatifs, et la dernière. 100 000 personnes au San Siro Stadium à Milan le 27 juin, 50 000 personnes au Bourget, près de Paris, le 3 juillet, etc. Bob Marley et les Wailers remplissent désormais les grands stades du monde entier. Par ailleurs, l’album Uprising est un succès dans le monde entier et le tube aux allures de disco Could You Be Loved enflamme peu à peu les « dancefloors » des discothèques de la planète.

Mais le dimanche 21 septembre 1980, juste après les deux concerts historiques donnés au Madison Square Garden de New York, les 19 et 20, Bob Marley s’effondre au cours d’un footing dans Central Park. Bob passe un examen aux rayons X où l’on découvre cinq métastases de son mélanome (cancer de la peau), trois au cerveau, une aux poumons et une à l’estomac : son cancer s’est généralisé. Les médecins du Kettering Sloan, centre de traitement du cancer à New York mondialement reconnu, lui donnent un mois à vivre, s’étonnant même que Bob soit encore vivant avec un tel développement de cancer généralisé. Bob Marley insiste malgré tout pour donner un dernier concert à Pittsburgh, le 23 septembre 1980 avant que la tournée Uprising Tour soit définitivement annulée.

Bob Marley subit alors des séances de radiothérapie et de chimiothérapie qui lui font perdre ses dreadlocks au Memorial Sloan-Kettering Cancer Center de New York. Au vu de son état et sous la pression de Rita Marley, sa femme, Bob Marley se fait baptiser le 4 novembre à l’Église orthodoxe éthiopienne de Miami, dont la plus haute autorité était feu l’empereur d’Éthiopie Hailé Sélassié Ier, considéré par les rastas comme étant la réincarnation de Jésus annoncée dans l’Apocalypse (« le roi des rois, seigneur des seigneurs »). Il est baptisé par l’Abouna Yesuhaq sous le nom de baptême : Bob Berhane Sélassié (ብርሃነ ሥላሴ (Berhanä Sellasé) : lumière de la Sainte Trinité en amharique). Quelques jours plus tard, Bob Marley part pour la Ringberg Klinik du Dr Josef Issels à Rottach-Egern en Bavière, où il suit un traitement anticancéreux controversé (transfusions sanguines, séances d’hyperthermie et des injections de THX, un agent anticancérigène). Le docteur Josef Issels, spécialiste allemand en médecine holistique, prend en charge les cancéreux en phase terminale considérés comme perdus par la médecine traditionnelle. Ce traitement prolonge la vie de Bob Marley pendant quelques mois, au prix de dures souffrances qu’il endure avec beaucoup de courage.

C’est à Rottach-Egern qu’un Bob Marley extrêmement affaibli (il pèse moins de 50 kilos) fête ses 36 ans le 6 février 1981, entouré de sa mère, Cedella Booker, Rita Marley sa femme, ses musiciens (à l’exception des frères Barrett) et quelques autres Jamaïcains comme Neville Garrick. Début mai 1981, le Dr Issels déclarant ne plus pouvoir rien faire pour sauver Bob Marley, celui-ci est rapatrié en avion vers la Jamaïque pour y finir ses jours et y être inhumé. Au cours d’une escale à Miami où il souhaite voir sa mère, Bob est finalement placé en soins intensifs le 9 mai 1981 à l’hôpital Cedars of Lebanon de Miami et, trop faible pour faire le voyage en avion jusqu’à Kingston et sa Jamaïque natale, meurt à l’âge de 36 ans le 11 mai 1981 vers 11h45. Après des funérailles nationales à Kingston, Bob Marley est enterré le 21 mai dans un mausolée construit à la hâte, à Rhoden Hall, près de Nine Miles, dans la paroisse de Saint Ann, où il est né et où depuis le matin se sont peu à peu regroupés des milliers de personnes pour dire adieu à celui qui a fait du reggae une musique mondialement reconnue et qui a chanté la douleur des Sufferers du monde entier.

Son héritage

Héritage légal et financier

À sa mort en 1981, l’héritage de Bob Marley est estimé à 30 millions de dollars américains, répartis sur différents comptes bancaires. Au-delà des avoirs financiers, l’héritage de Bob Marley concerne les propriétés immobilières (le 56 Hope Road, Studio Tuff Gong, etc.) et surtout la question des droits d’auteur pour l’immense production des Wailers jusqu’à 1973, puis de Bob Marley jusqu’à sa mort. Sans parler de tout ce qui n’a pas encore été édité en 1981 ou qui le sera après, comme Confrontation en 1983 et Legend en 1984 (qui, avec 10 millions d’exemplaires, sera l’une des plus grosses ventes de disques de tous les temps). Bob Marley a rapporté plus d’argent après sa mort que de son vivant.

Mais Bob Marley n’a pas établi de testament, malgré l’insistance plus ou moins intéressée de certains de ses proches. Volontairement ou non, il a refusé de fixer sur papier ses dernières volontés. Était-ce dû au fait que les rastas refusent de parler de la mort, ou une volonté de Bob Marley que chacun se révèle tel qu’il est, comme l’a suggéré Neville Garrick ? Au regard de la loi jamaïcaine, et sans testament, 55 % des biens et 10 % du patrimoine artistique reviennent à la veuve de Bob, sa femme Rita Marley, et le reste des biens aux 11 enfants reconnus par Bob de son vivant. Mais Rita Marley produit un document daté de 1978 qui lui octroie la quasi-totalité de la fortune de Bob Marley. Il s’avèrera par la suite, en 1986, que ce document est un faux, contrefait par Rita et ses avocats. Rita Marley est alors dépossédée de la gestion de ses biens et du patrimoine Marley, confiée à un administrateur par la Cour Suprême de Jamaïque.

Après bien des procédures judiciaires et des imbroglios concernant les droits légaux de Bob Marley (qui créditait certains de ses proches pour échapper à la voracité des producteurs, notamment Danny Simms), Chris Blackwell acquiert en 1991, pour 11 millions de dollars, la gestion du patrimoine artistique de Bob Marley, en association avec la famille Marley. Parallèlement, Chris Blackwell rachète (pour un peu plus de 1 million de dollars) à Danny Simms les droits d’édition de toutes les chansons de Bob appartenant à Caïman Music. Dix ans de procédures impliquant Rita Marley, ses enfants, Danny Simms, Coxsone Dodd, les Wailers.

Le 6 février 1991, date anniversaire de la naissance de Bob (6 février 1945), une étoile Bob Marley est inaugurée sur le fameux Hollywood Walk of Fame de Hollywood Boulevard, Los Angeles, en présence de Rita Marley. Au-delà d’être entré dans la légende, Bob Marley est aujourd’hui devenu une marque qui rapporte beaucoup d’argent à la famille Marley et aux ayants droit, de ce même argent dont Bob disait en 1980 : « Le Diable contrôle l’argent. Si tu veux t’enrichir, il te faut donc faire un marché avec le Diable parce que c’est lui qui actionne les planches à billets. »

Héritage musical religieux

L’héritage culturel et musical de Bob Marley est aujourd’hui considérable. Bob, le chanteur, le rastaman, le rebelle, le prophète, dont les images s’affichent sur les murs du monde entier, est devenu une icône, au même titre que Che Guevara, Martin Luther King ou Marilyn Monroe. Aux quatre coins du monde, la figure de Bob Marley est présente, sur les murs des quartiers, dans les boutiques de souvenirs, dans les bacs des disquaires. Bob Marley reste partout le symbole de la lutte contre l’oppression et de l’appel à l’amour universel. Manu Chao a dit lors d’une interview qu’un tee-shirt de Bob Marley était mieux qu’un gilet pare-balles pour traverser les quartiers chauds de la planète ! C’est dire l’importance de Bob Marley aujourd’hui encore et partout dans le monde.

Bob Marley, en huit ans de carrière internationale, a donné une dimension exceptionnelle au reggae et a considérablement influencé la musique dans son ensemble, qu’il s’agisse du pop rock occidental, de la variété internationale et de ce qu’on appelle aujourd’hui la « World Music ». Même si d’autres figures majeures du reggae comme Burning Spear, Peter Tosh, Culture ou Toots & the Maytals ont contribué à la diffusion mondiale de cette musique, Bob Marley a été, entre 1973 et 1980 le vaisseau amiral du reggae à travers la planète. Et même après sa mort en 1981, les disques Confrontation (1983) et Legend (1984) étendent encore son influence. Ses morceaux ont été depuis 1981 joués, repris, remixés par un nombre considérables d’artistes et de DJ. De Eric Clapton à Ben Harper, en passant par Lauryn Hill et Tracy Chapman, les chansons de Bob Marley traversent tous les répertoires musicaux depuis plus de 30 ans.

Mais Bob Marley, c’est encore un message à la fois social et religieux. Il représente aujourd’hui encore l’image de la dénonciation de l’oppression des Noirs par les Blancs, mais aussi des pauvres par les riches, des analphabètes par les gens éduqués, etc. De Slave Driver, Crazy Baldhead, Get Up Stand Up, jusqu’à Revolution, Burnin’ & Lootin’, Rat Race ou War, sa voix porte encore le refus de la domination, de l’oppression, de la ségrégation (« We refuse to be, what you wanted us to be » ; Babylone System : Survival) et appelle à la lutte pour l’émancipation et l’égalité des droits humains ( « Stand Up for your rights… Don’t give up the fight » ; Get Up, Santd Up : Burnin’). Mais au-delà de la rébellion et de la lutte, Bob Marley n’a cessé d’appeler à l’amour universel et à la communion des hommes. Son « One love, One heart » (« Let’s get together and feel all right ») n’est rien d’autre qu’un message de paix et d’amour. Tout comme Is This Love, No Woman No Cry, So Much Trouble in the World, etc.

Bob Marley, c’est encore un message religieux, celui de Jah Rastafari, incarné aux yeux des rastas par l’empereur d’Ethiopie Haïlé Sélassié Ier, vu comme le messie sur terre. Bob était profondément religieux, il faisait partie des Douze Tribus d’Israel (Twelve Tribes of Israel), lisait la Bible plusieurs fois par jour, allait à la messe le dimanche, commençait tous ses concerts à partir de 1978 par le fameux « Greetings in the Name of His Majesty Emperor Haile Selassie I ; Jah, Rastafari ! ». Nombreux sont ceux, de son vivant comme aujourd’hui, qui voient Bob Marley comme un prophète au service de Jah Rastarafi ou, voire comme la réincarnation du Christ (Tyrone Downie). Le message rastafari est omniprésent dans les chansons de Bob Marley : Forever Loving Jah, Rastaman Chant, Jah Live, Rastaman Vibration, etc. Les concerts de Bob Marley sont, en plus d’être de puissantes manifestations scéniques et musicales, à voir comme de grands messes où se mêlent l’indignation, la rébellion et l’amour, mais aussi la célébration de Jah et l’appel au bonheur des humains à travers la pratique des préceptes rastafari.

Enfants

Bob Marley a reconnu onze enfants de sept relations, dont les cinq de sa femme Rita, bien que deux d’entre eux ne soient pas de lui. Il n’a pas reconnu sa première fille Imani Carole, née le 22 mai 1963 d’une relation avec Cheryl Murray, mais a adopté Sharon après son mariage avec Rita en 1966. La plupart ont entrepris une carrière musicale, et avec succès pour Ky-Mani Marley, Damian Marley, Ziggy Marley, Julian Marley et Stephen Marley notamment. Rohan Marley a été joueur professionnel de football américain et, un temps, compagnon de la mannequin brésilienne Isabeli Fontana.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/41441-Bob-Marley

BO KIRKLAND

Mike James Kirkland également appelé Bo Kirkland (né en 1949 à Yazoo City , Mississippi) est un chanteur de R&B américain. Il a débuté sa carrière discographique en 1965, à la tête de Mike & The Censations, un quatuor composé de son frère Robert, de leur sœur et de son mari. Il formait également le duo Bo and Ruth chez Claridge Records qui a classé son single « You’re Gonna Get Next To Me » (crédité à Bo Kirkland et Ruth Davis) dans le Top 20 britannique durant l’été 1977.

Mike James Kirkland a grandi dans le Mississippi, où il chantait du gospel et du doo-wop au sein d’un groupe local, The Seven Seals, avec ses deux frères, Walter et Robert. Il a débuté sa carrière discographique en 1965 en tant que leader du groupe Mike & The Censations. Après la séparation des Censations, Kirkland et son frère Robert se sont installés en Californie où ils ont fondé un label, Bryan Records, afin de publier les chansons d’amour et la musique soul sur lesquelles Kirkland travaillait. Ils ont sorti deux albums, « Hang on in There » (1972) et « Doin’ it Right » (1973), dans le style et avec le commentaire social d’artistes tels que Marvin Gaye et Curtis Mayfield. En 1975, Kirkland a commencé à publier des enregistrements solo sous le nom de Bo Kirkland. Toujours sous ce nom, il a enregistré un album en duo avec Ruth Davis.

La réputation des albums « Hang on in There » et « Doin’ it Right » a lentement grandi et s’est répandue au cours des années suivantes, culminant avec des rééditions dans les années 90 par Luv N Haight .

En 2010, John Legend & The Roots ont sorti un album qui comprend une reprise d’une des chansons de Kirkland, « Hang On In There ».

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/641953-Bob-Kirkland

ANGIE BROWN

Angie Brown (née le 13 juin 1963) est une chanteuse et compositrice britannique originaire de Brixton , dans le sud de Londres.

Brown a collaboré sur le tube « I’m Gonna Get You » (1992) de Bizarre Inc. Elle a participé à plusieurs enregistrements avec Bizarre Inc. en tant que chanteuse principale, notamment sur le single « Took My Love » (1993). Brown a également été la chanteuse principale de « Beaten Up In Love Again » des Thrashing Doves en 1991.

Brown a joué dans le pont et le refrain du tube  » Return of the Mack  » (1996) de Mark Morrison. Brown a également chanté en chœur pour Grace Jones, Beverley Knight, Mark Morrison, les Rolling Stones, les Dirty Strangers, Happy Mondays, Kate Bush, Chaka Khan, Heaven 17, Neneh Cherry, Lisa Stansfield, Mola Mola, les Stereophonics et Fat Boy Slim.

Brown est co-artiste sur le single à succès de Bizarre Inc « I’m Gonna Get You » (1992) et a joué sur un certain nombre d’enregistrements avec Bizarre Inc en tant que chanteur principal, notamment « Took My Love » (1993).

Brown est le chanteur principal du morceau « Rockin’ for Myself » de Motiv8 , classé parmi les vingt meilleurs au Royaume-Uni.

Brown a joué dans le pont et le refrain du single à succès « Return of the Mack » du chanteur britannique Mark Morrison. Elle est présentée comme une interprète jouant le rôle de la petite amie à la fois dans la sortie officielle du single et dans le clip officiel dans lequel le mannequin Susana Agrippa a mimé la section vocale principale de Brown. En août 2020, il a attiré plus de 200 000 000 de flux sur YouTube. Elle a également joué sur d’autres morceaux de l’album Return of the Mack, y compris le tube du top 20 britannique « Crazy ».

Brown a co-écrit et interprété le single « Disco Heaven » de 1999 avec Holly Johnson de Frankie Goes to Hollywood.

Brown a assuré les chœurs pour Midge Ure sur deux titres : « Beneath a Spielberg Sky » et « Somebody », extraits de l’album Move Me , sorti le 25 septembre 2000. En 2001, elle a enregistré des chœurs sur l’album IsityouIsitme du musicien pop danois Thomas Helmig, paru chez RCA / BMG (Danemark). En 2003, Brown a participé en tant que choriste à l’album You Gotta Go There to Come Back du groupe de rock gallois Stereophonics , chantant sur trois titres : « Jealousy », « High as the Ceiling » et le tube « Maybe Tomorrow ». Elle est également créditée comme choriste sur l’album éponyme du chanteur néerlandais Jamai Loman , sorti chez BMG (Pays-Bas) en 2003. 

En 2014, Brown a été approché par le DJ britannique/canadien Kissy Sell Out , co-écrivant et chantant sur la sortie San City Record/ Vicious Vinyl et Carrillo Music « Deeper in Love ». Toujours en 2014, Brown est apparu dans un épisode de la troisième saison de The Voice UK , chantant une version en direct de  » I’m Gonna Get You « .

La voix d’Angie Brown est présente tout au long du morceau « The Mack » du DJ suédois Nevada, Mark Morrison et Fetty Wap . La version de Nevada reprend les voix originales de Mark Morrison et Angie Brown, et y ajoute la voix du rappeur américain Fetty Wap . Le titre est sorti en téléchargement numérique le 23 septembre 2016. Il a été certifié double disque de platine en Australie, disque d’or aux États-Unis et en Nouvelle-Zélande, et disque d’argent au Royaume-Uni, tout en figurant dans les classements musicaux de nombreux autres pays.

Brown a collaboré avec DJ Dougal et Ollie Jacobs sur un morceau sorti sur le label londonien Champion Records.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/42138-Angie-Brown

BIZARRE INC

Bizarre Inc était un groupe de techno / house anglais. Formé en 1989 en tant que duo entre les DJ anglais Dean Meredith et Mark « Aaron » Archer (à ne pas confondre avec le producteur de cinéma du même nom), ils se sont ensuite reformés en trio en 1990, composés de Meredith, Andrew Meecham et Carl Turner.

Le groupe s’est formé lorsque Meredith et Archer se sont associés pour lancer un projet acid-house/techno sous le label « Blue Chip Records », appartenant à Kev Roberts, ancien DJ du Wigan Casino.

Les premières sorties étaient (et sont toujours) uniquement disponibles sur vinyle 12 » : « It’s Time to Get Funky » (BLUE C14R), plus tard abrégé en « Time to Get Funky » (BLUE C14RR) ; et le premier album de 6 titres Technological , tous deux écrits et produits par Meredith et Archer.

En 1990, Archer quitte Meredith pour se consacrer à la production et à l’écriture sur différents projets house et techno, principalement pour Network Records. Longtemps connu sous le nom de DJ Nex, il sort ensuite des titres sous des pseudonymes tels que Mr. Nex, OPD, Xen Mantra, et d’autres (dont Nexus 21 et Altern-8 avec le coproducteur Chris Peat). La même année, deux autres DJs expérimentés, Andrew Meecham et Carl Turner, rejoignent Bizarre Inc, formant ainsi un nouveau trio. Leur premier maxi 45 tours, « Bizarre Theme » / « X-Static », sort sur le label aujourd’hui disparu Vinyl Solution. Ce premier morceau reçoit un accueil mitigé, et leur single suivant, « Such a Feeling », qui sample le tube « Such a Feeling » d’Aurra , atteint la 13e place des charts. Le single suivant, « Playing with Knives », se classe 4e. Les versions vinyle (7 pouces et 12 pouces) de la chanson ont été publiées sur plusieurs labels européens différents.

Le 19 octobre 1992, Bizarre Inc. sort l’album Energique. Peu après, le single « I’m Gonna Get You », certifié disque d’argent par la BPI et interprété par Angie Brown, sort le 21 septembre chez Vinyl Solution en vinyle 30 cm . Ce titre se classe numéro un du classement Hot Dance Club Play aux États-Unis pendant deux semaines en janvier (et atteint également la 47e place du Billboard Hot 100 ). Le single suivant, « Took My Love », se classe également numéro un du Hot Dance Club pendant deux semaines fin avril. Angie Brown est la chanteuse principale sur ces deux titres. Un troisième morceau, « Love in Motion » (avec Yvonne Yanney), atteint la 4e place du classement dance américain fin 1993. Trois des singles à succès de Bizarre Inc. figurent sur Energique , sorti en 1992. En 1994, un remix du single « Secret » de Madonna est inclus sur le 45 tours et le maxi-single CD américains.

Ils ont également sorti un troisième album, le plus commercial Surprise , sur le label Some Bizarre en 1996.

Meecham et Meredith continuent de sortir de nouveaux titres ensemble sous le nom de Chicken Lips . Au Royaume-Uni , leurs plus grands succès restent « Playing with Knives » (n° 4) et « I’m Gonna Get You » (n° 3), ce dernier étant un tube dance-pop qui a connu un grand succès commercial et figuré parmi les meilleures ventes de l’année.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/209696-Bizarre-Inc

DAVID BALL

David James « Dave » Ball, né le 3 mai 1959 à Chester et mort le 22 octobre 2025 à Londres, est un musicien et producteur de musique électronique britannique, membre des groupes Soft Cell et The Grid.

Dave Ball grandit à Blackpool avec un père adoptif sévère, ingénieur, qui meurt d’un cancer peu avant qu’il fasse des études. Il étudie à l’Arnold School avant d’étudier l’art à la Leeds Polytechnic, où il découvre les synthétiseurs et rencontre Marc Almond. Ils forment le duo synthpop Soft Cell de 1978 jusqu’à la séparation en 1984. En 1978, il devient père puis toxicomane. En 1983, il sort un album solo, In Strict Tempo, qui comprend des collaborations avec Gavin Friday, Genesis P-Orridge et Virginia Astley. Plus tard, il collabore avec P-Orridge sur la bande originale du film ouest-allemand Decoder, sorti en 1984, qui met en vedette d’autres artistes de Some Bizzare Records.

Après la dissolution de Soft Cell, Dave Ball soigne ses addictions. Il forme un nouveau groupe, Other People avec son épouse Gini Hewes (qui avait travaillé avec Almond dans Marc and the Mambas) et Andy Astle, mais ils sortent un seul single, Have a Nice Day. À la fin des années 1980, il forme un autre groupe éphémère, English Boy on the Loveranch, avec Nick Sanderson et Jamie Jones, sortant deux singles Hi-NRG, The Man in Your Life et Sex Vigilante. Il fait partie de Psychic TV, travaillant sur la compilation Jack the Tab/Tekno Acid Beat, où il rencontre Richard Norris (avec qui il enregistre le morceau Meet Every Situation Head On ensemble sous le nom de M.E.S.H.) et avec qui il forme The Grid, groupe qui dure jusqu’en 1996. En 1989, il participe à l’album Novice d’Alain Bashung. En 1991, Soft Cell sort trois morceaux pour l’album Tenement Symphony sous le nom de Marc Almond Feat. The Grid.

Ball et Almond reforment Soft Cell en 2001, sortant un nouvel album Cruelty Without Beauty. Ensuite Ball recrée The Grid en 2005.

En 2010, il forme le groupe Nitewreckage avec Celine Hispiche, Rick Mulhall et Terry Neale. Le premier album, Take Your Money and Run, sort chez Alaska Sounds le 6 juin 2011, précédé du single Solarcoaster. L’album est coproduit et mixé par Martin Rushent. En 2016, Ball et le pianiste classique Jon Savage collaborent pour l’album électronique expérimental Photosynthesis. En 2018, Soft Cell se réunit à nouveau pour un dernier spectacle live, célébrant son 40^e anniversaire depuis la formation du duo.

Dave Ball travaille également comme producteur, avec Vicious Pink (qui fut d’abord un chœur pour Soft Cell), les Virgin Prunes et le projet parallèle de Rose McDowall Ornamental dans les années 1980, et plus tard avec Kylie Minogue, Gavin Friday et Anni Hogan. Il remixe pour des artistes et des groupes tels que David Bowie, Vanessa-Mae et Erasure (de nombreux remix furent également réalisés avec The Grid). Dave Ball travaille avec Friday sur une reprise de Ghost Rider de Suicide pour Alan Vega 70th Birthday Limited Edition EP Series.

En 2022, Soft Cell sort un nouvel album Happiness Not Included puis fait une tournée une année après à cause des problèmes de santé de Dave Ball.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/62914-Dave-Ball?noanv=1

BIMBO JET

Bimbo Jet est un groupe de disco français, au milieu des années 1970 par Claude Morgan et Laurent Rossi. Ils sont les auteurs de deux tubes de cette époque : El Bimbo et La Balanga.

La musique El Bimbo est utilisé dans le film des États-Unis, « Police Academy » en 1984, dans une version jouée par Jean-Marc Dompierre et son orchestre, spécialement pour le film dans les scènes du bar gay, Blue Oyster Bar.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/345832-Bimbo-Jet

BILLY SWAN

William Lance “Billy” Swan, né le 12 mai 1942 à Cap-Girardeau (Missouri), est un chanteur américain. Il est connu pour sa chanson I can help.

Les débuts

Swan est né à Cape Girardeau, Missouri. Enfant, il apprend la batterie, le piano et la guitare, commence à écrire des chansons. Son premier fait marquant est en 1962, lorsque Clyde McPhatter enregistre  » Lover please « , une chanson écrite par Swan quand il était dans un groupe local appelé Mirt Mirly & the Rhythm Stoppers, et qui avait d’abord été enregistrée par Bill Black. Cette version de McPhatter est rapidement devenu un hit pop n°7. Swan a ensuite déménagé à Memphis pour travailler avec Bill Black, mais la maladie de Black et sa mort, en 1965, coupent court à cette collaboration1. Il a également travaillé pendant un certain temps sur la succession d’Elvis Presley à Graceland. Il a ensuite déménagé à Nashville, ce qui lui a permis d’écrire des chansons country à succès pour de nombreux artistes, dont Conway Twitty, Waylon Jennings et Mel Tillis.

Le tube de 1974

En 1969, Swan devient producteur de disques, la production du hit de Tony Joe White “Polk Salad Annie” entre dans le top 10. Swan a également joué de la guitare basse pour Kris Kristofferson, et a ensuite signé un contrat d’enregistrement en solo avec Monument Records. Son premier album comprend la chanson I Can Help, classée N°1 au Billboard Hot 100 et au Billboard Country en 1974, qui devient un tube mondial : n°1 en Allemagne, au Royaume-Uni, en Australie, etc.). Swan a enregistré la chanson en deux prises (sans play-back) avec un orgue RMI que Kris Kristofferson et la chanteuse Rita Coolidge lui avaient acheté comme cadeau de mariage. D’autres albums avec Monument, A & M, et Epic n’auront jamais le succès de ce premier 45 tours.

En 1979, Swan a voyagé à La Havane, pour participer à la fête historique de La Havane Jam, du 2 au 4 mars, aux côtés de Stephen Stills, du CBS Jazz All-Stars, du Trio of Doom (formé pour la circonstance), Fania, Weather Report Bonnie Bramlett, Mike Finnegan, Kris Kristofferson, Rita Coolidge et Billy Joel, plus un éventail d’artistes cubains tels que Irakere, Pacho Alonso, Tata Güines et Orquesta Aragón. Sa prestation est filmée sur le documentaire de Juan Ernesto Castellanos Havane Jam ’79 .

Depuis les années 1980

Swan continue de tourner comme membre de la bande de Kristofferson, et enregistre deux albums avec Randy Meisner des Eagles. En 1986, il entre dans un studio californien (Bench Records) comme membre d’un groupe appelé Black Tie : Meisner, Jimmy Griffin († 2005), David Kemper (batteur), David Miner et David Mansfield et enregistre un album intitulé When the night falls. Il a enregistré un autre album solo , « Like Elvis Used to Do » en 2000, et un autre album dans le style de Black Tie avec Meisner et Charlie Rich, Jr. présenté comme “Meisner, Swan & Rich”. En 2005, Swan reste un chanteur choriste et musicien de session.

Swan a été marié à Marlu († 12 février 2003) pendant 30 ans. Ils ont eu deux filles.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/249838-Billy-Swan

SYREETA

Syreeta Wright, ou plus simplement Syreeta, née le 3 août 1946 à Pittsburgh (Pennsylvanie) et morte le 6 juillet 2004 à Los Angeles (Californie), est une chanteuse et compositrice américaine.

Elle est découverte par Holland-Dozier-Holland qui la font signer à la Motown et lui font enregistrer I Can’t Give Back The Love I Feel For You en 1968 (sous le nom de Rita Wright). Elle y rencontre Stevie Wonder, qui sera son mari pendant dix-huit mois, du 14 septembre 1970 et jusqu’à l’été 1972. Ce court mariage n’empêchera pas les deux artistes de poursuivre une longue et fructueuse collaboration artistique : elle écrit notamment les titres If You Really Love Me et Signed, Sealed, Delivered I’m Yours pour son ex-époux, et elle est créditée sur l’album Where I’m Coming From sorti en 1971.

Elle est ensuite pressentie pour être la troisième Supremes avant d’enregistrer des albums sous son nom. Elle lancera quelques simples et albums, de manière assez irrégulière et aura un petit succès, Harmour Love, n^o 75 au Hot R&B/Hip-Hop Songs en 1975. Syreeta et Billy Preston ont chanté la bande originale du film de basket-ball Fast Break, d’où est extrait Go For It, thème principal du film disponible dans plusieurs versions dont la version disco du maxi-simple (n^o 80 disco). Le plus grand succès de cet album sorti en mars sera néanmoins la ballade With You I’m Born Again, n^o 2 en Angleterre en septembre 1979 et n^o 4 aux États-Unis en avril 1980 (simple lancé le 8 décembre 1979).

La collaboration avec Billy Preston a commencé en 1975 avec Fancy Lady, sur l’album It’s My Pleasure de Preston, ils chanteront de nombreux duos ensemble jusqu’en 1981. En août de cette même année sort aussi une compilation de leurs duos qui se classe n^o 127 au Billboard 200. En 1980, Syreeta avait sorti un album qui portait son nom ; composé en partie de titres qui auraient dû être chantés par Diana Ross. Lancé en avril 1980, cet album s’est classé n^o 73 le mois suivant. Syreeta continuera à chanter dans les années 1980 et 1990. Can’t Shake Your Love, extrait de Set My Love in Motion, devient n^o 18 des Hot Dance Club Songs en 1981.

Après The Spell (1983), son dernier album enregistré (réalisé par Jermaine Jackson), Syreeta Wright continue sa carrière de manière relativement discrète. Elle sera choriste pour d’autres interprètes et en 1995 jouera le rôle de Marie-Madeleine dans la comédie musicale Jesus Christ Superstar.

Elle meurt à Los Angeles des suites d’un cancer du sein et des os, à l’âge de 57 ans.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/15440-Syreeta

BILLY PRESTON

William Everett Preston, dit Billy Preston, né le 2 septembre 1946 à Houston (Texas) et mort le 6 juin 2006 à Scottsdale (Arizona), était un claviériste, chanteur et acteur américain. Il a d’abord accompagné des artistes américains tels que Sam Cooke, Ray Charles ou Little Richard puis les Beatles, qu’il a rencontrés à Hambourg en 1962 lorsqu’à 16 ans, il accompagnait ce dernier en tournée.

En janvier 1969, invité par George Harrison, Billy Preston accompagne les Beatles sur l’album Let It Be et sur deux autres chansons qui aboutiront sur Abbey Road. Après la séparation du groupe, Preston continue à enregistrer et à jouer avec trois anciens membres: George Harrison, John Lennon et Ringo Starr.

Il a aussi joué avec les Rolling Stones, tant sur leurs albums qu’en tournée. Il a aussi accompagné Eric Clapton. Il a collaboré à l’écriture de la chanson You Are So Beautiful avec Dennis Wilson et Bruce Fisher, qui a été un tube pour Joe Cocker.

Il naît à Houston mais sa famille déménage à Los Angeles lorsqu’il a trois ans. Il apprend les premiers rudiments du piano assis sur les cuisses de sa mère. Enfant prodige, autodidacte, il n’a jamais pris de leçons. Dès dix ans, il monte sur scène pour accompagner à l’orgue certains grands noms du gospel de l’époque, tels que Mahalia Jackson, James Cleveland et Andraé Crouch. A 11 ans, il apparait à la télévision nationale américaine pour l’émission de Nat King Cole, pour y chanter le classique de Fats Domino, Blueberry Hill en duo avec Cole. Toujours à 11 ans, il joue dans le film biographique St Louis Blues sur la vie de W. C. Handy avec Nat King Cole dans le rôle-titre, Billy interprète le rôle du jeune Handy. En 1962, à 16 ans, Billy se joint au groupe de Little Richard en tant qu’organiste, et c’est lors d’un passage à Hambourg qu’il rencontre les Beatles. Il apparaît sur l’album de James Cleveland With The Angelic Gospel Choir publié sous le titre This Sunday-In person en 1962. En 1963, il joue de l’orgue sur l’album de Sam Cooke, Night Beat, puis enregistre son premier disque sous son nom, 16 Year Old Soul sur le label de Cooke, SAR Records. En 1965, il publie son album The Most Exciting Organ Ever et en 1967, rejoint le groupe de Ray Charles. Plusieurs musiciens le sollicitent pour jouer sur leurs albums.

Après avoir perdu contact avec le groupe britannique pour quelques années, les Beatles ont offert à Billy Preston un contrat d’enregistrement.

En janvier 1969, à Londres pour une prestation à l’émission de la chanteuse Lulu, il est recruté par les Beatles afin de les seconder durant les séances d’enregistrement du projet Get Back, y compris au concert improvisé sur le toit de l’immeuble des Entreprises Apple, qui déboucheront en 1970 sur l’album Let It Be. Il joue le solo d’orgue Hammond sur la chanson-titre et sur Dig It ainsi que du piano électrique sur les chansons Dig A Pony, I’ve Got a Feeling, One After 909, The Long and Winding Road et Get Back. Cette dernière chanson est aussi publiée en single, le 11 avril 1969, couplée à Don’t Let Me Down sur laquelle Preston est aussi entendu, crédité à « The Beatles with Billy Preston ». Il devient alors le seul musicien invité à voir son nom inscrit sur un disque des Beatles. Par contre, il n’est seulement que remercié de nom sur la pochette de l’album Let It Be mais sa photo n’y apparait pas. Dans le film Let it Be de 1970, on ne le voit à peine, mais ceci est corrigé dans le documentaire The Beatles: Get Back, sorti en 2021. On l’entend sur plusieurs chansons bonus de la réédition de l’album Let It Be sorti cette même année, incluant une improvisation de la reprise Without a Song sur laquelle il est chanteur solo.

Il est entendu sur l’album, Abbey Road, paru en septembre 1969, où il joue l’orgue sur les titres Something et I Want You (She’s So Heavy). On pourra aussi l’entendre sur The Long and Winding Road et Rip It Up / Shake, Rattle and Roll / Blue Suede Shoes parues en 1997 sur la compilation Anthology 3.

En 1969 toujours, il se voit offrir un contrat d’enregistrement avec Apple Records, il réalise ainsi That’s the Way God Planned It, son quatrième album, produit par George Harrison et Wayne Shuler. Harrison y est à la guitare, au synthétiseur Moog, au sitar et aux chœurs ; Eric Clapton est à la guitare, Keith Richards à la basse, Ginger Baker à la batterie ainsi que les choristes Doris Troy et Madeline Bell. Paru originellement en 1969, il sera réédité à deux reprises d’abord en 2001 avec trois chansons bonus puis en 2010 avec une autre pièce bonus.

L’année suivante, Billy Preston réalise un deuxième album pour Apple Records, Encouraging Words, son cinquième dans sa discographie qui sera coproduit par Billy et George Harrison, qui lui offre deux chansons My Sweet Lord et All Things Must Pass. George lui-même ne les avait pas encore enregistrées, les séances de travail de son propre album solo débutent une fois celles de Preston achevées. Sur cet album de Billy, on retrouve George Harrison à la guitare, au synthétiseur et aux chœurs, Eric Clapton et Delaney Bramlett à la guitare, Carl Radle et Klaus Voormann à la basse, Jim Gordon et Ringo Starr à la batterie.

Il participe à l’album de George, All Things Must Pass, sorti en novembre 1970, à l’orgue et au piano. L’année suivante, sur son sixième album, I Wrote a Simple Song, Billy accueille George Harrison au dobro, ainsi que Quincy Jones aux arrangements des cuivres et des cordes.

Le 1^er août 1971, il joue avec Harrison, Clapton et Ringo Starr sur la scène du Madison Square Garden de New York dans le cadre du Concert pour le Bangladesh.

Par la suite, Billy participera à d’autres albums de George Harrison, Dark Horse en 1974 au piano acoustique et électrique ainsi qu’à l’orgue sur quatre chansons. Puis en 1975 pour l’album Extra Texture (Read All About It), alors qu’il joue le piano électrique sur la chanson His Name Is Legs (Ladies and Gentlemen). En 1976, pour l’album Thirty Three & 1/3, il joue du piano, de l’orgue et du synthétiseur, en compagnie de deux autres grands claviéristes, Gary Wright et David Foster. Sa dernière collaboration avec George Harrison, en 1982, est sur l’album Gone Troppo, au piano, à l’orgue, au synthétiseur et autres claviers.

Le 29 novembre 2002 pour le concert en hommage à Harrison, Concert for George, il interprète Isn’t It a Pity et My Sweet Lord au chant et à l’orgue. Il y accompagne aussi, à l’orgue, Ringo Starr pour Honey Don’t ainsi qu’Eric Clapton sur Wah-Wah aux chœurs.

Il accompagne aussi John Lennon sur l’album John Lennon/Plastic Ono Band, au piano sur God en 1970 et est entendu à l’orgue sur l’album Some Time in New York City en 1972.

Pour Ringo Starr, on l’entend à l’orgue sur Love Is a Many Splendored Thing et au piano sur I’m a Fool to Care de son album Sentimental Journey en 1970 et sur les titres I’m the Greatest (qui réunis tous les Beatles, sauf McCartney, remplacé à la basse par Klaus Voormann) et Oh My My sur l’album Ringo en 1973, au piano électrique sur Only You (And You Alone) ainsi qu’au clavinet sur la pièce-titre de Goodnight Vienna en 1974. Il est invité à prendre part du Ringo Starr and His Third All-Starr Band de 1997, groupe avec lequel il part en tournée. Enfin, sur Choose Love en 2005, il joue du piano et de l’orgue en plus de faire les chœurs sur la chanson Hard To Be True.

Il travaille aussi avec les Rolling Stones, autant en concerts que sur disques. En 1971, il est invité, sur leur album Sticky Fingers, à l’orgue, sur I Got the Blues et Bitch (sur l’édition Super Deluxe rééditée en 2015) ; l’année suivante sur l’album Exile on Main Street au piano et à l’orgue sur Shine a light ; l’album Goats Head Soup au clavinet et au piano sur 100 Years Ago et au piano sur Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker), It’s Only Rock’n Roll sur quatre titres. Sur l’album Black and Blue, il inspire le morceau Melody, avec sa propre chanson Do You Love Me?. Il y joue l’orgue sur Hey Negrita et Melody, le piano sur Hot Stuff, Hand of Fate, Hey Negrita, Melody et Crazy Mama, le synthétiseur de cordes sur Memory Motel, les chœurs sur Hot Stuff, Memory Motel, Melody et Hey Negrita et finalement les percussions sur Melody. Il joue aussi sur Emotional Rescue, Love You Live, Tattoo You, Bridges to Babylon ainsi que sur l’album solo de Mick Jagger en 1993, Wandering Spirit.

Stephen Stills s’est inspiré d’une remarque de Billy qui disait : If you can’t be with the one you love, then love the one you’re with (Si tu ne peux être avec la femme que tu aimes, alors aime celle avec qui tu es) et a créé la chanson à succès, Love the One You’re With sur son album solo homonyme sorti en 1970.

On le retrouve avec Sly and The Family Stone pour leur album There’s a Riot Goin’ On, Peter Frampton sur Wind of Change, ensuite avec Eric Clapton sur No Reason to Cry, Reptile, One More Car, One More Rider, Me and Mr Johnson (et aperçu sur le DVD Sessions for Robert J.), Crossroads, Back Home et finalement The Road to Escondido, tout cela en menant en parallèle sa carrière solo.

Il est un des invités musicaux du premier épisode de l’émission américaine Saturday Night Live, le 11 octobre 1975.

En solo, il crée That’s the Way God Planned It, Outa-Space, Space Race et Nothing from Nothing. Avec Bruce Fisher, Preston écrit Will It Go Round in Circles et surtout, aidés de Dennis Wilson, You Are So Beautiful, devenu un hit chanté par Joe Cocker. Elle a d’abord été enregistrée par Preston lui-même sur son album The Kids & Me sorti en 1974, puis Cocker l’a reprise sur son cinquième disque I Can Stand a Little Rain la même année.

Dans ses dernières années, Billy Preston souffre d’une maladie rénale, due à une hypertension. Il reçoit une greffe de rein en 2002, mais sa santé se détériore. Sur la suggestion du guitariste Is’real Benton, il se présente volontairement dans une clinique de réhabilitation pour toxicomanes à Malibu, en Californie. Il a souffert de péricardite avec insuffisance respiratoire et tombe dans le coma, le 21 novembre 2005 et décède le 6 juin 2006 à Scottsdale, en Arizona.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/46767-Billy-Preston