NONA HENDRYX

Nona Bernis Hendryx (née le 9 octobre 1944) est une chanteuse, productrice de disques, compositrice, musicienne et auteure américaine. Hendryx est connue pour son travail en tant qu’artiste solo ainsi que pour être un tiers du trio Labelle , qui a eu un succès avec « Lady Marmalade ». En 1977, Hendryx a sorti son premier album solo éponyme, un échec commercial qui a entraîné la résiliation de son contrat d’enregistrement. Au début des années 1980, Hendryx a chanté avec le groupe de funk expérimental Material , obtenant le tube « Busting Out ».

Material a produit son deuxième album, Nona (1983), contenant le modeste tube « Keep It Confidential » (Top 30 des classements R&B et Dance). Le morceau « Transformation » est devenu une chanson emblématique d’Hendryx. En 1985, Hendryx a écrit et enregistré la chanson « Rock This House » nominée aux Grammy Awards avec Keith Richards, tirée de son quatrième album solo, The Heat (1985). Hendryx a ensuite enregistré le thème de Moving Violations et « I Sweat (Going Through the Motions) », un succès commercial pour Hendryx tiré du film Perfect de Jamie Lee Curtis . Elle a également participé au projet Artists United Against Apartheid avec le tube international « Sun City », issu de l’album du même nom . Le single « Why Should I Cry? » (1987) d’Hendryx, issu de son cinquième album, est devenu un hit du Top 10 des classements R&B. Elle a enregistré « Transparent » pour le film d’ Eddie Murphy de 1988 , Coming to America . Hendryx a reçu une nomination aux Emmy Awards en tant que compositeur de People: A Musical Celebration en 1996 pour la meilleure musique et les meilleures paroles.

Elle a également participé à la troisième saison de The L Word . Sa musique s’étend de la soul , du funk et du R&B au hard rock , à la new wave et au new age . Elle a déclaré dans une interview que son nom de famille s’écrivait à l’origine avec un « i » et qu’elle était une cousine éloignée du guitariste Jimi Hendrix

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Nona Bernis Hendryx, d’ origine afro-américaine , est née le 9 octobre 1944 à Trenton , dans le New Jersey. C’est là qu’elle rencontre Sarah Dash, originaire du même New Jersey , puis la chanteuse Patricia Holte (Patti LaBelle), originaire de Philadelphie . Après une brève collaboration avec les Del-Capris, Hendryx et Dash forment un groupe de chant avec Holte (ancienne chanteuse principale d’un groupe féminin de Philadelphie appelé The Ordettes). En 1961, Cindy Birdsong , originaire de Camden, dans le New Jersey, devient la quatrième membre du groupe, qui devient les Bluebelles et signe son premier contrat avec Newtown Records.

Après la sortie de leur premier tube, « I Sold My Heart to the Junkman » en 1962, leur nom change à nouveau pour devenir Patti LaBelle and the Bluebelles. L’alto rauque d’Hendryx diffère du soprano aigu de Dash , du mezzo-soprano de LaBelle et du second soprano de Birdsong . Durant cette période, le groupe se fait connaître pour ses performances live pleines d’émotion et ses interprétations de standards classiques tels que « You’ll Never Walk Alone », « Over The Rainbow » et « Danny Boy ». Le groupe se retrouve souvent en compétition avec des groupes féminins tels que les Chantels , les Shirelles et les Supremes . En 1967, Hendryx, LaBelle et Dash sont choqués de découvrir que Birdsong a secrètement rejoint les Supremes après que Florence Ballard a été évincée du groupe par Motown . Différents membres du groupe sont restés en contact avec Birdsong au fil des ans. Les relations de Birdsong avec les Bluebelles se sont améliorées et ils se sont réunis à nouveau pour la cérémonie où le groupe a remporté un Lifetime Achievement Award de la R&B Foundation en 1999.

Pendant les trois années suivantes, le groupe peinait à rivaliser avec l’évolution du paysage musical, qui avait vu son style de groupe féminin tomber en disgrâce auprès du grand public. En 1971, elles s’installèrent en Angleterre, où elles avaient une base de fans culte, et, sur les conseils de Vicki Wickham , elles changèrent leur nom pour Labelle et troquèrent robes et perruques bouffantes pour des jeans et des coupes afros . Sortant des albums de transition, dont Labelle en 1971 et Moon Shadow en 1972 , le groupe enregistra des morceaux à thèmes sexuels et politiques – du jamais vu pour un groupe entièrement féminin noir. La transition fut difficile pour la chanteuse principale, LaBelle, fan des ballades des débuts du groupe, mais elle finit par céder. Dash resta neutre tout au long du mandat du groupe. Peu après la sortie de Labelle , le groupe assura la première partie de The Who , dont le producteur Kit Lambert avait produit le premier album du groupe chez Warner. Ils ont également ouvert pour Laura Nyro à la même époque et ont chanté en chœur sur son album Gonna Take a Miracle .

À partir de l’ album Moon Shadow , Hendryx devient l’auteur-compositeur principal de la plupart des albums du groupe, tandis que LaBelle et Dash composent occasionnellement leurs propres morceaux. Après avoir assuré avec succès la première partie des Rolling Stones lors de leur tournée américaine en 1973, le groupe sort Pressure Cookin’ , où ils adoptent une fois de plus un nouveau look de « divas glam rock et spatiales ». En tant qu’auteur-compositeur, Hendryx écrit ensuite des ballades puissantes (« You Turn Me On » et « Nightbird » de Nightbirds , « Going Down Makes Me Shiver » de Chameleon , le dernier album de Labelle ), ainsi qu’une multitude de titres plus rythmés (« Space Children », « Messin’ with My Mind », « Gypsy Moths » et « Who’s Watching the Watcher »). Ses thèmes sont non conventionnels, variés et souvent expérimentaux. Sa composition « A Man in a Trenchcoat (Voodoo) » de Chameleon marque également la première participation d’Hendryx au chant principal d’un album. En 1974, le groupe connut un succès phénoménal avec la sortie de l’ album Nightbirds , qui succéda au tube « Lady Marmalade ». Dans ses mémoires , intitulées Don’t Block the Blessings , Patti LaBelle, la chanteuse de Labelle , attribua la séparation du groupe en 1976 à des tensions musicales et personnelles au sein du groupe. Labelle, Dash et Hendryx se lancèrent tous dans des carrières solo ; Wickham resta aux côtés d’Hendryx pour gérer sa carrière solo.

En 1977, Hendryx sort son premier album solo, un album éponyme. Mélange de soul et de hard rock, il contient des titres marquants comme sa reprise de « Winning » et la ballade « Leaving Here Today ». Il disparaît rapidement des rayons et Hendryx est renvoyée d’ Epic Records . Par la suite, elle enregistre quatre singles pour Arista (Londres), qui ne rencontrent pas non plus de succès dans les charts. Elle rencontre cependant le succès en studio durant cette période, notamment en choriste pour Talking Heads et en tournée avec eux, apparaissant pour la première fois au grand festival Heatwave en août 1980. Elle contribue à l’album de Dusty Springfield , « It Begins Again », en 1978 (la première des nombreuses tentatives de retour de Springfield), en écrivant la chanson « Checkmate ».

Au début des années 1980, Hendryx dirigeait son propre groupe de rock progressif , Zero Cool , qui comprenait le guitariste Naux (China Shop, Richard Hell), le bassiste Michael Allison (Darshan Ambient), le guitariste Kevin Fullen et le batteur Jimmy Allington. Simultanément, elle chantait avec le groupe de funk expérimental Material , obtenant un énorme succès en club avec « Busting Out ». Elle enchaîna deux autres grands succès en club peu après : une reprise dance de « Love Is Like an Itching in My Heart » des Supremes et, en tant qu’invitée vocale principale pour The Cage, « Do What You Wanna Do ». Material produisit également son deuxième album Nona en 1983. Le son dance contemporain et branché de cet album s’avéra plus compatible avec les charts, à l’ époque du disco , et le single « Keep It Confidential » devint un modeste tube R&B écrit par Ellie Greenwich, Jeff Kent et Ellen Foley, tandis qu’un remix de « B-boys » rencontra un succès majeur dans les charts dance. « Transformation » est devenue un incontournable d’Hendryx, et a ensuite été reprise par Fierce Ruling Diva . Un autre morceau particulièrement remarquable de l’album est la ballade « Design for Living », avec la participation de Laurie Anderson , Gina Shock de The Go-Go’s , Valerie Simpson d’ Ashford & Simpson , Tina Weymouth de Tom Tom Club et Talking Heads, Nancy Wilson de Heart et son ancienne compagne Patti LaBelle .

Au milieu des années 1980, Hendryx fut recrutée par RCA pour enregistrer des chansons pour diverses bandes originales, dont le thème de « Moving Violations » ; « I Sweat (Going Through the Motions) », un succès commercial pour Hendryx tiré du film Perfect de Jamie Lee Curtis ; et « Transparent » tiré du film d’ Eddie Murphy , « Coming to America » . Son album « The Art of Defense » sortit en 1984.

En 1985, Hendryx a écrit et enregistré « Rock This House » avec Keith Richards, extrait de son album The Heat . La chanson a été nominée pour un Grammy Award de la meilleure performance vocale rock féminine lors de la 28e cérémonie des Grammy Awards. La même année, la diffusion sur MTV du clip « I Need Love », coécrit par Jean Beauvoir, a suscité une controverse car il mettait en scène des drag queens . En conséquence, il a rapidement été retiré de la playlist de MTV.

La même année, elle participe au projet Artists United Against Apartheid avec la chanson « Sun City », issue de l’album éponyme . La chanson est enregistrée avec d’autres artistes comme Bruce Springsteen , Little Steven , Bono de U2 , Eddie Kendricks , Hall & Oates , Bobby Womack , Lou Reed et bien d’autres. Ce fut l’une des plus grandes et plus fortes chansons de protestation contre l’apartheid en Afrique du Sud à cette époque.

Son plus grand succès commercial est venu avec le single « Why Should I Cry? » de 1987, un hit R&B top 5 qui a également atteint la 58e place du Billboard 100. L’album qui l’accompagnait, Female Trouble , comptait une liste impressionnante de contributeurs, dont Dan Hartman (qui a également été producteur), Peter Gabriel , Prince (« Baby Go Go »), George Clinton , David Van Tieghem et Mavis Staples. À cette époque, elle est devenue membre de la Black Rock Coalition , fondée par Vernon Reid de Living Colour .

Hendryx s’est éloigné de la musique commerciale avec Skin Diver , un disque new age produit avec Peter Baumann, membre de longue date de Tangerine Dream. L’album a été généralement accueilli positivement par la critique, mais n’a pas eu de succès commercial. Le titre éponyme a attiré l’attention, tout comme « Women Who Fly », reprise plus tard par Jefferson Starship .

Outre l’album en duo You Have to Cry Sometime avec Billy Vera en 1992 et quelques titres de compilation, Hendryx a enregistré plus de cinq albums, mais n’a pu en sortir aucun en raison du manque d’intérêt des majors et des maisons de disques indépendantes. Ses albums Epic, RCA et EMI sont épuisés et n’ont attiré que récemment l’attention des labels de réédition spécialisés , mais un album de ses plus grands succès intitulé Transformation est sorti en 1999 chez Razor & Tie . Son premier album solo de 1977 est sorti pour la première fois en CD par le label T-Bird du label de réédition britannique Cherry Red à l’automne 2010. Le label de réédition R&B britannique Funky Town Grooves a sorti The Heat en CD fin 2011, qui comprenait trois titres bonus. Funky Town Grooves a annoncé son intention de sortir Nona et The Art of Defense début 2012. Chaque CD doit contenir sept titres bonus.

Hendryx s’est également essayée au cinéma. Elle a écrit et interprété le thème de Landlord Blues (1987), tout en tenant un petit rôle dans le film, celui de l’avocate Sally Viscuso. Elle a joué son propre rôle dans la série Linc’s avec Pam Grier à la fin des années 1990 et, à la fin de la série, s’est accompagnée au piano pour « Lift Every Voice ». Plus récemment, elle a participé à la troisième saison de The L Word , qui s’est conclue avec Grier, Hendryx et le trio BETTY interprétant une reprise du titre « Transformation » d’Hendryx.

Hendryx a participé à de nombreuses collaborations musicales, tant au chant qu’à l’écriture. L’une de ses premières collaborations a eu lieu avec Jerry Harrison ( Taking Heads ) sur l’album « The Red and the Black » en 1981. En 1992, elle a enregistré un duo avec Billy Crawford, « Urgently in Love ». En 1998, elle a participé au clip du tube rap « It’s a Party » avec Bounty Killer . Elle a écrit des chansons pour Dusty Springfield et Ultra Nate . Elle a produit des albums pour Lisa Lisa and the Bush Tetras . Parmi les autres artistes avec lesquels elle a enregistré au fil des ans, on compte David Johansen , Yoko Ono , Cameo , Talking Heads (3 albums : Remain in Light , The Name of This Band Is Talking Heads et Speaking in Tongues ), Garland Jeffreys , Dan Hartman , Afrika Bambaata (interprétant un duo de « Giving Him Something He Can Feel » avec Boy George), Rough Trade , Curtis Hairston et Graham Parker sur « Soul Christmas ».

Au début des années 2000, Hendryx a été invitée à participer à deux albums de Paul Haslinger . Elle a chanté sur deux titres, « Higher Purpose » et « Beginning to End », figurant sur la bande originale de la série Sleeper Cell de Showtime .

Hendryx continue de tourner et a écrit de la musique pour le théâtre, des chansons pour la pièce avec la musique Blue . Sandra St. Victor (The Family Stand) a recruté les filles de célèbres icônes afro-américaines de la soul/blues – dont Lalah Hathaway , Simone , Indira Khan et Leah McCrae – ainsi que les « filles spirituelles » Joyce Kennedy , Caron Wheeler et Nona, pour former le groupe Daughters of Soul, qui a connu un grand succès, notamment lors des tournées européennes.

Hendryx a fondé Rhythmbank, son propre label avec Bob Banks , en 2005. Ils ont signé et sorti plusieurs EP et albums, la série Showtime Sleeper Cell et un album gospel de son protégé Najiyah Threatt.

Depuis la séparation de Labelle, Patti, Sarah et Nona se sont retrouvées à plusieurs reprises. Parmi ces retrouvailles, on compte le clip de « Live in New York » de Patti LaBelle, le tube dance « Turn It Out » de la bande originale de « To Wong Foo, Thanks for Everything ! » de Julie Newmar (1995), et deux émissions spéciales télévisées. En janvier 2006, Labelle s’est à nouveau réunie pour enregistrer « Dear Rosa », un hommage à la militante des droits civiques Rosa Parks . Elle a également interprété la chanson thème de la bande originale du film « Preaching to the Choir » , dont Nona est la compositrice. Fin 2008, Labelle a sorti son album de retour, « Back to Now », et a entamé une tournée de concerts à succès jusqu’au printemps 2009.

En avril 2009, lors d’une interview avec Pete Lewis, célèbre auteur soul/R&B britannique et auteur de l’album primé Blues & Soul , Hendryx a évoqué le contexte de la reformation de Labelle pour Back to Now : « Nous en avons discuté à plusieurs reprises. Et c’était en grande partie dû au fait que les fans nous EXIGEAIT ! Mais plutôt que de simplement revenir en arrière et de refaire ce que nous avions fait par le passé, nous voulions pouvoir enregistrer un nouvel album avant de nous remettre ensemble. Et c’est après avoir enregistré la chanson « Dear Rosa » ensemble que Patti a finalement été convaincue que nous devions enregistrer un nouvel album et partir en tournée. Je dirais donc que nos retrouvailles sont nées de deux choses : la pression des fans ; et le fait que Patti ait retrouvé un son qu’elle aimait et qu’elle n’avait pas entendu depuis des années. »

Hendryx a écrit un livre pour enfants intitulé The Brownies .

Le 27 mai 2010, Hendryx a interprété des extraits de Skindiver, une comédie musicale de science-fiction qu’elle coécrit avec Charles Randolph-Wright. Ce spectacle surprise a eu lieu au Busboys and Poets de Washington DC, sponsorisé par l’Arena Stage. Hendryx et Wright ont présenté deux lectures nocturnes de Skindiver à l’Arena Stage en 2011.

En septembre 2012, l’album numérique d’Hendryx, Mutatis Mutandis , est sorti en CD. Pour promouvoir l’album, Hendryx est apparue dans l’émission Later… with Jools Holland sur la BBC le 28 novembre 2012, où elle a interprété deux titres : Let’s Give Love A Try et Temple Of Heaven (ce dernier étant uniquement disponible en ligne sur BBC iPlayer ). En février 2013, elle a été l’invitée spéciale de The World of Captain Beefheart, un concert hommage organisé par l’animateur radio néerlandais Co de Kloet, avec Gary Lucas et le Metropole Orchestra, composé de 60 musiciens .

Hendryx a sorti plusieurs singles en 2016, dont une collaboration avec le duo de DJ et producteurs américain Soul Clap , qui a donné naissance au single « Shine (This Is It) ». Shine (This Is It) a été inclus sur l’album éponyme de Soul Clap en octobre 2016, et un EP contenant différents remixes du titre est sorti l’année suivante. Hendryx a également collaboré avec le guitariste Gary Lucas la même année, ce qui a donné naissance à l’album « The World of Captain Beefheart » , un recueil de reprises de chansons de l’artiste avant-gardiste Captain Beefheart .

En février 2018, Hendryx a sorti un EP, Keep Funkin , produit par Soul Clap, avec la participation de Nile Rogers et Jason Miles . Hendryx a également chanté sur un autre morceau, « Peel Back », produit par FSQ, inclus en bonus sur les versions numériques de l’EP Keep Funkin (ainsi que sur l’album de FSQ en 2020).

Hendryx vit dans l’ Upper West Side de Manhattan à New York depuis le début des années 1970. Son partenaire de longue date est la manager de talents anglaise Vicki Wickham, et elle a parlé de sa bisexualité dans une interview avec le magazine The Advocate.

Hendryx est une militante des droits des homosexuels ; à l’été 2008, elle a rejoint Cyndi Lauper lors de sa tournée True Colors , sensibilisant ainsi à la discrimination et à la communauté LGBT.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/30092-Nona-Hendryx

DUSTY SPRINGFIELD

Mary Isabel Catherine Bernadette O’Brien, née le 16 avril 1939 à West Hampstead et morte le 2 mars 1999 dans l’Oxfordshire, connue sous le nom de Dusty Springfield, est une chanteuse britannique. En quarante ans de carrière – de la fin des années 1950 jusqu’aux années 1990 –, elle a sorti de nombreux singles comme I Only Want to Be with You, You Don’t Have to Say You Love Me ou Son of a Preacher Man. Parmi ses albums, Dusty in Memphis sorti en 1968 devient un standard de la musique soul. Durant les années 1960, elle est l’une des plus populaires chanteuses britanniques. Sa voix sensuelle, de mezzo soprano, facilement reconnaissable ainsi que sa passion pour la musique soul américaine font d’elle l’une des principales chanteuses de blue-eyed soul. Elle se démarque également par son image inspirée des femmes des années 1950 notamment sa coiffure choucroute blonde ainsi que ses robes de soirée.

Dusty Springfield, née dans le nord de Londres (quartier de West Hampstead), est le deuxième enfant de Catherine Ryle et Gerard Anthony O’Brien.

Née dans une famille irlandaise amatrice de musique, Dusty Springfield apprend à chanter avec sa famille. C’est en compagnie de Dionysius, son frère ainé de 5 ans, plus tard connu sous le nom de Tom Springfield, que Dusty et un ami firent leurs premiers pas dans la musique avec leur premier groupe : The Springfields. Ses premiers succès datent de sa collaboration dans le groupe The Springfields. Elle entame une carrière solo en 1963 avec I Only Want To Be With You, et sort son premier album solo en 1964. Son premier 45 tours (single) I Only Want to Be with You, sorti en 1963, a été un succès tant dans son pays qu’aux États-Unis où il a atteint le top 10. Dusty a été la première chanteuse britannique à atteindre les charts. Cette chanson a été adaptée en français sous le titre À présent tu peux t’en aller, qui fut un succès pour Richard Anthony et pour les Surfs.

Durant les années 1960 elle obtient plusieurs succès dont I Just Don’t Know What to Do with Myself, Wishin’ and Hopin’ ou The Look of Love écrites par Burt Bacharach et Hal David. Avec 18 chansons classées dans le Billboard Hot 100 de 1964 à 1970, elle fait partie de la British Invasion. Au Royaume-Uni, le magazine New Musical Express classe Dusty Springfield comme meilleure chanteuse britannique en 1964, 1965 et 1968 selon les votes du public. Elle est très présente à la radio et télévision anglaise. Elle utilise cette présence médiatique pour introduire la musique soul au Royaume-Uni. À son initiative, une émission spéciale de Ready Steady Go!, intitulée The Sound of Motown, permet au public britannique de découvrir les artistes de la Motown tels que Martha and the Vandellas, Stevie Wonder ou The Supremes.

Dusty Springfield atteint le sommet de sa carrière avec l’album Dusty in Memphis (1969), composé entre autres par Carole King, Michel Legrand, Randy Newman et Burt Bacharach, à qui elle doit quelques-uns de ses plus grands succès, dont Wishin’ and Hopin’ et I just don’t know what to do with myself, repris pour le film Le Mariage de mon meilleur ami, et le standard (They Long to Be) Close to You, immortalisé par les Carpenters, et Anyone Who Had a Heart ou The Look of Love, chanson du James Bond Casino Royale. Sur cet album enregistré comme son nom l’indique à Memphis avec la crème des musiciens soul de l’époque (Arif Mardin, qui collabora de nombreuses fois avec Chaka Khan), on retrouve Son of a preacher man, qui connut une deuxième vie grâce au film Pulp Fiction de Quentin Tarantino.

À la fin des années 1960, comme de nombreuses chanteuses pop, Dusty Springfield voit son image se démoder face aux changements du paysage musical tels que le Summer of Love et la popularité toujours croissante de la musique rock. Elle décide alors de se tourner vers la musique soul et part à Memphis afin d’enregistrer un album sur le label Atlantic Records. Comprenant 12 chansons dont quatre de Carole King, Dusty in Memphis sort aux États-Unis en 1968. Malgré des critiques élogieuses et le succès du single Son of a Preacher Man, l’album ne trouve pas grâce aux yeux du public. Il reste l’un des principaux albums de soul et en 2001, il reçoit un Grammy Hall of Fame Award.

Les années 1970 et 1980 sont plus difficiles pour Dusty Springfield. Elle connaît des problèmes de drogue et doit gérer la révélation de son homosexualité.

Elle part vivre aux États-Unis mais sombre peu à peu dans l’oubli. Après plusieurs tentatives de retour, elle retrouve le succès en 1987 grâce à plusieurs collaborations avec les Pet Shop Boys. Fans de Dusty Springfield, ils enregistrent d’abord avec elle le duo What Have I Done to Deserve This?, qui marque son grand retour dans les classements (N° 2 en Grande-Bretagne et aux États-Unis). Suivent le single Nothing has been proved (pour la musique du film Scandal de Michael Caton-Jones, en 1989), et finalement un album Reputation, emmené par In private, qui restera son dernier succès. Elle fait une apparition pour la série de la BBC French and Saunders go to the movies.

En 1995, il lui est diagnostiqué un cancer du sein. Elle meurt en 1999 des suites de cette maladie. Dix jours après sa mort, elle est introduite au Rock and Roll Hall of Fame.

Un film biographique devait être réalisé par Guy Ritchie, qui avait notamment utilisé Spooky dans la bande originale d’Arnaques, Crimes et Botanique, projet qui semble tombé dans les oubliettes. Un album en forme d’hommage est sorti de façon très confidentielle chez Klone Records, ainsi qu’une biographie signée Lucy O’Brien, parue en 1989.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/31260-Dusty-Springfield

B.J. THOMAS

Billy Joe Thomas, dit B. J. Thomas, né le 7 août 1942 à Hugo (Oklahoma) et mort le 29 mai 2021 à Arlington (Texas), est un chanteur et compositeur américain de rock, pop et country.

Il est l’interprète original de Hooked on a Feeling (1968), bien que son interprétation la plus célèbre est celle de la chanson Raindrops Keep Fallin’ on My Head en 1969. Il vend plus de cinquante millions de disques au cours de sa carrière.

B. J. Thomas grandit près de Houston, diplômé de Lamar Consolidated High School à Rosenberg. Adolescent, il chante dans une chorale d’église, puis a rejoint le groupe musical « The Triumphs » avec Tim Griffith (guitare solo), Tom Griffith (basse), Denver Zeke Zatyka (claviers), Don Drachenberg (chant et saxophone) et Ted Mensik (batterie). Au cours de sa dernière année, il s’est lié d’amitié avec Roy Head de « Roy Head and The Traits ».

En 1966, « Thomas and The Triumphs » sort l’album I’m So Lonesome I Could Cry (Pacemaker Records). Il comportait une reprise à succès de la chanson du même nom de Hank Williams. Le single s’est vendu à plus d’un million d’exemplaires et a reçu un disque d’or. Le single Mama se place à la 22^e place. Dans la même année, Thomas a sorti un album solo du même titre sur le label Scepter Records.

B. J. Thomas est revenu pour atteindre le succès grand public à nouveau en 1968, d’abord avec The eyes of a New-York woman, puis cinq mois plus tard, avec Hooked on a Feeling, avec le son du sitar électrique de Reggie Young sorti pour la première fois sur l’album On My Way (Scepter Records). Hooked on a Feeling est devenu le deuxième album de Thomas à un million de ventes. Un an plus tard, le film Butch Cassidy et le Kid, Thomas exécutant la chanson de Burt Bacharach et Hal David, Raindrops Keep Fallin’ on My Head, qui remporte l’Oscar de la meilleure chanson originale et atteint le numéro un du classement musical Billboard Hot 100 en janvier 1970. Ses ventes ont également dépassé le million d’exemplaires, Thomas obtenant son troisième disque d’or. La chanson sort également sur un album du même titre. Ses autres succès des années 1970 étaient Everybody’s Out of Town, I Just Can’t Help Believing (numéro 9 en 1970, repris par Elvis Presley), No Love at All, Mighty Clouds of Joy et Rock and Roll Lullaby.

Les premiers succès de B. J. Thomas étaient avec Scepter Records, son label depuis six ans. Il quitte le label en 1972 et passe une courte période, en 1973 et 1974, chez Paramount Records, au cours de laquelle il sort deux albums, Songs (1973) et Longhorns & Londonbridges (1974).

En 1975, l’album Reunion sort sur ABC Records, qui avait racheté le label Paramount, il contenait (Hey Won’t You Play) Another Somebody Done Somebody Wrong Song, le plus long hit n^o 1 du Hot 100. C’était le premier grand succès de B. J. Thomas depuis 1972 et lui a assuré son quatrième « Golden d’or ».

En 1976, B. J. Thomas sort Home Where I Belong produit par Chris Christian sur Myrrh Records, le premier de plusieurs albums de gospel. C’était le premier album chrétien à devenir platine, et Thomas est devenu le plus grand artiste musical chrétien contemporain de l’époque.

Sur MCA Records, B. J. Thomas et Chris Christian ont enregistré ce qui allait être son dernier single à succès dans le Top 40, Don’t Worry Baby, sur son dernier album pop, qui comprenait également le hit au format Adult contemporary, Still the Lovin ‘Is Fun.

Au cours des années 1980, son succès dans les hits pop commence à décliner, mais beaucoup de ses singles ont atteint les régions supérieures du classement des singles country, y compris deux tops de 1983, Whatever Happened to Old-Fashioned Love et New Looks from an Old Lover, ainsi que Two Car Garage, qui atteint la troisième place des charts country. En 1981, le jour de son 39^e anniversaire, B. J. Thomas est devenu le 60^e membre du « Grand Ole Opry ». L’adhésion de B. J. Thomas à Opry ayant expiré plus tard, l’Opry l’a classé comme un « artiste invité » non régulier.

B. J. Thomas a marqué un autre succès, en enregistrant As Long as We Got Each Other, le thème de la série télévisée Quoi de neuf docteur ?. Le thème de la première saison était un solo pour Thomas, qui a été réenregistré en duo avec Jennifer Warnes pour les deuxièmes et troisièmes saisons. Il a été réenregistré à nouveau pour la quatrième saison de l’émission avec la chanteuse britannique Dusty Springfield, mais la version Thomas / Warnes a été rétablie pour la saison 5 et une partie de la saison 7. Thomas a sorti ce morceau pour la première fois sur son album de 1985 Throwing Rocks at the Moon (Columbia Records).

B. J. Thomas a également écrit deux livres, dont l’autobiographie Home Where I Belong, et a joué dans les films Jory et Jake’s Corner. Plusieurs jingles publicitaires, pour notamment Coca-Cola, Pepsi et Bell Telephone, ont été produits avec sa voix et sa musique. Le 31 décembre 2011, Thomas est l’interprète à la mi-temps du « Hyundai Sun Bowl 2011 » à El Paso au Texas.

Le 2 avril 2013, B. J. Thomas a sorti l’album The Living Room Sessions avec des arrangements acoustiques de tubes bien connus. Il invite des chanteurs connus et émergents sur sept des douze titres de l’album.

Le 3 décembre 2013, la National Academy of Recording Arts and Sciences annonce que le single de 1969, Raindrops Keep Fallin ‘on My Head, serait intronisé au Grammy Hall of Fame.

Le 25 juin 2019, The New York Times Magazine cite B. J. Thomas parmi des centaines d’artistes dont les archives aurait été détruites dans l’incendie d’Universal de 2008.

B. J. Thomas épouse la chanteuse-compositrice Gloria Richardson en décembre 1968. Ils ont eu trois filles, Paige (née en 1970), Nora (nord-Coréenne adoptée en 1978) et Erin (née en 1979). Peu de temps après le début de sa carrière, il est devenu dépendant des drogues et de l’alcool, ce qui a conduit à la fin de son mariage. Le 28 janvier 1976, B. J. Thomas est devenu chrétien, moins d’un mois après Gloria. La plupart des sources de presse ont indiqué que B. J. Thomas était sobre depuis que lui et Gloria se sont réconciliés en 1976.

Le 23 mars 2021, B. J. Thomas annonce sur sa page Facebook qu’il avait un cancer du poumon et qu’il était traité au Texas. Il est mort environ neuf semaines plus tard, le 29 mai, à son domicile à Arlington à l’âge de 78 ans.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/182608-BJ-Thomas

ALISON MOYET

Geneviève Alison Jane Ballard MBE ( née Moyet née le 18 juin 1961) est une chanteuse anglaise connue pour sa puissante voix de contralto bluesy . Elle s’est fait connaître en tant que moitié du duo Yazoo (également connu sous le nom de Yaz), mais a depuis principalement travaillé en tant qu’artiste solo.

Ses ventes d’albums dans le monde ont atteint 23 millions certifiés, avec plus de deux millions de singles vendus. Ses neuf albums studio et ses trois albums de compilation se sont classés dans le top 30 du UK Albums Chart , dont deux ont atteint le numéro un. Elle a également atteint neuf top 30 singles et six top 10 hits sur le UK Singles Chart. Son album le plus récent, son neuvième, Other , est sorti le 16 juin 2017.

Jeunesse

Geneviève Alison Jane Moyet est née à Billericay , Essex , d’un père français et d’une mère anglaise. Elle a grandi dans la ville voisine de Basildon , où elle a fréquenté la Janet Duke Junior School, puis Nicholas Comprehensive au niveau secondaire.

Elle a été impliquée dans un certain nombre de groupes de punk rock , de pub rock et de blues dans la région du sud-est de l’Essex à la fin des années 1970 et au début des années 1980, notamment les Vandals , les Screamin’ Ab Dabs, les Vicars et les Little Roosters (ce dernier mettant en vedette Garrie Lammin, anciennement de Cock Sparrer ).

Carrière musicale

Après avoir quitté l’école à 16 ans, Moyet a travaillé comme vendeuse et a suivi une formation d’ accordeur de piano.

Années 1980 : Yazoo et ses débuts en solo

À l’âge de 20 ans, la carrière pop grand public de Moyet débute en 1982 avec la formation du duo synthpop Yazoo avec l’ancien membre de Depeche Mode Vince Clarke . Aux États-Unis, le groupe opérait sous le nom de Yaz, en raison de problèmes de marque avec le label Yazoo Records déjà présent dans la région. Yazoo a eu plusieurs tubes, dont « Only You », « Don’t Go », « Situation » et « Nobody’s Diary », et a enregistré deux albums, Upstairs at Eric’s et You and Me Both .

En 1983, Clarke décide de dissoudre Yazoo. Alors que Clarke a continué à former The Assembly (un autre duo, cette fois avec Eric Radcliffe ) puis Erasure (un duo à nouveau, avec Andy Bell ), Moyet a signé avec CBS et a commencé sa carrière solo. En 1984, Moyet sort son premier album solo Alf (intitulé d’après son surnom de l’ère punk). Alf a été produit par l’équipe de production et de composition de disques de Jolley & Swain. L’album a été co-écrit par le duo et Moyet, à l’exception de  » Invisible « , qui a été écrit pour Moyet par Lamont Dozier. Le disque a été un succès en Grande-Bretagne, atteignant le n ° 1 du classement des albums. Alf a engendré trois singles à succès internationaux,  » Love Resurrection  » (UK n ° 10),  » Invisible  » (UK n ° 21) et  » All Cried Out  » (UK n ° 8). Aux États-Unis, « Invisible » a été un hit du Top 40. Dans certains territoires européens, un quatrième single,  » For You Only « , est également sorti.

En 1985, Moyet s’est produit au Live Aid aux côtés de Paul Young et est ensuite revenu imprévu sur scène (aux côtés de Bob Geldof , David Bowie et Pete Townshend ) pour fournir des voix sur  » Let It Be  » lorsque le microphone vocal de Paul McCartney à son piano a échoué, le laissant incapable d’être entendu pour la première strophe de la chanson. (Vingt ans plus tard, il a doublé sa voix pour la sortie du DVD Live Aid.) Moyet a également sorti un single non présenté sur Alf , une reprise du standard  » That Ole Devil Called Love « , qui a grimpé au n ° 2 sur le UK Singles Graphique(il reste le single britannique le mieux classé de Moyet).

Moyet a eu un autre grand succès britannique l’année suivante avec  » Is This Love?  » (co-écrit par Dave Stewart d’ Eurythmics , sous le pseudonyme de Jean Guiot), suivi en 1987 par son deuxième LP, Raindancing . Raindancing a engendré d’autres singles à succès, dont une reprise de  » Weak in the Presence of Beauty  » et  » Ordinary Girl  » de Floy Joy . En 1987, elle a marqué un autre succès de couverture avec  » Love Letters « , qui a culminé au Royaume-Uni n ° 4. La vidéo de la chanson mettait en vedette le duo comique French & Saunders.

Années 1990 : Enregistrements supplémentaires et interruption

Après une période d’évaluation personnelle et professionnelle, elle sort Hoodoo en 1991. L’album se vend respectablement au Royaume-Uni, et Moyet est nominé pour un Grammy pour le single  » It Won’t Be Long « . Cependant, la sortie de Hoodoo a marqué le début d’un combat de huit ans pour Moyet pour assurer le contrôle complet de sa direction artistique. Comme beaucoup d’artistes similaires (y compris Aimee Mann et feu Kirsty MacColl ), Moyet était réticent à enregistrer un album « pop » adapté à la radio simplement pour créer des succès dans les charts.

Le prochain album de Moyet, Essex (1994), a également été une source de controverse pour elle; pour que l’album sorte, son label (maintenant Sony) a insisté pour que certains morceaux d’ Essex soient réenregistrés et reproduits, et qu’il y ait du matériel supplémentaire remixé pour créer un package plus «commercial». La vidéo du single « Whispering Your Name » présente à nouveau Dawn French .

Après la sortie d’ Essex , Sony a sorti une compilation des plus grands succès de l’œuvre de Moyet. Les singles sont entrés dans les charts britanniques au n ° 1 et, après une tournée au Royaume-Uni, ont été réédités sous la forme d’un double CD qui comprenait « Live (No Overdubs) », un CD live bonus. Lors de la réédition, Singles s’est à nouveau classé, cette fois dans le Top 20.

En raison d’un litige prolongé avec Sony, Moyet n’a pas enregistré ni sorti de nouvel album studio pendant plus de huit ans après la sortie d’ Essex. Pendant ce temps, cependant, elle a enregistré des voix pour Tricky, Sylk-130, Ocean Color Scene, The Lightning Seeds et King Britt, et a participé à la partie britannique de la tournée Lilith Fair. 2001 a vu la sortie du CD The Essential Alison Moyet et en 2002 du DVD The Essential Alison Moyet.

En 1995, elle a chanté des chœurs avec Sinéad O’Connor pour l’une des dernières apparitions télévisées de Dusty Springfield , chantant « Where Is a Woman to Go? » dans l’émission musicale Later With Jools Holland.

Années 2000 : retour à l’enregistrement et aux tournées

En août 2002, Moyet a été libérée de son contrat avec Sony. Moyet a signé chez Sanctuary Records et a sorti son premier album studio en huit ans. Hometime a été produit par The Insects , qui avait également produit des œuvres de Massive Attack et Madonna . La sortie du CD a propulsé Moyet parmi les cinq artistes féminines britanniques les plus vendues en 2002, et a abouti à une nomination aux BRIT Awards pour la meilleure chanteuse, ainsi qu’à une nomination pour le Mercury Music Prize. Hometime a été certifié or au Royaume-Uni pour des ventes de plus de 100 000 exemplaires, avec peu de promotion.

Voice , une collection de versions de couverture , est sortie le 6 septembre 2004 et est entrée dans les charts britanniques au n ° 7. Écrit et produit par la voisine de Moyet (et lauréate d’un Oscar) Anne Dudley , l’album a ensuite été réédité avec un morceau bonus , « Alfie ». Un DVD compagnon, One Blue Voice, est sorti en 2006. Voice a été certifié Or au Royaume-Uni dans les quatre semaines suivant sa sortie.

En décembre 2006, Moyet a signé un contrat d’enregistrement avec W14 Music, une empreinte Universal Music Group . L’accord a permis à Moyet de retrouver le chef du label John Williams, qui était A&R man pour ses deux albums précédents, Hometime et Voice .

L’album de Moyet, The Turn, est sorti le 15 octobre 2007, précédé du single « One More Time » une semaine plus tôt. L’album comprenait des chansons auto-écrites, y compris les trois numéros qu’elle a écrits pour la pièce de théâtre Smaller dans laquelle elle a joué avec Dawn French. Pour ces chansons, Moyet a de nouveau travaillé aux côtés du producteur / auteur-compositeur et collaborateur fréquent de Moyet, Pete Glenister . The Turn a fait ses débuts au n ° 21 du UK Albums Chart le 22 octobre 2007. Moyet a quitté W14 peu de temps après la sortie de The Turn . À la mi-2008, Moyet a retrouvé Vince Clarke en tant que Yazoo pour une série de dates en direct.

Sony Music a sorti The Best of Alison Moyet le 19 octobre 2009. C’était la sélection personnelle de Moyet de morceaux de ses sept albums solo. L’édition de luxe de l’album, The Best of: 25 Years Revisited , contenait un disque supplémentaire, avec des versions réenregistrées de chansons plus anciennes. Moyet a soutenu la sortie avec une tournée au Royaume-Uni et en Irlande en novembre et décembre 2009. Toujours en 2009, elle a chanté le single  » Waiting  » de My Robot Friend.

Années 2010 : retour aux racines de la synthpop

Moyet est apparu avec Jools Holland tout au long de sa tournée au Royaume-Uni en 2010. La même année, elle a contribué au chant de « The Man That Got Away » sur l’album de Holland Rocking Horse.

Moyet est apparu avec Heather Peace en janvier 2012 lors du dernier concert du premier album studio de Peace, Fairytales.

Moyet a annoncé sur BBC Radio 6 Music que son nouvel album avec Guy Sigsworth sortirait en 2012, mais en février de cette année-là, elle a déclaré : « Je semble avoir renoncé à mon contrat d’enregistrement parce que je ne ferai pas de télé-réalité. faire un album aussi mal. Du thé quelqu’un? » Dans une interview avec Touchbase en juin suivant, Moyet a confirmé qu’elle enregistrait toujours son album et qu’elle ne se précipitait pas. Le 22 janvier 2013, la chanteuse a annoncé sur sa page Facebook qu’elle avait signé un accord mondial avec le label londonien Cooking Vinyl. Sony Music avait annoncé plus tôt que les quatre albums solo de Moyet sur le label ( Alf ,Raindancing , Hoodoo et Essex ) étaient remasterisés numériquement et seraient réédités avec des faces B et du matériel bonus. En février 2013, Moyet a déclaré à propos des albums remasterisés: « Le projet était celui de Sony – un travail initial a été effectué, puis le projet a été suspendu. ».

The Minutes est sorti au Royaume-Uni le 6 mai 2013. Le premier single,  » When I Was Your Girl « , est sorti le 1er avril 2013. Une tournée au Royaume-Uni et en Irlande pour promouvoir l’album a été annoncée pour octobre. Décrivant l’album, Moyet a déclaré: « J’ai évité d’écouter quoi que ce soit pendant le processus d’écriture et d’enregistrement de cet album, choisissant plutôt d’être dirigé par ma propre voix mélodique, celle avec laquelle je me retrouve maintenant depuis 30 ans. Guy Sigsworth me renvoie dans le monde d’un programmeur et le marie avec une musicalité parfaite. Je l’attendais. Nous avons fait un album sans souci des mœurs de l’industrie qui s’appliquent aux femmes d’âge moyen et avons évité tout discours sur le public, la démographie et la publicité jazz couvertures. Cela a facilement été ma plus belle expérience en studio. The Minutes a fait ses débuts au numéro 5 du UK Albums Chart, son plus haut début depuis Raindancing en 1987 .

En juillet 2013, Moyet a déclaré qu’elle avait commencé à écrire du nouveau matériel pour la suite de The Minute .

Le 16 octobre 2013, Moyet est apparu en tant qu’artiste invité sur The One and Only Cilla Black d’ITV 1 célébrant les 50 ans de Cilla Black dans le show business. Moyet a chanté « Quiconque avait un cœur ».

Le 10 novembre 2014, Moyet a sorti un album live, Minutes and Seconds – Live , extrait de The Minutes Tour .

Le 30 juillet 2015, il a été annoncé que Moyet sortirait des éditions de luxe de ses albums Hometime , Voice et The Turn . Selon son site Web officiel: « Chaque album contiendra de nombreux bonus – y compris du matériel rare et inédit. »

Le 21 septembre 2015, Moyet s’est produit au Burberry Show de la London Fashion Week . Son set est sorti sous forme d’EP numérique, Live for Burberry le 23 septembre.

Le 27 septembre 2016, il a été annoncé que les quatre premiers albums studio de Moyet Alf , Raindancing , Hoodooo et Essex seraient réédités en éditions Deluxe après avoir été remasterisés par BMG le 25 novembre 2016. Chaque ensemble de double disque est livré dans un livre relié avec le album original remasterisé à partir des bandes originales avec des remixes de 12 pouces, des faces B et des chansons inédites.

Le neuvième album studio de Moyet, Other , décrit comme une « pop électronique intelligente et aventureuse », coproduit par Guy Sigsworth, est sorti le 16 juin 2017 sur Cooking Vinyl. De septembre à décembre de la même année, elle entreprendra une tournée mondiale, The Other Tour.

En octobre 2017, Moyet a figuré en tant qu’artiste invité sur l’ album acoustique du groupe norvégien A-Ha , MTV Unplugged – Summer Solstice , chantant « Summer Moved On ». La performance a été enregistrée sur l’île de Giske en Norvège en juin 2017.

Le 20 avril 2018, Moyet sort son deuxième album live, The Other Live Collection , extrait de The Other Tour.

Théâtre

Moyet a fait ses débuts sur scène dans la production London West End de la comédie musicale Chicago en 2001. Elle a joué le rôle de Matron ‘Mama’ Morton. Bien que la pièce ait été initialement prévue pour une courte période, elle a duré six mois. En 2006, elle apparaît dans la pièce Smaller , qui entreprend une tournée régionale avant un passage au Lyric Theatre de Londres.

Vie personnelle

Le premier mariage de Moyet, avec le coiffeur et pompier londonien à la retraite Malcolm Lee, avec qui elle a un fils, s’est soldé par un divorce. Moyet a une fille avec l’ancien partenaire Kim McCarthy et une fille avec son mari actuel David Ballard. En 2013, Moyet a déménagé de Radlett, Hertfordshire, à Brighton.

Moyet a été franche au sujet de ses combats contre le poids et l’ agoraphobie et les défis liés au TDAH. Elle s’est lancée dans un programme de perte de poids, car elle ne voulait pas devenir « une vieille femme obèse ».

Le 14 octobre 2014, Moyet a reçu un Gold Badge Award de l’association d’écrivains musicaux professionnels The Ivors Academy.

Moyet a été nommé membre de l’Ordre de l’Empire britannique (MBE) lors des honneurs d’anniversaire 2021 pour ses services à la musique.

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/19674-Alison-Moyet

ARETHA FRANKLIN

Aretha Louise Franklin, née le 25 mars 1942 à Memphis (Tennessee) et morte le 16 août 2018 à Détroit (Michigan), est une chanteuse, pianiste et auteure-compositrice américaine de soul, jazz, gospel et rhythm and blues. Elle est fréquemment surnommée « The Queen Of Soul » (« la Reine de la Soul »).

Militante des droits civiques aux côtés de Martin Luther King, femme de combat, diva et porte-parole de tout un peuple, Aretha Franklin est considérée comme la chanteuse afro-américaine la plus influente du xxe siècle. Ses albums I Never Loved a Man en 1967, Lady Soul en 1968 et Young, Gifted & Black en 1972 redéfinissent les codes de la musique contemporaine en popularisant avec Ray Charles la soul music mêlant R&B et gospel. On compte parmi ses plus grands tubes les chansons Think, (You Make Me Feel Like) A Natural Woman, I Say a Little Prayer, I Never Loved A Man, Ain’t No Way, I Knew You Were Waiting (For Me) en duo avec George Michael, Freeway of Love, Chain of Fools, Angel et Respect.

Chain of Fools devient une chanson de protestation contre la guerre du Viêt Nam parmi les combattants américains. Respect devient en 1967 un hymne féministe et le symbole du combat de la communauté afro-américaine pour sa liberté.

L’influence d’Aretha sur la musique contemporaine est grande, ouvrant la voie à d’autres grandes interprètes féminines, qu’il s’agisse de Patti LaBelle, Donna Summer, Natalie Cole ou encore Whitney Houston, Amy Winehouse, Mariah Carey, Mary J. Blige, Beyoncé, Adele ou Alicia Keys. Tom Jones, Elton John, Freddie Mercury, Prince, David Bowie et Luther Vandross notent aussi l’influence de la chanteuse sur leur manière de faire de la musique et de chanter. Aretha Franklin est en effet l’une des premières artistes à s’accompagner au piano et popularise le mélisme dans la musique contemporaine, technique qui consiste à chanter sur plusieurs notes une seule et même syllabe.

Elle est la chanteuse la plus classée dans l’histoire de l’industrie discographique américaine avec 112 titres placés dans les charts américains, dont vingt numéros 1 dans la catégorie R&B. Avec plus de 75 millions d’exemplaires vendus, elle reste aujourd’hui l’artiste féminine ayant vendu le plus de disques vinyles et, plus généralement, une des artistes ayant vendu le plus de disques.

Avec dix-huit Grammy Awards, Aretha Franklin est une des artistes les plus récompensées aux États-Unis. Elle est, en 1987, la première femme à intégrer le Rock and Roll Hall of Fame. Elle reçoit la médaille nationale des arts sous la présidence Bill Clinton et la médaille présidentielle de la Liberté, la plus haute distinction pour un citoyen américain, sous la présidence George W. Bush. En 2009, elle chante à l’investiture de Barack Obama, premier président afro-américain des États-Unis. En 2010, le magazine Rolling Stone la place première au classement des meilleurs chanteurs de tous les temps. En 2019, le jury du prix Pulitzer lui décerne à titre posthume la récompense « pour sa contribution indélébile sur la musique et la culture américaine pendant plus de cinq décennies ». En 2020, le magazine Rolling Stone établit son classement des 500 meilleurs albums de tous les temps en collaboration avec trois cents professionnels de la musique. Aretha y place quatre albums : I Never Loved A Man (The Way I Love You) (13e), Lady Soul (75e), Amazing Grace (154e, album gospel le plus vendu de l’histoire) et Young, Gifted & Black (388e).

À sa mort sont salués son militantisme pour les femmes et la communauté afro-américaine, ainsi que son talent d’artiste.

Biographie

Enfance

Aretha Louise Franklin naît le 25 mars 1942 de Barbara (née Siggers) et Clarence LaVaughn « C. L ». Franklin. Sa mère accouche au domicile familial au 406 Lucy Avenue à Memphis. Son père est pasteur baptiste originaire de Shelby dans le Mississippi, tandis que sa mère est pianiste et chanteuse de gospel accomplie. Barbara et Clarence Franklin ont tous deux des enfants issus de relations antérieures, en plus des quatre enfants qu’ils eurent ensemble. Quand Aretha a deux ans, la famille déménage à Buffalo dans l’État de New York. Puis à l’âge de cinq ans, Aretha Franklin emménage à Détroit dans le Michigan, où son père prend la relève du pasteur de l’église baptiste New Bethel Baptist Church.

Le mariage du couple Franklin est houleux en raison d’infidélités de Clarence Franklin. Le couple se sépare en 19486. Barbara Franklin retourne à Buffalo avec le demi-frère d’Aretha, Vaughn, laissant à Clarence Franklin la charge des autres enfants. Après la séparation, Aretha se souvient rendre visite régulièrement à sa mère à Buffalo pendant l’été, qui vient de son côté souvent les voir à Détroit. Sa mère meurt finalement d’une crise cardiaque le 7 mars 1952, avant le dixième anniversaire d’Aretha. Plusieurs femmes, dont la grand-mère d’Aretha, Big Mama Rachel, et la légendaire chanteuse de gospel Mahalia Jackson se relaient alors pour aider les enfants Franklin. C’est à ce moment-là qu’Aretha apprend à jouer du piano. Autodidacte, elle joue à l’oreille. Son père s’amuse à la faire reprendre au piano les airs qu’elle entend à la radio. Rapidement, Aretha aiguise son style pour devenir une artiste et pianiste aguerrie. Elle fréquente l’école publique de Détroit, passant sa première année à la Northern High School, avant d’abandonner en deuxième année.

La popularité de son père devient très vite nationale. Les sermons du pasteur Franklin lui valent de devenir « l’homme à la voix à un million de dollars ». Il parvient en effet à gagner des milliers de dollars en devenant le premier pasteur à diffuser ses sermons à la radio quand il ne fait pas lui-même des tournées dans le pays entier et dans différentes églises du pays. C. L. Franklin, en plus d’être pasteur, est par ailleurs un fervent militant des droits civiques (Martin Luther King loge à son domicile quand il est de passage à Détroit). Son statut de célébrité lui vaut d’ailleurs la visite de diverses personnalités. Parmi les visiteurs récurrents figuraient la légendaire Clara Ward, James Cleveland et les membres des Caravanes Albertina Walker et Inez Andrews. Jackie Wilson et Sam Cooke se lient aussi d’amitié avec C. L. Franklin. Clara Ward devient l’amante du père d’Aretha de 1949 environ jusqu’à ce qu’elle meure en 1973, bien qu’Aretha « ait préféré les considérer strictement comme des amis ». Clara Ward a également servi de modèle à la jeune Aretha, lui donnant l’envie de devenir chanteuse.

Débuts dans le gospel (1954-1960)

À la mort de sa mère, Aretha Franklin commence à chanter en tant que choriste à l’église baptiste New Bethel Baptist Church, en commençant par l’hymne Jesus, Be a Fence Around Me. À 12 ans, son père commence à la diriger. Il l’emmène ainsi sur la route avec lui lors de ses tournées dites « gospel caravan » pour qu’elle se produise dans différentes églises7. Il la fait par ailleurs signer son premier contrat chez J.V.B. Records. Un équipement d’enregistrement est installé à l’intérieur de l’église baptiste New Bethel et neuf pistes sont enregistrées. Elle donne naissance à son premier enfant, nommé Clarence en l’honneur de son père, le 28 janvier 1955 avant de fêter ses 13 ans. Le 31 août 1957, à 15 ans, Aretha Franklin accouche d’un deuxième enfant nommé Edward Derone Franklin.

En 1956, J.V.B. sort le premier single d’Aretha Franklin, Never Grow Old, accompagné de You Grow Closer. Precious Lord (Part One) et Precious Lord (Part Two) suivent en 1959. Ces quatre titres, auquel s’ajoute There Is a Fountain Filled with Blood figurent sur l’album de 1956 appelé Spirituals. En 1965, Checker Records publie une seconde version de l’album qu’il nomme Songs of Faith ; celui-ci reprend les cinq titres de l’album Spirituals de 1956 auxquels sont ajoutés quatre enregistrements inédits. Si l’album n’est pas un succès commercial, il contribue à introduire Aretha Franklin dans le circuit gospel. En s’accompagnant au piano et en chantant ces negro spirituals, Aretha impressionne les plus grands chanteurs de gospel de l’époque notamment Mahalia Jackson et James Cleveland, proches d’Aretha et considérés encore à ce jour comme la Reine et le Roi du Gospel.

À cette époque, Aretha Franklin voyage occasionnellement avec The Soul Stirrers, le groupe de Sam Cooke. L’été, Aretha est souvent à Chicago et reste dans la famille de Mavis Staples dont le groupe familial The Staples Singers commence à se faire un nom. Selon le producteur de musique Quincy Jones, alors qu’Aretha est encore jeune, la « Reine Du Blues » Dinah Washington lui prédit qu’Aretha est « la prochaine ». À l’âge de 16 ans, Aretha Franklin part finalement en tournée avec le Dr Martin Luther King. Elle soutient l’action du pasteur et chantera pour lui en divers occasions notamment lors de ses funérailles en 1968.

À l’âge de 18 ans, Aretha confie à son père qu’elle aspire à suivre Sam Cooke et à enregistrer des musiques « profanes », R&B et pop, fait curieux pour l’époque où passer de la musique sacrée à profane n’est souvent pas accepté. Le Révérend C.L Franklin se montre compréhensif et encourage sa fille. Elle s’installe donc à New York dans l’espoir de décrocher un contrat avec une maison de disque. Son père participe en tant que manager à la production d’une démo de deux chansons. Cette démo tombe dans les mains de John Hammond, célèbre producteur de Columbia Records. L’homme, qui a découvert Billie Holliday dix ans plus tôt, voit immédiatement en Aretha une révélation. Celui qui découvrira à la même période Barbra Streisand et Bob Dylan signe donc Aretha en 1960. Aretha suit en parallèle des cours avec le chorégraphe Cholly Atkins pour préparer ses performances scéniques. Signer Aretha chez Columbia est pour John Hammond une victoire quand on sait les propositions faites au même moment par les labels RCA et Motown. En effet, Sam Cooke essaye désespérément de persuader le père Franklin de la signer sur son label, RCA. De même, le fondateur du label Motown Berry Gordy cherche à faire signer Aretha et sa sœur aînée Erma sur son label. C.L. Franklin estime que le label n’est pas encore suffisamment établi et refuse la demande de Gordy.

Le single d’Aretha Franklin Today I Sing the Blues sort en septembre 1960 et atteint le top 10 du classement des meilleures ventes R&B. Sa carrière musicale est enfin lancée.

Introduction au jazz chez Columbia (1960-1966)

En janvier 1961, Columbia publie le premier album jazz d’Aretha : Aretha : With The Ray Bryant Combo. L’album contient son premier single, Won’t Be Long, qui se classe au classement du Billboard Hot 100 et atteint la 7e place du classement R&B. Le succès est modeste mais encourageant pour la jeune chanteuse de 18 ans. Principalement produits par Clyde Otis, les enregistrements chez Columbia érigent Aretha en chanteuse de jazz dans la lignée de Sarah Vaughan, Billie Holiday et Ella Fitzgerald. Aretha y chante des standards américains, du jazz vocal, du blues, du doo-wop et du rhythm and blues. La même année, elle enregistre Rock-a-Bye Your Baby with a Dixie Melody. Le titre atteint le top 40 en Australie et au Canada. Fin 1961, Aretha Franklin est nommée « nouvelle star féminine » par le magazine DownBeat. En 1962, Columbia sort deux autres albums, The Electrifying Aretha Franklin et The Tender, the Moving, the Swinging Aretha Franklin. Si nombres de ses titres passent à radio, ses ventes de disques, elles, ne décollent pas.

Néanmoins, en 1962, lors d’une représentation au Regal Theater de Chicago, Pervis Spann, personnalité en vogue de la radio WVON, proclame Aretha Franklin « Reine de la Soul ». Le surnom fait date et devient le titre officiel d’Aretha Franklin. Elle est alors reconnue par ses pairs comme chanteuse de jazz et impressionne tant Etta James que Sarah Vaughan. Sarah Vaughan affirme d’ailleurs ne plus avoir jamais chanté Skylark après avoir écouté la version d’Aretha, qui lui paraît indépassable. En 1964, Aretha commence à enregistrer davantage de musique pop et se classe dans les dix premiers titres du palmarès R&B avec sa ballade Runnin’ Out of Fools début 1965. À la mort de la Reine du Blues Dinah Washington, Aretha enregistre un album hommage à la chanteuse, Unforgettable : A Tribute to Dinah Washington. Il est aujourd’hui considéré comme son meilleur album chez Columbia mais, à sa sortie, il apparaît en décalage par rapport aux succès de l’époque7. Quand l’Amérique subit la déferlante des Beatles et des artistes Motown, ce bel hommage à une artiste des années 1950 paraît dépassé et démodé. Par la suite, plusieurs de ses titres figurent dans les hit-parades en 1965 et 1966 : One Step Ahead et Cry Like a Baby, puis You Made Me Love You et (No, No) I’m Losing You.

Au milieu des années 1960, Aretha gagne 100 000 dollars par an grâce à de multiples représentations dans des boîtes de nuit et des théâtres. Toujours à cette époque, elle apparaît dans des émissions de rock-and-roll comme Hollywood A Go-Go et Shindig !. Ses performances télévisuelles sont saluées — on note le grand talent de cette jeune chanteuse s’accompagnant elle-même au piano et qui chante du jazz comme elle chanterait des cantiques gospel.

Cependant, si Aretha est massivement diffusée à la radio et qu’elle s’est fait un nom (et un prénom), ses ventes de disques sont faibles. John H. Hammond, directeur du label, déclare plus tard que l’erreur de Columbia est d’avoir oublié les racines gospel d’Aretha. Sa voix est jugée trop « noire » pour vendre autant que Barbra Streisand et ses chansons trop jazz pour la hisser comme chanteuse à la mode aux côtés de Dionne Warwick et Diana Ross. Aretha quitte finalement Columbia et rejoint Atlantic Records en 1966, célèbre label de Ray Charles et Solomon Burke, figures majeures de la soul des années 1960.

Ascension soul chez Atlantic (1967-1979)

En novembre 1966, son contrat pour Columbia expire et Aretha se tourne vers Atlantic Records. En janvier 1967, la chanteuse se rend à Muscle Shoals, en Alabama, pour enregistrer dans les célèbres studios FAME. Elle dira elle-même « je me suis assise au piano et les tubes sont arrivés ». Elle y enregistre la chanson I Never Loved a Man (the Way I Love You). Quand elle s’assoit au piano et commence à chanter, tout le studio reste bouche bée. L’enregistrement peut commencer. Aretha n’y passe finalement qu’une journée après une violente altercation entre son manager et mari Ted White, le propriétaire du studio Rick Hall et un joueur de cor. Les sessions s’arrêtent mais la chanson sort finalement le mois suivant et atteint la première place du classement R&B et la neuvième place du Billboard Hot 100. Pour la première fois de sa carrière, Aretha décroche un disque d’or et un 45-tours vendu à plus d’un million d’exemplaires. L’intuition de son producteur Jerry Wexler est de laisser Aretha s’exprimer librement et prendre le contrôle de la direction artistique de sa musique. Aretha choisit son propre répertoire, arrange les chansons elle-même au piano et gère ses choristes.

La réussite ne s’arrête pas là. Le 10 avril 1967, Atlantic commercialise un deuxième extrait de l’album, le doublé Respect/Dr Feelgood. Ce second 45-tours se révèle encore plus porteur que le premier. Respect se hisse à la première place des charts R&B et pop pendant 8 semaines. Le respect réclamé par Aretha trouve un écho immédiat dans la société américaine de l’époque. La chanson devient rapidement la chanson signature de la chanteuse, un hymne des droits civiques et un hymne féministe. Pourtant, la chanson est un emprunt à une première version du titre publié un an plus tôt par Otis Redding. En entendant la version d’Aretha, Otis Redding reconnait que sa chanson lui a échappé. Aretha réinvente complètement la chanson en scandant chaque lettre de R-E-S-P-E-C-T, elle rajoute par ailleurs un refrain chanté en arrière-plan par les chœurs avec l’expression très à la mode alors, « sock it to me ». Le titre à connotation sexiste quand il est chanté par Otis devient un hymne de force et de respect dans l’interprétation d’Aretha Franklin. « C’est un cri de ralliement du mouvement pour les droits civiques » écrit Aretha dans ses mémoires. Le mouvement des droits civiques fait de la chanson un mantra et d’Aretha le symbole de la lutte pour l’égalité et la liberté. Le magazine Rolling Stone classe la chanson en position numéro cinq de son classement des plus grandes chansons de tous les temps. Le phénomène Aretha Franklin est lancé.

Le premier album d’Aretha pour Atlantic, I Never Loved a Man the Way I Love You, connait un immense succès tant commercial et critique. 1967 marque le début de la période d’or pour Aretha qui ne s’arrêtera qu’une décennie plus tard. Sur cette période, elle décroche une vingtaine de disques d’or et classe 8 albums en tête des charts R&B. Baby I Love You, (You Make Me Feel Like) A Natural Woman sont d’immenses succès. En 1968, Aretha sort les albums Lady Soul et Aretha Now, portés par les tubes Chain of Fools, Ain’t No Way, Think et I Say a Little Prayer. En février, Aretha décroche ses deux premiers Grammys, dont celui de la meilleure chanteuse R&B, catégorie inspirée par le succès d’Aretha. Elle remporte ce même Grammy huit fois d’affilée. Il est dès lors vite renommé Le Prix Aretha.

Son succès dépasse rapidement la sphère musicale. Le 16 février 1967 est déclaré Journée Aretha Franklin. Elle est alors reçue par son ami de longue date Martin Luther King Jr qui voit en elle une porte-voix majeure du combat pour les droits civiques américains. Aretha effectue peu de temps après sa première tournée en dehors des États-Unis en mai, notamment au Concertgebouw d’Amsterdam, où elle joue devant un public quasi-hystérique qui la couvre de fleurs sur scène. Elle fait par ailleurs une apparition remarquée à l’Olympia à Paris et y enregistre son second album live. La même année, elle fait la couverture du magazine Time, une première pour une artiste noire. En 1968, elle est la personnalité noire la plus connue derrière Martin Luther King.

Le succès d’Aretha ne faiblit pas au début des années 1970, période durant laquelle elle enregistre les numéro un Don’t Play That Song (You Lied), Spanish Harlem, Rock Steady et Day Dreaming.

Même si, au cours de sa carrière, elle refuse un certain nombre de chansons, dont certaines sont cependant devenues des succès internationaux — Son Of A Preacher Man de Dusty Springfield, This Will Be de Natalie Cole, Upside Down de Diana Ross —, elle enregistre finalement en 1970 une version de Son Of A Preacher Man, un an après celle de Dusty Springfield.

La formule des albums est la même que celle des années 1960 si ce n’est qu’Aretha écrit et compose davantage. Les albums Spirit in the Dark et Young, Gifted and Black sont une fois de plus des succès. En 1971, Aretha est la première artiste R&B à jouer au Fillmore West de San Francisco, et sort plus tard dans l’année l’album live Aretha Live at Fillmore West. En plein concert, elle aperçoit Ray Charles et l’invite sur scène. Ensemble, ils improvisent sur Spirit In The Dark, moment immortalisé sur le disque live. Ray Charles dira d’Aretha qu’elle est sa « seule vraie sœur », la seule chanteuse à qui on peut le comparer.

En 1972, Aretha revient à ses racines gospel et enregistre l’album Amazing Grace, dans lequel elle interprète lors d’un service des cantiques et standards comme How I Got Over de Mahalia Jackson. Elle y inclut des titres de Marvin Gaye et de Carole King, ayant à cœur de montrer que musique sacrée et pop ne sont pas antinomiques. Le disque est enregistré sur deux soirs à l’église New Temple Missionary Baptist Church de Los Angeles. Son père est présent, tout comme la famille Ward ainsi que Mick Jagger. Amazing Grace se vend dans l’année à plus de deux millions d’exemplaires et est à ce jour l’album gospel le plus vendu de l’histoire. Les interprétations en direct sont filmées par Sydney Pollack, mais en raison de problèmes de synchronisation de son, sa sortie au cinéma n’a lieu qu’en 2018 par le producteur Alan Elliott. L’année 1972 marque l’apogée de la carrière d’Aretha, au sommet de son art, tant commercialement que musicalement.

Elle rejoint ensuite Quincy Jones en 1973 pour l’enregistrement de son nouvel album Hey Now Hey. Quincy Jones dira plus tard qu’Aretha est l’artiste la plus impressionnante avec Michael Jackson. Le disque est marquée par des influences jazz et de brillantes parties au piano écrites et jouées par Aretha. Malgré le succès du single Angel écrite par sa sœur Carolyn Franklin, l’album ne décolle pas dans les charts à sa sortie. Cela n’empêche pas Aretha d’enregistrer quelques succès notamment Until You Come Back to Me écrite pour elle par Stevie Wonder et I’m in Love.

En 1976, Aretha travaille sur la bande sonore du film Sparkle avec Curtis Mayfield qu’elle admire particulièrement. L’album permet à Aretha d’obtenir son dernier grand tube de la décennie avec Something He Can Feel, qui atteint la première place du classement R&B. Sparkle est considéré par Aretha comme son meilleur album. Elle parvient en effet à se réinventer tant vocalement que musicalement. Sans céder aux influences disco à la mode, Sparkle est gorgé d’influences funk et soul, à la fois old school et new school. Percutante, Aretha renoue avec le succès. Cependant, les albums suivants, Sweet Passion (1977), Almighty Fire (1978) et La Diva (1979), déçoivent. Aretha Franklin, dépassée par la mouvance disco dans laquelle elle ne se reconnait pas, quitte finalement Atlantic Records et rejoint Arista Records en 1979.

Les années pop chez Arista (1980-2008)

En 1980, après avoir quitté Atlantic Records, Aretha signe avec Arista Records et Clive Davis. Elle donne la même année un concert sur mesure au Royal Albert Hall de Londres devant la reine Elizabeth. Aretha est ensuite invitée sur le tournage des Blues Brothers en 1980. Elle y joue la propriétaire d’un restaurant de cuisine et l’épouse de Matt « Guitar » Murphy. Elle partage l’affiche avec les deux autres plus grandes stars soul des années 1960 : James Brown et Ray Charles. Pour l’occasion, elle re-enregistre sa chanson Think. La performance d’Aretha est saluée par la critique. Think devient une des chansons signatures d’Aretha et sa chanson la plus connue en France.

La même année, elle sort son premier album chez Arista Records qui contient ses deux premiers succès de la décennie United Together, et sa reprise de I Can’t Turn You Loose d’Otis Redding nominée l’année suivante aux Grammy Awards. L’album suivant, Love All the Hurt Away (1981), comprend son célèbre duo avec George Benson sur la chanson titre, ainsi que sa reprise de Hold On, I’m Comin’ de Sam & Dave, qui lui permet de décrocher un Grammy Award supplémentaire. En 1982, Aretha décroche un disque d’or – pour la première fois en sept ans – avec l’album Jump to It produit par Luther Vandross, fervent admirateur de la chanteuse. L’année suivante, elle sort Get It Right toujours produit par Luther Vandross. Le titre se hisse comme Jump To It en tête des hit-parades R&B. En 1985, Who’s Zoomin’ Who? devient son premier album chez Arista Records à être certifié platine. L’album se vend à plus d’un million d’exemplaires, porté par les succès de Freeway of Love, la chanson titre, et Another Night. L’année suivante, elle sort un second album à succès avec les singles Jumpin’ Jack Flash, Jimmy Lee et I Knew You Were Waiting for Me, célèbre duo qu’elle partage avec George Michael. Andy Warhol signe la pochette du disque . En 1987, elle opère un retour vers la musique de son enfance avec l’enregistrement d’un troisième album gospel, One Lord, One Faith, One Baptism, enregistré à l’église baptiste New Bethel de son défunt père. En 1989, elle sort Through the Storm et enregistre des duos avec Whitney Houston, James Brown et Elton John. La même année, Aretha interprète America the Beautiful lors de la Wrestlemania III de la WWE.

Les années 1990 sont cependant moins fructueuses pour Aretha. En 1991, son album What You See is What You Sweat se vend peu. En 1993, elle chante à l’investiture de Bill Clinton et se produit à la Maison Blanche pour le Président et la Première Dame avec lesquels elle se lie d’amitié. Aretha revient dans les charts en 1993 avec la chanson A Deeper Love du film Sister Act puis en 1994 avec la chanson Willing to Forgive. Elle signe par ailleurs un titre sur un album hommage à Lady Diana, sur un disque de Curtis Mayfield ainsi que pour la bande originale d’un film sur la vie de Malcolm X : Someday We’ll All Be Free.

La fin des années 1990 permet cependant à Aretha de s’imposer comme chanteuse de référence. En 1998, elle partage l’affiche du concert Divas Live organisé par VH1 au Beacon Theatre de New York avec Mariah Carey, Céline Dion, Shania Twain, Carole King et Gloria Estefan. Sa performance de Natural Woman avec les autres divas fera date88. En 1998, elle se réinvente en sortant A Rose Is Still A Rose, produit et écrit par Lauryn Hill du groupe The Fugees. L’album du même nom est un succès, se vend à plus de 500 000 exemplaires et permet à Aretha de remporter un disque d’or de plus.

Cette même année, elle remplace au pied levé Luciano Pavarotti aux Grammy Awards. Ce soir-là, alors que le spectacle a déjà commencé, Luciano Pavarotti contacte les producteurs des Grammy et annonce qu’il est bien trop malade pour interpréter comme prévu l’aria d’opéra Nessun Dorma. 20 minutes avant la performance, les producteurs du spectacle proposent à Aretha de remplacer le chanteur d’opéra. Amie de Pavarotti, Aretha avait justement chanté la chanson deux soirs auparavant lors d’un évènement pour MusiCares. Elle écoute l’enregistrement de la répétition de Pavarotti et accepte de chanter la chanson dans la tessiture de ténor et dans la tonalité préparée par l’orchestre. Introduite par Sting qui explique l’imprévu au public, Aretha arrive finalement sur scène. Le public l’honore d’une standing ovation. Elle chantera à nouveau la chanson à Philadelphie pour le pape François lors de la réunion mondiale des familles en septembre 2015. En pleine performance, un petit garçon, touché par l’interprétation d’Aretha, monte alors sur scène et l’embrasse.

En 2003, Aretha sort So Damn Happy et la chanson Wonderful, récompensée aux Grammy Awards. En 2004, elle annonce qu’elle quitte Arista Records après plus de 20 ans de travail pour le label. Pour compléter ses obligations, elle publie cependant un dernier album de compilation de duos, Jewels in the Crown. L’année suivante, elle publie l’album de Noël This Christmas chez DMI Records. Puis en février 2006, elle chante The Star-Spangled Banner avec Aaron Neville et Dr. John pour le Super Bowl XL, qui se tient dans sa ville de Détroit.

Les dernières années (2008-2018)

Le 20 janvier 2009, Aretha Franklin revient au premier plan en interprétant My Country, ‘Tis of Thee lors de la cérémonie d’investiture du président Barack Obama. Le chapeau qu’elle porte ce jour devient culte. En 2011, Aretha, sous son propre label Aretha’s Records, sort l’album Aretha : A Woman Falling Out of Love.

En 2014, Aretha signe sous le label RCA Records, contrôleur du catalogue Arista Records et label frère de Columbia et Sony Music Entertainment98. Elle renoue donc avec son producteur Clive Davis. Un album est enregistré avec les producteurs Babyface et Danger Mouse. Le 29 septembre 2014, Aretha se produit au Late Show de David Letterman avec Cissy Houston et chante Rolling in the Deep d’Adele et Ain’t No Mountain High Enough de Marvin Gaye/Diana Ross. Sa reprise de Rolling in the Deep figure sur son premier et dernier album chez RCA, Aretha Franklin Sings the Great Diva Classics, sorti en octobre 2014. Ce faisant, elle devient la première femme à avoir cent chansons au palmarès des Hot R&B/Hip-Hop Songs du Billboard avec le succès de sa reprise de Rolling in the Deep d’Adele.

Elle se produit à la Maison-Blanche en 2015 et y chante I Never Loved A Man et Amazing Grace. En décembre 2015, Aretha chante (You Make Me Feel Like) A Natural Woman au Kennedy Center Honors à Washington pour Carole King, honorée ce soir-là. Barack Obama, submergé par l’émotion, ne peut retenir ses larmes102,103. Vers la fin de la chanson, elle fait tomber son manteau de fourrure sur scène, ce qui lui vaut une standing ovation du public. C’est sa dernière grande performance. Elle retourne au Ford Field de Détroit le jour de Thanksgiving 2016 pour interpréter une nouvelle fois l’hymne national lors du match entre les Vikings du Minnesota et les Lions de Détroit. Assise derrière le piano, vêtue d’un manteau de fourrure noire et d’une casquette des Lions, Aretha chante The Star-Spangled Banner pendant plus de quatre minutes et y inclut un certain nombre d’improvisations.

Aretha sort son dernier disque A Brand New Me en novembre 2017 avec le Royal Philharmonic Orchestra de Londres, qui utilise des enregistrements d’archives d’Aretha avec lesquels ils réarrangent ses plus grandes chansons.

Aretha annule un certain nombre de concerts en 2017 pour des raisons de santé et demande, lors d’un spectacle en plein air à Détroit devant 15 000 personnes, à ce que le public prie pour elle. Aretha continue cependant de se produire partout dans le pays et à se faire acclamer par le public comme par les critiques. Le 3 septembre 2017, elle joue une dernière fois au Ravinia Festival. Sa dernière représentation a finalement lieu à la cathédrale de St. John the Divine à New York lors du gala du 25e anniversaire d’Elton John pour la Elton John AIDS Foundation, le 7 novembre 2017. Aretha y paraît très affaiblie et très amaigrie.

Mort

Le 13 août 2018, Aretha est gravement malade chez elle, à Riverfront Towers, à Détroit. Elle est en soins palliatifs et entourée de ses amis et de sa famille ; Stevie Wonder, Jesse Jackson et son ex-mari Glynn Turman lui rendent visite sur son lit de mort. Elle meurt à son domicile le 16 août, à l’âge de 76 ans, sans testament. La cause du décès est une tumeur neuroendocrinienne pancréatique maligne (pNET), distincte de la forme la plus courante de cancer du pancréas.

Hommages

De nombreuses célébrités de l’industrie du divertissement et des hommes politiques lui rendent hommage, dont les anciens présidents américains Bill Clinton et Barack Obama, pour qui Aretha a « contribué à définir l’expérience américaine ». L’activiste des droits civils Al Sharpton la qualifie d’« icône des droits civiques et de l’humanitaire ». Elton John déclare : « La perte d’Aretha Franklin est un choc pour tous ceux qui aiment la vraie musique : la musique qui vient du cœur, de l’âme et de l’Église. Sa voix était unique, ses capacités de pianiste sous-estimées. Elle était l’une de mes pianistes favorites […] Je l’adorais et vénérais son talent. Que Dieu la bénisse. »

Paul McCartney, Diana Ross, Christina Aguilera, Beyoncé, Britney Spears, Bruno Mars, Lady Gaga, John Legend, The Rolling Stones, Billy Joel, Ricky Martin, Carole King, Annie Lennox, Ariana Grande, Shawn Mendes, Céline Dion, Line Renaud réagissent tous à la disparition de la chanteuse.

Dans un communiqué de presse, la ministre de la Culture Françoise Nyssen déclare : « Avec Aretha Franklin, une immense interprète à la voix puissante et inoubliable nous quitte. Durant plus de 60 ans, aux États-Unis comme sur les scènes du monde entier, elle mit son talent au service du gospel, du Rhythm and blues, du jazz, et surtout de la musique soul, dont elle fut la reine. Nous nous souviendrons de ses albums d’anthologie, de ses grands concerts, de son chant lors des funérailles de Martin Luther King ou de l’investiture de Barack Obama. Je rends hommage à la très grande artiste — chanteuse et pianiste — aux 18 Grammy Awards. Et aussi à la femme qui imposait tout naturellement le respect, ce respect qu’elle a si bien chanté dans une chanson au succès planétaire. Je rends hommage à ses engagements en faveur des droits civiques, ainsi qu’à la cause féministe. »

À la mort d’Aretha, des fans lui rendent hommage dans des stations de métro de la ville de New York, stations Franklin Street à Manhattan, et Franklin Avenue à Brooklyn. L’opérateur du système de métro, la Metropolitan Transportation Authority place par la suite des panneaux autocollants temporaires en noir et blanc avec le mot « Respect » à côté des panneaux de nom « Franklin ». Son étoile sur Hollywood Boulevard est décorée, tout comme sa maison de naissance à Memphis. Des fans se regroupent par ailleurs devant l’église baptiste New Bethel à Détroit ainsi que devant le théâtre Apollo de New York. Sa musique est diffusée devant les édifices pendant plusieurs jours.

Comme l’activiste Rosa Parks en 2005, sa dépouille est exposée pendant trois jours au musée d’Histoire afro-américaine Charles H. Wright de Détroit.

Enterrement

Une cérémonie commémorative est organisée à l’église baptiste New Bethel Baptist Church le 19 août. Des milliers de personnes lui rendent hommage au cours d’une exposition publique au Musée Charles H. Wright d’histoire afro-américaine. Plusieurs dizaines de milliers de personnes défilent pour voir la dépouille d’Aretha Franklin pendant trois jours.

Les funérailles du 31 août se déroulent au temple Greater Grace à Détroit – incluant hommages de célébrités, d’hommes politiques, d’amis et de membres de la famille. La cérémonie est retransmise en direct par des agences de presse – Fox News, CNN, The Word Network, BET et MSNBC.

Parmi ceux présent lors de la cérémonie, l’on compte notamment Ariana Grande, Bill Clinton, Al Sharpton, Louis Farrakhan, Faith Hill, Fantasia, The Clark Sisters, Ronald Isley, Angie Stone, Chaka Khan, Jennifer Holliday, Loretta Devine, Jennifer Hudson, Queen Latifah, Shirley Caesar, Stevie Wonder, Eric Holder, Gladys Knight, Cedric the Entertainer, Tyler Perry, Smokey Robinson et Yolanda Adams.

À la demande d’Aretha, le révérend Jasper Williams Jr. de la Salem Baptist Church d’Atlanta officie la cérémonie. Une centaine de Cadillac Rose déambule dans la ville de Détroit pour rendre hommage à Aretha et sa chanson Freeway of Love.

Après une procession télévisée le long de Seven Mile Road, Aretha Franklin est inhumée au cimetière de Woodlawn à Détroit.

Activisme

Rôle dans le mouvement des droits civiques

En 1967, Respect devient un hymne des droits civiques. Le respect réclamé par Aretha trouve un écho immédiat à un moment où la communauté afro-américaine demande elle à être respectée et considérée. « Respect, c’était un besoin pour toute une nation, pour l’homme et la femme de la rue, le businessman et la mère de famille, le pompier et l’enseignant. Tout le monde exigeait le respect. C’était également le cri de ralliement du mouvement pour les droits civiques », écrit Aretha dans ses Mémoires.

Le militantisme d’Aretha pour le mouvement des droits civiques est un engagement de longue date. Aretha grandit dans le Détroit des années 1950, entourée dès son enfance par les plus grandes figures du mouvement des droits civiques. Son père, pasteur baptiste, est un militant et proche du pasteur Martin Luther King. Il organise en 1963 la marche pour la liberté de Détroit – à l’époque la plus grande manifestation pour les droits civiques jamais organisée aux États-Unis. Martin Luther King y récite une première version de son célèbre discours « I have a dream », quelques mois avant sa grande marche sur Washington. Le pasteur Martin Luther King joue un rôle essentiel dans la vie d’Aretha. Le pasteur est un habitué de l’Église de Pasteur C.L Franklin et dort chez les Franklin lorsqu’il est de passage à Détroit. Il devient une source d’inspiration pour la jeune Aretha.

À l’âge de 16 ans, elle part en tournée avec Martin Luther King, peu après l’enregistrement de son premier album. Dix ans plus tard, elle chantera à son enterrement. Elle y interpréta Precious Lord Take My Hand, la chanson préférée du révérend. Chanson qu’elle chante à plusieurs reprises pour le révérend notamment après un meeting au McCormick Place de Chicago en 1963. Ce soir-là, Dinah Washington, Mahalia Jackson et Aretha sont invitées à chanter. Taylor Branch dans America in The King Years se souvient de cette soirée : « Toutes les trois ont tenu le public en haleine jusqu’à deux heures du matin, mais Aretha remportait tous les suffrages en interprétant l’hymne final (…). Donnant une lecture bouleversante de Precious Lord, Take My Hand, elle laissait pantois un auditoire convaincu d’avoir assisté à un moment historique » Aretha chantera à plusieurs reprises pour Martin Luther King partout dans le pays. « Le noir est synonyme de beauté mais aussi de souffrance et de lutte » affirme Aretha. Dès le début des années 1960, une clause dans son contrat informe les promoteurs qu’elle ne se produit pas devant un public ségrégé.

En 1970, elle demande la libération de l’activiste Angela Davis et se propose de payer sa caution. Elle déclare alors publiquement:

« Mon père [le révérend C.L.Franklin de Détroit] me déconseille de prendre la parole mais je me dois de rester fidèle à mes convictions. Angela Davis doit être libérée. Les Noirs injustement enfermés doivent être libérés. J’ai moi-même été incarcérée [après une manifestation à Détroit] et je sais bien qu’il faut protester pour se faire respecter. La prison est un enfer. J’appelle la justice à faire son travail, non pas que je crois au communisme, mais parce qu’Angela Davis est une femme noire et qu’elle se bat pour la liberté du peuple noir. J’ai l’argent ; je l’ai obtenu du peuple noir — ils m’ont rendu financièrement capable de l’avoir, je veux donc l’utiliser pour aider notre peuple. »

Le militant Jesse Jackson explique : « Quand nous avions des difficultés à lever de l’argent à cause de la posture anti-guerre du docteur King, elle chantait gratuitement, levant de l’argent pour la cause. Une nuit à Houston au Texas, elle était sur scène et ils ont lancé du gaz lacrymogène sur le ventilateur. Elle a continué à chanter, elle est restée debout. » Jesse Jackson déclare par ailleurs à USA Today qu’Aretha a financé des dizaines de manifestations et campagnes en faveur des droits civiques. Aretha n’en a cependant jamais publiquement fait la promotion. Publiquement, Aretha demeure discrète quant à son engagement. Son producteur Jerry Wexler explique qu’« elle n’en parlait pas ».

« Pour elle, ses opinions appartenaient à sa vie privée. Elle consacrait beaucoup de son temps à Martin Luther King, mais sans jamais verser dans la polémique et les slogans faciles. Ses positions relevaient avant tout de ses croyances et de sa foi. »

Pour Dr Bernice King, la fille de Martin Luther King, Aretha est un « exemple frappant » de cette manière dont la musique peut se mettre au service des transformations sociales. « En tant que militante, elle n’a pas seulement utilisé sa voix pour divertir mais pour faire passer des messages et inspirer des générations et des générations. Ses chansons sont devenues des hymnes à la liberté. » Après Respect, les chansons Chain of Fools1, A Change Is Gonna Come, Think et Young, Gifted & Black incarnent le mouvement tout au long des années 1960-70. La force de sa voix et son assurance deviennent des symboles de fierté et de force. « Sa musique est porteuse d’une énergie électrique caractéristique de cette période charnière » explique Sebastien Danchin dans sa biographie consacrée à la chanteuse. John Lewis, figure historique du mouvement déclare :

« Quand elle chantait, elle incarnait ce pour quoi nous nous battions et sa musique nous renforçait. Elle nous revigorait. Elle était comme une muse dont les chansons nous donnaient la force de continuer. Sa musique nous a donné un plus grand sentiment de détermination pour ne jamais abandonner ni capituler et pour garder la foi. »

Au cours des décennies suivantes, Aretha Franklin devient le visage et la voix de premier plan des droits civiques des Afro-Américains. Naturellement, Barack Obama la choisit pour chanter à son investiture, lui, premier président afro-américain. Le présence d’Aretha est le symbole de la victoire du mouvement des droits civiques.

À sa disparition, son impact sur le mouvement des droits civiques est souligné. Barack Obama déclare : « Dans sa voix, nous pouvions lire notre Histoire, dans son entièreté et dans toutes ses nuances : notre puissance et nos peines, notre côté sombre et notre lumière, notre quête de la rédemption et le respect gagné difficilement. » Le NAACP, la grande organisation de défense des droits civiques, qui lui avait remis en 2008 un prix pour son action déclare :

« Personne ne peut évoquer le mouvement des droits civiques ni la musique sans offrir son respect à la Reine de la Soul. »

 

Figure féministe

Dans The Death Of Rhythm & Blues, le critique Nelson George affirme « Aretha exprimait tout ce que pouvait être la femme noire à l’heure où ses contemporaines (Diana Ross, Tina Turner, Dionne Warwick, Martha Reeves et même Gladys Knight) se trouvaient enfermées dans un rôle subalterne par des décisions artistiques de producteurs masculins ».

Pour des générations de femmes, Aretha est un modèle qui a représenté non seulement le combat pour l’égalité des droits mais aussi l’égalité hommes-femmes.

On compte parmi ses plus grandes chansons féministes : Think, Respect et Do Right Man, Do Right Woman.

Dans Do Right Man, Do Right Woman, elle chante en réponse à It’s a Man’s Man’s Man’s World de James Brown :

« A woman’s only human
You should understand
She’s not just a plaything
She’s flesh and blood just like her man
[…]
They say that it’s a man’s world
But you can’t prove that by me
And as long as we’re together baby
Show some respect for me. »

Dans Think, elle demande à son homme de bien penser aux conséquences de ses actes et du mal qu’il lui fait :

« You better think (think)
Think about what you’re tryin’ to do to me. »

Enfin dans Respect, elle transforme les mots écrits par Otis Redding et la chanson à connotation machiste en hymne féministe :

« What you want
Baby, I got it
What you need
Do you know I got it?
All I’m askin’
Is for a little respect when you get home (just a little bit)
Hey baby (just a little bit) when you get home
(Just a little bit) mister (just a little bit). »

La chanson Respect demeure la chanson féministe la plus emblématique d’Aretha Franklin. La chanson est à l’origine chantée et enregistrée par Otis Redding en 1966. La chanson n’est cependant pas un succès. L’année suivante, Aretha décide d’enregistrer sa propre version. Elle réécrit une partie des paroles, change la rythmique de la chanson, y ajoute un pont où elle scande chaque lettre de R-E-S-P-E-C-T. « All I’m asking is for a little respect when I come home » (« tout ce que je demande c’est un peu de respect quand je rentre à la maison ») devient alors « all I’m asking is for a little respect when you get home » (« tout ce que je demande c’est un peu de respect quand tu rentres à la maison »). David Ritz dans sa biographie consacrée à la chanteuse déclare : « Sa version est si profonde et si remplie d’angoisse, de détermination, de ténacité et de toutes ces émotions contradictoires que c’en est devenu un hymne. » Otis Redding reconnaîtra lui-même qu’Aretha s’est emparée de sa chanson. La chanson restera 12 semaines en tête des charts américains.

Femme à succès, affirmée, assurée, forte et talentueuse, Aretha devient un modèle pour beaucoup de femmes. Elle devient par ailleurs la première femme à entrer au Rock and Roll Hall of Fame en 1987, le panthéon américain du rock et la seconde femme intronisée au UK Music Hall of Fame. Elle est aussi la première femme noire à faire la une du Time.

Elle est la première femme à chanter au Palais des Sports à Paris en 1977. Le concert affiche complet.

Vie privée

Lieux de vie

Élevée à Détroit, Aretha Franklin s’installe dans les années 1960 à New York avant de déménager pour Los Angeles au milieu des années 1970. Elle s’installe à Encino et y vit jusqu’en 1982.

Elle retourne ensuite à Bloomfield Hills, dans la banlieue de Détroit, dans le Michigan, pour être proche de son père, dans le coma après avoir été victime d’un cambriolage à son domicile. Elle restera à Détroit jusqu’à sa mort en 2018.

À la suite d’un incident en 1984, elle développe une phobie de l’avion qui l’empêchera de voyager à l’étranger ; elle ne se produit par la suite qu’en Amérique du Nord152 et refuse, dès lors, plusieurs invitations de la reine Élisabeth .

Enfants

Aretha Franklin est mère de quatre fils.

Elle donne naissance à son premier enfant, nommé Clarence en l’honneur de son père, le 28 janvier 1955 à l’âge de 12 ans7. Des rumeurs attribuent la paternité à Donald Burk, un garçon qu’elle a connu à l’école. Cependant, dans l’un de ses testaments manuscrits découverts en 2019, Aretha révèle que le père est Edward Jordan, aussi père de son deuxième fils.

Le 31 août 1957, Aretha Franklin a un deuxième enfant avec Jordan, nommé Edward Derone Franklin7. Aretha n’a cependant jamais annoncé publiquement l’identité du père, et ses deux enfants portent néanmoins son nom de famille : Franklin.

Son troisième enfant, Ted White Jr, naît en février 1964 de son mari de l’époque, Theodore « Ted » White. Ted White Jr est connu professionnellement sous le nom de Teddy Richards et joue de la guitare pour sa mère tout au long de sa vie.

Enfin, son plus jeune fils, Kecalf Cunningham, né en avril 1970, est l’enfant de son road manager Ken Cunningham. Kecalf vient des initiales de ses parents KEC pour Ken E. Cunningham et ALF pour Aretha Louise Franklin.

Vie amoureuse

Aretha Franklin s’est mariée deux fois. Elle épouse Ted White, en 1961 à l’âge de 19 ans. Aretha rencontre White pour la première fois lors d’une fête organisée chez elle en 1954. White est à l’époque le compagnon de la chanteuse de blues Dinah Washington. Après un mariage controversé et un certain nombre de violences domestiques, Aretha se sépare de Ted en 1968 et divorce en 1969.

Aretha Franklin épouse ensuite l’acteur Glynn Turman, le 11 avril 1978, dans l’église de son père à Détroit. Aretha devient la belle-mère des trois enfants de Glynn issus d’un précédent mariage. Aretha et Glynn se séparent finalement en 1982 après le retour d’Aretha dans le Michigan. Le couple divorce en 1984.

En 2012, Aretha Franklin annonce son prochain mariage avec son compagnon de longue date Willie Wilkerson. Elle et Wilkerson s’étaient déjà fiancés deux fois auparavant. Aretha annule cependant le mariage sans aucune explication.

Aretha Franklin aurait aussi entretenu des relations avec les chanteurs Sam Cooke, James Brown et Dennis Edwards du groupe Motown The Temptations. Ce dernier lui inspirera la chanson Day Dreaming.

Frères et sœurs

Les sœurs d’Aretha Franklin, Erma et Carolyn, sont chanteuses professionnelles et chantent à de nombreuses reprises sur les enregistrements d’Aretha, notamment pour Atlantic Records. Sa sœur Carolyn Franklin écrit plusieurs chansons pour Aretha dont deux grands succès : Ain’t No Way et Angel. Erma Franklin accompagne aussi Aretha en tournée et enregistre la chanson Piece of My Heart. La chanson ne connait cependant le succès que quelques années plus tard avec la reprise de Janis Joplin.

Après le divorce d’Aretha Franklin avec Ted White, son frère Cecil devient son manager jusqu’à sa mort d’un cancer du poumon le 26 décembre 1989. Carolyn décède, elle, en avril 1988 d’un cancer du sein, tandis qu’Erma meurt d’un cancer de la gorge en septembre 2002. Vaughn, le demi-frère de Franklin, meurt fin 2002. Sa demi-sœur, Carol Kelley (née Jennings en 1940), est la fille de C. L. Franklin et de Mildred Jennings, une paroissienne de l’église baptiste de New Salem à Memphis, alors âgée de 12 ans.

Mort de son père C.L Franklin

Au Aladdin Hotel de Las Vegas le 10 juin 1979, Aretha Franklin apprend que son père, C. L., a été abattu à bout portant dans sa maison de Détroit. Après six mois passés à l’hôpital Henry Ford et alors qu’il est encore dans le coma, C. L. est ramené chez lui. Des soins infirmiers lui sont administrés 24 heures sur 24. Aretha revient à Détroit fin 1982 pour aider aux soins de son père et soutenir ses sœurs.

Le révérend meurt à la New Light Nursing Home de Détroit le 27 juillet 1984.

Proches dans l’industrie musicale

Aretha Franklin est, entre autres, une amie proche de Stevie Wonder, Smokey Robinson, Berry Gordy, Ray Charles, Mavis Staples, Mahalia Jackson, Sam Cooke, The Four Tops, Chaka Khan, Luther Vandross, Gladys Knight, Patti Labelle et Cissy Houston, mère de Whitney Houston — dont elle est la marraine. — et choriste au sein des Sweet Inspirations pour Aretha. Cissy Houston chante d’ailleurs en fond sonore sur le tube d’Aretha Ain’t No Way.

Aretha Franklin rencontre pour la première fois la fille de Cissy, Whitney Houston, au début des années 1970. Elle devient sa marraine de cœur. Whitney l’appellera toute sa vie : « Auntie Ree » (Tante Ree).

Addictions

Aretha Franklin a lutté une grande partie de sa vie contre l’alcoolisme, la boulimie et l’addiction au tabac, qu’elle fumait à la chaîne. Elle arrête l’alcool dans les années 1960 et le tabac en 1992.

Opinions politiques

Aretha Franklin est une démocrate de longue date. Elle a chanté avant plusieurs meetings de Barack Obama, plusieurs conventions démocrates et pour l’investiture de trois présidents démocrates: Jimmy Carter, Bill Clinton et Barack Obama.

Croyances

Elle était chrétienne baptiste et a organisé plusieurs concerts à l’église baptiste New Bethel Baptist Church de Détroit.

Controverses

À l’enterrement de Whitney Houston le 18 février 2012, Aretha annule sa venue en raison de spasmes à la jambe. La chanteuse Dionne Warwick fera remarquer l’absence d’Aretha en direct pendant la cérémonie. Une guerre médiatique est alors lancée entre les deux artistes.

Aretha Franklin est connue pour ses rivalités avec un certain nombre de ses pairs notamment Barbra Streisand, Roberta Flack, Gladys Knight, Diana Ross, Luther Vandross et Tina Turner.

En 1976, Natalie Cole sort le titre This Will Be. La chanson, d’abord proposée à Aretha, est finalement enregistrée par Natalie Cole, fille de Nat King Cole. La chanson devient un succès mondial. Fortement influencée par Aretha, Natalie Cole remporte le Grammy Awards de la meilleure performance féminine R&B qu’Aretha avait gagné jusqu’ici tous les ans pendant 8 ans. L’étiquette de « nouvelle Aretha Franklin » donnée par la presse à Natalie Cole entraîna une rivalité entre les deux chanteuses.

Aretha souffre de troubles alimentaires depuis la mort de sa mère à l’âge de dix ans7. Ses prises de poids à répétition sont vivement relayées dans les medias. En 2011, après un hommage rendu aux Grammy Awards, Aretha apparaît très amincie. Elle reconnaîtra à la journaliste Wendy Williams avoir perdu 85 livres (environ 40 kilos).

Lors de la 50e cérémonie des Grammy Awards le 10 février 2008, la chanteuse Beyoncé prend la parole pour présenter Tina Turner. À la fin d’un magnéto où elle cite entre autres Aretha, Beyoncé déclare qu’« il existe une légende qui possède l’essence de tout : du glamour, de la soul, de la passion, de la force, du talent. Mesdames et messieurs… levez-vous pour la reine ! » L’agent d’Aretha rapporte après la cérémonie sa réaction : « Je ne sais pas exactement qui, des auteurs des Grammys ou de Beyoncé, j’ai froissé […], mais c’est un élément propre à créer la polémique. » Quelque temps plus tard, Aretha reconnaitra cependant être une grande admiratrice de Beyoncé.

En 2014, David Ritz, avec qui Aretha avait coécrit son autobiographie, publie Respect: The Life Of Aretha Franklin. Aretha déclare alors : « Comme beaucoup d’entre vous le savent, un livre poubelle, rempli de mensonges à mon sujet vient de sortir… Les actions [de son auteur] sont évidemment vindicatives — cherchant à se venger d’avoir supprimé certains passages délirants qu’il voulait inclure dans mon livre il y a 15 ans. Il est évident qu’il m’en veut depuis. » Le livre revient sur ses premières grossesses, sur la personnalité de son père et de sa mère, sur ses rivalités avec ses pairs, sur sa grande timidité, sa jalousie, sur ses excès de diva, sa boulimie, ses dépressions ou encore sur son addiction à l’alcool. David Ritz reproche à Aretha d’avoir cherché à peindre dans les médias une vie idyllique en omettant les épreuves et moments douloureux de sa propre vie.

À la suite du décès d’Aretha Franklin, le président Donald Trump déclare qu’il la connaissait bien et qu’elle avait travaillé pour lui à plusieurs reprises. Cette déclaration fait réagir — beaucoup rappellent qu’Aretha Franklin avait refusé de chanter à la cérémonie d’investiture de Donald Trump. Il voulait en effet qu’elle chante pour « réconcilier le pays » après son élection mais elle avait alors déclaré qu’aucune somme d’argent ne pouvait la convaincre de venir jouer pour lui.

Lors des MTV Video Music Awards en 2018, Madonna est invitée pour rendre hommage à Aretha. L’hommage jugé mégalomane oblige Madonna à réagir à la polémique. Elle déclare : « On m’a demandé de présenter le prix de la vidéo de l’année ! Puis on m’a demandé de partager des anecdotes dans ma carrière liées à Aretha Franklin ! J’ai évoqué une étape sur ma route et j’ai remercié Aretha de m’avoir inspirée. Je n’ai pas voulu lui rendre un hommage ! Je n’aurais pas pu lui rendre justice dans ce contexte. Hélas les gens ont une capacité d’attention limitée, et ils jugent rapidement. J’adore Aretha ! »

Discographie : https://www.discogs.com/fr/artist/38863-Aretha-Franklin